论李伯祥的相声艺术 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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孙福海，李金斗 编

图书标签:

• 相声
• 李伯祥
• 相声艺术
• 表演艺术
• 喜剧
• 文化研究
• 艺术史
• 传统艺术
• 戏曲
• 幽默

出版社： 天津人民出版社

ISBN：9787201123103

版次：1

商品编码：12248690

包装：平装

开本：16开

出版时间：2017-09-01

用纸：胶版纸

页数：215

字数：160000

正文语种：中文

内容简介

　　李伯祥先生1938年出生于天津，5岁随父亲李洁尘学艺，6岁即登台演出。先后在南京、济南边学徒边演出。他聆听了众多的相声名家，由于他记忆力惊人，悟性极强，使他有了博采众长的资本和得天独厚的机遇。
　　《论李伯祥的相声艺术》请多位相声理论家、相声作家、演员及与李伯祥先生相处较近的方方面面人士在他80寿辰、从艺75年之际，对其相声艺术观、艺术特点、艺术风格、代表作和观众对其艺术的反映，以及对其人其事的记叙、评价，全面地总结了李伯祥先生艺术成就和他对中国相声事业的贡献。

目录

关于相声表演艺术家李伯祥先生的艺术特色的几点见解
唇吻于说妙语连珠——试论李伯祥相声的艺术特色
相声大家的艺术风采——浅议李伯祥相声的艺术风格
亲和流畅不饰雕琢——浅谈李伯祥相声风格
析李伯祥的艺术观
点赞——“幽默语言大厦工程师”李伯祥
传统功底瓷实继承发展巧妙——谈李伯祥对传统作品及结构的改革与创新
我非常敬重的师兄李伯祥先生
我心中敬仰的伯祥师哥
相声大家李伯祥
相声工匠老当益壮——李伯祥老师印象
相声巨匠——我眼中的李伯祥先生
他把一生付诸相声——李伯祥印象
李大爷和我最近
相声掌门人——李伯祥
李伯祥和他的相声
浅论李伯祥先生相声代表作《报菜名》的艺术特色
与师哥合作的收获
现挂高手——李伯祥
伯祥先生逸事
我心中的偶像
李伯祥当年在河东
小老头的大气派——试论李伯祥先生的舞台形象
驰骋曲坛75年的“小神童”
师徒情缘
我可敬可亲可爱的恩师——李伯祥
李伯祥与相声
后记

精彩书摘

　　《论李伯祥的相声艺术》：
　　前不久，国器兄来电告称，他与福海兄正筹划一本写李伯祥的文集，希望我能就李伯祥相声艺术某个侧面写篇文章。
　　虽然我和伯祥大哥相识几十年，彼此也十分熟悉，但一说“写文章”，还是有些“顶瓜”。因为熟归熟，这么多年从未对伯祥兄的相声艺术进行过哪怕是粗浅的分析研究，所以拿起笔来得现想现琢磨，可又难拂孙、刘二兄盛意，恭敬不如从命罢！
　　伯祥兄大我10岁，按辈分我们以兄弟相称，但他的资历能力及艺术功力均高高在我之上，对我而言，他是一位老师级的兄长。
　　李伯祥是全国知名的相声艺术家，尤其在京津两地，拥有大量的粉丝。那么，他的相声究竟好在哪儿，为什么受人追捧呢？为了这篇小文，我琢磨出了一个他说相声的风格特点，就是本文题目：亲和流畅，不饰雕琢。
　　为什么想到了这样一个题目呢？这和我在北京某小剧场见闻有关。那天有两个青年人走上台来，鞠躬已毕，逗哏甲说：“观众朋友大家晚上好！今天我们给大家说段相声，相声的名字叫《白事会》……”然后按《中国传统相声大全》刊载的文本直接人活：“您不认识我了吧……”这段相声我没接着往下听，因为我已经感觉到这样“说相声”效果不会太好。
　　回过头来再说李伯祥，他不论说什么段子，不管新活老活，垫话是必不可少的，上得台来，总要先聊上几句“人情纲儿”，尤其是到了北京，观众都知道他是天津相声演员，可他上来先跟观众攀老乡：“大伙儿都知道我是天津说相声的，其实我是北京娃娃，我小时候就住在西单劈柴胡同……”你看，对观众他不称“大家”称“大伙儿”，对自己他不说是“相声演员”，而是称自己是“说相声的”，这叫什么？放下身段，亲近观众，所以新老观众一下就接受了他，然后再说“我小时候住劈柴胡同，今儿来的不少都是我们街坊，大伙儿捧我老李……”话说得那么自然流畅，观众一下子就感受到了自己就是演员的知音、知己、街坊、朋友，您说这活能不好使吗？
　　没有高山显不出来平地。还得说有些80后90后的青年演员，平时在台下挺好，一上台说相声就“上韵”，咬文嚼字、拿腔作调，拉开架势告诉观众：我这可是说相声啊，你们可要准备乐呀！还有的演员连喊带叫，一惊一乍，完全不懂“演相声，小剧场，拉家常，不能嚷”。（《相声三字经》）
　　李伯祥跟他们不一样，上台就是聊天儿（对了，他有一个段子就叫《聊天儿》，这活给他真是太对路了），如果头天有足球比赛，他也一定会提上两句，并且作出相当内行的点评。有一次在北京周末相声俱乐部，李伯祥、杜国芝使《谦虚论》，在侧幕边上一位青年演员听人了神，忽然问我：“哎，崔老师，伯祥老师从哪
　　……

前言/序言

　　北京的相声迷，特别喜欢李伯祥先生的演出风格。经常是，李先生没有登台，观众已经咧开嘴等着笑了。因为大家熟悉李伯祥先生的表演风格，等待他滔滔不绝、连珠炮式的语速述说的笑料。北京人熟悉李伯祥老师，热爱相声的观众也熟悉李老师的相声作品。人们评价他：李伯祥身材不高，小分头儿，总是精气神儿十足的样子，台上台下讲话都是滴水不漏的劲头儿。不论是传统的《大戏魔》《写对联》《报菜名》，还是新作品《聊天儿》《两面人》《看（红岩）》《谦虚论》，李伯祥的表演都能牢牢地抓住观众的神。他的机智、灵巧的台风和快、爆、脆、准的口风及佯装敦厚其实心怀“诡秘”的个人风格，靠深厚的基本功底孕育于平常的功夫和神气之中，形成了独特的表演风格。从观众欣赏他的表演后报以的热烈掌声，可以让人感受到作为相声表演艺术家，李伯祥先生在人民心里的位置。
　　我的搭档戴志诚是李伯祥先生的高足。他给我介绍说，师父号称“李快嘴”，9岁时曾跟刘宝瑞大师学习贯口。刘老先生是他义父，对他非常严厉，在他幼小的心灵中，曾有过要“复仇”的念头。后来逐渐明白了，没有义父和父亲“严厉”教学，哪有今天他的贯口绝活儿和其他的基本功。最初李伯祥学习相声是为了跟随父亲维持生计.后来由于勤学苦练，得以脱颖而出。李伯祥老师不仅嘴快，脑子也快，平时非常注重积累，喜爱读书看报，一些晦涩难懂的外国人名、地名都烂熟于心。到外地演出，总是先实地考察，结合当地特色临时加使包袱，从而获得各地观众的喜爱。
　　一如大家所知，李伯祥老师是从天津走出来的闻名全国的相声表演艺术家。今天在李老师从艺75余年之际，20多位曲艺理论家、作家、相声演员及熟悉李老师的方方面面的各界人士，纷纷挥笔撰写评介李老师艺术成就的理论文章，出版了这一理论文集。为李老师出版理论文集，给这位艺术家75年的艺术生涯做一个回顾和总结，这个文集的出版，不论是对他个人，还是对相声事业的发展，都是一件大好事。这些文章从不同的角度让我们对李伯祥先生有了更多的了解。
　　李老师5岁跟父亲学徒，6岁登台。其间拜相声大家赵佩茹先生为师，成为赵先生的大弟子。他在济南晨光茶社学徒期间，接触前辈名家多，博采众长于一身，基本功在此打下了坚实的基础。同是一个段子，哪点情节哪位前辈设计得好，哪个包袱哪位前辈抖得响，这对李老师来说如数家珍。这不仅说明李老师识多见广，而且能有力地证明李老师记忆力超强，故素有“电脑”之称。
　　一次全国相声大赛现场，李老师是评委。根据观众多个电话的要求，大赛兼评委希望李老师谈一谈相声“贯口”的表演。李老师由浅入深，从什么是“贯口”，表演“贯口”的规律讲起，当举例子时，李老师选的是“董存瑞”。他一气呵成，张弛适度，背诵了整个“趟子”近4分钟。

艺海拾遗：近现代相声艺术流变研究 本书聚焦于中国传统曲艺——相声在近现代，特别是二十世纪中叶以来的发展脉络、艺术创新与社会文化语境的深度互动。 本书并非简单地罗列相声演员的生平或段子的汇编，而是旨在以一种社会史和艺术史相结合的视角，剖析相声艺术在时代洪流中的形态转变、美学追求及其对大众文化的渗透与影响。 本书的叙事结构围绕几个核心议题展开：“从茶馆到剧场”的载体变迁与艺术形态重塑；“传统与革新”的内在张力与平衡艺术；以及“社会语境对喜剧表达的塑造与约束”。 第一章：清末民初的土壤——相声的草莽源头与初露锋芒 本章追溯相声艺术自晚清至民国初年萌芽、流变的历史轨迹。相声，作为一种源于市井、植根于街头巷尾的口语艺术，其最初的生命力来自于对民间俚语、世俗百态的敏锐捕捉。 1.1 语言的活水：方言、俚语与语码的交融 详细考证了早期相声中方言（尤其是京津官话的特定口音）如何成为区别于其他曲艺形式的显著标志。分析了早期相声艺人（如“撂地”艺人）如何利用语言的即兴性、诙谐性，在与观众的直接互动中完成艺术的即时生成。重点探讨了“贯口”、“擞包袱”、“垫话”等基本功的早期形态及其在野外环境中的生存策略。 1.2 载体的更迭：棚棚文化与“清口”的形成 本节深入研究了相声从街头“撂地”向固定场所——茶馆、饭馆“上棚”的过渡。分析了棚内环境（如对音响、照明、观众席位的要求）对相声表演节奏和结构的影响。探讨了“清口相声”这一概念的出现及其对传统对口相声在表演规范和内容题材上的冲击与促进作用。特别关注了早期相声艺人对于传统段子“翻新”的努力，如何使之适应城市中产阶级的审美趣味。 1.3 早期相声的题材与社会批判的潜流 尽管早期相声以娱乐为主，但本章亦挖掘了其在民间语境下所蕴含的微妙的社会讽刺。这些讽刺往往是隐晦的、符合民间道德体系的，而非激烈的政治批判。通过对现存的早期文本（如残存的“柳活儿”和传统段子脚本）的分析，勾勒出当时城市生活的基本面貌。 第二章：战火与变革——相声艺术的现代化困境与重塑 抗日战争与解放战争时期，相声艺术面临着前所未有的生存挑战与艺术责任。本章关注相声如何应对外部环境的剧变，并尝试融入现代性的叙事结构。 2.1 舞台的迁移：从私人空间到公共剧场 随着剧场行业的兴盛，相声的演出场地更加规范化，这带来了表演的规范化，但也削弱了部分即兴的“野趣”。本章分析了剧场化对相声“火候”的衡量标准带来的改变。同时，探讨了相声艺人在不同政治势力控制下的生存智慧与艺术取舍。 2.2 题材的拓宽与内容的一次“净化” 在新的社会思潮影响下，相声的题材开始向更宏大、更积极的叙事靠拢。本节重点分析了“新相声”的早期实践，它如何在继承传统韵味的同时，主动摒弃或改造被认为过于庸俗、甚至带有封建糟粕的旧有段子，转而关注劳动人民的喜怒哀乐。 2.3 艺术规范的初步建立：对“雅俗共赏”的再定义 本章审视了这一时期，相声艺术家们在保持喜剧效果与提升艺术品味之间所做的努力。例如，对“柳活儿”的地位重新确认，以及在对口结构中引入更复杂的叙事逻辑，以适应受过更高等教育的城市观众。 第三章：时代的合奏——相声艺术在特定历史时期的功能性表达 本书将大量篇幅聚焦于新中国成立后，相声艺术作为一种重要的宣传和教育工具，其艺术表达如何与国家意识形态进行“共舞”。 3.1 歌颂与讽刺的辩证法 相声在特定历史时期承担了“说新事、演新风”的重任。本章详细剖析了“歌颂性”相声的创作模式，分析其如何将宏大的政治主题转化为观众易于接受的喜剧外壳。更重要的是，探讨了相声艺术中“讽刺”的边界及其在不同政治气候下的松紧变化。分析了“借古讽今”的传统手法在新时代语境下的变异。 3.2 对“双簧”与“群口”艺术的深化研究 在强调集体主义和宣传效率的背景下，双簧艺术因其对语言的精妙配合和视觉的丰富性而得到空前的发展。本节细致分析了顶尖双簧组合的配合模式、发声技巧及其在集体叙事中的功能实现。同时，群口相声的结构复杂性与信息承载量在此阶段达到了一个高峰。 3.3 技艺的固化与创新：对“活儿”的传承与保护 在艺术院校和曲艺团体的体制化培养下，相声的技艺传承进入了相对稳定的模式。本章研究了这一模式对相声“活儿”的保护作用，同时也反思了过度依赖“本子”和“流水线”生产对演员即兴创造力的潜在压抑。 第四章：回归与碰撞——当代相声的多元景观与文化反思 改革开放以来，相声艺术迎来了前所未有的解放与重构。本章聚焦于相声如何重新面对其“市井起源”与“大众趣味”，并尝试在全球化和信息爆炸的时代背景下寻找新的生长点。 4.1 市场化浪潮下的“口子”与“活儿” 随着商业演出市场的启动，相声的商业价值被重新评估。本节考察了市场对相声内容和风格的影响，分析了“通俗化”、“娱乐至上”倾向与相声作为传统艺术的文化责任之间的张力。探讨了优秀作品如何平衡市场需求与艺术水准的经典案例。 4.2 语言的“去语境化”与新一代观众的接纳度 当代相声面临的一个重要挑战是其语言和文化背景的“代沟”。很多传统的包袱和典故，对于成长于信息时代的年轻观众而言，已然失去了原有的语境支撑。本章分析了当代相声艺术家为解决这一问题所做的语言实验，包括对网络流行语的吸收、对现代生活细节的捕捉，以及如何重构“笑点”的发生机制。 4.3 相声的跨界与未来形态的探索 本书最后一部分展望了相声艺术在影视、网络视频等新媒体平台上的可能性。分析了相声表演元素在其他喜剧形式中的渗透，以及它在保持核心艺术特征（如“说”、“学”、“逗”、“唱”的平衡）的前提下，如何进行适应性演变，确保这一古老艺术在当代依然具有旺盛的生命力。 结语：笑声中的历史回响 本书旨在为读者提供一个多维度的透镜，去审视相声艺术这一独特的文化现象，理解其笑声背后所承载的时代变迁、民族性格和艺术坚守。 --- 本书特色： 文献扎实： 结合了曲艺史料、舞台剧本、早期报刊评论及口述历史资料进行多方印证。 视角独特： 区别于单纯的艺术介绍，侧重于社会结构、意识形态对喜剧表达的制约与驱动作用的分析。 结构严谨： 采用时间轴与主题分析相结合的方式，脉络清晰，层层递进。 论述深入： 对相声的核心技法（如“使活儿”、“捧哏的学问”）进行理论层面的拆解，而非肤浅的描述。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是其资料的广度和深度，它显然是建立在长期的、扎实的一手资料收集之上的。我注意到作者在引用一些早期剧本片段或评论时，常常附带了详尽的注释和背景说明，这极大地提升了文本的可信度和阅读的顺畅性。很多我原本以为早已湮没在时间长河中的细节，都能在这本书中找到清晰的脉络。例如，关于某些段子的早期版本差异、不同演员在同一段子上的处理侧重，作者都做了细致的对比分析。这不仅仅是简单的资料堆砌，而是一种带着温度的学术挖掘。它让我们看到，艺术的传承并非一条直线，而是一个充满岔路和修正的动态过程。这种近乎“考古”的精神，让这本书超越了一般的传记或评论范畴，拥有了更长远的文献价值。它迫使读者以一种更审慎的态度去对待我们所熟知的“经典”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在是让人眼前一亮，拿到手上就能感受到作者或编者在细节上的用心。封面采用了那种略带磨砂质感的纸张，触感温润，色调沉稳又不失雅致，隐约透露出一种对传统艺术的敬意。特别是那烫金的书名，在光线下折射出低调而精致的光芒，仿佛在无声地诉说着书中内容的分量。内页的排版也极为考究，字体选择上似乎兼顾了易读性和美观度，行距和字间距把握得恰到好处，即便是长时间阅读也不会感到视觉疲劳。我尤其欣赏其中穿插的那些老照片和手绘插图，它们并非简单地作为点缀，而是巧妙地融入到文本叙述中，仿佛带领读者穿越回了那个特定的年代，亲身感受艺术的脉搏。装帧的整体风格无疑是成功的，它成功地建立了一种阅读前的期待感，让人在尚未深入内容之前，就已经对即将展开的阅读体验充满了美好的预设，这在很多专业性较强的书籍中是难能可贵的。这种对“物”的重视，反映出出版方对文化产品的严肃态度，值得称赞。

评分☆☆☆☆☆

这本书在某些章节中对于特定艺术手法的剖析，其深度和洞察力，可以说达到了“醍醐灌顶”的程度。特别是对某一类核心技巧的拆解，作者不仅仅是描述了“是什么”，更深入地探讨了“为什么有效”以及“如何实现”。我特别喜欢那种将抽象的舞台效果还原为具体表演动作和心理活动的论述方式。他似乎能够轻易地站在艺术家的视角，去理解他们在创作和临场发挥时的每一个细微考量。这种解读，超越了普通观众的欣赏层面，直接触及了艺术生产的核心。读完这些章节，你会觉得自己对艺术的认知被拓宽了一个维度，仿佛突然获得了某种“内行”的视角，能够以更具层次感的方式去回味和欣赏那些经典的现场表演。这种由内而外的理解提升，才是真正有价值的阅读收获。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，就像是进行了一次沉浸式的口述历史考察，作者的叙事手法极其老道，他没有采用那种生硬的、教科书式的罗列，而是巧妙地将历史背景、行业生态与具体的艺术技法编织在一起，形成了一个有机的整体。我发现作者在处理一些关键的转折点时，叙事节奏的控制堪称大师级别。比如，在描述某个历史时期曲艺界的变革时，他会突然放缓笔速，用大段的、富有画面感的文字来描绘现场的氛围和观众的反应，一下子就把读者从抽象的理论拉回到了具体的剧场空间。而当需要剖析技艺的精妙之处时，文字又会变得异常精准和凝练，仿佛有条理地为你解构每一个“包袱”是如何搭建和引爆的。这种张弛有度的叙述节奏，使得即便是对相声艺术了解不深的读者，也能被其强大的叙事感染力所吸引，不忍释卷。这不仅仅是在“讲”故事，更像是在“演”一个关于艺术生命力的故事。

评分☆☆☆☆☆

全书的语言风格展现出一种独特的、既文雅又接地气的平衡感，这对于一本探讨民间艺术的书来说，是至关重要的。作者的遣词造句非常考究，既能准确传达复杂的艺术理论，又不会让人感到晦涩难懂。他似乎懂得如何运用最朴实的语言去触及最深层次的幽默原理。在一些需要抒情或表达敬意的地方，文字流淌出一种温润的、富有感情的色彩，笔触细腻得仿佛能让人触摸到艺术家们在舞台上挥洒汗水的瞬间。然而，在分析结构和技巧时，语言风格会瞬间切换到一种冷静、犀利的分析模式，逻辑链条清晰可见，论证有力。这种在“情”与“理”之间的流畅切换，显示了作者极高的文字驾驭能力和对所写对象的深刻理解，使得阅读体验非常丰富，如同欣赏一场精心编排的群口相声，既有笑点，也有深度。