西方音乐体裁及形式的演进（修订版） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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钱亦平，王丹丹 著

图书标签:

• 音乐史
• 西方音乐
• 音乐体裁
• 音乐形式
• 音乐分析
• 音乐理论
• 古典音乐
• 浪漫主义音乐
• 20世纪音乐
• 音乐教育

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787556600885

版次：1

商品编码：12059883

包装：平装

开本：16开

出版时间：2017-01-01

用纸：胶版纸

页数：353

正文语种：中文

内容简介

　　《西方音乐体裁及形式的演进（修订版）》讲述了西方自中世纪至近现代的重要音乐体裁，分为中世纪、文艺复兴、巴洛克、古典及浪漫主义时期四大部分，涉及声乐、器乐多种体裁形式，由钱亦平和王丹丹两位教授合作完成，是西方音乐体裁研究的经典教材性著作。

目录

前言
修订版前言

第一章 绪论
一、音乐的体裁
二、西方音乐发展史和西方音乐体裁的发展
三、音乐的形式
四、体裁与曲式

第二章 中世纪的音乐体裁及形式
第一节 中世纪的单声宗教体裁
1．格里高利圣咏
2．附加段
3．继叙咏
4．圣母悼歌
5．圣母颂歌
第二节 中世纪的宗教剧
教仪剧
第三节 中世纪的单声世俗体裁
一、中世纪的世俗诗歌
二、云游诗人和流浪艺人的歌曲
三、游吟诗人及其歌曲体裁
（一）法国南部与北部的游吟诗人
（二）法国南部游吟诗人的诗歌体裁形式
1．坎佐
2．西尔旺特
3．田园恋歌
4．破晓歌
5．对话歌／辩论歌
6．挽歌
四、法国北部游吟诗人的诗歌体裁形式
1．维勒莱
2．回旋歌
3．叙事歌
4．行吟歌体
五、意大利的诗歌体裁形式
1．劳达赞歌
2．巴拉塔
六、西班牙的诗歌体裁形式
1．坎蒂加
2．维良西科
七、德国的诗歌体裁形式
第四节 中世纪的多声音乐体裁
1．克劳苏拉
2．经文歌
3．孔杜克图斯
4．打呃歌
5．弗罗托拉
6．卡农曲
第五节 “新艺术”时期的体裁
1．狩猎曲
2．追唱歌
3．轮唱歌
4．埃斯坦比耶

第三章 文艺复兴时期的音乐体裁及形式
第一节 声乐曲
1．尚松
2．维拉内拉
3．牧歌
4．弥撒曲
第二节 器乐曲
1．前奏曲
2．变奏曲
3．托卡塔
4．利切卡尔
5．坎佐纳
6．幻想曲
7．田园曲

第四章 巴洛克时期的音乐体裁及结构
第一节 声乐体裁
1．正歌剧
2．清唱剧
3．康塔塔
4．受难曲
5．艺术歌曲
第二节 器乐体裁
1．奏呜曲（
2．室内乐
3．协奏曲
4．序曲
5．古组曲
6．随想曲
7．创意曲
8．赋格
9．管风琴众赞歌

第五章 古典及浪漫主义时期的音乐体裁及结构
第一节 歌剧
1．大歌剧
2．意大利谐歌剧
3．法国喜歌剧
4．德奥歌唱剧
5．英国民谣剧
6．西班牙萨苏埃拉
7．轻歌剧
8．乐剧
第二节 交响曲
第三节 交响诗
第四节 特性小曲
1．无词歌
2．音乐的瞬间
3．即兴曲
4．船歌
5．夜曲
6．叙事曲
7．进行曲
8．小夜曲
9．狂想曲
10．练习曲
11．摇篮曲
12．幽默曲
13．新事曲
14．传奇曲
15．嬉游曲
16．遣兴曲
17．间奏曲
18．阿拉伯风格曲
19．练声曲
20．谐谑曲
21．回旋曲
第五节 舞曲
一、西班牙舞曲
1．帕萨卡里亚
2．夏空
3．凡丹戈
4．波莱罗
5．哈巴涅拉
6．霍迭
7．塞吉迪亚
8．萨拉班德
二、葡萄牙舞曲
福利亚
三、法国舞曲
1．小步舞曲
2．加沃特
3．布雷舞曲
4．帕斯比耶
5．缪塞特
6．方阵舞
7．沙龙舞
8．卢尔
9．利戈顿
10．吉格
四、意大利舞曲
1．帕凡
2．帕萨梅佐
3．塔兰泰拉
4．福尔拉纳
5．西西里舞曲
6．萨尔塔雷洛
7．加亚尔德
8．库朗特
五、德奥舞曲
1．阿勒曼德
2．圆舞曲
3．加洛普
4．连德勒
六、波兰舞曲
1．马祖卡
2．波洛奈兹
3．库亚维亚克
4．奥别列克
5．克拉科维亚克
七、捷克舞曲
1．波尔卡
2．富里安特
3．索塞卡
4．斯科契
八、俄罗斯舞曲
1．戈帕克
2．特列帕克
3．列斯津卡
4．伊斯拉美
5．卡玛林斯卡亚
九、英国舞曲
1．对舞
2．苏格兰舞
十、挪威舞曲
哈林
十一、匈牙利舞曲
1．恰尔达什
2．维尔本科斯
十二、阿根廷舞曲
探戈
第六节 音乐会序曲
第七节 近代组曲
第八节 音乐剧
参考文献
后记

精彩书摘

　　《西方音乐体裁及形式的演进（修订版）》：
　　⑦在具体的调性与和声技法上，调性转移频繁，或竭力避免昭示调性的主和弦的出现，大量采用不协和音、留音及各种和弦外音模糊进行，和弦复杂的半音变化以及和弦解决重叠等手法，使得调性含糊，有时有多调性的效果，是走向19世纪末以后传统的古典功能和声系统趋向瓦解的第一步。
　　瓦格纳“乐剧”观念的实践作品有：
　　①《特里斯坦与伊索尔德》，根据中世纪不列颠凯尔特人传奇而作，叙述骑士特里斯坦被派往爱尔兰，为其叔父康沃尔国王马克迎娶新娘伊索尔德，伊索尔德曾与特里斯坦相爱。迎娶归途中，重燃爱火的这对恋人对未来深感绝望，打算共饮毒酒同归于尽，不料误饮爱药，情欲愈深。同到康沃尔宫中，二人的恋’隋被国王发现，侍卫刺伤特里斯坦。在远方养伤的特里斯坦焦急地等待着伊索尔德的到来，马克国王闻讯赶来赦免特里斯坦，但他已死去，伊索尔德歌唱着他们的爱情曲凋长眠在特里斯坦的身边。此剧是歌剧史上里程碑式的作品，代表性地体现了瓦格纳的乐剧思想，全剧贯穿始终的炽烈狂放的激情，丰富多样的主导动机，大胆的半音和声进行等都预示了未来歌剧发展的方向。
　　……

好的，这里为您构思一份关于“西方音乐体裁及形式的演进（修订版）”之外的图书简介，内容详实，力求自然流畅，不包含原书所述内容，并力求避免生硬的AI痕迹。 --- 图书名称： 声韵的迷宫：中世纪至浪漫主义时期欧洲音乐中的情感表达与社会功能研究 内容简介： 本书深入剖析了中世纪晚期至19世纪末，欧洲音乐在不同历史时期、社会语境下如何承载、构建与传递人类复杂情感，以及其在宗教、宫廷、市民社会中的多元功能。我们并非专注于对音乐“体裁”和“形式”的结构性梳理，而是将焦点投向音乐的“语用学”——即音乐在特定文化脉络中如何被理解、体验和使用。 第一部分：中世纪晚期与早期文艺复兴：神圣与世俗的张力（约1200-1500年） 本部分首先回顾了格里高利圣咏的单音传统在欧洲文化中的奠基性作用，重点考察了在教廷权力中心，音乐如何通过严谨的模式（Mode）系统，服务于对上帝的虔诚表达，其情感基调往往是内敛、崇高且超越尘世的。 随后，我们将目光投向中世纪晚期兴起的世俗音乐，特别是法国的圆舞曲（Ballade）、回旋曲（Rondeau）和维勒莱曲（Virelai）——统称为“新艺术”（Ars Nova）时期的三部曲。这些作品是早期欧洲城市文化兴起的重要标志。我们探讨了游吟诗人（Troubadour）和宫廷乐师（Trouvère）如何将爱情的渴望、政治的讽喻以及对自然的热爱，通过复杂的节奏处理和更具叙事性的旋律线注入音乐。此处的“情感”表达是高度程式化和象征性的，每一个隐喻都对应着特定的音乐手法，例如对“叹息动机”（sigh motif）的早期运用。 进入文艺复兴早期，随着复调音乐（Polyphony）的成熟，特别是“法兰德斯乐派”的崛起，音乐的情感处理开始向和谐与平衡靠拢。本书着重分析了“模仿复调”（Imitative Counterpoint）的技巧如何构建出一种克制而又深沉的集体情感体验，而非聚焦于个体英雄式的抒情。我们考察了经文歌（Motet）在宗教仪式中，如何通过文本的清晰度与音响的丰满度来增强信徒的“敬畏感”与“内省”。 第二部分：巴洛克早期与盛期：戏剧性与装饰的哲学（约1600-1750年） 巴洛克时期是音乐对情感表达进行系统性理论构建的黄金时代。本章聚焦于“情感理论”（Doctrine of the Affections）的兴起。我们详细解析了这一理论的核心观点：即音乐应致力于再现特定的、单一的、可识别的人类激情（如狂喜、悲伤、愤怒等）。 本书没有重复介绍歌剧的宏大结构，而是深入探讨了宣叙调（Recitative）和咏叹调（Aria）在心理刻画上的差异。我们考察了早期意大利歌剧中，卡斯特拉蒂（Castrati）的声音如何成为表达极致痛苦或崇高德行的载体，这种声音的社会和心理影响远超单纯的音高范围。此外，对“对比”（Contrast）手法的分析是本部分的关键：快速的乐段与慢速乐段的交替，宏大的合唱与独唱的对比，是如何在听者心中制造出强烈的戏剧张力与情感起伏。 亨德尔和巴赫的作品是此阶段的代表。我们分析巴赫在赋格（Fugue）和对位（Counterpoint）技巧中如何将“结构逻辑”转化为一种近乎形而上学的精神秩序，使听者感受到一种超越日常的“理性的虔诚”。而亨德尔的清唱剧（Oratorio）则展示了如何用恢弘的音乐手段，服务于民族自豪感和道德教化。 第三部分：古典主义时期：清晰度、平衡与“自然的情感”（约1750-1820年） 古典主义音乐将情感的表达从巴洛克的“狂热”导向了“克制与清晰”。本章讨论了启蒙运动思想如何渗透到音乐审美中。作曲家们追求的“自然”不再是原始的冲动，而是经过理性提炼的和谐状态。 我们详细分析了奏鸣曲式（Sonata Form）在确立音乐叙事中的核心地位。奏鸣曲式不仅仅是一种结构，它更是一种情感的“辩论”过程：呈示部（Exposition）提出冲突的两种对立情感（主题），发展部（Development）是对这些情感的激烈、不稳定的探索与重组，再现部（Recapitulation）则带来冲突的和解与秩序的恢复。这种叙事结构，直接反映了当时哲学界对和谐秩序的追求。 海顿的室内乐作品，尤其是弦乐四重奏，被视为“对话的艺术”。本书着重研究了海顿如何通过器乐之间的细微互动、幽默的突然转折，来模拟贵族沙龙中机智的言语交锋，其情感表达是细腻、机智而非澎湃的。莫扎特的作品则体现了在完美的平衡中，潜藏的、近乎哀伤的“温柔的忧郁”（Melancholy），这种情感的表达方式需要听者具备极高的敏感度才能捕捉。 第四部分：浪漫主义：个体意志的爆发与叙事回归（约1820-1900年） 进入浪漫主义时期，音乐的核心功能转向了表达“个体经验的独特性”和“主观的无限性”。这本书将重点放在作曲家如何打破古典主义的框架，将音乐作为一种纯粹的“内心独白”的工具。 舒伯特的艺术歌曲（Lied）是本章的重点分析对象。我们探讨了钢琴伴奏如何从单纯的辅助角色，跃升为与人声同等重要的情感叙述者。钢琴中的“水流声”、“脚步声”或“心跳声”，不再是装饰，而是直接建构了诗歌所描绘的环境与人物的内心状态。 此外，本书深入研究了浪漫主义音乐的“标题性”倾向。我们考察了李斯特的“交响诗”（Symphonic Poem）如何完全放弃了传统的体裁束缚，致力于直接描绘文学、绘画或个人的人生哲学。这种音乐的“具象化”努力，标志着音乐试图重新夺回叙事的主导权，表达那些“语言无法触及的领域”。最后，我们分析了瓦格纳的“主导动机”（Leitmotif）系统，这是一种将特定的情感、人物或概念与固定的音乐片段绑定，从而在宏大的戏剧结构中实现复杂情感交织和潜意识引导的革命性手法。 结语：情感的遗产 本书的最终目标是揭示，从教堂的钟声到音乐厅的灯光熄灭，欧洲音乐在其演进过程中，始终是一面映照人类社会变迁与内心世界的复杂镜子。我们研究的不是结构本身，而是结构如何被用来雕刻出那些转瞬即逝、却又永恒存在的情感瞬间。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本书的名字一听就非常有分量，让我想起大学时期为了写论文而苦苦搜寻资料的日子。我印象最深刻的是，当时市面上很多音乐史的书籍，要么过于侧重某一个特定时期或流派，要么就过于浅尝辄止，难以形成一个清晰的脉络。而这本书，从书名上就能感受到它试图描绘一个宏大的图景，从西方音乐的源头一路梳理到现代，将那些我们耳熟能详的奏鸣曲、赋格、歌剧、交响乐等等，是如何在历史的长河中孕育、发展、演变，最终形成我们今天所理解的样子。我特别期待书中对不同体裁和形式之间联系的阐释，比如奏鸣曲式是如何从早期器乐套曲演变而来，又如何影响了后来的交响乐创作，再比如歌剧的发展如何与当时的社会文化思潮相互作用。我希望它不仅仅是罗列历史事实，更能深入分析背后的驱动力，是技术革新、作曲家们的探索，还是社会审美趣味的变化？如果这本书能在这方面做得深入细致，我相信它会是一部非常有价值的参考书，不仅能帮助音乐专业的学生打下坚实的基础，也能让热爱音乐的普通读者对西方音乐的发展史有一个更全面、更深刻的认识。它应该会像一本精心编织的挂毯，将音乐史上的点点滴滴串联起来，展现出令人惊叹的整体美感。

评分☆☆☆☆☆

我最近对音乐史产生了浓厚的兴趣，尤其是对那些我们今天耳熟能详的音乐体裁是如何一步步形成和发展的感到好奇。这本书的名字《西方音乐体裁及形式的演进（修订版）》，听起来就像是为我这样的读者量身定做的。我一直想弄明白，比如交响乐和室内乐在形式上有什么根本的区别？奏鸣曲式是如何成为很多器乐作品的核心结构的？歌剧又是如何从早期的清唱剧演变而来，并且在不同时期有了截然不同的表现形式？我期待这本书能够像一位经验丰富的向导，带领我穿越西方音乐的历史长廊，详细介绍从格里高利圣咏到复调时期，再到巴洛克、古典、浪漫以及近现代的音乐演变过程。我尤其希望书中能够深入探讨不同体裁和形式在不同历史时期所扮演的角色，以及它们如何反映了当时的社会文化、哲学思想甚至技术条件。一本好的音乐史著作，不应该只是枯燥的知识堆砌，而应该能够激发读者对音乐的思考和感悟。我希望这本书能让我不仅仅是知道“是什么”，更能理解“为什么”，从而更深层次地欣赏和理解那些伟大的音乐作品。

评分☆☆☆☆☆

我一直对音乐中的“形式”这个概念感到着迷。有时候听一首曲子，虽然我可能不懂乐理，但总能隐约感觉到它有着内在的逻辑和结构，就像建筑有梁有柱一样。这本书的题目《西方音乐体裁及形式的演进（修订版）》，恰好触及了我一直以来想要深入了解的领域。我希望这本书能够详细解释，比如奏鸣曲的三个乐章是如何安排的，赋格是如何运用模仿和对位的技巧，这些形式是如何在不同时期被作曲家们解读和发展的。特别是“演进”二字，让我期待它能展现出一种动态的变化过程，而不是静态的定义。比如说，早期的奏鸣曲和贝多芬时期的奏鸣曲在结构和表达上肯定会有很大的差异，而这本书能否清晰地描绘出这种差异的产生和演变过程？我猜想，书中应该会涉及到一些重要的作曲家和他们的代表作，通过具体的例子来阐释抽象的音乐形式。我特别期待书中能提供一些直观的比喻或类比，帮助非专业读者也能理解这些复杂的音乐概念。如果这本书能够做到这一点，那它绝对是一本能够“点亮”音乐的启蒙读物，让我们在欣赏音乐时，不再只是被动地聆听旋律，而是能更主动地去感知和理解音乐的内在生命力。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对古典音乐有着浓厚兴趣的业余爱好者，我一直在寻找能够系统性地梳理西方音乐发展脉络的读物。市面上很多书籍要么过于学术化，充斥着晦涩的术语，让人望而却步；要么就过于泛泛而谈，缺乏深度和细节。这本书的名字《西方音乐体裁及形式的演进（修订版）》，听起来就很务实，也很贴合我的需求。我特别关注“体裁”和“形式”这两个关键词，希望能在这本书中找到关于奏鸣曲、交响曲、协奏曲、歌剧、清唱剧、室内乐等各种体裁的起源、发展以及它们之间相互影响的清晰阐述。更重要的是，我希望能了解这些体裁在不同历史时期是如何演变出不同的“形式”的，例如奏鸣曲式的几个基本要素，回旋曲式的结构特点，以及赋格的精妙之处。我希望书中能够通过大量的实例，比如莫扎特、贝多芬、巴赫等大师的作品，来具体展示这些体裁和形式是如何被运用和创新的。如果这本书能够帮助我理解，为什么同一时期会有不同的音乐风格，为什么某个作曲家会开创一种新的音乐体裁，或者在原有的形式上进行突破，那将是一次非常棒的学习体验。我期待这本书能够成为我深入理解西方古典音乐的一把金钥匙。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，音乐，尤其是古典音乐，就像是一门博大精深的语言，而这本书的名字《西方音乐体裁及形式的演进（修订版）》听起来就充满了学术的严谨和探索的趣味。我特别期待书中能够清晰地梳理出，那些我们现在听到的奏鸣曲、协奏曲、交响曲、赋格、赋格曲、弥撒曲、清唱剧、歌剧等等，它们是如何从最古老的音乐形式逐渐演变而来，又在漫长的历史过程中，被一代代作曲家如何地继承、发展、甚至颠覆。我猜想，这本书应该会详细介绍不同时期音乐风格的特点，比如巴洛克时期的严谨对位，古典时期的均衡与清晰，浪漫时期的情感奔放，以及现代音乐的多元探索。更重要的是，我希望它能揭示出，在这些体裁和形式的背后，究竟有哪些内在的逻辑和发展的驱动力。是乐器制造技术的进步？是教会或宫廷音乐赞助人的需求？还是作曲家们不断挑战自我、追求艺术创新的结果？如果这本书能将这些因素有机地结合起来，用清晰易懂的语言，配以适当的音乐范例，那么它绝对是一部能让音乐爱好者们受益匪浅的著作。我希望能从中获得一个更广阔的视野，理解音乐艺术的丰富性及其发展的内在规律。