给未来的艺术家 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

何怀硕 著

图书标签:

• 艺术启蒙
• 绘画
• 创意
• 艺术教育
• 少儿艺术
• 艺术指导
• 艺术梦想
• 艺术技巧
• 艺术灵感
• 未来

出版社： 广东人民出版社

ISBN：9787218123714

版次：1

商品编码：12302433

包装：精装

开本：32开

出版时间：2017-12-01

用纸：胶版纸

页数：310

字数：110000

正文语种：中文

内容简介

　　《给未来的艺术家》是“艺术经典”中的一种，何怀硕是有名的画家和艺术教育家，在任教艺术史时，希望对未来的艺术家有启蒙教育之功。任何时代总有许多热爱艺术的朋友，怀着对艺术的渴慕与追求的热忱，希望得其门而入。不少人踟蹰、彷徨，无所适从，甚至焦虑、失望。《给未来的艺术家》是为了帮助这些朋友解开困惑，为未来的艺术家打开一窗通向艺术殿堂之门。全书配有大量精美的图片。

作者简介

　　何怀硕，1941年生于广东，台湾师范大学美术研究所教授。台湾师范大学美术系毕业，美国St.John's大学艺术硕士。中外知名水墨画家与书法家，同时也是著名艺术、文化评论家与作家。
　　著作极多，除多部绘画作品集之外，文字著述出版有《怀硕三论》（包括艺术论、近代画家论、人生论）、《苦涩的美感》、《绘画独白》、《何怀硕文集》、《域外邮稿》、《给未来的艺术家》等。

目录

第一章 自我追寻
1 为什么选择艺术这条路？
2 自我探求的三大途径
3 传统、潮流与自我
4 天才与自我认识

第二章 创造的源泉
1 自然、现实、人生
2 薪火相传
3 自我发掘
4 综合与汇通

第三章 师承与借鉴
1 师承与门派
2 模仿与创造
3 临摹的真义
4 借鉴与融会

第四章 风格的锻造
1 艺术的信念
2 发现自己
3 观念、题材、技法
4 风格与慧心

第五章 创造之路
1 灵感的来源
2 技术、技巧，工具、材质
3 对景写生与闭门造车
4 博与专

第六章 创作的方法
1 取材、构思、草图
2 检讨、分析、推敲
3 表现方法的探索
4 如何面对创作中的低潮与失败
5 特殊技巧的探讨
6 创作记录的重要意义
7 建立个人的资料库

第七章 中国风格
1 独特的表现
2 线的奥秘
3 线的分析
4 线的图示
5 综合的艺术
……

第八章
第九章
第十章

跋

精彩书摘

　　《给未来的艺术家》：
　　当代对于“什么是艺术？”“如何给艺术下定义？”“什么是艺术？什么是非艺术？”类似这些问题，不论是在艺术哲学、艺术理论与批评，或者美学中都聚讼纷纭，莫衷一是。这原来固然也是困扰着多少世代的艰难问题，但当今更感困惑。艺术定义不断出现，又不断被否定，重新定义。在现代，更大的震撼是怀疑艺术能不能定义？怀疑有没有关于艺术基本特质的普遍认知的可能性？以至于一部分意见认为艺术能够定义，另一部分意见认为艺术不能定义，艺术与非艺术之间也没有清晰的界线。
　　认为艺术可以定义者，是主张艺术的概念与实质，有其稳定性，并不因时代与地域的不同而变易。但也有相反的意见，认为人们对艺术的见解是不断变化的。现代主义兴起以来，尤其是六十年代以后的“后现代主义”，连艺术与非艺术、艺术家与非艺术家的区别都变得难以判断，当然更不可能对“艺术”有一个统一·的定义。许多现代派把日常用品与艺术品的界限打破了；“地景艺术”把海岸或一幢建筑物用布包起来称为艺术；粪便装在盒子里、被锯成一半的牛尸，都当“艺术品”展出。我想如果你常常阅读中外艺术报导，对于当代艺术的混乱与过度的“多元化”，你都多少有所了解。
　　那么，“什么是艺术？”我们处于这样歧见纷纭、令人昏眩的时代，若没有自己的信念，怎样去追求艺术呢？我时常被问及这些问题，事实上，我也为这些问题困惑不已。我的答案该是什么？
　　我认为，我们应先确定，我是否还要追求艺术？如果艺术真如当今不少前卫人士所认为的那样，什么都是艺术，而艺术什么也不是，那么我们还追求什么艺术呢？假如我们还要追求艺术，就说明在我们心中还有可追求的艺术，那么，你追求什么样的艺术呢？如果你在古今许多艺术家的艺术中找到许多崇仰的对象，许多使你心醉的艺术作品，使你感动、热爱，你也渴望成为这种艺术创造的欣赏者、学习者与继承者，我觉得，你便应勇气百倍地去追求你所渴慕的这种艺术，不必瞻前顾后。
　　你既有这样的渴望与热爱，虽然你并没有对艺术到底应该是什么下定义，但事实上，你已有了你理想中“什么是艺术”的认知与信念了。你不是理论家，这样就够了。
　　所以，我常对学生或同道说，我们不必奢望有一个人人同意、放诸四海皆准的艺术的定义，我们追求艺术创作的人，也不必在理论上先有完美的概念。不过，我们应该认定自己对艺术的基本信念：什么样的内涵与形式才是你所想望的艺术？你不必求得别人的赞同，你应该按照你认为理想的方向去创作——创作的成果才是检验你的艺术信念是否有意义的标准。
　　……

前言/序言

　　本书写作的动机，《自序》已说清楚。现在出增订版，就为了要在后面增加身处当世，不能不写的两章。借此机会，也增补图片目录，校修文字。
　　为什么要增加两章？应略作说明。
　　话说一九八五年我开始动笔写此书的时候，还未知后来中国内地艺坛有所谓“85新潮”——那是内地艺坛膜拜、臣服西方现代主义的第一波。而台湾早在六十年代已开始有“东方画会”“五月画会”之流的崇洋派。那是中国艺坛最早以当西潮之骥尾为“先锋”的新派画会。所以艺坛“崇洋媚外”之事，台港先行，是老大哥，内地反而是小老弟。不料“改革开放”三十多年来，内地艺术界在追随西方新潮方面后来居上，今日更变本加厉，连传统水墨画、工笔画也已“改头换面”矣。君不见众新派佼佼者已是院长、博导；“宋庄”与“798”已攻陷京华而筑起西化前卫之堡垒。这不禁让人想起二十世纪五六十年代内地美术界以苏联为师，素描、水彩与油画清一色苏式风格为主流的景象。但今日之美式当代与后现代新潮的所谓艺术，与过去人人认知的艺术，从内容本质到形式材料可说是面目全非。现在这个美式主流，可以彻底毁灭或侵蚀我们的民族文化，其遗毒更为深远与可怕。《给未来的艺术家》写于西潮冲击本土之初，尚未泛滥成灾之时。本书从二十一世纪初在台北出版，十多年来在两岸再版多年之后，我觉得原来有共识的艺术，与今日文化帝国主义宰制下的所谓艺术，已大不相同，甚至是已成风马牛之势。一本给未来的艺术家的书如果没有面对后一种艺术有所评说，便如同白头宫女说天宝遗事，很可能给新派人士诬蔑讥嘲为“古董津梁”；而对于忠诚艺术的追求者，他们在当代的迷惘与彷徨，我这本书竟没能提供释疑解惑之助，岂不大有缺憾？
　　现在新增第九章《艺术的异化》和第十章《忧思与期望》。前者是对当代“新潮艺术”的批判；后者是对未来美术发展的期望。这样增修，希望使本书更为完善，我可放下近年心头的悬念，也必使本书对真正的艺术应该秉持的意义与抱负更为完善也更为高远。这正是我平生志业的目标。但个人的识见与智慧究竟有限，也只有鼓其愚勇谔谔直言，并求嘤鸣于来者。

《星尘的回响》图书简介 （一本关于时间、记忆与非物质存在的探索之书） 引言：时间的迷宫与存在的碎片 《星尘的回响》并非一本描绘具体物质世界的指南，它是一次对“存在”本质的深度潜航。本书的视角横跨宇宙的宏大尺度与人类意识的幽微之处，探讨的是那些无法被精确测量、难以被清晰定义，却又深刻地塑造了我们体验世界的隐形力量。它聚焦于时间的非线性本质、记忆的不可靠建构，以及在信息洪流中个体“意义”的消散与重构。 第一部分：时间的拓扑结构——非线性的河流 本书首先颠覆了传统上将时间视为一条单向、均匀流动的河流的认知。作者引入了“时间拓扑学”的概念，认为时间并非是一个刚性的坐标轴，而是一个由无数相互交织、局部扭曲的“事件泡”构成的复杂结构。 记忆的层叠与“共时性”的幻觉： 我们如何感知“现在”？作者通过分析神经科学中的情景记忆编码，提出“现在”实际上是过去、当下和对未来预期的复杂叠加态。在某些极端的意识状态下（如深度冥想或高强度压力下），这种层叠会使人体验到“共时性”——看似不相关的事件在时间线上被压缩或拉伸，如同观看一张被折叠的地图。 “未完成的瞬间”与熵增的反作用力： 在物理学中，熵增指向无序和消亡。然而，人类文明的许多驱动力却源于对“未完成”的执念。本书考察了文化、艺术和哲学中那些被反复提及、却永远无法完全实现的理想状态——“黄金时代”、“绝对真理”——如何反作用于时间流，塑造了我们对进步的渴望。这些未完成的瞬间构成了时间的“负荷”，阻止了绝对的静止。 慢速时间与快速时间： 通过对不同文明中“等待”的仪式化处理的案例研究（例如，古代天文观测的世代接力，或现代社会中延迟满足的心理机制），探讨了主体对时间流逝的主观感知差异。慢速时间被视为一种财富，是深度思考和意义沉淀的必要条件；而快速时间则成为现代社会信息过载的副产品，使体验趋于扁平化。 第二部分：信息的幽灵与意义的耗散 在信息爆炸的时代，我们被海量数据包围，但真正的理解却似乎越来越遥远。《星尘的回响》深入剖析了信息与知识、数据与智慧之间的鸿沟。 “数据遗址”的考古学： 互联网留下了庞大而零散的“数据遗址”。本书借用考古学的视角，研究后世的人们将如何解读我们这个时代的数字残骸——那些被遗忘的社交媒体帖子、已失效的链接、不断迭代的软件代码。我们今天视之为常态的信息，在未来可能成为无法破译的符号系统。作者探讨了信息如何像化石一样，记录了当时的思维模式和偏见。 叙事的疲劳与“后真相”的疲惫： 叙事是人类组织现实的基本方式。然而，当叙事变得过于饱和、相互冲突时，个体便会产生“叙事疲劳”。本书分析了这种疲劳如何导致对宏大叙事的疏离，转而寻求更微小、更即时的感官刺激，从而为“后真相”现象提供了深层的心理学基础。意义不再是宏伟的结构，而是散落在无数个闪烁的屏幕上的碎片。 静默的算法与被遗忘的偏见： 算法在塑造我们的信息接收方面扮演着隐形的角色。本书挑战了算法的“中立性”假设，将其视为一种新的、具有强大塑造力的“语言”。当这些算法的决策逻辑变得不透明（即“黑箱”化），人类的认知边界便被无形地设定，导致某些知识或视角被系统性地排除，形成了“被遗忘的偏见”。 第三部分：非物质存在的拓扑——空间、距离与连接 本书的后半部分超越了时间与信息，转向了对空间和连接的非物质性探讨。 距离的重新定义： 在全球互联的时代，“距离”不再仅仅是地理上的间隔。作者提出了“情感距离”、“认知距离”和“同步距离”的概念。一个人可能身处同一房间，但由于认知框架的巨大差异，其情感距离可能远大于相隔数千公里的在线伙伴。反之，通过共享极端的经验（如集体创伤或狂喜），地理上遥远的人们可能瞬间拉近认知距离。 “场域”的构建与消散： 从哲学上的“场域理论”出发，本书探讨了社群、文化和身份认同是如何在共享的注意力、语言和仪式中被持续构建的。这些场域是脆弱的，它们依赖于不断的能量输入（即参与）。一旦参与度下降，场域就会迅速“消散”，留下的只有松散的个体和褪色的集体记忆。 回响的遗产与无形的重量： 最终，本书回归到“回响”的主题。并非所有事物都会留下物质性的痕迹。真正塑造未来的，往往是那些未被记录、未被量化、仅仅存在于无数次互动间的“无形重量”——一种氛围、一种未言明的理解、一种集体潜意识中的不安或希望。这些回响，如同星尘中残留的能量，持续地影响着我们对未来的想象和行动，尽管我们无法直接触摸它们。 结语：在迷雾中航行 《星尘的回响》邀请读者放弃对确定性的执着，学会在时间、信息和连接的迷雾中航行。它不是提供地图，而是提供一套观察天空、理解自身在复杂结构中所处位置的望远镜和罗盘，引导我们去聆听那些未被命名、未被记录，却决定了我们存在深度与广度的微弱回响。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计真的很有意思，那种带着点复古又有点未来感的字体搭配着深邃的星空背景，一下子就抓住了我的眼球。拿到手里掂了掂，分量感十足，感觉作者在内容上一定下了不少功夫，不是那种轻飘飘的速成指南。我本来是抱着随便翻翻的心态，但一打开目录，立刻就被那些章节标题吸引住了。它们不像传统的艺术书籍那样刻板，反而是用了很多富有诗意和哲思的词汇来命名，比如“光影的私语”、“沉默的线条如何发声”之类的。这让我感觉到作者是在邀请我进行一场深入的对话，而不是单纯地灌输知识。装帧的细节处理得也很到位，纸张的质感摸上去很舒服，印刷的色彩饱满又不失细腻，这对于一本关于“未来”的艺术探讨来说，非常重要，因为它本身就是一种审美体验的预演。我尤其欣赏作者在排版上使用的留白，那种恰到好处的呼吸感，让我在阅读那些比较抽象的理论时，心灵也能得到喘息的空间，不会感到信息过载。整体来看，这本书的实体呈现，已经超越了一般教材的范畴，更像是一件精心打磨的艺术品，让人爱不释手，迫不及待想要探究里面的精神内核。

评分☆☆☆☆☆

读完第一部分，我最大的感受是作者的视角极其开阔，完全跳脱了学院派艺术史的窠臼。他没有沉溺于对古典大师的重复赞美，而是将目光投向了科技、哲学，乃至人类行为学的交叉地带。这种跨学科的融合，让原本可能枯燥的理论变得鲜活起来，充满了爆炸性的想象力。举例来说，他对“数据可视化”如何成为一种新的雕塑语言的探讨，就给了我一个全新的观察世界的角度。我以前总觉得算法是冰冷的，但作者却能从中挖掘出一种新的、数字时代的“崇高感”。文字的组织上，作者的逻辑链条非常清晰，但又不像硬邦邦的论文那样缺乏温度。他擅长用生动的比喻和恰到好处的个人见解来润色，使得那些高深的理论也变得触手可及。特别是他讨论“不确定性”在创作中的价值那一段，简直醍醐灌顶，让我重新审视了我过去创作中那些“不完美”的地方，意识到那些才是真正的生命力所在。这本书无疑提供了一个强有力的框架，帮助我们重新定位艺术在快速变化的社会中的坐标。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的阅读体验，更像是和一位经验丰富、思维敏捷的导师进行了一次高强度的、不间断的头脑风暴。作者的语言风格非常直接，毫不拖泥带水，但这种直接中又蕴含着对年轻一代的深刻理解和期许。他毫不留情地指出了当前艺术圈中存在的某些泡沫和重复性的“安全区”创作，那些只求在社交媒体上获得即时赞美的“快餐式”作品。他的批评是建设性的，其核心在于敦促读者去寻找“真诚的风险”。这种坦诚让我感到既被挑战又被赋能。在介绍创作工具和媒介的部分，作者的态度非常开放，他并没有偏爱任何一种传统或新兴的技术，而是强调“工具为人所用，而非人被工具奴役”的核心原则。这让我意识到，无论未来出现多少黑科技，艺术的本质依然是人类情感和思想的表达。这本书的价值就在于，它不仅告诉你“该做什么”，更重要的是，它教你如何保持一种批判性的、面向未来的心智模式。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是它所蕴含的“未来感”并非是科幻式的空想，而是根植于对当下社会脉络的深刻洞察。作者没有回避人工智能、虚拟现实这些热门议题，但他处理这些议题的方式非常老练——他不是去描绘一个赛博朋克的未来，而是探讨在这些技术冲击下，人类独有的“在场性”和“手作温度”将如何被重新定义和珍视。这种对“永恒价值”的坚守与对“新媒介可能”的拥抱，形成了一种非常迷人的张力。而且，书中穿插的案例分析，很多都是我闻所未闻的，这些案例本身就展现了超越常规的创造力边界。它不是一本教你如何模仿的指南，而是激发你如何超越既有范式的“催化剂”。读完后，我感到自己看待日常事物的方式都发生了微妙的变化，仿佛有一层灰蒙蒙的滤镜被揭开了，能够更清晰地看到潜藏在事物表象之下的结构和意义。这本书无疑会成为我未来很长一段时间内反复研读的参考书。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书的行文节奏感非常强，有一种内在的音乐性。在探讨到情绪、感知这些相对主观的领域时，作者的句式变得舒缓而富有韵律，像是在低语着一些只有创作者才能听懂的秘密。这种叙事上的张弛有度，使得阅读过程本身就成了一种体验。比如，在描述如何捕捉转瞬即逝的灵感时，作者用了一种近乎散文诗的笔法，充满了画面感和流动性，让人忍不住想要立刻停下来，拿出纸笔尝试捕捉自己脑海中的片段。但紧接着，当他开始分析市场机制对艺术生态的影响时，语言又立刻变得犀利、结构化，充满了精准的分析和数据支撑，仿佛一下子从梦境跌入了现实的角力场。这种在感性与理性之间流畅切换的能力，是这本书最大的魅力之一。它既能提供心灵的慰藉和灵感的火花，也能提供应对残酷现实的策略和武器。对我来说，它更像是一部艺术家的“生存手册”和“精神圣经”的结合体。