名家中国画技法：怎样画山水画 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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方兴中 著

图书标签:

• 中国画
• 山水画
• 绘画技法
• 艺术
• 绘画教学
• 名家技法
• 国画
• 技法
• 艺术学习
• 绘画

出版社： 金盾出版社

ISBN：9787508288505

版次：1

商品编码：11408360

包装：平装

丛书名： 名家中国画技法

开本：16开

出版时间：2014-01-01

用纸：胶版纸

页数：90

正文语种：中文

内容简介

　　《名家中国画技法：怎样画山水画》是给广大国画爱好者编写的自学教材。其内容包括：树的画法、山石的画法、云与水的画法、怎样点景、山水画构图、山水画的步骤、作品欣赏等。为了让广大美术爱好者更好地学习，作者选出大量山水画范画供读者欣赏、临摹。

作者简介

　　方兴中，笔名乐然，1967年生于黑龙江省北安市。中国画院画师，毕业于中国书画函授大学国画系，师从鲁美、张胜、刘亚民、陈本壮等老师。自上世纪80年代起发表作品，其作品多次参展、获奖，情况如下：
　　1987年，作品《乌鸦与狐狸》入选黑龙江省剪纸艺术节并获优秀作品“银杯奖”。
　　1988年，作品《兴安雨雾图》入选赴原苏联阿穆尔州的中苏友好展；《兴安风》人选第二届中国艺术节《天鹅之声》黑龙江省创作群体优秀作品展；《幽谷情》获“屈原杯”海内外书画艺术大奖赛优秀作品奖。
　　1989年，作品《大地母亲》人选第二届中国艺术节《天鹅之声》黑龙江省创作群体优秀作品展。
　　1990年，作品《卧龙岗之梦》入选西北地区艺术节展出，同年9月获美术大赛三等奖；《野趣》《洪荒人家》特邀参加黑龙江省美术馆主办的“江淮书画展”；《忆家乡》在北安市文艺创作评奖中获“雪花一等奖”；《山风》《蛄耕》等4幅作品入选原苏联阿穆尔州的国画展，当地报刊以多种形式进行报道，予以高度评价；《健儿》入选黑龙江省剪纸藏书票展；《太阳女人》人选第二届黑龙江省剪纸艺术展；论文《剪纸艺术的继承与发展管见》入选黑龙江省第二届剪纸学术年会，并获三等奖。
　　1991年，作品《乡音》《健儿》入选中华剪纸藏书票出版。
　　2003年，出版《中国画名家作品精选方兴中作品集》。
　　2011年3月，《中国山水画技法》由金盾出版社出版。
　　2011年3月，《中国花鸟画技法》由金盾出版社出版。
　　2012年2月，《中国画四季花卉·春》《中国画四季花卉·夏》《中国画四季花卉·秋》《中国画四季花卉·冬》由金盾出版社出版发行。
　　多年来，多幅作品在全国多家报刊发表、出版著作多部，多篇作品被国内外友人收藏。作品遍及台湾、香港地区及新加坡、马来西亚、日本、韩国、法国、美国、澳大利亚、英国等国家。

内页插图

目录

一、树的画法
1.松树的画法
2.柳树的画法
3.柏树的画法
4.杂树的画法

二、山石的画法
三、云与水的画法
1.云的画法
2.水的画法

四、怎样点景
1.房屋的画法
2.小桥、塔寺的画法
3.各种船只的画法

五、三远法
1.平远法
2.高远法
3.深远法

六、山水画步骤
1.写生画白描稿
2.按物体结构皴擦
3.分染出立体关系
4.点景并整理

七、作品欣赏

前言/序言

画山问水，墨染乾坤：中国山水画艺术的探索与实践 在中国悠久的艺术长河中，山水画以其独特的审美意境、深厚的哲学内涵和精湛的笔墨技法，占据着举足轻重的地位。它不仅仅是对自然景物的描摹，更是画家内心世界、精神寄托的映射，是沟通天地、感悟人生的桥梁。本书旨在带领读者深入中国山水画的艺术殿堂，探寻其源远流长的发展脉络，体悟其博大精深的文化精神，并通过系统性的技法讲解，帮助绘画爱好者们掌握绘制山水画的要领，开启属于自己的山水画创作之路。 一、山水画的起源与演变：从“可行可望”到“可游可居” 中国山水画并非一日之功，其发展历程漫长而曲折。早在魏晋南北朝时期，随着佛教的传入和玄学思想的兴盛，士大夫阶层开始关注自然，山水画的雏形开始显现，如顾恺之《洛神赋图》中的背景处理，虽为人物画，却已展现出对山水环境的初步营造。到了隋唐，山水画逐渐独立成科，名家辈出，如李思训的金碧山水，色彩浓丽，富丽堂皇，展现了盛唐气象；而王维的水墨山水，则意境幽远，充满禅意，开启了文人画的新篇章。 宋代是中国山水画的黄金时代。山水画在表现手法和思想内涵上都达到了新的高度。“南宋四家”如范宽、郭熙、李唐、马远、夏圭等，他们笔下的山水气势磅礴，层次分明，构图严谨，体现了对自然界的深刻观察和对宇宙万物的理性思考。郭熙的《林泉高致》更是总结了前人的经验，提出了“三远”理论（高远、深远、平远），为后世山水画的创作提供了重要的指导。此时的山水画，已经从“可行可望”的远观，逐渐走向“可游可居”的沉浸式体验，强调人与自然的和谐统一。 元代，文人画的地位更加巩固，山人画风成为主流。赵孟頫等艺术家在继承传统的基础上，融入了文人情趣和个人风格，山水画更加注重笔墨的韵味和诗意的表达。明清时期，山水画更是流派纷呈，董其昌的“南北宗论”对后世产生了深远影响，强调以“逸笔草草”写胸中丘壑。黄公望、倪瓒等巨匠的作品，以其简练的笔墨、空灵的意境，将文人山水画推向了新的高峰。 二、山水画的哲学与美学：天人合一的宇宙观 中国山水画的独特魅力，很大程度上源于其背后蕴含的中国传统哲学思想和美学追求。道家“道法自然”的思想，强调顺应自然，追求与自然的融合，这使得山水画成为寄托“隐逸情怀”和“归隐田园”理想的艺术形式。画家们通过对山川景物的描绘，表达对自然造化的赞美，对超脱尘世的向往。 儒家“天人合一”的观念，也深刻影响了山水画的创作。山水画中的山，象征着巍峨、稳重、阳刚，如同君子之德；水，则代表着柔和、变通、阴柔，如同女性之美。画家将人置于山水之中，表达的是一种和谐共存，而非征服或主宰。山水画的“气韵生动”，更是中国画的最高审美标准，它要求画面不仅形似，更要神似，要能传达出山水所蕴含的生命力、精神气质和时代气息。 此外，山水画还体现了“虚实相生”的艺术辩证法。“虚”指的是画面中的留白，看似无物，实则承载着无尽的意境和想象空间；“实”则指画面中的笔墨痕迹，是对客观景物的描绘和情感的注入。虚与实的巧妙结合，使得山水画具有了无限的张力和深度，让观者在有限的画面中，获得无限的想象。 三、山水画的构成要素：点、线、面的笔墨语言 山水画的灵魂在于笔墨，而笔墨的运用则围绕着“点、线、面”这三个基本要素展开。 点： 点是构成山水画的最小单位，却能产生丰富的变化。它可以是点缀的草木，可以是飞鸟的剪影，也可以是远山的峦头。用墨的浓淡、干湿，用笔的轻重、疾涩，都能赋予点不同的性格。例如，浓墨点苔，显得苍劲有力；淡墨点雨，则轻盈缥缈。点在画面中起到画龙点睛的作用，能增强画面的生气和层次感。 线： 线是中国画的骨骼，是表现物象形态、轮廓、肌理的主要手段。山水画中的线，可以描绘山峦的起伏、树木的枝干、云水的流动，也可以表现岩石的皴擦纹理。用笔的提按顿挫，墨的枯湿浓淡，结合不同的线条形式，如“蚂蝗皴”、“披麻皴”、“斧劈皴”等，能够赋予山石不同的质感和体积感。“骨法用笔”是中国画对线条的要求，线条不仅要有力，还要有生命力，能传达出对象的精神。 面： 面是中国山水画中最重要的构成元素之一，它是由点和线组合而成的，用来表现山体的宏伟、云雾的缥缈、水面的开阔。面的处理，尤其体现在“积墨”和“染”的过程中。画家通过层层积染，使山体显得厚重、坚实，通过晕染，使云雾显得朦胧、空灵。墨色的浓淡变化，即是面的表现力，也是画家对光影和空间的处理。面的运用，使得画面空间得以拓展，气势得以宏大。 四、山水画的种类与表现手法：各具风姿，异彩纷呈 中国山水画根据风格、表现对象和技法，可以分为多种类型： 按风格分： 青绿山水： 以石青、石绿等矿物颜料敷染，色彩鲜艳明丽，富丽堂皇，如李思训的《江山行旅图》。 水墨山水： 以水墨为主，兼用淡彩，讲究笔墨韵味和意境表达，是文人山水画的主流，如董源、巨然、范宽、郭熙等。 浅绛山水： 以淡墨勾勒，浅层设色，色彩素雅，意境清幽，如赵孟頫的许多作品。 金碧山水： 在水墨的基础上，用金箔、石青、石绿等重彩，色彩浓烈，富贵华丽。 按表现对象分： 全景山水： 画面宏大，描绘天地万物，气势磅礴，如范宽的《溪山行旅图》。 大幅山水： 展现壮丽景色，气势雄浑。 中景山水： 描绘局部景色，侧重于情景交融。 小景山水： 描绘生活化的场景，注重细节和情趣，如马远、夏圭的小品山水。 行旅图： 表现行旅山水中的情景，充满动态感。 隐居图： 表现隐士生活，传递淡泊宁静的心境。 按技法分： 勾勒法： 用线条勾画轮廓，表现物象的形态。 皴法： 用笔墨在勾勒的基础上，表现山石的纹理和质感，如披麻皴、斧劈皴、解索皴、雨点皴等。不同的皴法能表现出山石的不同形态和材质。 擦法： 用毛笔侧锋或中锋横向、纵向、环转地擦拭，形成面，表现山石的体积和肌理。 染法： 用墨或色晕染，表现山石的明暗、远近和色彩变化。 点法： 用点来表现苔点、草木、飞鸟等，增强画面的生动性和层次感。 五、从笔墨到意境：山水画的创作实践 掌握了基础的笔墨技法，下一步便是如何将这些技法转化为具有生命力的山水画。这需要画家具备以下几个方面的能力： 深入观察与写生： 伟大的山水画都源于对自然的细致观察。画家需要“读万卷书，行万里路”，通过写生，去感受山川的壮丽，体悟自然的规律，捕捉山水在不同季节、不同光线下的独特形态和气质。写生是积累素材、锤炼技法的最佳途径。 构图的经营： 构图是中国画的灵魂之一。山水画的构图，讲究“计白当黑”，“虚实相生”。如何安排山、水、树、石、云、屋等元素，如何处理景物的疏密、远近、大小，如何运用“S”形、“L”形、“三角形”等基本构图原理，都至关重要。好的构图能够引导观者的视线，营造出画面的空间感和意境。 笔墨的运用与变化： 笔墨是山水画的生命。同样的景物，用不同的笔法、墨法，会产生截然不同的效果。画家需要在掌握基础笔墨技巧后，不断探索和创新，形成自己的笔墨语言。例如，用苍劲的笔法表现古松，用灵动的线条描绘溪流，用厚重的墨色渲染山体，都能够恰如其分地传达出对象的精神。 意境的营造： 山水画的最高境界在于意境。意境是画面内容与画家的情感、思想、哲学的融合。它是一种“画外之意”，是观者在观赏画面时，引发的联想和感悟。画家通过笔墨的挥洒，在画面中注入自己的情感和对自然的理解，使画面“言有尽而意无穷”。营造意境，需要画家有深厚的文化底蕴和敏锐的艺术感受力。 结语： 中国山水画是一门博大精深的艺术，它融合了自然之美、人文之韵、哲学之思。本书希望通过对山水画的起源、发展、哲学思想、构成要素、表现手法以及创作实践的详细介绍，为读者打开一扇通往中国山水画艺术世界的大门。无论是初学者还是有一定基础的绘画爱好者，都能从中获得启发，掌握绘制山水画的基本要领，并逐渐形成自己的艺术风格，用手中的画笔，去描绘心中那片壮丽的山河，去感悟天地万物的美好与奥秘。画山问水，墨染乾坤，愿每一位热爱山水画的你，都能在这条艺术之路上，不断探索，不断前行，最终绘出属于自己的精神家园。

评分☆☆☆☆☆

对于我这样一名对山水画充满热爱但基础薄弱的读者来说，《名家中国画技法：怎样画山水画》这本书简直是及时雨。它以一种非常系统化的方式，将繁杂的山水画技法娓娓道来。我最喜欢的是书中关于“笔墨”的讲解，它深入浅出地解释了中国画中“笔”的使转、提按，以及“墨”的浓淡干湿变化，如何能够表现出不同的物象质感和空间层次。书中大量的示范图例，让我能够清晰地看到每一笔每一墨的运用效果，以及它们最终如何组合成一幅生动的山水画。我尤其欣赏书中关于“点景人物”和“房屋”的画法，这些看似不起眼的细节，却能够极大地丰富画面的内容，增加画面的生活气息和叙事性。这本书不仅是教授我绘画的技巧，更是让我领略到了中国山水画的独特魅力，激发了我对艺术创作的热情。

评分☆☆☆☆☆

这本书的名字叫《名家中国画技法：怎样画山水画》，虽然我还没有来得及全部细细品读，但仅仅是翻阅几页，就已经被深深吸引住了。首先，它并非那种枯燥乏味的理论堆砌，而是将繁复的山水画技法，以一种非常直观、易懂的方式呈现出来。书中的插图精美绝伦，每一笔每一画都仿佛带有生命力，让我能够清晰地看到画家是如何运用墨色、笔触来营造出层次感和空间感。特别是关于皴法的部分，书中不仅列举了多种经典的皴法，如披麻皴、斧劈皴、解索皴等，更重要的是，它通过大量的写生范例，生动地展示了这些皴法在不同山石形态上的运用效果。我尤其喜欢书中对“点景”的讲解，寥寥几笔的人物、飞鸟，却能瞬间点活整幅画面，赋予其灵动与生机。这本书就像一位经验丰富的老师，耐心地引导着我，让我不再对山水画望而却步，而是燃起了想要动手尝试的强烈愿望。它让我明白，中国山水画不仅仅是技法的堆砌，更是画家胸中丘壑的体现，是情感与自然的交融。虽然我还是初学者，但这本书无疑为我打下了坚实的基础，让我看到了通往艺术殿堂的清晰路径。我迫不及待地想要跟着书中的步骤，一点一点地去临摹，去感受中国山水画的独特魅力，去探索属于我自己的山水世界。

评分☆☆☆☆☆

翻开《名家中国画技法：怎样画山水画》，我最先感受到的是一种扑面而来的“古意”。书中的每一幅示范作品，都饱含着深厚的传统功底，那些云雾缭绕的山峰，苍劲挺拔的古松，潺潺流淌的溪水，无不散发着中国传统山水画独特的审美韵味。书中对于构图的讲解尤为深入，它不仅仅是告诉你如何安排山石树木的位置，更是从“气韵生动”的角度出发，去阐述如何通过线条的走向、墨色的浓淡、虚实的对比，来达到一种“意在笔先，形随心转”的境界。我印象深刻的是其中关于“留白”的运用，作者非常巧妙地解释了留白在山水画中的作用，它并非简单的空白，而是承载着无限的可能性，能够引导观者的视线，营造出空灵悠远的意境，让画面“言有尽而意无穷”。此外，书中还提及了不同季节、不同天气下的山水描绘特点，例如春天的生机勃勃，夏天的郁郁葱葱，秋天的层林尽染，冬天的素净寂寥，以及雨后初霁的山色，或是烟雨朦胧的江南景致，这些细致入微的描写，让我在学习技法的过程中，也体会到了中国传统文化中对自然景物的细腻观察和深刻感悟。这本书不仅仅是教授绘画技巧，更是在潜移默化中传递着一种东方美学的生活态度。

评分☆☆☆☆☆

我曾以为山水画的创作离我非常遥远，是那些名家大家才能企及的艺术高峰。但《名家中国画技法：怎样画山水画》这本书，却让我觉得触手可及。它以一种非常朴实、亲切的语言，讲解了山水画创作的各个环节。我尤其喜欢书中关于“构图”的部分，它让我明白，好的构图不仅仅是画面的平衡，更是引导观众情绪的工具。书中的示范图例，总是能够恰到好处地留出一些空间，让观者能够自由地去想象，去感受。我曾被书中描绘的“远山迷蒙，近水潺潺”的意境深深打动，这本书让我看到了如何通过简练的笔墨，去勾勒出山水画的灵魂。它不仅仅是一本技法书，更是一本关于如何“与自然对话”的艺术指南，让我感受到了中国山水画中那种“天人合一”的哲学思想。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，绝不仅仅在于它教授了多少绘画技巧，更在于它所蕴含的一种“中国式”的思维方式。在学习如何画山水的同时，我仿佛也在学习如何去观察自然，如何去感受自然。书中对于“景”的描写，不仅仅是停留在表面的形态，更是深入到景物的内在精神。例如，它在讲解如何画瀑布时，不仅仅是画出水流的形态，更是通过笔墨的飞动，来表现瀑布的磅礴气势和动态美。我印象深刻的是书中关于“山水画的意境营造”的章节，它阐述了中国山水画如何通过对自然景物的描绘，来寄托画家的人生态度、哲学思考，以及对天地万物的感悟。这本书让我明白，山水画不仅仅是对客观景物的描摹，更是画家内心世界的投射，是“外师造化，中得心源”的完美体现。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对中国传统文化充满兴趣的读者，我一直对山水画情有独钟，但苦于没有好的入门途径。《名家中国画技法：怎样画山水画》这本书，恰好满足了我的需求。它不仅仅是一本技法教程，更像是一本关于如何“看山”、“品水”的指南。书中对于山水画的构成要素，例如山、水、树、石、云、房等，都进行了非常细致的讲解。我特别欣赏关于“树木”的描绘部分，书中详细介绍了松、柏、柳、竹等不同树种的画法，以及如何通过墨色的浓淡、笔触的疏密来表现它们的姿态和质感。而且，它还不仅仅局限于描绘静态的树木，还教会你如何捕捉树木在风中的摇曳，以及阳光下的斑驳树影。除此之外，书中对于“云雾”的描绘也让我耳目一新，学会了如何用飞白、积墨等技法来表现云海的浩渺、山间的烟岚，让画面更具呼吸感和空间感。这本书的内容详实，图例丰富，非常适合我这样需要系统学习的初学者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排方式非常人性化。它不像其他一些教材那样，一开始就抛出复杂的概念，而是从最基础的笔法、墨法开始，循序渐进地引导读者进入山水画的世界。我尤其欣赏书中对于“意境”的阐述，它不仅仅是停留在技法的层面，而是着重强调了画家在创作过程中，如何将自己的情感、思想融入到画面中，如何通过山水来表达对自然的敬畏、对人生的感悟。书中穿插的一些关于古代画家创作理念的介绍，也让我对中国山水画有了更深层次的理解。我非常喜欢书中关于“山形”的处理，它不仅仅是勾勒出山脉的轮廓，更是通过对山峦走势、岩石肌理的刻画，来展现山的力量与沉稳，或是灵秀与险峻。同时，书中对于“水”的描绘也同样精彩，无论是奔腾的瀑布，还是静谧的湖泊，都通过不同的笔触和墨法，展现出水的多样姿态和生命力。这本教材就像一位循循善诱的良师，让我能够一边学习技法，一边领略山水画背后博大精深的文化内涵。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前尝试过一些山水画的教程，但总是觉得云里雾里，不得要领。《名家中国画技法：怎样画山水画》这本书，却给了我一种豁然开朗的感觉。它最大的亮点在于，将抽象的技法拆解得非常细致，并辅以大量的图例说明。比如，在讲到如何画树的时候，书中不只是简单地说“画树要有枝干”，而是详细讲解了不同树种的生长形态，以及如何用不同的笔法来表现树干的粗细、树叶的繁茂。我特别喜欢书中关于“用墨”的章节，它不仅仅是讲解浓淡干湿的区别，更深入地阐述了墨色的变化如何能够塑造出山石的体积感、空间的纵深感，以及不同光照下的效果。例如，如何运用焦墨来表现岩石的坚硬，如何用淡墨来渲染云海的缥缈，这些都让我受益匪浅。书中的范画，每一幅都堪称精品，它们不仅展示了精湛的技艺，更充满了诗情画意。我常常看着那些画，想象着自己也能画出如此意境深远的山水，这极大地激发了我的创作热情。这本书就像一本珍贵的武功秘籍，让我窥见了中国山水画的奥秘，也让我看到了自己潜力的无限可能。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得中国山水画有一种难以言说的“气韵”。《名家中国画技法：怎样画山水画》这本书，让我对这种“气韵”有了更深刻的认识。它不仅仅是告诉你如何握笔、如何用墨，更是强调了“胸有成竹”的重要性。书中关于“构图”的部分，让我明白了为何有些画作能够让人心旷神怡，而有些则显得拥挤或失衡。它教我如何从整体出发，去安排山石的呼应，虚实的对比，以及如何引导观者的视线。我特别喜欢书中关于“远景”的描绘，它教会我如何用淡墨、晕染等技法来表现远山的朦胧和悠远，让画面具有无限的纵深感。同时，书中对于“近景”的刻画也同样细致，通过不同的皴法和笔触，来表现近处山石的肌理和质感，让画面层次分明。这本书就像一位智者，不仅传授了绘画的“术”，更点拨了艺术的“道”，让我不仅仅是学习技巧，更是学会了如何去感受和表达。

评分☆☆☆☆☆

我一直对中国山水画的写意风格情有独钟，但总是觉得很难把握那种“似与不似之间”的境界。《名家中国画技法：怎样画山水画》这本书，在这方面给了我很大的启发。它在讲解具体技法的同时，也渗透着一种写意的精神。例如，在描绘山石时，它不会要求你一笔一画地勾勒出细节，而是引导你去抓住山石的整体形态和精神气质，通过墨色的晕染和笔触的变化，来表现山石的坚韧、雄伟或秀丽。我尤其欣赏书中关于“留白”的运用，它让我明白，空白并非是“没有画”，而是“画到极致”的体现，是意境的延展。书中通过大量的范例，展示了留白在构图中的重要作用，它可以是茫茫的云海，也可以是静谧的湖面，为观者留下了无限的想象空间。这本书的讲解方式非常巧妙，它在教授技法的过程中，也在潜移默化地培养读者的审美情趣和艺术鉴赏能力。