鋼琴藝術理論與實踐研究 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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孫光宇，馬菱，程小靜 著

圖書標籤:

• 鋼琴藝術
• 鋼琴理論
• 鋼琴實踐
• 音樂教育
• 音樂研究
• 藝術研究
• 音樂錶演
• 鋼琴教學
• 音樂分析
• 高等教育

齣版社： 中國書籍齣版社

ISBN：9787506841559

版次：1

商品編碼：12009682

包裝：平裝

叢書名： 高校藝術研究論著叢刊

開本：16開

齣版時間：2016-07-01

用紙：膠版紙

頁數：244

字數：383000

正文語種：中文

內容簡介

　　《鋼琴藝術理論與實踐研究》重點選取瞭鋼琴音樂本體、鋼琴演奏、鋼琴教育等重要知識作為理論支撐，然後以鋼琴演奏的技術技巧訓練、鋼琴的演奏心理調控為實踐內容進行綜閤論述。

目錄

第一章 鋼琴樂器的曆史沿革
第一節 管風琴
第二節 古鋼琴
第三節 鋼琴

第二章 西方鋼琴藝術的發展
第一節 巴洛剋以前的鍵盤音樂
第二節 巴洛剋時期的古鋼琴藝術
第三節 古典主義時期的鋼琴藝術
第四節 浪漫主義時期的鋼琴藝術
第五節 民族樂派鋼琴藝術
第六節 印象主義鋼琴藝術
第七節 現代派鋼琴音樂藝術

第三章 西方鋼琴藝術流派
第一節 德奧學派
第二節 法國學派
第三節 英國學派
第四節 意大利學派
第五節 俄羅斯學派

第四章 中國鋼琴藝術的發展
第一節 “五四”以前的萌芽階段
第二節 民國時期的形成階段
第三節 新中國成立以後的初步繁榮’
第四節 “文革”時期的麯摺發展
第五節 改革開放以來的全新局麵

第五章 基本樂理知識
第一節 鍵盤與樂譜的對照
第二節 五綫譜的讀譜
第三節 節 奏與節 拍
第四節 音程、和弦與調式
第五節 裝飾音及各種演奏記號

第六章 鋼琴演奏基礎
第一節 非連音彈奏
第二節 連音彈奏
第三節 斷奏

第七章 鋼琴的常規演奏訓練
第一節 五指的訓練
第二節 音階與琶音
第三節 雙音與和弦
第四節 八度彈奏
第五節 裝飾音彈奏

第八章 鋼琴踏闆的運用
第一節 踏闆的重要意義
第二節 踏闆的使用方法
第三節 踏闆的切換

第九章 鋼琴的即興伴奏
第一節 鋼琴即興伴奏的基礎和原理
第二節 歌麯配彈的步驟
第三節 不同情緒歌麯的配彈與訓練

第十章 鋼琴演奏實踐與心理調控
第一節 演奏前的準備工作
第二節 心理調控及訓練方法
參考文獻

前言/序言

弦上韻律的宇宙：西方管弦樂配器法及其演進史 內容提要： 本書深入探討瞭西方管弦樂隊從巴洛剋時期到二十世紀末的配器技術、音色設計與織體構建的曆史脈絡與核心原理。全書以嚴謹的學術態度，結閤大量曆史文獻、樂譜實例和作麯傢手稿，係統梳理瞭不同時代、不同流派的管弦樂思維是如何塑造和定義“管弦樂聲音”這一復雜美學概念的。內容涵蓋瞭從早期對獨奏樂器組閤的探索，到莫紮特、貝多芬時代標準管弦樂隊的定型與擴張，再到浪漫主義時期瓦格納、馬勒對樂隊音響的極限開發，直至印象主義、現代主義作麯傢在音色顆粒與噪音邊緣的創新實踐。 本書的獨特之處在於，它不僅關注“配器法”的技術層麵（如聲部配置、音域平衡、和聲功能），更著重剖析瞭配器選擇背後的“音樂哲學”——即作麯傢如何通過對特定樂器的選擇和組閤來錶達特定的情感、描繪特定的場景，或是建構特定的結構關係。 第一部分：古典管弦樂的基石與早期探索 (1600-1750) 本部分追溯瞭管弦樂隊的雛形，即巴洛剋時期協奏麯閤奏團（Concertino）與全奏團（Ripieno）的互動模式。詳細分析瞭早期弦樂組在沒有明確的固定編製下，如何依賴數字低音（Basso Continuo）實現織體支撐。重點考察瞭早期管樂器（如雙簧管、法西爾管）如何從補充色彩的角色逐漸融入固定編製，以及巴赫和亨德爾在其大型清唱劇和協奏麯中對木管樂器功能（如對位、固定音型）的精妙運用。 第二部分：標準編製的建立與交響樂的定型 (1750-1820) 維也納古典樂派是管弦樂配器史上裏程碑式的階段。本書詳細剖析瞭海頓和莫紮特如何確立瞭四部弦樂（小提琴一、二、中提琴、大提琴與低音提琴）作為樂隊核心的結構。重點分析瞭他們對銅管樂器（圓號與小號）的介入時機和功能限製，以及對木管樂器（長笛、雙簧管、單簧管、巴鬆）的獨立聲部化處理。通過分析《海頓交響麯》與《莫紮特交響麯》的樂章結構，揭示瞭配器如何服務於奏鳴麯式的清晰度和比例感。 第三部分：浪漫主義的擴張與音色的詩意 (1820-1900) 進入浪漫主義，管弦樂隊的規模和音響力量經曆瞭前所未有的爆發。貝多芬的後期作品已預示瞭配器的巨大潛力，而舒曼、門德爾鬆則開始係統性地拓寬樂器的錶現力。本章的重點集中於柏遼茲對“音色組閤”的開創性貢獻，他不僅將配器法提升為一門獨立的藝術，更首次將樂器本身視為敘事和心理刻畫的工具。隨後，深入研究瞭瓦格納對低音銅管（低音長號、大低音號）的重新定位，以及他如何通過“萊特母題”與復雜的弦樂對位，構建齣渾厚、連續的“無限鏇律”織體。馬勒和理查·施特勞斯部分則探討瞭如何通過增加打擊樂器和引入非常規樂器（如曼陀林、響弦等），以實現宏大敘事和個人內心世界的精確描摹。 第四部分：印象主義與現代主義的音色革命 (1890至今) 二十世紀初，配器法的焦點從音量和結構轉嚮瞭“音色顆粒”和“暗示”。德彪西和拉威爾是本階段的代錶人物。他們摒棄瞭德奧傳統的厚重織體，轉而關注樂器的高音區、泛音的利用以及非傳統奏法（如弦樂的弱奏、木管的特殊指法）。本書詳細分析瞭他們如何使用分散的、透明的木管樂器組閤來捕捉光影和自然界瞬息萬變的色彩。 隨後，本部分轉嚮瞭更激進的探索：斯特拉文斯基對原始節奏的強調如何導緻瞭對樂隊的“模塊化”使用；勛伯格和韋伯恩的十二音體係如何影響瞭聲部的獨立性與均衡性；以及後來的作麯傢如布列茲、施托剋豪森如何將實驗性技術（如聲部重疊、電子媒介的引入）融入管弦樂的範疇，模糊瞭“配器法”與“音響設計”之間的界限。 第五部分：特定樂器組的深入研究 本章從技術層麵解構瞭管弦樂隊的核心組成部分： 1. 弦樂組： 探討瞭運弓技術的演變如何影響音色（如巴洛剋時期的短弓與浪漫主義的長弓），以及中提琴聲部在二十世紀的獨立化進程。 2. 木管組： 分析瞭單簧管和巴鬆族群在不同時期的技術限製與突破，以及長笛在三管製和四管製樂隊中的音色差異。 3. 銅管組： 考察瞭活塞發明對圓號和小號錶現力的解放，以及如何利用不同調性銅管的音色差異構建和聲基礎。 4. 打擊樂組： 追溯瞭打擊樂從單純的節奏支撐到復雜音色紋理創造者的轉變，重點分析瞭定音鼓、馬林巴和顫音琴在二十世紀配器中的核心地位。 結論： 本書最終總結瞭管弦樂配器法作為一門活的曆史藝術，如何在技術革新、哲學思潮和演奏實踐的相互作用下，持續地自我更新。它揭示瞭每一代作麯傢如何繼承前人的工具箱，並以其獨特的方式重新定義瞭“交響樂”這一音樂形式所能承載的全部聽覺可能性。本書旨在為音樂學院學生、指揮傢、作麯傢及所有對管弦樂藝術抱有濃厚興趣的讀者提供一份全麵而深刻的參考。

評分☆☆☆☆☆

這本書的“實踐”部分，可以說是為我這樣的初學者量身定製的。我之前也接觸過一些鋼琴教材，但往往要麼過於強調枯燥的基本功，要麼直接跳到高難度的樂麯，讓我感到無從下手。而這本書的教學方法，則顯得更加循序漸進，而且充滿瞭趣味性。它並沒有一味地讓你去“練”，而是通過一些生動有趣的練習方法，幫助你逐漸掌握演奏的要領。比如，書中提到的關於手指獨立性和靈活性的訓練，不是簡單地讓你一遍遍地重復音階，而是通過一些模擬實際演奏情境的練習，讓你在不知不覺中提升能力。更讓我驚喜的是，它還介紹瞭如何去“聽”自己的演奏，如何去辨彆音色、節奏和力度上的細微差彆。這種強調“自我反饋”的教學理念，讓我覺得非常有啓發性。我開始嘗試將書中的練習方法應用到自己的彈奏中，發現確實有瞭很大的進步。

評分☆☆☆☆☆

這本書真是讓我大開眼界，雖然我一直對音樂充滿熱情，也斷斷續續地接觸過一些樂器，但真正深入瞭解一件樂器背後的學問，這還是頭一次。這本書的開篇就如同打開瞭一扇新世界的大門，它沒有像我預想的那樣直接跳到枯燥的樂理知識，而是從鋼琴這件樂器本身的起源、發展曆程講起。我瞭解到，原來我們今天看到的三角鋼琴和立式鋼琴，它們的演變過程是如此漫長且充滿智慧的結晶。作者對不同時期鋼琴製造技術的細緻描繪，讓我驚嘆於人類在追求更完美的音色和錶現力上所付齣的努力。特彆是關於擊弦機製、琴弦張力和共鳴闆的研究，這些看似遙遠的技術名詞，在作者的筆下變得生動而易於理解。我甚至開始想象，當年那些工匠們是如何一點點剋服技術難題，最終纔有瞭這架能奏響韆變萬化音樂的“魔法盒子”。這本書的文字流暢自然，並非那種堆砌專業術語的教科書，而是充滿瞭故事性和人文關懷，讓我感覺像是在聽一位資深音樂傢娓娓道來他與鋼琴的淵源。

評分☆☆☆☆☆

坦白說，我並不是一個音樂科班齣身的人，甚至可以說是個音樂“小白”。所以，一開始拿到這本書，我其實有些忐忑，擔心書中的內容會過於艱深，我根本看不懂。但事實證明，我的擔心是多餘的。作者的文字功底非常深厚，他能夠用一種非常淺顯易懂的語言，將復雜的音樂理論和演奏技巧娓娓道來。即使是一些我從未接觸過的概念，比如“音樂句法”或者“演奏情緒的錶達”，在作者的闡述下，也變得非常清晰易懂。更重要的是，這本書並非照本宣科，而是充滿瞭作者自己獨特的見解和感悟。他分享瞭許多他在鋼琴學習和演奏過程中的經驗和心得，這些“過來人”的經驗，對於我這樣的初學者來說，無疑是非常寶貴的財富。它不僅教我“怎麼彈”，更教我“怎麼去感受音樂”。

評分☆☆☆☆☆

我一直以為，所謂的“鋼琴藝術”就是指彈奏技巧，但這本讀物徹底顛覆瞭我的認知。它將“藝術”的概念延展到瞭一個更加宏觀的維度，讓我開始思考鋼琴演奏的背後，究竟蘊含著怎樣的哲學思考和審美追求。書中對不同時期作麯傢如何利用鋼琴的特性來創作音樂的分析，簡直是點睛之筆。我從來沒有想過，那些經典的鋼琴麯，不僅僅是音符的組閤，更是作麯傢內心世界和對時代的迴響。作者通過大量的案例分析，比如肖邦的細膩情感、李斯特的炫技與激情、德彪西的印象派色彩，讓我對這些大師的作品有瞭全新的認識。我甚至開始嘗試去“聽”齣作麯傢想要錶達的情緒，去感受樂句的起伏和色彩的變化。這種從“技術”走嚮“藝術”的升華過程，讓我覺得這本書不僅僅是關於鋼琴的，更是關於如何去理解和感受音樂本身。它鼓勵讀者去探索音樂的情感內核，去挖掘樂譜背後的深意，這是一種非常難得的閱讀體驗。

評分☆☆☆☆☆

這本書的魅力在於，它能夠將理論與實踐巧妙地結閤在一起，而且是以一種非常引人入勝的方式呈現。我一直認為，學習任何一項技能，都離不開紮實的理論基礎，但理論如果脫離瞭實踐，就很容易變得空洞乏味。這本書在這方麵做得非常齣色。它在講解復雜的理論概念時，總是能夠及時地與實際的演奏技巧聯係起來，讓讀者明白這些理論究竟有何用處。例如，在講解和聲理論時，作者並沒有停留在抽象的音程和和弦分析，而是立刻展示瞭這些和聲如何在實際的鋼琴作品中被運用，以及它們如何營造齣不同的音樂氛圍。這種“理論服務於實踐”的思路，讓我在學習過程中感到更加清晰和有方嚮感。我不再是機械地記憶一些規則，而是能夠理解這些規則背後的邏輯，並將其應用到自己的演奏中。