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理查德·沃尔特 著

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出版社： 天津人民出版社

ISBN：9787201115184

商品编码：12656053452

包装：精装

开本：32

页数：488

图书基本信息 BASIC INFORMATION

书名：剧本 作者：理查德?沃尔特 出版社：天津人民出版社 定价：58 出版时间：2017-5 开本：32 页数：488 装帧：精装 ISBN：9787201115184

内容简介 BASIC INFORMATION

加州大学洛杉矶分校（UCLA）电影学院的影视写作专业在全美国排名第yi，而本书作者理查德·沃尔特是这个专业的主席。他讲授的影视写作课被《纽约时报》《华尔街日报》《洛杉矶时报》一致评价为富有传奇色彩，不仅桃李天下，还有学生接二连三地获得了奥斯卡、金球奖等奖项。《剧本》作为这门课程的内容大纲，涵盖了标准的剧本格式、剧本修改方法、真实的业界环境，三十多年来被全世界一百多所大学当作教科书使用。通俗易懂，手把手教你写出一部专业的影视剧本。     编辑推荐   在美国排名前三的影视类院校中，南加州大学（USC）以校友发达、设备先进著称，纽约大学（NYU）擅长培养作者导演、独立制片人，位于好莱坞中心的加州大学洛杉矶分校（UCLA）则掌握着zuid优质的编剧专业。 在一个春暖花开的季节，我于洛杉矶西木区一栋教学楼的三层见到了专业主席理查德?沃尔特教授。他坐在被剧本堆满的办公室里，带着UCLA棒球帽，身穿休闲运动服，头发银白，笑容温和，镜片后面的双眼干净有神——典型的学者风格，让人瞬间产生了信赖。 在好莱坞前沿写作、执教近四十年，这位亲切随和的老师，有着业内的高度评价和学术权wei。在两年收费五十五万人民币的硕士学位课程中，他的高级创意写作课每期只招收八名学生，以至于有编剧说“能在他的课上觅到一个席位，才算真正敲开了好莱坞的大门。” 在编辑这本书的过程中，我不时被书中的幽默风趣和谆谆教导所打动，仿佛真的坐在了UCLA的课堂里，看着沃尔特教授在眼前为我们全面、细致地讲解这个行业和这门艺术的基本规则。无论技巧、规范，还是美国电影行业的真实业态，对准备进入影视行业的我们来说，都具有启发意义。

图书展示 BASIC INFORMATION

作者简介 BASIC INFORMATION

理查德·沃尔特Richard Walter   编剧、剧本医生，加州大学洛杉矶分校（UCLA）电影学院副院长、影视写作专业主席、终身教授。执教近四十年，为好莱坞各大制片厂和美国三大电视网编写剧本，在北美、伦敦、巴黎、墨西哥、马德里、里约热内卢、耶路撒冷、香港等地均有授课。     他的学生们为史蒂文·斯皮尔伯格写出过十一个电影剧本，得意门生不乏两度夺得奥斯卡zuid佳改编剧本的亚历山大·佩恩（电影《杯酒人生》《后人》）、获奥斯卡zuid佳原创剧本的达斯汀·兰斯·布莱克（电影《米尔克》），以及《侏罗纪公园》《蜘蛛侠》《碟中谍》《夺d宝奇兵》等片的编剧大卫·凯普、《冒牌天神》导演汤姆·莎迪亚克、《幸福终点站》编剧萨沙·杰瓦西、《绯闻女孩》编剧费利西娅·亨德森、《辛普森一家》编剧堂·佩恩等人。 上百家美国媒体报道过理查德·沃尔特和他富有传奇色彩的影视写作课程，作为评论专家，他还活跃在《今日秀》《ABC黄金时间》《CBS新闻》等电视及电台节目中。

关于评论 BASIC INFORMATION

理查德·沃尔特是业内zuid好的编剧老师。——《侏罗纪公园》《蜘蛛侠》《碟中谍》《夺bao奇兵》编剧大卫·凯普 身兼编剧一职，理查德·沃尔特是唯yi一个知道自己在说什么的剧作指导。——《本能》编剧乔·埃泽特哈斯 在写作的淘金热中，理查德·沃尔特教你走的是正道。——《脱衣舞娘》《马龙·白兰度传》导演安德鲁·伯格曼 了解电影奥秘的专家。——《Final Cut》图书作者史蒂文·巴赫 这本书综合全面且富于启发，以清晰、智慧、幽默的方式讲授了剧本创作要素。——奥斯卡、金球奖、英国电影学院奖获奖者，《杯酒人生》《后人》编剧、导演亚历山大·佩恩

目 录 BASIC INFORMATION

Preface 1中文版序 Preface 2译者序   Introduction前言   Part One艺术 Chapter 1七个被误解的词 Chapter 2观众：观察者的位置 Chapter 3个人剧本 Chapter 4创意选择：点子、故事、主题和身份 Chapter 5冲突：暴力与性 Chapter 6幻觉：真实与电影 Chapter 7故事：情节装配 Chapter 8角色 Chapter 9对白 Chapter 10动作与场景设置 Chapter 11格式 Chapter 12反馈：初稿意见的标注符号  Part Two技巧 Chapter 13写作习惯 Chapter 14情感 Chapter 15疯狂的艺术    Part Three商业运作 Chapter 16合作与协作 Chapter 17剧本销售策略    Part Four电影全景 一个案例研究：“那个和我们一起上电影学院的家伙” 一个编写故事的技巧练习《物质享受》：主题与身份   Appendix附录

试 读 BASIC INFORMATION

在电影《教父》中，一个富人公然蔑视黑手党。黑手党怎样惩罚他呢？烧毁他的房子？打断他的一条腿？用冰凿插进他的太阳穴？或者做这所有事情？可能这些都是可行的解恨的方法，但是它们都能真正融入整部电影吗？这些点子新鲜吗？对这种情况下的人物角色显得特别吗？ 绝对不是。相反，编剧采用了与前面衔接的惩罚方法。这个富人喜欢赛马并吹嘘他拥有一匹冠军马，清晨，当他从铺盖华丽丝绸的床上醒来时，看见他的爱马，马头血淋淋地放在他的床上。 在影片《大西洋城》里，约翰·瓜尔写了这样一个场景，一个年轻漂亮的女子赤裸上身站在厨房的地上，用新鲜的柠檬汁按摩自己的乳房。我承认我一点也不介意观看这样的画面，哪怕只为它的镜头本身；就像在后面冲突一章中讨论的那样，色情zuid早的古希腊开始，就一直是戏剧的核心部分，虽然当年演员们穿着衣服。 然而，我提出的问题是：这个画面出现在这部电影里合适吗？ 回答是：合适，绝对合适。因为早先介绍这个女人在一家快餐店从事给人上炸鱼的寒酸工作。鱼的腥气渗透她的每一个毛孔，这个用柠檬擦拭身体的动作细节隐喻了她对生活的幻灭、她的挫折和自卑。柠檬汁的治疗提供了一个卑微的机会，让她从那个难受的地方回来后，可以哪怕只是暂时地洁净自己。没错，这个画面有点儿色情，但是它的意义远远不止这一点。它非常合适地融入了影片的其他场景和动作。不只是增加了内容，而且是被非常优雅地编织到了电影的整块布上面。 所以，编剧所面对的挑战是选择真正精彩而不是仅仅说得过去的场面和动作，使之与电影的后面部分相互呼应。在故事中，人物、主题、以及整个电影的所有行动，都应该寻求用新的线索去引导，它们是新颖的，和我们在许多电影里重复看到的情节不同。

 

影视剧本创作：从概念到银幕的深度解析 本书聚焦于剧本创作的核心要素与实践技巧，旨在为有志于影视叙事的创作者提供一套系统、深入的学习路径。我们不探讨任何特定作者或机构的教材，而是专注于剧本作为一种独特文学形式的通用原理和创新思维。 第一部分：剧本的本质与结构——搭建故事的骨架 剧本不仅仅是故事的文字记录，它更是一种行动的蓝图，是连接作家想象与银幕呈现之间的桥梁。本部分将从根本上解构剧本的独特属性，并阐明其区别于小说或戏剧的关键特征。 1. 剧本的“可见性”与“可听性”原则： 剧本的最终产品是视觉化的。因此，每一行文字都必须指向画面和声音。我们将深入探讨如何将内心的情感、复杂的哲学思考，转化为可被镜头捕捉的具体动作和可被麦克风接收的对话。讨论的重点将是“展示而非告知”（Show, Don't Tell）在剧本创作中的绝对统治地位，以及如何通过环境描述（Scene Description）和人物行动（Action）来替代冗长的内心独白。 2. 结构学的黄金比例：三幕式叙事的回溯与超越： 经典的三幕式结构（开端、发展、结局）是西方叙事艺术的基石。然而，优秀的创作者需要理解这一结构背后的驱动力，而非机械地套用。我们将分析“激励事件”（Inciting Incident）、“中点”（Midpoint）以及“高潮”（Climax）在推动情节和角色弧光中的精确作用。 第一幕：铺陈与承诺： 如何在极短的篇幅内，迅速确立世界的规则、主要冲突的性质，并向观众做出“你将看到一个什么样的故事”的明确承诺。 第二幕：对抗与升级： 探讨“障碍的层层递进”这一核心机制。冲突的升级必须是指数级的，每一次尝试解决问题都应带来更大的风险。我们将研究如何利用“次要情节”（Subplots）来丰富主题和深化主要人物的困境。 第三幕：决战与解决： 分析如何通过“高潮”将人物的内在转变（Internal Arc）与外在目标（External Goal）完美融合，实现令人信服的结局，而非简单的“好人获胜”。 3. 格式的纪律性： 剧本格式并非束缚，而是专业性的体现。精确的页码对应着大致的银幕时间。本节将详述标准剧本的格式规范，包括场景标题（Sluglines）、动作描述、人物名称、对话和父级指示（Parentheticals）的准确用法，强调清晰、简洁的格式是确保导演、演员和制作部门能够高效执行的基础。 第二部分：人物塑造的深度挖掘——驱动故事的引擎 故事的内核永远是人。一个引人入胜的剧本，其驱动力来源于对人物动机、缺陷和成长的深刻理解。 1. 需求的本质：外在目标与内在伤痛： 每个主要角色必须拥有一个清晰的“外在目标”（他们想要什么）和一个隐藏的“内在需求”（他们真正需要什么）。我们将探讨如何构建这种目标与需求之间的张力，这种张力是造成人物矛盾和戏剧冲突的永恒来源。角色弧光（Character Arc）的成功与否，取决于他们能否在故事终点处理或克服自己的“致命缺陷”（Fatal Flaw）。 2. 对话的艺术：声音、节奏与潜台词： 剧本中的对话是高度凝练和功能性的。它必须服务于推进情节、揭示人物或建立氛围。本部分将区分“功能性对话”与“现实性对话”。重点分析“潜台词”（Subtext）的构建——即角色真正想说但没有说出口的部分。通过分析场景中的停顿、重复和回避，学习如何让对话在表面之下暗流涌动，避免角色“说教”或“解释剧情”。 3. 人物关系网的构建： 人物的塑造不是孤立的，而是通过其与其他角色的互动建立的。我们将分析“对立面”（Antagonist）的设计，一个优秀的对立面应该是主角目标的最强体现者，而不是一个单纯的“坏人”。同时，探讨“镜像角色”（Foil）的使用，即通过另一个性格截然不同的人物来反射和强调主角的关键特质。 第三部分：主题、节奏与场景调度——赋予剧本灵魂 剧本的成功仰赖于其内在的主题深度和外在的叙事节奏控制。 1. 主题的隐性表达： 优秀的主题不是通过角色口中说出的宣言，而是通过他们选择的行动和承受的后果体现出来的。本部分将讨论如何将复杂的哲学、社会或伦理观点“内化”到情节的结构和人物的牺牲中，确保主题的表达是自然且有力的。 2. 节奏的控制与场景的密度： 节奏是剧本的呼吸。我们将研究如何通过调整场景的长度、动作的复杂性和对话的频率来控制观众的紧张感和放松期。重点分析“铺垫与回报”（Set-up and Payoff）的技巧，如何在早期场景中埋下看似无关紧要的元素，并在后续场景中将其转化为关键性的剧情转折或幽默点。 3. 场景的焦点与张力： 每一个场景都必须有明确的目的，并且必须以更高的冲突或更深的理解结束。我们将解析“场景目标”（Scene Objective）的设定，并探讨如何利用场景内的“小高潮”来保持观众的持续投入。场景的转换（Transitions）也应被视为叙事工具，而非仅仅是空间或时间的跳跃。 第四部分：从初稿到定稿——打磨与重写 创作过程的实质是重写。第一稿只是将故事“写出来”，后续的工作才是将故事“写好”。 1. 初稿的解放与审视： 鼓励创作者以最快速度完成第一稿，避免陷入细节的泥潭。随后，学习如何跳出作者身份，以批判性的“第一位观众”的眼光来审视自己的作品，尤其关注逻辑漏洞、人物动机的不一致性以及节奏上的“疲软点”。 2. 结构性重写与细节精炼： 重写工作应分层进行：首先是结构（例如，调整幕间点或核心冲突的位置），其次是人物弧光的一致性，最后才是对话和动作描述的精炼。我们将提供一套实用的自查清单，用于识别并修正剧本中最常见的结构性缺陷。 3. 场景的“减法”艺术： 剧本需要极度的经济性。本节将指导创作者如何无情地删减那些虽然写得漂亮但对故事推进无益的冗余描述和对白。学会用最少的文字，传达最大的信息量，这是剧本专业化的标志。 本书的最终目标是培养创作者的“电影思维”——一种能够将抽象的概念转化为可执行的视觉和听觉指令的能力，从而创作出既具有艺术深度又具备商业吸引力的影视作品。

评分☆☆☆☆☆

这本《剧本》的封面设计就挺吸引我的，简约又不失专业感，尤其注意到“UCLA电影编剧教程”这几个字，立马觉得内容应该相当扎实。我一直对影视创作抱有浓厚的兴趣，自己也尝试写过一些零散的片段，但总觉得缺乏系统的方法论支撑。网上随便找的教程看了一堆，东拉西扯，真正能落到实处的指导少之又少。所以，当看到这本书被冠以“教程”之名，并且是出自专业院校的体系，我内心是充满期待的。我尤其好奇它会如何拆解剧本的核心要素，比如人物弧光、冲突构建、场景调度这些，是会用枯燥的理论术语堆砌，还是会像故事会一样娓娓道来？毕竟，编剧这行，光有热情是不够的，还得有技术，而技术往往需要一个好的引路人。这本书如果能提供清晰的框架和可操作的步骤，那对我来说简直就是久旱逢甘霖。我希望它不仅仅是教你怎么“写”，更重要的是教你如何“思考”一个故事的骨架和血肉该如何搭建，那种深层次的叙事逻辑，才是区分业余和专业的关键所在。这本书的定位似乎很明确，就是要填补这块空白，这一点我很欣赏。

评分☆☆☆☆☆

关于“包邮现货”这一点，虽然听起来很基础，但对于一个急切想开始学习的读者来说，这简直是福音！知识的获取速度有时候真的会影响学习的热情。我试过好几次，一旦下定决心要钻研某个领域，就会立马去搜集资料，结果遇到漫长的等待期，那股劲头往往就被消磨了大半。这本书能保证快速到手，意味着我可以立刻开始实践书中的内容，边学边写，这种即时反馈对提升技能至关重要。我对于那些需要大量阅读和练习才能见效的技能型书籍，最怕的就是拖延。希望这本书的排版和纸张质量也对得起这份急切的心情，毕竟，长时间对着屏幕阅读复杂的剧本结构分析，对眼睛也是个考验。一个好的载体，能让学习过程本身也变得愉悦起来，这是细节控的我的小小偏执吧。

评分☆☆☆☆☆

“果麦图书”这个出版方也让我多看了一眼。他们家出版的书籍，在装帧设计和选书的眼光上，通常都比较符合年轻一代读者的审美，而且他们对版权的引进也颇为谨慎，倾向于选择在特定领域有标志性地位的作品。这让我联想到，这本书可能不仅仅是纯粹的技术手册，可能在理论介绍的同时，也融入了对整个行业生态的思考，或者说，它会介绍好莱坞乃至国际上顶尖的编剧思维模式。很多国内的编剧教程，往往会过度聚焦于本土化的叙事习惯，而这本“UCLA教程”的名字，暗示着它可能会提供一个更广阔的、跨文化的视角。我非常期待看到它如何解析那些经典的好莱坞结构，并让我们思考如何将这些普适性的原理，巧妙地嫁接到我们自己的故事创作中，而不是生硬地模仿。

评分☆☆☆☆☆

我的核心需求，其实是希望这本书能提供一个“剧本思维”的转换器，让我从一个“写故事的人”转变成一个“构建世界和冲突的工程师”。我以前写小说或者散文时，往往是情感先行，跟着感觉走，但剧本不同，它要求的是精确的视觉化表达和严密的逻辑链条。我期待这本书能详尽地讲解，如何把抽象的情绪和主题，转化为具体的、可被镜头捕捉的动作和台词。例如，书中会不会有关于“潜文本”的详细分析？如何通过角色在特定情境下的选择，来揭示其内心深处的矛盾，而不是通过冗长的独白来交代背景？如果这本书能教会我如何用最少的文字，制造最大的戏剧张力，并清晰地划分出“三幕剧”甚至更细分的结构节点，那么它对于我这个业余爱好者来说，价值就无可估量了。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我关注这本书很大程度上是因为蔡康永的推荐。他这个人，在表达和沟通方面的功力是毋庸置疑的，他能从那么多作品中挑出这一本力荐，想必自有其独到之处。他的推荐往往带着一种“过来人”的洞察力，他知道在信息爆炸的时代，什么知识才是真正能沉淀下来的干货。我猜测这本书的叙事风格可能不会像传统的教科书那样严肃刻板，而是会融入一些更贴近现代创作环境的观察和案例。毕竟，现在的影视作品语境变化太快，老旧的剧作理论可能难以应对新的观众口味和媒介形式。我特别期待它能探讨如何处理快节奏叙事和深度挖掘之间的平衡。现在的观众耐心有限，但好的故事内核又需要时间去铺垫。这本书如果能提供一些实用的技巧来平衡这两点，比如如何用高效的场景来推进剧情又不牺牲人物的内心成长，那就太棒了。蔡康永的背书，让我对它的“可读性”和“实用性”都有了更高的期望值。