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尼爾．藍道 著

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出版社： 原點

ISBN：9789866408694

商品编码：16098353245

好電影的法則：101堂電影大師受用一生的UCLA電影課

 

 

书名：好電影的法則:101堂電影大師受用一生的UCLA電影課

 

版社：原點

 

作者：尼爾．藍道

 

出版日期：2013年1月17日

 

ISBN：9789866408694

 

页数：220

 

尺寸： 15 x 20 cm

 

 

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內容簡介

這些課程，孕育了107座金像獎278座艾美獎

80座金球獎62座電影獨立精神獎

 

◎至受歡迎的UCLA電影課，逾60年的電影精英授課菁華

◎電影大師柯波拉、導演Tim Robbins、金獎紀錄片導演Gibney、金獎剪接師Scalia等人入行啟蒙的第1課

◎不去好萊塢，就能學到美國電影工業的行規與實務經驗法則

◎從行話、預算、導演、編劇到運鏡，101堂融合大師經驗法則、職場座右銘的好電影入手關鍵

◎第1本傳授用「影像」說好故事的基本常識，看懂好電影寫給專業工作者，也適合影評及愛好者。

二十年前UCLA的一堂《十誡》鏡頭賞析課，開啟了作者人生的電影之路。從UCLA畢業生到教師，作者尼爾˙藍道的電影知識承襲了逾60年歷史的UCLA授課精華。這些課程曾孕育出大導演柯波拉、金獎紀錄片導演Gibney、金獎剪接師Scalia、《繼承人生》導演Payne、《Stand by me》導演Reiner、《班傑明的奇幻旅程》、《驚爆內幕》編劇Roth、《侏羅紀公園》、《不可能的任務》、《蜘蛛人》、《印第安納瓊斯》、《星際戰警 》編劇Koepp、《自由大道》導演Lance Black、《慾望城市》催生人Darren Star、《越過死亡線》編導Tim Robbins等人……。

身為國際性編劇顧問，藍道教學之餘，也與20世紀福斯、迪士尼、環球和哥倫比亞等公司合作劇情片，並為華納兄弟、Touchstone、時代生活和哥倫比亞廣播公司拍過電視試播帶。為了讓大家不必像他當年茫然摸索，更快上手，看出電影好壞，他將UCLA電影授課精華濃縮為101堂課，與所有愛好者與從業人員分享，揭露好電影，如何好的關鍵。

不論廣告、微電影、劇情片、紀錄片，好故事該如何開場？哪十三種電影手法一出招，立刻曝露你是電影菜鳥？劇本一頁等於銀幕幾秒？好鏡頭，如何善用三等分法則？好主角，如何有缺點而非比完美？好片名，如何一語雙關，又好聽好記？好故事，如何用演的，不用說的？ 如何簡報，是美國電影工業認可的有效方式？敘事結構不佳，為何第二幕就見真章？動畫片的重點是「揮灑」想像力，而非「揮霍」想像力？拍片過程如何省下時間又省下金錢？為何大導演說，偉大的作品是因為準備好等待意外發生？所有電影人都該把退件視為一種過程？

說好故事，既困難又容易，從youtube上po影片、廣告、產品行銷到微電影，從紀錄片到劇情片，面對影像無遠弗屆的強大溝通力和敘事力，如何說個好故事，讓觀眾起立鼓掌？這些你原本以為的專業力，現在已廣泛運用在自我行銷和產品行銷上了，如何充實基本影像力，拍出好片，看懂好片，就看這一本。

關於好電影，你明白這些事嗎？

◎用演的，別用說的！

◎把內心世界視覺化

◎有缺陷比完美的主角更具魅力

◎開始要強而有力

◎創造吊人胃口的慾望之物

◎用一句話道出一部片的精髓

◎善用「但是」的爆發力

◎情節是肢體的事件，故事是情緒的事件

◎故事關心的是角色，主題關心的是人性

 

作者簡介

尼爾．藍道（Neil Landau）

美國編劇，代表性的電影和電視劇本包括：《打工淑女》（Don’t Tell Mom the Babysitter’s Dead）、《新飛越情海》（Melrose Place）、《天才小醫生》（Doogie Howser, M.D.）、《豪勇七蛟龍》（The Magnificent Seven）、《一生兩次》（Twice in a Lifetime）等。曾為20世紀福斯、迪士尼、環球和哥倫比亞等公司合作劇情片，並為華納兄弟、正金石影片（Touchstone）、時代生活和哥倫比亞廣播公司拍過電視試播帶。他是國際性的編劇顧問，並在加州大學洛杉磯分校(UCLA)電影、電視和數位媒體學院任教。居住於洛杉磯。

 

繪者簡介

馬修．佛德烈克（Matthew Frederick)

為建築師、城市設計師、教師，著有《建築的法則：101個看懂建築，讓生活空間更好的黃金法則》（原點出版)，和「我學到的101件事」（101 Things I Learned)系列的創造者、編輯和插畫家。住在麻州康橋。

 

譯者簡介

吳莉君

國立台灣師範大學歷史系畢業，譯有《觀看的方式》、《觀看的視界》、《我們在此相遇》、《霍布斯邦看21世紀：全球化，民主與恐怖主義》、《建築的法則》、《包浩斯人》、《設計是什麼？》、《光與影》、《建築的危險》、《設計的方法》等書。任職出版社多年，現為自由工作者。

影坛圣经：导演的修炼与电影的永恒魅力 一部深入剖析电影艺术核心的权威指南 本书特色： 本书并非仅仅是回顾经典电影的佳作选集，也不是空泛的理论说教。它是一本真正意义上的“工作手册”和“思想罗盘”，旨在引导有志于电影创作的实践者，从最基础的叙事结构到最复杂的视听语言运用，构建起坚不可摧的电影制作体系。我们聚焦于那些跨越时代、不为潮流所动的电影制作原则，这些原则是每一位杰出导演和编剧必须掌握的内功心法。 内容提要： 第一部分：叙事之骨——故事的构建与人物的塑造 好的电影始于一个引人入胜的故事。本部分将彻底解构经典叙事结构的奥秘，探讨“三幕剧”的变体与进化，并深入分析如何在高概念（High Concept）和人物驱动（Character-Driven）的叙事之间取得完美的平衡。 核心冲突的提炼： 故事的驱动力源自不可调和的矛盾。我们将分析如何设计出多层次、具有内在张力的核心冲突，确保观众从开场到落幕都为之牵动。 人物弧光的雕刻： 电影的灵魂在于人物。本书提供了精细的工具，教你如何构建具有深度、动机清晰且能在故事进程中经历真实改变的主角和配角。探讨“缺乏的欲望”（Want）与“真正的需求”（Need）之间的张力如何推动情节发展。 场景的节奏与密度： 每一个场景都必须承载信息或推进人物。我们剖析如何通过场景的布局、对话的张力和行动的密度，确保叙事效率最大化，避免冗余。从开场白到高潮的铺垫，节奏的把控是决定影片成败的关键。 第二部分：视听语言的语法——镜头、声音与剪辑的交响 电影是一种视觉和听觉的艺术，其表达力远超语言本身。本部分专注于如何将抽象的情感转化为具体的影像和声音语言。 镜头的魔力： 不仅仅是“如何摇摄或推拉”，而是“为何”使用特定的镜头语言。深入探讨景别、角度、运动对观众心理的影响。研究“主观视点”（POV）的使用边界，以及如何通过运镜来暗示角色的权力关系或心理状态。 声音景观的构建： 声音不仅是对话和配乐。我们将系统阐述环境音、音效设计（Sound Design）如何成为叙事的一部分，如何利用声音的层次感和失真来营造氛围，甚至预示危险。探讨“音画分离”在现代电影中的高级应用。 剪辑的哲学： 剪辑是将碎片化的镜头转化为连贯体验的魔法。本书详细论述了连续性剪辑（Continuity Editing）的规则，以及突破这些规则的艺术——例如，如何通过跳切（Jump Cut）表达时间的流逝或角色的精神错乱。重点分析蒙太奇的理论基础及其在不同类型片中的实践。 第三部分：类型片的精髓与风格的提炼 每种电影类型都有其内在的“契约”和观众的期待。理解并尊重这些契约，然后在此基础上进行创新，是成为大师的必经之路。 类型学的解构： 从黑色电影（Film Noir）的光影哲学，到科幻片的宏大世界观构建，再到惊悚片的悬念管理技巧。本书为主要电影类型提供了详细的分析框架，帮助创作者找到其类型的“核心DNA”。 视觉美学的统一性： 讨论如何通过布景设计、服装选择和摄影灯光（Lighting Scheme）来建立影片独特的视觉风格。探究如何让场景设计不仅仅是背景，而是环境本身在讲述故事。 导演的个人印记： 风格的形成是一个自我发现的过程。本部分引导读者思考，在遵循商业规则和艺术追求之间，如何提炼出自己不可模仿的、具有辨识度的表达方式。 第四部分：制作的现实——从剧本到银幕的转化 电影制作是一项宏大的协作工程。理解创作意图如何有效地在预算、时间和团队协作中实现，至关重要。 剧本的优化与打磨： 剧本是蓝图。探讨如何进行有效的“结构性重写”（Structural Rewrites），以及如何与制片人、演员进行富有成效的剧本沟通，确保最终拍摄版本忠实于核心愿景。 排练与现场调度： 现场是检验真理的唯一场所。分析高效的拍摄调度策略，以及如何通过充分的排练来释放演员的最佳表演潜力，避免在片场浪费宝贵的时间。 后期的掌控力： 影片在剪辑室诞生。强调导演在色彩校正（Color Grading）和混音（Final Mix）阶段的决策权，因为这些最终的技术环节直接决定了影片向观众传达的情感强度和清晰度。 读者对象： 本书专为对电影制作抱有严肃态度的学习者设计，包括：电影学院学生、有抱负的编剧和导演、以及希望提升叙事和视听技巧的影视专业人士。它不提供速成秘诀，只提供经过时间检验的、关于如何以专业标准创作出永恒电影的深刻洞察。阅读本书，意味着你选择了一条通往电影艺术殿堂的严谨之路。

评分☆☆☆☆☆

作为一个痴迷于影像语言的影迷，我曾经花了很多时间去研究那些炫技的镜头调度和光影艺术，试图从技术层面去解构伟大导演的作品。然而，这本书却引导我将焦点从“如何拍”拉回到“为什么要这么拍”。它用一种近乎哲学思辨的方式探讨了“时间”在电影中的处理：是应该采用线性的、公平的推进，还是可以通过蒙太奇的跳跃来制造心理上的错位感？书中引用的那些关于片段剪辑如何影响观众对角色心理状态认知的案例，让我对教科书上那些冰冷的剪辑点有了全新的感性认识。我开始意识到，最好的技术服务于情感的表达，而不是凌驾于故事之上。特别是关于“留白”的讨论，过去我总觉得镜头应该尽可能地填充信息，但现在我明白，那些被刻意省略的部分，恰恰是邀请观众主动参与到创造意义的关键。这种对叙事呼吸感的强调，彻底改变了我对观看一部优秀电影的体验，从一个被动的接受者，变成了一个主动的共谋者，那种发现的乐趣是单纯的视听享受无法比拟的。

评分☆☆☆☆☆

最让我感到惊喜的是，这本书提供了一种看待电影“遗产”的角度。它不仅仅关注如何拍出一部当下的好电影，更关注如何让你的作品能够抵抗时间的侵蚀，成为未来创作者的研究对象。这种前瞻性的视角，让阅读过程充满了对未来的期许。它讨论了什么是“永恒的主题”，以及如何避免那些昙花一现的、仅限于当下语境的流行元素。书中关于“风格化与清晰度”之间关系的论述，对我影响至深。很多新锐导演容易陷入追求独特视觉风格的陷阱，结果是风格成了负担，反而稀释了故事的清晰度。作者提醒我们，风格应该是为叙事服务的副产品，而不是最终目的。读完后，我不再盲目追求那些浮于表面的“酷炫”，而是开始审慎地思考：我希望观众在十年后，记住我的电影的哪一部分？是哪个核心的、不变的情感核心？这种对作品长远影响力的关注，使这本书的价值远超一般的工作手册，更像是一本关于艺术生命力的修炼指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排也值得称赞。它不是按照“前置、中段、后段”的传统剧作法来组织，而是围绕着几个核心的创作难题展开，比如“如何让反派具有深度”、“如何处理信息倾泻点”等等。这种模块化的设计让我在需要时能够快速定位到自己当前遇到的瓶颈。我曾经为一段至关重要的冲突戏而焦头烂额，无论怎么修改，那场戏的能量都像被扼住了喉咙。当我翻到关于“对立面力量平衡”的那一节时，我突然明白，我一直让主角的对手太弱了，没有提供足够强大的阻力，自然也就无法催生出主角的爆发性成长。书中对“冲突的密度”的分析，远超出了简单的“我与你”的对抗，它深入到了内在的自我冲突和环境压力的多重叠加。这种多维度的冲突构建能力，是区分平庸作品和杰作的关键，这本书毫不藏私地揭示了构建这种复杂性的方法论，让人有一种豁然开朗的畅快感。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我最初是冲着“UCLA”的名头来的，以为会是一本非常学院派、充满术语和枯燥理论的教材。但出乎意料的是，整本书的语言风格极为鲜活，更像是一系列高手之间的私房对话，充满了过来人的经验之谈和对行业现实的清醒认知。它没有回避电影工业的商业考量，而是探讨了如何在商业的框架内最大化艺术的表达自由。我特别关注了其中关于“高概念设定”与“普适情感”平衡的章节。很多初级创作者容易陷入自嗨的泥潭，觉得只要设定够酷、够新颖，就万事大吉了。这本书犀利地指出了，无论故事背景多么光怪陆离，最终打动人心的永远是那些人类共通的情感基石——爱、失落、背叛、追求。通过解析那些跨越文化藩篱的经典作品，作者教会了我如何用最独特的包装，去讲述最古老、也最打动人心的故事，这种对“内容为王”的现代诠释，对我后续的内容策划工作提供了坚实的基础。

评分☆☆☆☆☆

这部电影理论的集大成之作，对我这个刚入门的独立制片人来说，简直是醍醐灌顶的存在。我一直苦于自己的剧本总是在“有趣”和“深刻”之间摇摆不定，似乎总想把太多不相干的东西塞进有限的时长里，结果反而让核心主题变得模糊不清。这本书没有给我一板一眼的公式，反而像一位经验老到的导师，通过无数经典案例的剖析，让我领悟到了“聚焦”的真正含义。它不是教你如何写出一部票房大卖的爆米花电影，而是深入探讨了叙事结构中最微妙的那些张力点的拿捏，比如如何构建一个让观众信服，却又充满意外的转折，以及如何在高潮部分既要达到情感的宣泄，又不能损害故事的逻辑完整性。我尤其欣赏其中对“角色动机的层级性”的论述，过去我总觉得只要角色“想要”什么就足够了，但这本书揭示了“为什么想要”才是推动复杂剧情的关键引擎。读完之后，我重新审视了自己手头的剧本，删掉了很多自认为“华丽”却与主旨无关的旁支，整个故事的骨架一下子变得坚实有力起来。这感觉就像是终于找到了通往大师殿堂的那把隐藏钥匙，虽然路还很长，但方向感从未如此清晰。