法书至尊·中国十大楷书03:瘗鹤铭

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上海书画出版社 编
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出版社: 上海书画出版社
ISBN:9787547914151
版次:1
商品编码:12205425
包装:平装
丛书名: 法书至尊·中国十大楷书
开本:12开
出版时间:2017-08-01
用纸:胶版纸
正文语种:中文

具体描述

内容简介

  本系列丛书选取历代法帖中*著名的楷书作品,并甄选底本,以册页装的传统装帧形式,原色原大精印,再现法帖的典藏价值。
  本系列丛书除完整呈现包括题跋在内的法帖全貌外,另附图文对照别册,配以详尽的释文与注解,便读者欣赏学习。

内页插图

前言/序言

  中国书法已绵延数千年,而始终内脉未断,且能古今无障碍承传,可谓世界艺术之瑰宝。
  然而中国书法历朝佳作灿如星瀚,要真正认识、学习书法艺术,就要溯本追源,并将其艺术发展过程中涌现的堪称典范的法帖精选汇集,最真切地呈献给习书者。何以为“法帖”?以今人之评价准则,可归结为这样数点,即艺术水准公认最高、师法者最众、传播范围最广、版本价值最珍。历史上刊行过诸多法帖,因其稀有,过去大多为王公贵族、收藏巨子们深藏,常人能得二一以睹真容,实已平生幸事。如今,随着印刷技术的高速发展,可称典范的法帖珍宝亦可全信息地化身千万,供大众欣赏与学习。
  “法书至尊·十大”系列,以书史为纵,书体为横,囊括了数千年书法史上篆、隶、真、行、草中最上乘之作,是本社继广受读者赞誉、畅销不衰的《中国碑帖名品》之后又精心打造的一套大型丛帖。本套丛帖的印制每种各分为正本、附本,正本为原法帖“本色”呈现,附本为简介、释读与历代集评。既保持了原法帖真实信息的完整性,几同真迹,又为读者对原帖的深入阅读提供了重要参考。其中“中国十大楷书”包括了书法史上《钟繇宣示表》《王羲之黄庭经》《痉鹤铭》《崔敬邕墓志》《智永真书千字文》《欧阳询九成官醴泉铭》《褚遂良雁塔圣教序》《颜真卿颜勤礼碑》《柳公权玄秘塔碑》《赵孟頫妙严寺记》等最著名的楷书法帖,从中既可见楷书发展轨迹,又各具经典性。楷书,又称正书、真书、正楷,出之于隶,形体方正,笔画平直,可作楷模,故称楷书。始于东汉,通行至今。本套丛帖所选十大楷书,从东汉、晋、南北朝、隋唐,以至元代,跨度一千余年;十件法书起于钟繇之古雅,讫于赵孟頫之端严,既可见各时代风尚,又可见楷书风格流变,实为千余年楷书史之概括。自赵孟頫以后,历元、明、清三代以至于今,虽亦近七百年,但楷书正脉多是于前人基础上发展,鲜有如“十大楷书”所选之具典型意义的巨制,这个意义上,也可以说“十大楷书”纵贯了楷书史。
  本册为摩崖石刻《痉鹤铭》。南朝齐以后,渊源于“二王”笔势系统的楷书新体取代了钟氏旧体,成为南朝铭石楷书的新风尚。而以气象超逸着称的《痉鹤铭》则是南朝铭刻书法中最为奇特者。其笔势流动圆畅,体格宽博开朗,点昼苍劲。其书浑厚壮伟,气畅神情,字势飞动而运笔却又沉健含蓄,被誉为“大字之祖“。本书刊印水前拓本和水后拓本各一,水前本选用清李国松旧藏明拓本,水后本选用清沈韵初旧藏清代出水后精拓本,均为《痉鹤铭》拓本之稀见佳拓,皆藏于上海图书馆。
好的,这是一份针对一本名为《法书至尊·中国十大楷书03:瘗鹤铭》的图书,但内容完全不涉及该书及其内容的图书简介。这份简介将聚焦于其他与书法、中国文化、历史等相关的领域,力求详实、自然。 --- 书名:笔墨丹青:中国传统绘画艺术的流变与精粹 引言: 自古以来,笔墨便是中国文人精神世界的载体与重要组成部分。如果说书法是点画的律动,那么绘画则是色彩与线条交织而成的诗篇。本书《笔墨丹青:中国传统绘画艺术的流变与精粹》旨在深入探讨中国绘画,特别是水墨画这一独特艺术形式的漫长发展历程、核心美学理念及其在不同历史阶段的文化意义。我们力求通过对经典作品的细致解读和对艺术思潮的梳理,为读者构建一个立体而丰富的中国画认知图景。 第一篇:远古的萌芽与先秦的奠基 本书的开篇追溯至史前文明遗迹中出现的岩画和陶器纹饰,这些是东方审美意识的最初萌芽。随后,我们将聚焦于先秦时期青铜器、漆器上的装饰性图案,探讨“图腾”与“符号”在早期艺术表达中的作用。这一阶段的绘画艺术,虽然尚未形成独立的学科体系,但已奠定了“写意”与“造型”的初步对话基础。我们特别分析了从具象描摹向象征性表达过渡的早期特征。 第二篇:魏晋风骨与士人精神的崛起 魏晋南北朝时期,玄学兴起,士人阶层对生命、自然、个体精神的关注达到空前高度。在这一背景下,绘画开始从纯粹的“应用美术”向“文人艺术”转型。 本篇重点剖析了顾恺之的“传神论”及其对后世人物画的深远影响。通过研究《洛神赋图》等传世(或摹本)作品,读者将了解“以形写神”的理论是如何被实践和推行的。同时,我们也会探讨佛教石窟造像艺术的鼎盛,分析其对绘画中空间处理和人物塑造的影响,特别关注敦煌壁画中人物服饰和动态的演变。 第三篇:唐代的辉煌与世俗的交融 唐代是中国封建社会的巅峰,其绘画艺术也呈现出气象万千、兼容并蓄的特点。本书将此阶段分为两大脉络: 1. 院体画的成熟与装饰性: 探讨以周昉、张萱为代表的“仕女画”的繁荣。这些作品不仅是宫廷生活的记录,更是盛唐富丽堂皇的审美体现。通过解析其用线、敷色(如重彩的运用)的技法,展现出唐代绘画在技巧上的高度成熟。 2. 山水画的早期探索: 介绍李思训的“金碧山水”与王维“水墨为上”的思想。重点阐述王维如何将禅宗意境融入山水之中,为后世水墨山水画的写意精神埋下伏笔。 第四篇:宋代的理性之美与写实高峰 宋代,尤其是在徽宗朝,中国绘画达到了一个技法与审美都极为精湛的阶段。本书详细论述了“院体”绘画如何通过对自然细致入微的观察,实现了前所未有的写实高度。 我们深入分析了宋代花鸟画的发展,如赵佶的“写生”理论,以及崔白、李公麟等人在不同题材上的革新。此外,本篇将着重探讨北宋范宽、郭熙等巨匠的山水画,理解他们如何通过对“全景式山水”的构建,表达对宇宙秩序的理解。我们将对比南宋马远、夏圭的“边角式”构图,揭示时代变迁下审美趣味的微妙转向。 第五篇:元代的抒情转向与文人画的独立 元代是中国艺术史上一个关键的转折点。由于政治环境的变化,原先依附于宫廷的画家大量转入民间,艺术的重心彻底转向了“抒发个人性情”的文人画。 本书详细解读了“元四家”——黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙——的艺术主张。通过对他们的笔墨语言(如皴法、墨色的浓淡干湿)的梳理,读者可以清晰地看到中国画如何从模仿自然物象转向表达“胸中丘壑”。倪瓒的空寂之境、黄公望的浑厚苍茫,都是文人精神的独特投射。 第六篇:明清的继承与革新 明清两代,绘画艺术呈现出多元并存、流派纷呈的态势。 明代,吴门画派(沈周、文徵明)继承元代衣钵,注重传统笔墨的温润雅致。与此同时,董其昌提出的“南北宗论”,成为后世评判和发展水墨画的重要理论框架,本书将对其理论基础进行审视和辨析。 清代则见证了“四王”对古人笔墨的集大成整理,以及以石涛、八大山人为代表的“个性解放”的呼声。石涛的“我自成一法”和八大山人充满象征意味的笔墨,预示着中国画将走向更抽象、更富表现力的未来。 结语:现代的视野 最后,本书简要展望了近现代中国画的转型与困境,探讨了在西方艺术思潮涌入的背景下,中国画家如何坚守民族性,并尝试将传统笔墨语言现代化。 《笔墨丹青》不仅仅是一部绘画史的梳理,更是一部中国知识分子精神史的侧影。通过对线条、墨法、意境的深入探索,读者将能领略到中国传统绘画那份独特的、深植于哲思与人文关怀之中的永恒魅力。 本书特色: 脉络清晰: 按照时间序列和思潮变化,构建清晰的艺术发展图谱。 图文并茂: 精选历代代表作高清图版,辅以专业的技法解析。 理论联系实际: 重点阐述历代重要理论家的核心主张,并结合实例说明其对后世的影响。 深度导读: 避免空泛的赞美,力求从文化、历史、美学角度进行深入剖析。 目标读者: 中国艺术史爱好者、美术专业学生、传统文化研究者,以及所有希望系统了解中国水墨画精髓的读者。

用户评价

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我拿到这本关于楷书的选集,最关心的还是收录的这几位大家的作品的权威性和全面性。从我初步翻阅的印象来看,编选者的眼光是相当独到的,他们似乎没有局限于最常见的那几件“入门级”碑帖,而是穿插了一些更具研究价值、风格相对独特的作品。这对于已经有一定基础的学习者来说,提供了拓展视野的绝佳机会。比如,其中对某一特定时期楷书风格演变的梳理脉络,似乎比市面上很多同类书籍要深入和细腻得多。我注意到,他们对不同书家在不同阶段的笔法变化都有所侧重,这种细致的对比和分析,对于我们理解“同书不同貌”的现象,提供了极大的便利。好的选本,不仅仅是把字印出来,更重要的是提供了一个清晰的、有逻辑的审美路径,引导读者如何去欣赏和学习,这本书在这方面做得相当出色,我感觉自己像是被一位经验丰富的前辈牵着手,在浩如烟海的楷书世界里进行了一次高效而精准的“导览”。

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作为一名长期临帖的业余爱好者,我发现市面上很多书法字帖的“米字格”设计都非常敷衍,要么网格太浅,要么比例失调,导致临摹时非常不便。然而,这套书在格子的处理上,简直是教科书级别的典范。他们的米字格不是那种生硬的、割裂视觉的线条,而是非常柔和地融入背景,既能起到定位和辅助结构的作用,又不会抢夺原作的“精气神”。更值得称道的是,他们对单字和整篇的间架结构分析,虽然没有做大篇幅的文字解读,但通过精妙的图示或重点的标注,把一些“玄之又玄”的笔法要点给具象化了。例如,在某些转折处的提按轻重,或者侧锋入笔的轨迹,那些细微的差异被放大并清晰地标示出来,这对于我们这些总是在“似是而非”中徘徊的学习者来说,无异于醍醐灌顶,能够极大地提升学习效率,少走不少弯路。

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这套书在排版和版式设计上体现出一种极高的专业素养,它巧妙地平衡了“实用性”与“艺术性”之间的矛盾。很多书法集为了追求磅礴大气,把单字做得极大,结果反而失去了篇章的气韵;而有些为了塞入更多内容,字又太小,细节丢失严重。这本书找到了一种绝佳的“黄金分割点”。他们对篇幅的裁切和留白的运用,处理得如同中国画的意境,该收则收,该放则放,使得每一页都有一种呼吸感。特别是对那些鸿篇巨制,他们采用的对开或跨页的处理方式,保证了原作的完整性和气势的连贯性,没有因为装帧的限制而显得局促不安。这种对“阅读节奏”的把控,是真正懂书法的人才能做出来的排版决策,它让人在学习技术细节的同时,也能感受到书法艺术的整体美感和宏大叙事。

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我个人非常关注历代碑帖的“版本问题”,毕竟不同拓本之间的差异,有时甚至影响到对作者风格的根本认知。如果这套书能够对收录作品的底本来源做出清晰的标注,那就太完美了。从我目前看到的几篇来看,似乎选用的都是流传较广、被公认为品相上佳的拓本,这为学习者提供了可靠的范本基础,避免了初学者被一些失真的版本误导。另外,我期待未来如果能加入一些关于这些碑帖历史背景、流传过程的小知识片段,哪怕只是脚注的形式,那将极大地丰富阅读体验,使学习不再是单纯的“临摹”,而上升到一种对历史文化的追溯和对话。总体而言,这套书在选材的审慎、印刷的精良以及版式的考究上,都展现了极高的水准,足以成为书法学习者案头必备的参考资料,它带给我的,是一种对传统经典更深层次的尊重与体悟。

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这套书的装帧设计着实让人眼前一亮,硬壳精装,拿在手里沉甸甸的,很有分量感,一看就知道是下了功夫的用心之作。纸张的选择也非常考究,那种微微泛着哑光的质感,摸起来舒服极了,而且对印刷出来的字迹起到了很好的衬托作用。我特别欣赏他们对细节的处理,比如扉页和版权页的设计,都透着一股典雅和厚重,让人在翻开正文之前,就对即将接触到的内容充满了期待。特别是对于经典的书法作品集而言,这样的物理呈现质量,直接决定了阅读和学习的体验,它不仅仅是一本书,更像是一件可以珍藏的艺术品。那些墨色的层次感,在高清印刷下被完美地再现出来,即便是屏幕上看,那种“笔意”和“气息”也仿佛能穿透纸面扑面而来,这对于我们这些痴迷于传统书法的人来说,简直是莫大的享受。如果后续的系列都能保持这样的水准,那绝对是书法爱好者书架上不可或缺的收藏系列。

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正品图书,好的资料值得学习

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是折扣低,支持正版,下我喜欢的内容,此书印刷精美,次在来,京东商城

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书的质量很好,印刷的非常棒,是本人希望的好书。

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上画以此种拓本为十大楷书,真是没有必要。

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印刷精美,包括水前本和水后本。

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