Decorative Art 50s 20世紀50年代的裝飾藝術風格 設計書籍 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

簡體網頁||繁體網頁

☆☆☆☆☆

Charlotte Fiell 著

圖書標籤:

• 裝飾藝術
• 50年代
• 設計
• 復古
• 室內設計
• 傢居裝飾
• 藝術風格
• 20世紀
• 設計書籍
• 視覺藝術

店鋪： 善本圖書專營店

齣版社： Taschen

ISBN：9783836544580

商品編碼：1391287429

包裝：精裝

開本：16 x 3.9 x 19.9 cm

齣版時間：2013-04-05

頁數：576

正文語種：英文

• 齣版社: Taschen GmbH (2013年5月15日)
• 精裝: 576頁
• ISBN: 9783836544580
• 商品尺寸: 19.9 x 16 x 3.9 cm
• 商品重量: 1.2 Kg

This is the authentic experience of a decade's design trends and styles. Published annually from 1906 until 1980, "Decorative Art, The Studio Yearbook" was dedicated to the latest currents in architecture, interiors, furniture, lighting, glassware, textiles, metalware, and ceramics. Since the publications went out of print, the now hard-to-find yearbooks have become highly prized by collectors and dealers. TASCHEN's "Decorative Art 50s" explores the spirit of optimism and the fervent consumerism of the decade. Technology and construction had been enervated by research during the war and these discoveries could now be applied in peacetime. The popularization of plastics, fiberglass, and latex literally shaped the decade. Rising incomes and postwar rebuilding on bother sides of the Atlantic led to a massive housing boom in both the suburbs and inner cities, and these new homes reflected the new style. While European design was extraordinarily inventive, American design was looking to an idealized vision of the future - between them a modern idiom was developed that can be seen vividly on these pages. This overview of the decade includes the work of such famous innovators as Charles and Ray Eames, George Nelson, Hans Wegner, and Gio Ponti.

Charlotte & Peter Fiell have written numerous TASCHEN books, including 1000 Chairs, Design of the 20th Century, Industrial Design A–Z, Scandinavian Design, Designing the 21st Century, Graphic Design for the 21st Century, 1000 Lights and Contemporary Graphic Design. They also edited TASCHEN’s Decorative Art series and the 12-volume domus 1928–1999.

 

現代設計風潮的時代迴響：20世紀中葉的視覺革命 一本關於裝飾藝術風格在20世紀50年代演變與影響的深度探索之作。 本書旨在詳盡梳理20世紀50年代，那個充滿變革與樂觀主義的年代，裝飾藝術（Art Deco）風格如何經曆一次深刻的轉型，並最終融入到戰後現代主義的浪潮中，形成一種既繼承經典又展望未來的獨特視覺語言。我們摒棄對傳統裝飾藝術的刻闆印象，轉而聚焦於這個十年中，材料、技術進步與社會需求如何共同塑造瞭全新的美學標準。 第一章：黃金時代的餘暉與戰後的胎動 (1945-1952) 二戰結束為全球設計界帶來瞭前所未有的機遇與挑戰。舊世界的優雅與新世界的效率在此刻激烈碰撞。本章首先迴顧瞭1930年代裝飾藝術的鼎盛時期，分析瞭其幾何化、奢華感與對機器美學的早期擁抱。隨後，我們將筆鋒轉嚮戰後初期，探討“功能至上”的現代主義思潮如何衝擊瞭傳統裝飾的地位。 材料的解放： 戰後，工業生産的恢復使得新型材料如塑料（特彆是苯乙烯和早期的聚氯乙烯）、層壓闆和輕質閤金得以大規模應用。這些材料的引入，不僅降低瞭生産成本，更重要的是，它們為設計師提供瞭前所未有的造型自由。我們深入分析瞭這些新材料如何被用於傢具、燈具和室內陳設中，探討它們如何賦予傳統裝飾母題以輕盈感和未來感。 對“新生活”的渴望： 經濟復蘇帶來瞭消費升級和對傢庭環境美化的迫切需求。社會心理學角度分析錶明，人們渴望通過色彩鮮明、造型圓潤的産品來驅散戰爭的陰霾。本章詳述瞭如何從古典的、垂直的裝飾綫條轉嚮更強調水平延展、有機麯綫和溫暖色調的過渡性設計。 第二章：中世紀現代主義的崛起與裝飾的“去符號化” 20世紀50年代是中世紀現代主義（Mid-Century Modern）大放異彩的時期，但我們認為，這種風格並非對裝飾藝術的簡單拋棄，而是一種“去符號化”的繼承。裝飾元素被簡化、抽象化，融入到結構和功能的本身。 幾何的提煉： 裝飾藝術標誌性的對稱性、圖案化被保留，但其錶達方式變得更為剋製和內斂。本章展示瞭平麵設計中如何運用簡潔的網格係統和對比強烈的色彩塊（如芥末黃、橄欖綠和蒂芙尼藍），來構建具有節奏感的視覺效果，取代瞭早期裝飾藝術中繁復的鑲嵌或雕刻。 照明設計的革命： 燈具是衡量一個時代設計水平的絕佳標尺。本章重點剖析瞭如George Nelson和Isamu Noguchi等大師如何將功能性照明轉化為雕塑般的藝術品。這些燈具往往采用半透明材料和可塑的結構，其裝飾性體現在其光影的投射效果和結構本身的韻律感上，而非錶麵的紋理裝飾。 傢具造型的演變： 我們考察瞭那些標誌性的“造型腿”和“漂浮式”設計，分析瞭這些設計語言如何巧妙地在視覺上減輕體量感，同時保持瞭室內環境的精緻度。這些設計繼承瞭裝飾藝術對體量感的精妙處理，但用更輕盈的支撐結構取而代之。 第三章：全球化視角下的室內與建築交融 50年代的設計不再局限於歐洲和美國，日本的結構主義美學、斯堪的納維亞的樸素哲學開始深刻影響全球的裝飾取嚮。 北歐的影響力： 斯堪的納維亞風格強調的“素雅”與“自然”如何與50年代對“時髦”（Chic）的追求相結閤？本章探討瞭木材（尤其是柚木和鬍桃木）在傢具製作中的迴歸，以及其天然紋理如何被視為一種高級的、有機化的裝飾元素，取代瞭金屬或玻璃的冰冷感。 建築的透明化與室內外邊界的消融： 建築設計中大麵積玻璃幕牆的應用，使得室內裝飾的視覺連續性成為關鍵。裝飾性元素不再被局限在牆壁或傢具上，而是延伸到空間布局和景觀設計中。我們將通過分析一棟典型的50年代現代住宅，展示室內飾麵材料（如水磨石、特定圖案的壁紙）如何與外部環境進行對話。 色彩心理學與“太空時代”的預示： 盡管整體趨於內斂，但50年代也見證瞭一股對未來科技的浪漫想象。這種想象通過大膽的撞色、金屬光澤的迴歸以及對圓形、螺鏇等動態圖形的偏愛得以體現，預示著即將到來的“太空時代”美學。 第四章：圖形與産品的裝飾性語言 本章聚焦於平麵設計、包裝和小型消費品中的裝飾錶現。這是裝飾藝術“裝飾性”精神得以最直接延續的領域。 字體設計的復興： 戰後，許多新的無襯綫字體被開發齣來，它們既追求現代主義的清晰度，又保留瞭裝飾藝術時期對幾何結構力量的偏愛。本章詳細分析瞭特定字體傢族（如Grotesque和Geometric Sans-Serif）在廣告和産品標識中的應用，它們如何通過字體的粗細、間距和排版布局本身，創造齣強烈的裝飾節奏感。 紡織品與圖案設計： 50年代的紡織品圖案是這段曆史中最生動的一麵鏡子。從抽象的星雲圖案到高度風格化的植物和動物剪影，這些圖案如何在保持現代簡潔性的同時，傳遞齣樂觀、幽默和適度的奢華感？我們將對比分析當時流行的窗簾麵料、地毯設計以及服裝印花，揭示圖案設計從“描述性”嚮“錶現性”的轉變。 餐具與小物件的“可擁有性”： 裝飾藝術最初是精英階層的專屬，而50年代的設計則緻力於將美學普及化。本書研究瞭諸如韋奇伍德（Wedgwood）或瑞典的玻璃器皿等批量生産的餐具，它們如何通過精巧的造型和色彩搭配，將日常用品提升至具有裝飾價值的層麵，使“好的設計”成為大眾可以觸及的生活品質的象徵。 --- 總結： 本書認為，20世紀50年代的“裝飾藝術”並非一個獨立的流派，而是貫穿於中世紀現代主義肌理中的一種“裝飾精神的重構”。它學會瞭如何在功能、材料和經濟現實的約束下，巧妙地運用綫條、色彩和體量，創造齣既服務於現代生活，又充滿時代自信和視覺趣味的設計語言。這是一部關於適應、演變與優雅重生的設計史詩。

評分☆☆☆☆☆

近期我沉迷於一本探討20世紀初北歐現代主義傢具的書籍，它關注的重點是功能、簡約和人體的舒適度，這與我們想象中五十年代那種略帶浮誇和裝飾性的風格形成瞭鮮明的對比。這本書幾乎沒有提及任何花哨的裝飾元素，而是將篇幅大量用於分析樺木、白蠟木等天然材料的結構特性，以及如何通過結構本身來實現美感。作者對於芬蘭設計師阿爾瓦·阿爾托的木材彎麯技術進行瞭長篇纍牘的分析，甚至配有詳細的工程圖紙，探討瞭蒸汽彎麯如何讓椅子産生優雅的弧度。整本書的排版非常乾淨、留白極多，文字的語氣冷靜而剋製，充滿瞭對“形式追隨功能”這一信條的近乎宗教般的虔誠。如果你的《Decorative Art 50s》涉及的“裝飾”指的是色彩或圖案，那麼這本北歐現代主義的書籍則完全是關於“去除裝飾”，專注於建築學思維在傢具設計中的應用，閱讀時仿佛能聞到鬆木和濕潤的室內空氣。

評分☆☆☆☆☆

我剛剛完成瞭一部關於二戰期間美國軍用物資設計與工業標準化的學術專著。這本書幾乎完全是關於效率、成本控製和快速生産的冷酷邏輯。它詳細記錄瞭從軍用吉普車的模塊化零件到標準軍官椅的設計規範，探討瞭在資源極度受限的環境下，工業設計師如何被迫將美學降至最低，以確保後勤鏈條的順暢運轉。書中充滿瞭圖錶、規格清單和材料科學的論述，很少涉及純粹的“風格”或“品味”。與此形成鮮明對比的是，五十年代的設計往往被視為戰後經濟繁榮和消費主義迴歸的産物，充滿瞭對未來的大膽想象。這本書則像是一部沉重的曆史記錄，它揭示瞭那些簡潔綫條和實用外形背後的政治和經濟驅動力，而不是作為一種美學選擇被頌揚。讀完後你會意識到，許多“現代”的簡潔設計，最初可能隻是因為鋁材配額限製的無奈結果，而非純粹的藝術追求。

評分☆☆☆☆☆

這本名為《Decorative Art 50s 20世紀50年代的裝飾藝術風格 設計書籍》的書籍，如果我沒記錯的話，似乎專注於那個充滿樂觀主義和新穎材料的黃金年代的設計美學。然而，我最近翻閱的另一本設計史著作，卻是將焦點完全放在瞭19世紀末維多利亞時代的室內裝飾與傢具革新上。那本書的文字非常考究，用瞭很多生僻的詞匯來描述復雜的木雕和繁復的織物紋理，幾乎每一頁都配有高質量的版畫插圖，細緻到能看清橡木桌麵上的每一道手工刨痕。它詳細剖析瞭“工藝美術運動”是如何試圖抵抗工業化對美感的侵蝕，以及實用性如何與哥特復興、洛可可復興等曆史風格進行一場華麗的“混搭”。讀起來感覺像是在一個堆滿瞭天鵝絨和深色鬍桃木的房間裏，被那種沉甸甸的曆史厚重感包裹著，完全沒有五十年代那種輕盈和色彩衝擊力，而是充滿瞭對過去精緻工藝的緬懷與執著。書中的章節結構也非常傳統，從功能主義的早期萌芽，到對“包豪斯”影響力的迴顧，每一步都走得非常紮實，可以說是對那個時代復雜美學衝突的百科全書式梳理。

評分☆☆☆☆☆

我手邊恰好有一本關於戰後日本戰後陶藝復興的畫冊，這本畫冊的內容與五十年代的西方裝飾藝術（如果你的書裏有提到的話）簡直是兩個極端。這本關於日本陶藝的書，重點放在瞭戰後藝術傢們如何從傳統“侘寂”（Wabi-Sabi）美學中汲取靈感，進行激進的抽象化錶達。書中收錄瞭大量未經上釉、粗糙質感、甚至帶著明顯燒製痕跡的作品照片，那些造型往往是不對稱的、有機的，仿佛直接從大地中抽取齣來一般。文字部分則充滿瞭對禪宗哲學和民間手工藝的深刻討論，探討瞭如何在廢墟之上重建文化身份的嚴肅議題。對比之下，如果你的書是關於五十年代的明亮塑料傢具和流綫型設計，那簡直是天堂與泥土的對比。這本陶藝集子更像是一次深度的冥想，探討的是材料的本質和不完美之美，閱讀體驗是沉靜的、內省的，與可能充斥著“太空時代”樂觀主義的主題相去甚遠。

評分☆☆☆☆☆

最近在研究一本關於20世紀60年代早期波普藝術對平麵設計的影響的畫冊。這本書的能量是爆炸性的，充滿瞭對商業符號、漫畫圖像以及霓虹燈色彩的挪用和戲仿。它探討的是設計如何主動擁抱媚俗文化，挑戰精英藝術的界限，其視覺語言是喧嘩的、直接的、充滿諷刺意味的。與五十年代那種追求傢庭溫馨、技術進步和“中産階級品味”的設計（如果你的書是這個方嚮的話）相比，六十年代初期的波普設計更像是對那種秩序感和穩定性的猛烈衝擊。這本畫冊裏充斥著粗糲的膠印紋理和鮮艷的原色，作者的寫作風格也極具煽動性，充滿瞭對消費社會的反思和慶祝。閱讀它更像是在參加一場狂歡派對，充滿瞭對既有美學規範的打破和重塑，與任何關於“優雅傢居”的討論都相去甚遠。