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俞建良 著

图书标签:

• 绘画
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出版社： 上海书画出版社

ISBN：9787547913604

版次：1

商品编码：12121968

包装：平装

开本：32开

出版时间：2016-11-01

用纸：胶版纸

页数：361

字数：260000

正文语种：中文

内容简介

　　俞建良为昆仑堂美术馆馆长，由于爱好书画以及工作的原因，他观摩了大量的历代书画作品，长期从事书画创作和美术史论、书画鉴赏的研究。《从善楼论画》就是俞建良先生的个人论画集，书中汇集了他多年来在书画理论、书画鉴赏方面的研究成果。这些文章大多是结合昆仑堂美术馆的藏品展开的相应研究，特别是对宋、元、明无款画的研究颇有收获。

目录

序一（夏天星)
序二（鲁力)
序三（刘墨)
无款中国画十七图研究
传徐熙《春燕戏花图》考
《柱石苍鹰图》考
《锦车出塞图》考
《柳荫高士图》考
《纺织娘海棠花》考
《牡丹小鸟图》考
传赵雍《修篁图》考
《双蝶图》考
传王渊《竹鹤图》考
传石锐《幽涧松声图》考
《鲤鱼图》考
《货郎图》考
《驯狮图》考
《三鹭图》考
《普贤菩萨像》考
《百福百寿图》考
《职贡图册》考
无款画《十六罗汉像》条屏与宗教人物画并考
昆仑堂美术馆藏《十六罗汉像》条屏
五代佚名《童子观音像》
元代佚名《须弥观音像》
明佚名《水陆道场画残片集粹》
《玩月图》二十二例刍议
传五代佚名《浣月图》
传宋代陈清波《瑶台步月图》
宋代李嵩《夜月看潮图》
传宋代韩瑶花鸟《僧敲月下门图》册页
传宋代马远《对月图》《赏月图》等考
宋人《高士观月图》
宋代佚名《太白玩月图》
宋代夏圭《松溪泛月图》
宋代马麟《楼台夜月图》
宋代苏汉臣《桐荫玩月图》
宋代马和之《月色秋声图》
传宋代赵伯驹《莲舟新月图》
传宋代勾龙爽《倚栏听秋图》
宋代佚名《柳塘泛月图》
元代牧溪《洞庭秋色图》
元代颜辉《月下补经图》
元代王冕《月下梅花图》与佚名《月中梅影图》同考
明代王谔《月下吹箫图》
明代宋珏《梧桐秋月图》
明代张路《望月图》《赏月图》同考
明代佚名《江船赏月图》《月下挥毫图》同考
明代顾大典《玩月图》
姚允在及《雪夜访戴图》十二家考
黄公望的《雪夜访戴图》
张渥的《雪夜访戴图》
戴进的《雪夜访戴图》
夏葵的《雪夜访戴图》
周文靖的《雪夜访戴图》
曾衍东的《雪夜访戴图》
王素的《雪夜访戴图》
吴昌硕的《雪夜访戴图》
王震的《雪夜访戴图》
陆俨少的《雪夜访戴图》
程十发的《雪夜访戴图》
无款画《雪夜访戴图》
顾瑛及同名画考
顾瑛的“玉山雅集”
顾瑛的绘画作品及其跋、题
同名“顾瑛”绘画作品
明清两代遗书画考
解缙及其草书《杜甫诗条幅》考
王谔及其《秋江归舟图》考
倪元璐及其《淇园清趣图》考
龚贤散页两开考
王上宫及其同时代佛像画考
杨文骢及其《桐荫读书图》考
髡残《平远秋霁图》考
夏翠及其《墨兰册》十二开考
郭尚先墨竹及其字号考辨
虚谷的山水画及其《黄叶村图》考
吴昌硕及其《贵寿神仙图》考
浅论昆山墨竹渊源
元代墨竹画家
明代墨竹画家
清代墨竹画家
近现代墨竹画家
墨竹思考
马鞍山图考三则
沈周《两江名胜图册·马鞍山图》考
董其昌与昆山及其《马鞍山色图》考
顾春福及其《马鞍山图》考
《书画集》序、跋四则
《墨林昆冈雅集》序
《昆仑堂十年论文集》序
《昆仑堂藏印》序
《昆仑堂美术馆藏书画·人物卷》序
附录：作者与著名书画家、鉴定家合影

《从善楼论画》：一场跨越时空的艺术对话 《从善楼论画》并非一本孤立的画册，也不是一位孤芳自赏的画家的自述。它更像是一座精心搭建的桥梁，连接起中国绘画史上的璀璨星辰，邀请读者一同走进一个由笔墨、色彩和思想织就的宏大世界。本书的主旨在于梳理、分析中国画在不同历史时期、不同流派中的发展脉络，通过深入浅出的解读，展现中国画独特的审美情趣、哲学意蕴和人文精神。 本书并非简单地罗列名家名作，而是试图构建一种“论”的姿态。这里的“论”，既有对艺术史料的严谨考证，也有对画作意境的深刻体悟，更有对艺术创作规律的独到见解。作者以“从善楼”这一隐喻性的空间为载体，营造出一种宁静致远的观画氛围，仿佛读者置身其中，得以涤净俗虑，与古贤对话，共同探寻艺术的真谛。 第一部分：笔墨生风，意境初成——中国画的滥觞与早期发展 本书的开篇，将带领读者穿越至中国画的童年时期。我们并非从一张白纸讲起，而是从那些依稀可辨的岩画、陶器纹饰中，探寻中国艺术最早的萌芽。这些朴拙而充满生命力的图腾，已经隐约透露出中国人对自然万物的观察与理解，以及早期对于“形”与“神”的朴素追求。 随后，我们将目光聚焦于先秦两汉时期。壁画、帛画的出现，标志着绘画正式步入独立的艺术门类。屈原《九歌》中的神灵形象，司马迁《史记》中对画面景象的生动描绘，都为我们提供了宝贵的佐证。这一时期，虽然技术尚显稚拙，但已经出现了对人物神态的刻画，对宇宙万物的想象，以及与文学、哲学思想的紧密结合。 魏晋南北朝，是中国绘画史上的一个重要转折点。文人阶层的兴起，为绘画注入了新的生命力。曹不兴、顾恺之、陆探微、张僧繇……这些名字，如璀璨的星辰，点亮了中国画的天空。本书将重点剖析顾恺之的“以形写神”理论，以及他在《洛神赋图》、《女史箴图》等作品中展现的精妙笔法和深邃意境。我们不仅仅是欣赏其线条的流畅，更要体味其对人物内心世界的深刻洞察，以及如何通过“迁想妙得”将抽象的情感具象化。这一时期，“气韵生动”的绘画品评标准初步确立，为后世的绘画发展奠定了理论基础。 第二部分：山水为媒，文人寄情——唐宋元绘画的辉煌 唐朝，是中国绘画的黄金时代。政治的昌盛、经济的繁荣、文化的交流，共同孕育了气象万千的绘画作品。本书将重点探讨人物画、宗教画的成就，如吴道子的“吴带当风”，以及阎立本在历史人物画上的贡献。然而，唐代最值得浓墨重彩描绘的，莫过于山水画的初步形成。李思训的金碧辉煌，王维的水墨淡雅，已经展现出两种截然不同的山水画风格，预示着中国山水画将成为文人抒发情怀、寄托理想的重要载体。 进入宋代，山水画迎来了巅峰。如果说唐代山水画是“壮丽”的，那么宋代山水画则更显“幽深”。范宽的《溪山行旅图》磅礴大气，郭熙的《早春图》清新淡雅，李唐的《万壑松风图》苍劲有力……本书将逐一剖析这些大师的代表作，深入解读其构图的匠心独运，笔墨的精湛变化，以及如何通过“搜尽奇峰打草稿”的精神，将客观景物升华为具有哲学意味的艺术境界。我们还将探讨宋代“意匠”的理论，以及“神似”高于“形似”的审美追求，理解为何山水画能够成为宋代士大夫的精神家园。 元代，是绘画史上一个充满挑战与变革的时期。蒙古族统治下的汉族文人，在政治上遭受压抑，却在艺术上找到了新的出口。本书将重点介绍元四家（黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇）的绘画风格。他们笔下的山水，不再仅仅是自然的再现，更是文人心境的写照。“逸笔草草”中蕴含着深沉的笔力，简淡的笔触间流淌着孤傲的情怀。倪瓒的“疏淡”，王蒙的“繁密”，各有千秋，都体现了文人画“士气”的独特魅力。我们还将探讨元代绘画中的“复古”思潮，以及文人画如何进一步独立于宫廷画与院体画，成为一种独立的艺术流派。 第三部分：笔墨精神，时代回响——明清至今的绘画探索 明代，继承了宋元绘画的衣钵，并在继承中有所创新。沈周、文徵明的吴门画派，以其温文尔雅、笔墨秀润的风格，成为文人画的重要代表。本书将解读他们的山水画如何体现“逸笔”的精髓，以及他们笔下江南水乡的温润之美。同时，我们也关注唐寅、仇英等人的画风，他们将文人画的笔墨技巧与民间绘画的色彩表现力相结合，展现出更为丰富多元的艺术面貌。 清代，中国画在继承传统的基础上，也面临着新的挑战。宫廷画与文人画并存，以及随着西方艺术的传入，绘画界出现了一些新的思考。本书将重点介绍“扬州八怪”的标新立异，如郑板桥的“写意”兰竹，以及石涛的“我为我法”的创新精神。这些画家以其鲜明的个性和独特的风格，打破了传统的藩篱，为中国画注入了新的活力。我们还将探讨晚清时期，绘画界在“师夷长技以制夷”的思潮下，如何借鉴西方技法，以及如何在这个过程中保持中国画的独特神韵。 进入近现代，中国画的变革更加深刻。从齐白石的“衰年变法”，将民间艺术的朴拙与文人画的笔墨巧妙融合，到黄宾虹对“黑、满、浓、湿”的极致追求，再到林风眠、徐悲鸿等艺术家在中西融合的探索……本书将梳理这些重要的转折点，展现中国画在面对时代巨变时，所展现出的强大生命力和创新能力。我们不仅仅是回顾这些艺术家的成就，更要思考他们在各自的时代，如何以笔墨为媒，回应社会，表达自我，并为中国画的未来留下宝贵的遗产。 《从善楼论画》的阅读体验： 本书的语言风格力求雅俗共赏，既有学术的严谨性，又不失文学的感染力。作者并非照本宣科，而是将深厚的学养融入到对画作的生动描绘之中，让读者仿佛置身于画卷之中，亲身感受中国画的魅力。书中会穿插大量高质量的画作图片，并进行细致的解读，帮助读者理解画面的构图、笔墨、色彩以及背后的文化意涵。 《从善楼论画》的目标，是让每一位读者在合上书本之后，都能对中国画有一个更加立体、深刻的认识。它希望唤醒读者内心对美的感知，对传统的尊重，以及对艺术的无限热爱。它相信，中国画不仅仅是历史的遗存，更是当下我们理解世界、表达情感的重要方式。通过“从善楼”的视角，我们不仅能“论”画，更能“悟”道，在笔墨的流转间，体味中国传统文化的深厚底蕴，感受跨越千年的艺术精神。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期在艺术领域摸爬滚打的从业者，《从善楼论画》这本书带给我的震撼，是前所未有的。我翻开它的那一刻，就感觉像是打开了一个新的视野。作者在处理绘画理论时，并没有局限于传统的学院派束缚，而是将中国画的精髓，那种“气韵生动”、“骨法用笔”、“应物象形”、“随类赋彩”、“经营位置”、“传移模写”等古老的法则，用一种极其现代化、极其贴近我们当下理解方式的语言进行解读。他的分析，不是空洞的理论堆砌，而是紧密结合了无数具体的艺术实践，引用了大量的经典画作进行例证，甚至不惜篇幅地分析了每一位大家在创作时的心路历程和技法运用。这种深入骨髓的剖析，让我仿佛置身于大师们的画室，亲眼见证他们如何将情感、思想和技巧融为一体，最终创造出不朽的杰作。我特别欣赏书中关于“笔墨”的阐述，作者将“笔”的力度、速度、方向，以及“墨”的浓淡、干湿、虚实，提升到了一个哲学的高度。他认为，笔墨不仅仅是技巧，更是艺术家内在精神的载体，是连接观者心灵的桥梁。他通过对不同画家用笔用墨的细致描摹，展现了中国画在形式美感之外，所蕴含的深厚文化底蕴和人文精神。这本书就像一把钥匙，为我打开了理解中国画的另一扇门，让我对自己的艺术创作有了更清晰的方向和更坚定的信念。

评分☆☆☆☆☆

《从善楼论画》这本书，我是在一个偶然的机会下接触到的。当时我正在浏览一家古色古香的书店，书架上琳琅满目的书籍中，它那古朴典雅的书名——“从善楼论画”——瞬间就吸引了我。我轻轻地将它从书架上取出，翻开第一页，一股淡淡的书香扑面而来，仿佛穿越了时空，带着我回到了那个文人雅士挥毫泼墨的年代。书中的文字，没有我之前读过的那些晦涩难懂的理论，而是以一种温婉而充满智慧的方式，缓缓地道出了作者对绘画艺术的深刻见解。它不像一本枯燥的教科书，更像一位循循善诱的长者，耐心地引导着我，一步步走进绘画的世界。我尤其喜欢书中关于“意境”的论述，作者将抽象的“意”与具体的“境”巧妙地结合，让我对中国画的灵魂有了更深层次的理解。他并没有直接告诉我什么是意境，而是通过一个个生动的例子，让我自己去体会，去感悟。比如，他描述的一幅山水画，寥寥数笔，却勾勒出云雾缭绕的山峦，磅礴的气势扑面而来；又比如，一幅花鸟画，一只孤雁，在寥廓的天空中，却能引发人无限的遐思。这种“言有尽而意无穷”的艺术魅力，在这本书中得到了淋漓尽致的展现。读完之后，我仿佛感觉自己的胸襟开阔了许多，看待事物的角度也变得更加多元。它不仅仅是一本关于绘画的书，更是一本关于生活、关于人生、关于美学的书。我迫不及待地想将这份惊喜分享给更多喜爱艺术的朋友，相信他们也会和我一样，在这本书中找到属于自己的那份宁静与启迪。

评分☆☆☆☆☆

当我第一次翻开《从善楼论画》这本书时，我就被它那独特的叙事方式所吸引。它不像很多艺术评论那样，堆砌着专业术语，而是用一种非常生活化的语言，娓娓道来。我最喜欢书中关于“题跋”的探讨。作者认为，题跋在中国画中，不仅仅是作者在画作上的签名和落款，更是作者与观者之间的一种精神对话。一首恰到好处的题跋，能够极大地提升画作的意境，让观者在欣赏画面的同时，也能体会到作者的思想情感。他分析了许多历代名家的题跋，比如文征明的洒脱，董其昌的雅逸，都让画面增添了别样的韵味。他还特别强调了“诗画结合”的重要性，认为好的题跋，往往能用诗意的语言，升华画面的意境，让观者产生更深层次的共鸣。读完这一章节，我仿佛看到了中国画的另一种魅力，那是一种在视觉之外，更深层次的精神体验。这本书，让我明白了，好的艺术，从来都不是孤立存在的，它承载着创作者的情感、思想，以及与观者之间无形的连接。

评分☆☆☆☆☆

《从善楼论画》这本书，我用了好几天的时间，才细细地读完。它给我的感受，就像是在品一杯陈年的普洱，越品越有味，越品越觉得回甘。这本书最吸引我的地方，在于它将中国画的创作理念，与中国传统的哲学思想，如道家、儒家的思想，巧妙地融为一体。作者在论述绘画技巧的同时，也深入探讨了画家如何在创作中体现“天人合一”的境界，如何在笔墨之间注入“道”的理念。我特别被书中关于“师法自然”的论述所打动。作者认为，中国画的最高境界，便是效法天地万物，从自然中汲取灵感，并将之转化为笔下的生动形象。他列举了许多古代画家，如王蒙、董源，他们是如何通过深入山水，体察万物，最终在画作中展现出那种磅礴而又宁静的自然之美。这种对自然的敬畏和对生命的热爱，通过文字，仿佛也传递到了我的心中。我感觉，这本书不仅仅是在教我如何欣赏绘画，更是在教我如何去感受生活，如何去发现生活中的美。它让我明白，艺术的根源，在于对生命的深刻理解和对自然的真挚热爱。这本书，无疑是一次精神上的洗礼。

评分☆☆☆☆☆

《从善楼论画》这本书，给我带来的最大感受，是一种“静”的力量。在如今这个快节奏的时代，能够静下心来，去品味一幅画，去理解它的意境，是一件多么奢侈的事情。而这本书，恰恰能带我进入这样一个宁静的世界。作者在论述“设色”这一章节时，并没有简单地罗列色彩的搭配原则，而是深入探讨了中国画中“墨分五色”的奥妙，以及色彩在烘托意境、表达情感上的独特作用。他认为，中国画的用色，讲究“随类赋彩”，并非是简单地模仿自然，而是要根据画面的整体意境，进行提炼和升华。他举了许多例子，比如在描绘寒林时，画家会运用淡墨和冷色调，来营造一种萧瑟凄凉的氛围；而在描绘春景时，则会采用明亮鲜活的色彩，来展现生机勃勃的景象。这种对色彩的运用，不仅仅是为了美观，更是为了传达画家内心的情感和对自然的理解。读完这一章节，我仿佛感觉自己也能用色彩去“说话”，去表达内心的情感。这本书，让我学会了用一种更加宁静、更加深入的眼光，去欣赏艺术，去感受生活。

评分☆☆☆☆☆

《从善楼论画》这本书，给了我一种久违的惊喜。它让我重新认识了中国画的博大精深，也让我对艺术的理解，上升到了一个新的高度。我特别欣赏书中关于“临摹”的论述。作者认为，临摹，是中国画学习的重要途径，但它不仅仅是简单的模仿，更是对古人艺术精髓的传承和理解。他强调了“得意忘形”的重要性，即在临摹的过程中，要抓住画作的“神似”，而不是拘泥于“形似”。他举了许多古代画家，如何通过临摹前人的作品，最终形成自己的独特风格的例子。这种对传统学习方法的深入剖析，让我深刻地体会到了中国画在传承中的智慧和创新。它让我明白，真正的艺术，并非是原地踏步，而是在继承前人的基础上，不断地发展和突破。这本书，让我感受到了中国画的生命力，那种源远流长，又不断焕发生机的活力。它让我更加热爱中国传统文化，也更加坚定了自己对艺术追求的道路。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对传统文化一直充满好奇的人，所以当我在书店看到《从善楼论画》这本书时，就毫不犹豫地买了下来。刚开始翻开，我有点担心这本书会写得太专业，我这种非科班出身的读者可能难以理解。但事实证明，我的担心是多余的。作者的笔触非常细腻，他用非常生动形象的比喻，来讲解中国画的各种技法和理念。我最喜欢书中关于“皴法”的讲解。以前我只知道画家会用各种不同的笔触来表现山石的纹理，但在这本书里，我才真正理解了“披麻皴”、“斧劈皴”、“雨点皴”等等这些不同皴法的内在含义和它们所能达到的艺术效果。作者并没有简单地罗列这些术语，而是通过大量的图例，以及对古代大师作品的细致分析，让我能够清晰地看到这些皴法是如何在画面中运用的，以及它们如何赋予山石生命力。这种“可见可感”的讲解方式，让我茅塞顿开，仿佛一下子就打通了任督二脉。读完这本书，我感觉自己看山看水的方式都发生了改变，似乎能从中看到更多隐藏在表象之下的肌理和韵味。这不仅仅是一本关于绘画的书，更是一本让我重新认识世界、重新发现生活细节的书。

评分☆☆☆☆☆

我一直在寻找一本能够让我真正领略中国画精髓的书，直到我遇到了《从善楼论画》。这本书，就像一位循循善诱的老师，用最朴实却又最深刻的语言，为我揭开了中国画的神秘面纱。我最感动的是书中关于“用笔”的阐述。作者将毛笔的运用，提升到了一个艺术哲学的高度。他认为，每一笔的起承转合，都蕴含着作者的情感和意图，不仅仅是简单的线条，更是生命的律动。他详细地分析了“中锋用笔”和“侧锋用笔”的区别，以及它们分别能带来的不同的笔墨效果。他还通过对苏轼、黄庭坚等书法家的用笔分析，来类比绘画中的用笔之道，让我深刻地理解了“书画同源”的道理。读这本书，我感觉自己不再仅仅是作为一个旁观者，而是能够真正地走进画家的内心世界，去感受他们是如何将自己的情感和思想，倾注在笔尖之上。这本书，让我对中国画的理解，不再停留在表面的色彩和造型，而是能够去体会那种“笔墨精神”，那种“气韵生动”的生命力。我感觉，这本书，不仅提升了我的艺术鉴赏能力，更滋养了我的心灵。

评分☆☆☆☆☆

老实说，一开始拿到《从善楼论画》这本书，我并没有抱有多大的期望。我一直觉得，关于艺术的书籍，尤其是绘画，很多都写得过于专业，过于深奥，普通人根本难以理解。但是，这本书完全颠覆了我的认知。作者的文笔极其流畅自然，仿佛一位老友在跟你娓娓道来。他用的词语，虽然谈论的是高深的绘画艺术，但却一点也不生僻，非常容易被接受。我最喜欢的是书中关于“留白”的章节。以前我总觉得，画画就是要填满画面，让它看起来饱满充实。但作者却告诉我，留白在中国画中，是一种极其重要的艺术手法，它不仅能让画面产生呼吸感，更能引发观者的无限遐想，让画面之外的空间也充满了生命力。他举了许多例子，比如一幅描绘竹子的画，寥寥几笔的竹竿和竹叶，却在留白处营造出空灵的意境，让人仿佛能听到竹林里的风声。这种“少即是多”的艺术哲学，让我大开眼界。这本书让我明白，艺术的美，不仅仅在于我们看到的部分，更在于我们感受到的、想象到的部分。它让我开始重新审视我平时接触到的各种艺术作品，不再只关注表面的技巧，而是去体会其中蕴含的情感和思想。这本书，确实是一本值得反复品读的佳作。

评分☆☆☆☆☆

《从善楼论画》这本书，在我眼中，是一部关于“视觉诗学”的经典之作。作者不仅仅是在解读绘画的技巧，更是在探索绘画的灵魂，探究那些隐藏在笔墨线条之下的情感、哲学和精神。我尤其欣赏书中对“构图”的论述。不同于西方绘画中那种强调对称和平衡的构图方式，中国画的构图，更加注重“势”的引导，注重画面的“气韵”流动。作者通过分析大量的古代山水画、花鸟画，向我们展示了如何通过经营位置、虚实相间的处理，来引导观者的视线，并最终将观者的情感引向画面的深处。他用“引、藏、露、借”等概念，来阐述中国画构图的精妙之处，让我仿佛看到了画家是如何在有限的纸面上，创造出无限的空间感和意境。我记得书中举了一个例子，描绘的是一幅高士隐居的山林图，画家仅仅在画面的左下角画了一间茅屋，却通过留白和几笔远山的勾勒，营造出一种宁静致远的隐士情怀。这种“以少胜多”、“以虚写实”的艺术手法，在这本书中得到了淋漓尽致的展现。这本书，让我深刻地体会到了中国画的含蓄、内敛，以及那种“咫尺之内，再造乾坤”的博大精深。