具体描述
编辑推荐
适读人群 ：一般读者，国画艺术爱好者，艺术专业从业者《白云堂画论画法》由中国现代著名国画艺术家黄君璧先生作画，总结著名作家画家刘墉先生执笔编写。黄君璧是中国现代著名国画艺术家，曾担任宋美龄的老师。刘墉在书中介绍由浅至深，语言方式浅显易懂但内涵丰富。可供自初学者至专业画家不同专业水平的读者进行参考。学习白云堂画派的画法和精神。
内容简介
《白云堂画论画法》共分为九章，采取分解动作的方式，介绍各种画法。 其中画论共九篇，由于将供自初学者至专业画家参考，所以各章略有深浅差异。基本画法，以较简单的方式,介绍不同景物的基本画法。譬如不同的叶点、树枝的画法等。第三部分是分三个阶段解说及示范的作品。书中共十七张款题完整且专为教学而创作的精品，每张画都在绘制的中途分次摄影制版，使读者能了解整个创作过程。作者简介
黄君壁（1898–1991），国画大师，祖籍广东南海人。擅山水，师承渐江、夏圭，有极深的传统功底。曾设白云堂授徒，被尊为“多士师表”。其作品融合中国传统技法与西方写生透视之观念，兼得雄浑蕴籍与清雅幽奇之美。尤长于去云烟飞瀑，自创新局而迥出前贤。亦以博学广游、创作丰、精镒藏闻名，曾应邀至世界各地讲学展出。著有《黄君壁画集》等书十余种，为当世公认之画坛宗师。刘墉，画家、作家、教育家、慈善家，1949年生于台北，祖籍北京，现居美国。曾任美国丹维尔美术馆艺术家、纽约圣若望大学驻校艺术家、圣文森学院副教授；曾应邀在世界各地举行个展三十余次。著作有《萤窗小语》、《真正的宁静》、《花卉写生画法》、《山水写生画法》、《翎毛花卉写生画法》、《我不是教你诈》等九十余种。
精彩书评
此编梓行,筹划至三易寒暑,设计之周备,制作之精整,内容之丰赡,玩索之深入,言人之所未言,发古之所未发。——前台北故宫博物院院长秦孝仪
《白云堂画论画法》的出版,当是君璧先生有鉴于此,而苦心将他七十余年致力绘事所得之精华公诸于世。
——前台北历史博物馆馆长陈癸淼
《白云堂画论画法》之传世,与创中国艺术史上之一大宝典,在书成之际已可预期;其影响之深远,则历史必当为证。
——前台北历史博物馆馆长何浩天
目录
序 一〔秦孝仪〕 序 二〔何浩天〕 序 三〔陈癸淼〕 序 四〔黄光男〕 自 序〔黄君璧〕 编者序〔刘墉〕白云堂画法的特色 // 002 墨色专用词语 // 005 彩色专用词语 // 006 笔法专用词语 // 007
工具论 // 008
笔 // 009 墨 // 013 纸 // 014砚 // 015颜料 // 017 其他用具 // 019
笔墨论 // 021
林木论 // 027
寒林画法 // 037
寒林云影 // 037
寒林画法 第一阶段——用笔 // 040 寒林画法 第二阶段——染墨 // 043 寒林画法 第三阶段——设色、题款、钤印 // 046
画竹法 // 049
竹坞幽居 // 049
画竹法 第一阶段——用笔 // 051 画竹法 第二阶段——染墨 // 054 画竹法 第三阶段——设色、题款、钤印 // 057
画松法 // 062
松阴幽居 // 062
画松法 第一阶段——用笔 // 064 画松法 第二阶段——染墨 // 067 画松法 第三阶段——设色、题款、钤印 // 070
画柳法 // 073
溪桥柳色 // 073
画柳法 第一阶段——用笔 // 075 画柳法 第二阶段——染墨 // 078 画柳法 第三阶段——设色、题款、钤印 // 081
点景论 // 087
皴擦论 // 097
披麻皴法 // 105
崇山峻岭 // 105
披麻皴法 第一阶段——用笔 // 108 披麻皴法 第二阶段——染墨 // 111 披麻皴法 第三阶段——设色、题款、钤印 // 114
斧劈皴法 // 117
溪山清晓 // 117
斧劈皴法 第一阶段——用笔 // 120 斧劈皴法 第二阶段——染墨 // 123 斧劈皴法 第三阶段——设色、题款、钤印 // 126
马牙皴法 // 129
幽涧鸣泉 // 129
马牙皴法 第一阶段——用笔 // 131马牙皴法 第二阶段——染墨 // 134 马牙皴法 第三阶段——设色、题款、钤印 // 137
牛毛皴法 // 140
秋山萧寺 // 140
牛毛皴法 第一阶段——用笔 // 143 牛毛皴法 第二阶段——染墨 // 146 牛毛皴法 第三阶段——设色、题款、钤印 // 149
折带皴法 // 152
平林远趣 // 152
折带皴法 第一阶段——用笔 // 155 折带皴法 第二阶段——染墨 // 158 折带皴法 第三阶段——设色、题款、钤印 // 161
卷云皴法 // 164
云山叠嶂 // 164
卷云皴法 第一阶段——用笔 // 166 卷云皴法 第二阶段——染墨 // 169 卷云皴法 第三阶段——设色、题款、钤印 // 172
布置论 // 175
云水论 // 185
染云法 // 192
玉山云海 // 192
染云法 第一阶段——用笔 // 194 染云法 第二阶段——染墨 // 197 染云法 第三阶段——设色、题款、钤印 // 200
勾云法 // 203
秋江钓艇 // 203
勾云法 第一阶段——用笔 // 206 勾云法 第二阶段——染墨 // 209 勾云法 第三阶段——设色、题款、钤印 // 212
细线画瀑布法 // 215
云岩飞瀑 // 215
细线画瀑布法 第一阶段——用笔 // 217 细线画瀑布法 第二阶段——染墨 // 220 细线画瀑布法 第三阶段——设色、题款、钤印 // 223
倒人字线条画飞瀑法 // 226
云崖飞瀑 // 226
倒人字线条画飞瀑法 第一阶段——用笔 // 228 倒人字线条画飞瀑法 第二阶段——染墨 // 231 倒人字线条画飞瀑法 第三阶段——设色、题款、钤印 // 234
抖笔画飞瀑法 // 237
飞瀑雷鸣 // 237
抖笔画飞瀑法 第一阶段——用笔 // 240 抖笔画飞瀑法 第二阶段——染色 // 243 抖笔画飞瀑法 第三阶段——设色、题款、钤印 // 246
款题钤印论 // 249
白云堂印选(一) // 252白云堂印选(二)// 254
雨雪论 //261
雨景画法 米点皴法 // 265
溪山过雨 // 265
雨景画法 米点皴法 第一阶段——用笔 // 268 雨景画法 米点皴法 第二阶段——染墨 // 271 雨景画法 米点皴法 第三阶段——设色、题款、钤印 // 274
雪景画法 // 277
群山积雪 // 277
雪景画法 第一阶段——用笔 // 279 雪景画法 第二阶段——染墨 // 282 雪景画法 第三阶段——设色、题款、钤印 // 285
用户评价
《白云堂画论画法》这本书，给了我一种“醍醐灌顶”的感觉。它不像一些教程那样，直接告诉你“怎么做”，而是通过对中国画精髓的深入剖析，引导读者去领悟“为什么这样做”。作者在论述“笔墨的语言”时，将其提升到了“哲学”的高度。他认为，笔墨的运用，不仅仅是技巧的体现，更是画家内心世界的表达。例如，粗犷的笔触可以表现力量和激情，细腻的笔触可以表现柔情和细腻，飞白的长线条可以表现自由和洒脱。这种对笔墨细微之处的解读，让我觉得中国画的笔墨，就像是一种无声的语言，能够传达画家丰富的情感和思想。书中关于“意境的营造”的讲解，也让我豁然开朗。作者认为，中国画的最高境界是“意境”，即通过画面来传达一种氛围、一种情感、一种哲理。他通过对山水画、花鸟画、人物画等不同题材的作品进行分析，讲解了如何通过构图、笔墨、色彩的巧妙运用，来营造出引人入胜的意境。他认为，好的意境，能够让观者产生共鸣，引发思考，甚至升华心灵。这一点，让我看到了中国画的超越性，它不仅仅是对视觉的愉悦，更是对心灵的启迪。书中还强调了“师法自然”的原则，但并非简单的描摹，而是强调要从自然中汲取灵感，并将其融入到自己的创作之中。这种将自然之美与人文之思相结合的创作理念，让我对如何观察和表现自然有了全新的认识。
评分拿到《白云堂画论画法》这本书，我最大的感受就是它的“厚重”和“深邃”。这本书不是那种浮光掠影的介绍，而是深入到中国画的每一个细节，并将其置于一个更广阔的文化背景下进行解读。作者对“神似”的强调，尤其令我印象深刻。他认为，中国画的最高境界是“神似”，而非“形似”。也就是说，绘画不仅仅是对物象外形的模仿，更是要捕捉物象的内在生命和精神特质。他以写意人物画为例，讲解了如何通过简洁的笔墨，勾勒出人物的性格、情感和神态，这种“笔简意赅”的艺术处理方式，正是中国画的独特魅力所在。书中关于“金石气”的论述，也让我大开眼界。作者将这种独属于中国画的艺术特质，与中国古代青铜器、石刻等艺术品中的古朴、浑厚、苍茫的质感联系起来，并阐述了如何在绘画中运用笔墨来营造这种“金石气”。他认为，拥有“金石气”的作品，才能经得起时间的考验，具有永恒的艺术价值。这一点，让我反思了自己作品中常常存在的“轻飘”和“浮躁”，认识到要追求作品的内在力量和历史感。书中对“学养”的重视，也给我敲响了警钟。作者认为，一个优秀的画家，不仅要有精湛的技法，更要有深厚的学识和丰富的人生阅历。只有具备了深厚的学养，才能在绘画中融入自己的思考和感悟，创作出具有深刻内涵的作品。
评分《白云堂画论画法》这本书，从我个人的角度来看，最大的价值在于它所传递的“道”与“术”的统一。书中对于绘画技巧的讲解，如笔墨的运用、设色的法度、构图的章法，都极为扎实，可以说涵盖了中国画的方方面面。但更重要的是，作者始终强调，技巧的掌握是为了更好地表达画家内心的感受和对自然的理解。他反复提及“意在笔先”，强调画家在动笔之前，心中要有丘壑，要有对景物的深刻体察和情感的注入。这一点对于我这种常常陷入“为画而画”泥潭的业余爱好者来说，无疑是当头棒喝。书中对“意境”的追求，也给了我极大的启发。作者不仅仅讲解如何画山、画水、画树，更重要的是如何通过这些元素来传达一种情感，一种精神。例如，在描写山水时，他会分析不同山石的形态所代表的不同性格，不同树木的姿态所蕴含的不同寓意，以及云水的变化所暗示的情感起伏。这种对自然的“拟人化”和“情感化”的解读，使得中国画的创作，成为了一种将自然之美与人文之思相结合的独特艺术形式。书中还特别强调了“师古而不泥古”，鼓励读者在学习前人技法的基础上，融入自己的观察和思考，形成自己的风格。这是一种非常开放和包容的态度，让我觉得这本书不仅是对传统技法的传承，更是对未来艺术创新的引导。
评分这本《白云堂画论画法》，如同一位慈祥的长者，用他丰富的人生阅历和深厚的艺术造诣，为我娓娓道来中国画的奥秘。它不像市面上许多速成教程那样，急于教授“怎么画”，而是更注重引导读者“为什么这样画”以及“画什么”。书中对于“传移模写”的讲解，让我重新审视了临摹的意义。作者并没有鼓励盲目的照搬照抄，而是强调了在临摹的过程中，要注重体会原作的精神内涵，理解其用笔用墨的规律，并在此基础上，融入自己的理解和创造。他将临摹比作“吸纳精华，为我所用”，强调了独立思考和个性发挥的重要性。我尤其喜欢书中关于“芥子园画传”的引用，作者通过对这些经典范本的解析，向我们展示了如何从基础的笔法、墨法学起，逐步掌握构图、设色的方法，最终能够独立创作。但不同于单纯的复述，作者在讲解过程中，加入了自己独到的见解和对古人技法的现代解读，使得这些古老的智慧焕发出了新的生命力。书中对于“山水画的意境营造”的探讨，也给了我深刻的启示。作者认为，山水画不仅仅是对自然景色的描绘，更是画家内心世界的写照。他通过对不同山水画作品的分析，讲解了如何通过构图、笔墨、色彩的运用，来传达画家对自然的敬畏、对人生的感悟，以及对自由的向往。这种将自然之美与人文情怀相结合的艺术理念，让我对中国画的理解上升到了新的高度。
评分《白云堂画论画法》这本书，在我看来，不仅仅是一本关于绘画技巧的书，更是一部关于东方艺术精神的百科全书。作者的视角非常宏大，他将中国画置于中国传统文化的大背景下进行解读，从哲学、文学、历史等多个维度来阐述绘画的意义和价值。读到关于“诗中有画，画中有诗”的章节时，我才真正理解了中国画的“诗意”。作者通过分析大量诗画结合的范例，阐述了如何将诗歌中的意境、情感、韵律融入到画面之中，使得画面不仅仅是视觉的呈现，更是情感的共鸣。他认为，好的中国画，应该像一首悠扬的诗，能够触动观者的内心，引发联想。书中关于“应物象形”的探讨，也让我受益匪浅。作者指出，中国画并非追求形似，而是要抓住物象的“神”和“韵”，通过概括和提炼，来表现物象的本质特征。他以写意花鸟为例，讲解了如何通过几笔简单的墨迹，就能勾勒出花朵的娇媚、竹叶的挺拔、枝干的遒劲，这种“少即是多”的艺术处理方式，正是中国画的独特魅力所在。书中还深入探讨了中国画的“笔墨趣味”，将笔墨的枯湿浓淡、行笔的快慢缓急、下笔的轻重缓急，都赋予了丰富的含义。作者认为，笔墨本身就具有生命力，它们能够传达画家的情感和精神状态。这种对笔墨细致入微的体察，让我对中国画的笔墨语言有了更深的敬畏。
评分《白云堂画论画法》这本书，如同一场精妙的文化之旅，带领我深入探索中国画那博大精深的艺术世界。它不仅仅是一本教授绘画技巧的书籍，更是一本关于审美、关于哲学、关于中国传统文化的启蒙读物。作者在论述中，常常将绘画与书法、诗歌、篆刻等艺术形式联系起来，展现了中国画“四绝”的融合之美。我特别赞赏书中关于“笔墨的意蕴”的阐述。作者认为，笔墨是中国画的灵魂，而不仅仅是表现物象的工具。他通过对不同笔触、墨色的分析，展现了笔墨所能传达的丰富情感和精神内涵。例如，飞白的长线可以表现力量和速度，枯笔的顿挫可以表现苍劲和老辣，浓墨的重压可以表现厚重和沉稳。这种对笔墨精微之处的体察，让我领略到了中国画的写意之美。书中关于“构图的法则”的讲解，也让我受益匪浅。作者并没有给出死板的公式，而是强调了构图的灵活性和变化性。他通过分析大量名家作品，讲解了如何运用“散点透视”、“虚实相生”、“疏密有致”等构图原则，来营造画面的层次感、空间感和节奏感。他认为，好的构图，能够引导观者的视线，使其在画面中游走，并从中获得美的享受。这种将理性法则与感性表达相结合的构图理念，让我对如何组织画面有了全新的认识。
评分这本书给我的感觉，就像是走进了一座古色古香的书斋，空气中弥漫着墨香，四周摆满了历代名家的卷轴。它不是那种快节奏的、图文并茂的速成教程，而更像是一种静心修行，需要读者沉浸其中，慢慢体味。作者的文字功底极深，遣词造句都充满了古韵，读起来朗朗上口，却又意味深长。他对中国画的认识，已经达到了“不着一字，尽得风流”的境界。他对于“骨法用笔”的讲解，简直是深入骨髓。书中通过对历代名家线条的剖析，阐述了线条所蕴含的力量、速度、质感，以及它们如何构成画面的骨骼和灵魂。我一直觉得自己的用笔比较软弱，缺乏力量感，读了这一章后，才意识到问题出在哪里，并且找到了改进的方向。书中的“随类赋彩”部分，也让我大开眼界。作者没有简单地介绍色彩的搭配，而是强调了色彩与物象的内在联系，以及如何通过色彩来表达情感和烘托气氛。他甚至将色彩的运用与中国传统的五行、五色观念联系起来，让我看到了中国画色彩体系的博大精深。最令我印象深刻的是，书中反复提及“画品”，强调了画家的人格修养对于绘画创作的重要性。作者认为，一个画家的人品，会直接影响到他的画品，而艺术的最高境界，是人格与画格的合一。这一点，在当今这个追求速成的时代，显得尤为珍贵。
评分这本《白云堂画论画法》的装帧实在令人惊艳，封面采用一种复古的墨绿色，触感温润，纸张厚实，边缘泛着淡淡的米黄色，仿佛带着时光的沉淀。刚拿到手上，就能感受到它沉甸甸的分量，这不仅仅是物理上的重量，更是知识和艺术积淀的厚度。翻开扉页，一股淡淡的纸墨香扑面而来，瞬间将人拉入一种宁静而专注的阅读氛围。书中的排版设计也十分考究，字体大小适中，行距舒朗，即便长时间阅读也不会感到疲惫。更令人惊喜的是，书中穿插了大量精美的古画高清复印件，笔触的细腻、色彩的层次、构图的巧妙，都得以淋漓尽致地展现，让读者仿佛置身于大师的画室，亲眼目睹创作的全过程。每一幅画作的旁边，都附有精炼的说明，解释其技法要点和艺术价值，这些注释并非生硬的学术术语堆砌，而是充满了画家的体悟和情感，读来引人入胜，发人深省。我尤其喜欢其中关于“皴法”的讲解，书中不仅图文并茂地展示了各种皴法的形成原理和表现效果，还深入剖析了不同皴法在表现山石、树木、云水时的微妙差异，以及如何根据景物的质感和光影变化来灵活运用，这种细致入微的讲解，对于我这样初学者来说，简直是拨开了迷雾，看到了前行的方向。它不是简单地罗列技法，而是将技法融入艺术创作的整体思考之中，让读者明白，技法是为了更好地表达情感和意境，而不是孤立存在的。
评分这本《白云堂画论画法》给我最大的震撼，在于它所展现的中国画的“生命力”。书中没有将绘画仅仅视为一种技巧，而是将其视为一种与自然对话、与心灵交流的方式。作者在论述“笔墨的韵味”时，将其提升到了“节奏”和“生命律动”的高度。他认为，笔墨的行进，就像生命的脉搏，有快有慢，有强有弱，有起有伏。他通过对不同画家作品中笔墨变化的分析，展现了笔墨所能传达的丰富情感和生命张力。例如，舒展的长线条可以表现生命的活力，顿挫的短笔触可以表现生命的坚韧，飞白的枯笔可以表现生命的沧桑。这种对笔墨细致入微的体察，让我觉得中国画的笔墨，不仅仅是黑白的线条，更是充满了生命的气息。书中关于“写意精神”的阐述，也让我茅塞顿开。作者认为，写意是中国画的核心精神，它强调的是“遗貌取神”，即通过概括和提炼，来表现物象的内在神韵，而不是拘泥于物象的外形。他以写意花鸟画为例，讲解了如何通过几笔简单的墨迹，就能勾勒出花朵的娇艳、竹叶的挺拔、枝干的遒劲，这种“少即是多”的艺术处理方式，正是中国画的独特魅力所在。他认为，写意不仅仅是一种技法，更是一种人生态度，一种对生命本质的追求。这种对生命力的深刻理解，让我对中国画的认识，从技法层面提升到了精神层面。
评分阅读《白云堂画论画法》的过程，就像是与一位饱经沧桑的智者进行一场深度对话。作者的文字，时而如清泉流淌，娓娓道来，时而又如惊涛拍岸，掷地有声。他对于笔墨的理解，已经超脱了单纯的技术层面，上升到了哲学的高度。我印象最深刻的是关于“气韵生动”的阐述，书中没有简单地将其定义为一种抽象的概念，而是通过大量的实例，去解读“气韵”是如何通过笔墨的挥洒、线条的起伏、色彩的浓淡来实现的。他甚至将人体的呼吸、情感的波动与笔墨的运行联系起来，这种跨领域的联想，让我对中国画的精髓有了全新的认识。作者在论述中，常常引用历代名家名作，但并非简单地罗列，而是将这些作品作为例证，深入浅出地分析其艺术价值和技术特点，使得抽象的理论变得具体可感。读到关于“留白”的章节时，我更是被深深震撼。作者指出，在中国画中，“白”并非空无，而是包含着无限的可能性，它承载着观者的想象，是画面意境不可分割的一部分。他通过对比不同作品中的留白处理，讲解了如何通过留白来营造空间感、表现光影、烘托气氛，甚至表达一种“空灵”的哲学意境。这种对于“虚”的深刻理解，在西方绘画中是很难找到的。这本书不仅仅是一本绘画教程，更像是一本关于东方美学精神的解读。
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