全球景观中的中国古代艺术(精)/复旦大学光华人文杰出学者讲座丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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巫鸿 编

图书标签:

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• 中国文化
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店铺： 博库网旗舰店

出版社： 三联书店

ISBN：9787108057020

商品编码：12077962583

开本：32

出版时间：2017-01-01

基本信息

• 商品名称：全球景观中的中国古代艺术(精)/复旦大学光华人文杰出学者讲座丛书
• 作者：巫鸿
• 定价：59
• 出版社：三联书店
• ISBN号：9787108057020

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-01-01
• 印刷时间：2017-01-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：32开
• 包装：精装
• 页数：293
• 字数：80千字

内容提要

巫鸿所著的《全球景观中的中国古代艺术（精） 》从“全球美术史”的视点，分四部分对中国古代美 术的重要特点进行反思，并结合考古发现和对传世艺 术品的解读，阐述传统中国美术对整体的人类美术史 做出了什么较独特的也是较有价值的贡献，确定中国 美术中具有的既是鲜明文化特性，同时又是源远流长 、深具影响一些基本线索。作者学术功底深厚，视野 开阔、思维敏捷、语言流畅，在阐释上多有独到且新 鲜的见解。全书篇幅不长，但非常有助于读者打开眼 界，认识中国艺术史乃至全球艺术史研究中的新观念 、新视角及新课题。
    

作者简介

巫鸿，**艺术史家，芝加哥大学教授。1963年考入中央美术学院美术史系学习。1972—1978任职于故宫博物院书画组、金石组。1978年重返中央美术学院美术史系攻读硕士学位。1980—1987年就读于哈佛大学，获美术史与人类学双重博士学位。随即在哈佛大学美术史系任教，于1994年获终身教授职位。受聘支持芝加哥大学（The University of Chicago）亚洲艺术的教学、研究项目，执“斯德本特殊贡献教授”讲席。2000年建立东亚艺术研究中心并任主任。同年兼任该校斯马特美术馆顾问策展人。

目录

自序
开题 全球景观中的中国古代艺术
**讲 礼器：微型纪念碑
第二讲 墓葬：视线不及的空间
第三讲 手卷：移动的画面
第四讲 山水：人文的风景
附录一 全球景观下如何重写中国美术史：专访芝加哥大学艺术史系教授巫鸿
附录二 巫鸿：以“全球景观中的美术史”视野兼看中国古代与当代
出版后记

繁星汇流：20世纪中国美术史的多元叙事与观念重塑 ——一部审视变革时代中国艺术思潮、中西交融与身份建构的深度研究 本书概述 本书聚焦于20世纪中国这样一个剧烈动荡、深刻变革的时代背景下，中国美术领域所经历的观念革命、风格演变与身份认同的艰难探索。它并非简单的时间线性梳理，而是从宏观的社会文化结构、微观的个体创作实践以及跨学科的理论视角出发，对一个世纪以来的中国艺术史进行了系统而富有洞察力的重构与阐释。本书旨在揭示，在“全球化”概念尚未被充分界定、而“本土性”与“现代性”的冲突与融合又异常尖锐的时期，中国艺术家群体是如何在内忧外患的压力下，重塑视觉语言、确立现代艺术主体性的。 第一部分：现代性之源与传统的重估（1900-1937） 本部分深入探讨了清末民初，在“救亡图存”的时代主题下，中国艺术领域如何首次面对西方现代艺术思潮的全面冲击。 一、启蒙之光与视觉的断裂： 考察了留日学生群体，特别是康有为、梁启超等人对传统“士人画”观念的首次批判，以及他们引入的“写实主义”教育模式对传统私塾教育的颠覆性影响。重点分析了“写实主义”作为一种政治工具和社会道德载体的特殊角色，它如何被赋予了“科学救国”的使命，并催生了早期美术学校（如中央美术学院前身）的建立。 二、新旧交锋的十字路口： 详细梳理了蔡元培倡导的“美育”理论在教育体制中的实践。本章着重分析了国画与西画（油画、素描）在学制、评价标准和资源分配上的竞争与合作。通过对早期“四王”后学与“革新派”如吴昌硕、齐白石等人的并置比较，探讨了传统艺术在面对新文化运动时所采取的“改良”与“坚守”两种策略及其内在逻辑。我们审视了“国画”概念在这一时期的形成与固化过程，这一概念本身即是现代民族主义话语建构的产物。 三、海派与京派的地域文化张力： 比较了上海和北京作为文化中心的艺术生态差异。上海作为商业与国际化的前沿，其艺术市场和西方媒介（如月份牌、漫画）的流行，如何加速了图像的大众化与商业化；而北京则更侧重于学院体系的建立和对宫廷遗产的整理与挪用。这种地域性的张力，构成了早期中国现代艺术多元化的重要面向。 第二部分：战争阴影下的艺术实践与意识形态转向（1937-1949） 本书的第二部分将焦点置于抗日战争与国共内战时期，探讨艺术如何成为动员民众、建构民族共同体情感的核心媒介。 一、美术与民族抵抗的结盟： 重点分析了以木刻版画为代表的“新兴木刻运动”的兴起。鲁迅的推动、野蛮生长于社会底层的艺术家们，如何将创作工具简化、题材聚焦于工农生活与反抗斗争，从而实现艺术的“去精英化”和“深入民间”。本书通过对彦涵、李桦等人的作品分析，阐述了黑白木刻如何成为那个时代最简洁、最有力的视觉语言。 二、流亡与风格的坚守： 考察了战时大学和艺术机构的西迁，如西南联大时期的艺术教育。在物质极度匮乏的环境中，部分艺术家（如徐悲鸿、林风眠的追随者）如何坚持其既有的中西融合路径，并将传统山水画的精神内核嫁接到对家国山河的描绘之中，以期在动荡中保留文化记忆的完整性。 三、从写实到革命的过渡： 分析了在解放区和国民党统治区，艺术对革命主题的采纳和转变。在解放区，艺术的“功能性”被推向极致，对社会主义现实主义的早期探索和对民间年画、皮影戏等传统大众媒介的吸收，为后来的新中国美术奠定了基础。 第三部分：国家叙事、全球回声与观念的再解放（1949-2000） 最后一部分深入探讨了新中国成立后，艺术体系的重塑、意识形态的深刻影响，以及在改革开放后艺术如何重新接入全球对话体系的过程。 一、社会主义现实主义的制度化： 详细剖析了以“十七年文学艺术”为代表的美术创作体系。苏联模式的影响、对“为工农兵服务”的严格要求，如何塑造了官方美学的主导地位。本书批判性地考察了传统艺术在这一时期的“重塑”过程——如何被纳入民族形式的框架内，成为国家意识形态的合法性来源，以及对“山水花鸟”等题材的政治性解读。 二、文革的断裂与艺术的“地下复苏”： 关注“文革”十年对艺术生态的破坏与重塑。重点探讨了在极度单一化的宣传体系下，少数艺术家通过私人收藏、临摹古典作品，或利用“民间”符号进行隐晦表达的“地下艺术”实践。这些实践为后来的“星星美展”等先锋运动提供了重要的思想和技法准备。 三、回归与对话：1980年代以来的视觉转向： 细致考察了改革开放初期艺术界对西方“现代主义”和“后现代主义”思潮的重新接触。从“乡土写实”到“现代艺术思潮大展”的爆发，本书分析了中国艺术家如何迅速消化和转化了西方理论，并将其投入到对自身历史经验、个体精神困境的表达中。我们研究了“学院派”对西方艺术史的补课，以及以“油画民族化”为名的本土化尝试如何最终让位于更具批判性的观念艺术的兴起。 结论：未竟的现代性与全球景观的再定位 本书总结认为，20世纪的中国艺术史是一部关于“被观看者”如何努力成为“观看主体”的历史。它不是一条单一的、从传统到现代的线性发展路径，而是由民族国家建构、意识形态控制、全球文化输入与本土文化韧性共同编织的复杂场域。最终，本书将20世纪的艺术经验视为理解当代中国文化身份连续性和断裂性的关键钥匙，提示读者，中国艺术的现代性叙事，至今仍在全球的景观中持续地、动态地书写之中。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事逻辑构建得非常巧妙，它不像传统艺术史那样按照年代或地域进行僵硬的划分，而是似乎采取了一种更加自由、更具启发性的“主题串联”方式来展开讨论。我感觉作者在引导我们进行思考时，并不急于给出最终定论，而是像一位经验丰富的向导，带着我们穿越不同的历史场景，让我们自己去体会那些艺术品背后的文化张力与时代精神。这种娓娓道来的讲述方式，虽然有时需要读者更专注地跟进其思想的跳跃，但一旦跟上节奏，那种豁然开朗的感觉是无与伦比的。它更侧重于“如何看”而非“看什么”，成功地将枯燥的学术论证转化为一场引人入胜的思维探险。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实令人眼前一亮，纸张的质感厚实而细腻，那种微微泛着象牙白的色调，拿在手里就有一种沉甸甸的历史厚重感。书脊上的字体排版简约而不失古朴，隐约能从其中感受到一种对学术的敬畏。更难得的是，内页的印刷质量极高，那些需要细致观察的图版，无论是线条的锐利度还是色彩的还原度，都达到了令人赞叹的水平。特别是那些大开本的插图，几乎可以感受到当年文物表面的肌理，这对于研究者来说，无疑是极大的便利和享受。可以看得出，出版社在制作这本讲座汇编时，投入了极大的心力，完全是按照高端学术著作的标准来执行的，从阅读体验的舒适度上讲，它远远超出了我预期的讲座文集的水准，更像是一部精心策划的艺术史文献集。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的最深感受，是它提供了一种看待历史的“方法论”，而非仅仅是一堆知识点的罗列。它展示了如何将零散的考古证据、模糊的文献记载以及流传至今的艺术珍品，通过批判性的思维熔炼成一个连贯而富有生命力的叙事整体。它教会我的，是如何提出更有穿透力的问题，如何挑战既定的观念，以及最重要的，如何在历史的洪流中，捕捉那些稍纵即逝的“瞬间的永恒”。对于任何希望深入研究艺术史，或者仅仅是想提升自己人文素养的读者来说，这本书的启发性价值，甚至超越了其作为讲座文集的本身价值。

评分☆☆☆☆☆

我尤其欣赏这本书在引入跨学科视角上的大胆尝试。它并没有将艺术史局限在纯粹的美学分析或考古发现层面，而是时不时地穿插进哲学思想的源流、社会结构的变迁，甚至是对当时士人群体生活方式的细致描摹。这种宏观的视野极大地拓宽了我们理解古代艺术语境的边界。例如，当讨论到某一时期陶器的纹饰变化时，作者会迅速将讨论引向当时士人的精神追求与宇宙观的演变，让原本单一的器物研究，立刻获得了深厚的文化纵深感。这种“大历史观”的介入，使得整本书读起来充盈着活力，绝非那种闭门造车的学院派作品。

评分☆☆☆☆☆

从语言风格来看，作者的文字功力深厚，充满了古典的韵味，但又极为精准和克制。它既有大家风范的沉稳大气，又没有因过度追求华丽而牺牲掉学术的严谨性。阅读过程中，我发现作者极少使用那些晦涩难懂的行话，即使是面对复杂晦深的理论概念，也能用一种近乎散文诗般的清晰度将其阐释出来。这种语言上的平衡感非常难得——既保持了学术讨论的严肃性，又保证了非专业背景的读者也能在字里行间感受到艺术之美和思想之光。每一次停下来回味一句精彩的论断，都像是在品尝一壶上好的陈年佳茗，回味无穷。