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李新凤，孙毅 著

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出版社： 北京师范大学出版社

ISBN：9787303209200

版次：1

商品编码：12036536

包装：平装

丛书名： 中等职业学校公共素质教育系列规划教材 核心职业素养训练系列

开本：16开

出版时间：2016-08-01

页数：173

字数：250000

正文语种：中文

内容简介

《公共艺术：音乐》是面向中等职业学校开设的一门课程，主要是培养和提高学生对音乐美的感受力和鉴赏力，并且激励、鼓舞、教育、引导学生热爱生活，向往美好的未来，使学生了解音乐艺术特征、感知音乐从而理解音乐、欣赏音乐。

历史的回响：一部跨越时空的建筑艺术史 作者： [虚构作者名，如：李明远] 出版社： [虚构出版社名，如：文瀚堂] 页数： 850页（精装） --- 导言：凝固的时间与流动的空间 建筑，不仅仅是遮风避雨的物理构造，它更是人类文明在特定历史阶段精神面貌、技术极限与审美取向的物质载体。本书旨在带领读者进行一次宏大而细致的“步行”之旅，穿越数千年的人类聚居史，探索从史前洞穴到未来都市的建筑演变脉络。我们相信，每一块砖石、每一道拱券、每一处采光设计，都蕴含着那个时代的哲学与生活智慧。 本书的结构遵循时间轴线，同时辅以地理和文化区域的划分，力求全面而深入地展现建筑艺术的丰富性与复杂性。 --- 第一部分：原始的呼唤与文明的奠基（公元前3000年以前） 本部分聚焦于人类从自然界中寻求庇护到开始主动塑造环境的早期阶段。 第一章：庇护与符号——史前建筑的萌芽 我们将从欧洲的巨石阵（Stonehenge）及其代表的宇宙观谈起，探讨其作为天文观测台和祭祀场所的复杂功能。随后深入研究非洲和美洲原住民的早期居所，分析其对当地气候、可获取材料的极端适应性。重点研究“居”的原始定义——如何将人类的社会结构和宗教信仰投射到简单的圆形或方形空间中。 第二章：泥土的奇迹——美索不达米亚与尼罗河的馈赠 此章将详细剖析两河流域和古埃及文明的早期建筑成就。美索不达米亚的泥砖技术（Ziggurat，如乌尔大塔）如何体现了神权与王权的叠加；古埃及的马斯塔巴（Mastaba）如何逐渐演化为金字塔（Pyramid）。我们将详细解构吉萨大金字塔的内部结构、通风系统以及其精确的对齐技术，探讨“永恒”这一概念在建筑中的实践。 --- 第二部分：古典的荣耀与秩序的建立（公元前3000年 – 公元500年） 这是西方建筑史上理性与美的完美结合时期。 第三章：爱琴海的几何学——米诺斯与迈锡尼的宫殿遗迹 分析克里特岛的克诺索斯宫（Palace of Knossos）的迷宫布局，以及迈锡尼文明中“狮子门”所体现的军事化审美。研究其木材与石材的结合技术，以及早期壁画（Frescoes）对室内氛围的营造。 第四章：神性的尺度——古希腊的理性之光 本书将花费大量篇幅在雅典卫城，系统梳理多立克、爱奥尼和科林斯柱式（Orders）的演变、比例关系和视觉修正（如Entasis）。从帕特农神庙（Parthenon）出发，探讨希腊人如何将数学比例转化为至高无上的美学标准，以及公共建筑（如剧场和议事场所）对公民社会的塑造作用。 第五章：工程的霸权——罗马帝国的实用主义 罗马人如何继承并革新了希腊的结构体系。重点分析拱、券、穹顶（Vault and Dome）技术的突破，尤其是万神殿（Pantheon）中央圆形穹顶的结构力学分析。同时，本书将考察罗马的城市规划（如卡斯特鲁姆Castrum模式）、供水系统（引水渠Aqueducts）和公共设施（如巴西利卡Basilica、浴场Thermae），揭示建筑如何成为帝国统治效率的工具。 --- 第三部分：信仰的疆界与地域的风格（公元500年 – 公元1400年） 中世纪是宗教精神主导建筑形态的时代，建筑的功能从世俗转向了对天堂的向往。 第六章：拜占庭的辉煌与圣索菲亚的穹顶 深入分析君士坦丁堡的圣索菲亚大教堂（Hagia Sophia）的结构奥秘——如何用半穹顶和拱肩（Pendentives）解决巨大中央穹顶的压力转移问题。研究其内部马赛克装饰对光线的处理，以及拜占庭风格对东正教教堂形制的影响。 第七章：黑暗中的光芒——罗马式建筑的厚重与防御 研究西欧各地罗马式教堂的特点，如厚实的墙体、较小的窗户、沉重的券廊。分析其防御性特征，以及朝圣路线（如圣地亚哥朝圣之路）如何推动了建筑风格的标准化传播。 第八章：哥特式的向上精神——垂直的颂歌 本书将详细拆解哥特式建筑的三大支柱：飞扶壁（Flying Buttresses）、尖拱（Pointed Arch）和肋拱（Rib Vault）。以法国的沙特尔大教堂和巴黎圣母院为例，阐释这些技术创新如何使得墙体变薄、开窗变大，从而实现“用彩色玻璃塑造神圣光线”的终极目标。探讨哥特式建筑的地域变体，如英国的垂直式和德国的殿堂式。 --- 第四部分：文艺复兴与巴洛克的戏剧性（1400年 – 1750年） 人文主义回归，建筑师重新拾起古典的准则，并加入了对个体创造力的强调。 第九章：秩序的重建——意大利文艺复兴的黄金比例 分析布鲁内莱斯基（Brunelleschi）如何通过对古典语汇的重新学习，解决了佛罗伦萨大教堂的穹顶问题，并提出了“古典复兴”的蓝图。深入研究阿尔伯蒂（Alberti）和帕拉第奥（Palladio）的理论著作，探讨如何将人体比例的和谐感应用于建筑的平面和立面设计。 第十章：情感的释放——巴洛克与洛可可的动感 研究巴洛克风格如何打破文艺复兴的静态平衡，通过曲线、复杂的装饰和光影的强烈对比来表达情感和宏大的叙事性。重点分析贝尼尼（Bernini）在罗马的作品，以及法国凡尔赛宫的轴线规划如何服务于绝对君主制。洛可可风格则被视为巴洛克向轻盈、室内化的精致转变。 --- 第五部分：工业的冲击与现代的诞生（1750年 – 1900年） 技术革命以前所未有的速度改变了建筑的材料和可能性。 第十一章：古典的复兴与异域的迷恋 在启蒙运动的影响下，新古典主义（Neoclassicism）的兴起是对巴洛克过度装饰的反动。同时，考察东方主义（Orientalism）对建筑风格的影响，如英国的印度风格建筑。 第十二章：钢铁与玻璃的宣言——结构主义的萌芽 重点分析工业革命带来的新材料：铸铁、钢材和安全玻璃。研究水晶宫（The Crystal Palace）的预制装配技术，以及早期摩天大楼（如芝加哥学派）的结构突破，探讨建筑师如何开始将结构本身视为美学表达的一部分。 --- 第六部分：现代主义的激进与多元（1900年 – 至今） 对传统形式的彻底摒弃，以及对社会责任的重新思考。 第十三章：工艺美术与装饰艺术的抵抗与融合 考察威廉·莫里斯（William Morris）对工业化批量生产的抵制，以及装饰艺术风格（Art Deco）如何将机械时代的几何美学推向极致，同时保持了对奢华材料的偏爱。 第十四章：功能至上——现代主义的五点与国际风格 详细分析勒·柯布西耶（Le Corbusier）的“新建筑五点”及其对现代城市规划的影响。研究密斯·凡德罗（Mies van der Rohe）的“少即是多”哲学，以及现代主义如何在世界范围内（特别是在战后重建中）成为主流范式。 第十五章：对主流的反思与地域的回归 探讨二战后出现的对冰冷、均质化现代主义的反叛。分析后现代主义（Postmodernism）对历史符号的戏仿与挪用，以及诸如布鲁塔利斯特（Brutalism，粗野主义）等风格的社会意图与争议。 第十六章：当下的建筑语言——可持续性与数字化设计 聚焦于当代建筑的趋势，包括绿色建筑、生物气候设计和数字化建模（Parametric Design）对建筑形态的解放。探讨建筑师如何在材料、能源消耗与文化记忆之间寻求新的平衡点。 --- 结语：未完成的建筑 本书最后总结了建筑史的循环性：对古典的回归、对新技术的拥抱，以及对社会需求的响应。建筑艺术是一门永不完结的艺术，每一代人都将继承前人的遗产，并在新的挑战面前，留下属于他们自己的时间印记。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我一开始是对市面上那些故作高深的“艺术指导”类书籍感到厌倦的，它们要么是把简单的道理用复杂的术语包裹起来，要么就是堆砌名人轶事，让人抓不住重点。但这本书给我的感觉完全不同，它更像是一位经验丰富的老朋友，坐在你身边，用他真诚而略带沙哑的声音，跟你聊起他那些跌宕起伏的音乐旅程。他的叙事风格极其个人化，充满了鲜活的、未经修饰的真实情感。书中对某一特定时期浪漫主义作曲家的剖析尤其精彩，他没有拘泥于教科书上给出的标签，而是深入挖掘了这些音乐家在创作巅峰期所承受的巨大精神压力和情感挣扎。我特别欣赏作者对于“不完美”的推崇，他认为那些录音中偶尔出现的瑕疵、演奏家不经意间的停顿，恰恰是作品生命力的证明，是人性的温度所在。这种视角一下子打破了我对“完美演奏”的执念，让我敢于去聆听那些略带瑕疵但情感充沛的早期录音。阅读过程中，我多次停下来，合上书本，闭上眼睛，回味刚刚读到的那位指挥家在指挥某个高潮片段时，那种近乎崩溃的控制力。这本书的价值在于，它成功地将冰冷的乐谱与滚烫的人性重新连接起来，提供了一种极其接地气却又富有深度的鉴赏路径。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我震撼的，是它对于“时间感”和“空间感”在音乐中的处理方式。作者并没有像传统音乐学那样将时间视为单一的、线性的流逝，而是探索了不同文化背景下，音乐如何扭曲和重塑我们对“当下”的感知。比如，书中有一章详细对比了巴洛克时期音乐中那种严谨的、如同钟表般精确的节奏推进，与某些东方音乐中那种强调“气息”和“留白”，使得时间仿佛凝固或无限延展的特性。他甚至引入了建筑学的概念，将一段奏鸣曲的结构比作哥特式大教堂的中殿，分析了作曲家是如何通过声部的布局和动态的变化，在听众的脑海中构建出可以步入其中的“声学空间”。这种空间化的聆听训练，彻底改变了我以往“被动接受旋律”的方式。读完之后，我发现自己在听交响乐时，不再只是关注主旋律，而是会下意识地去“定位”不同乐器组在想象中的位置，去感受低音提琴群在左侧营造出的地基感，以及小提琴高音区在顶端投下的光束。这本书确实不是一本速成的指南，它更像是一套高级的“感官训练手册”，引导听者从被动的倾听者，蜕变为主动的“空间建造者”。

评分☆☆☆☆☆

这本书在结构上的创新，是我在同类书籍中从未见过的。它摒弃了传统上按时间线或流派划分的线性叙事，转而采用了一种类似“主题迷宫”的组织方式。比如，它会从一个非常现代的电子音乐采样音色入手，然后通过分析这个音色的频率构成，反向追溯到十八世纪管风琴上利用泛音原理制造类似效果的技巧，最后落脚于当代作曲家如何利用这些历史遗产创造全新的听觉体验。这种跳跃式的关联，强迫读者的大脑必须时刻保持活跃，去建立不同领域之间的桥梁。我感觉自己像是在玩一个非常高级的思维游戏，每解开一个音乐之谜，都会有新的启发点亮。更绝的是，作者在讨论到某个特定的和弦进行时，会毫不避讳地引用现代心理学中关于“预期与满足”的研究成果，使得乐理分析不再是孤立的数学游戏，而是与人类心智机制紧密相连的学科。这种跨学科的融合，极大地拓宽了“鉴赏”的定义边界。对于已经有一定基础的听众来说，这本书简直就是打开了一扇通往更深层次理解世界的密室之门，它让你重新审视自己过去所有的听音经验。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，封面那种深沉的墨绿色，配上烫金的细致花纹，拿在手里就有一种沉甸甸的艺术气息。我原本以为这会是一本晦涩难懂的理论著作，毕竟“鉴赏”这个词听起来就带着学院派的距离感。然而，翻开扉页后，我才发现自己完全低估了作者的功力。它并没有一开始就抛出复杂的乐理知识，而是用一种近乎散文诗的笔调，描绘了音乐是如何渗透到我们日常生活中的每一个细微角落。比如，书中有一章专门探讨了雨声与巴赫赋格曲之间那种微妙的结构对应关系，那种细腻的观察力，简直让人拍案叫绝。作者似乎拥有一种神奇的魔力，能将抽象的听觉体验转化为具体的、可感知的画面。我记得其中一段描述海顿的某个小步舞曲时，他用了整整三页纸去刻画阳光穿过维也纳老城彩色玻璃窗时，光影在木地板上跳跃的动态，而这正是理解那段旋律“轻盈感”的关键。这本书的排版也极其考究，适度的留白让眼睛得到了充分的休息，每一次阅读都像是一场精心策划的漫步，而不是仓促的赶路。对于那些希望在日常生活中寻找美学连接的普通读者来说，这本书提供了一个绝佳的入门向导，它教会你的不是如何“分析”音乐，而是如何“感受”音乐，如何让音乐成为你呼吸的一部分。

评分☆☆☆☆☆

我必须指出，这本书的语言风格充满了令人愉悦的讽刺和克制的幽默感。作者显然对音乐界的一些陈词滥调和虚浮风气了如指掌，但他从不用尖酸刻薄的方式去攻击，而是用一种非常高明的反问和类比来消解那些不必要的崇高感。在谈到某些被过度神化的“大师作品”时，他会突然插入一段关于制作完美咖啡的流程分析，通过对比两种事物在“投入-产出”上的巨大反差，微妙地指出某些艺术评价体系中的泡沫成分。这种“降维打击”式的评论方式，读起来非常过瘾，让人在会心一笑的同时，也开始反思自己对艺术的盲目崇拜。而且，作者在介绍某些晦涩难懂的现代音乐时，并没有试图“美化”它们的挑战性，而是直言不讳地说出：“是的，这段听起来就像是一堆金属零件在垃圾桶里打滚，但请你坚持三分钟，你会发现垃圾桶里也有它独特的韵律。”这种诚实的引导，反而建立起了读者与作者之间高度的信任感，让人更愿意接受他后续更深层次的引导。这种既保持批判性又充满人文关怀的写作态度，是这本书最宝贵的财富之一。