认识绘画：丰子恺绘画十六讲 丰子恺艺术四书单册 官方正版现货 官方正版 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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丰子恺 著

图书标签:

• 丰子恺
• 绘画
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• 文化
• 艺术普及
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• 国画
• 艺术入门

店铺： 阳光博客专卖店

出版社： 北京日报出版社

ISBN：9787547725009

商品编码：21504524210

品牌：阳光博客（sunnbook）

包装：平装 锁线裸书脊

开本：16开

出版时间：2017-07-01

用纸：95克艺术超感纸

页数：228

字数：122000

  

 编辑推荐

　　丰子恺绘画类文章首次结集出版，新配图片近百幅

　　为什么学习绘画都要从素描开始？

　　为什么基本的绘画练习总要以人体石膏像为对象？

　　如何判断一幅画的优劣，画得越像就越好吗？

　　为什么说西方美术靠努力就可以，中国美术却全凭天赋？

　　……

　　在这本绘画艺术启蒙书中，丰子恺先生不仅介绍了绘画入门的基础知识，还从宏观角度帮助人们正确认识绘画艺术，为读者培养艺术素养打下坚实基础。

  

内容简介

　　泰戈尔曾评价丰子恺先生："艺术的描写，不必详细，只要得到事物的精神即可……（丰子恺）用寥寥的几笔写出人物的个性。脸上没有眼睛,我们可以看出他在看什么；没有耳朵，可以看出他在听什么，高度艺术表现的境地，就是这样！"

　　作为艺术大家，这一次丰子恺先生要回溯到启蒙阶段，讲讲如何向绘画这门艺术跨出第一步。

   

作者简介

　　丰子恺（1898－1975），浙江桐乡人，现代画家、文学家、翻译家和艺术教育家，一生著述甚丰，著有散文集《缘缘堂随笔》《缘缘堂续笔》《缘缘堂新笔》《缘缘堂再笔》，漫画集《子恺漫画》《护生画集》，艺术论著《艺术修养基础》《丰子恺美术讲堂》《丰子恺音乐讲堂》，译作《源氏物语》《猎人笔记》等。

   插图

  目录

序  图画与人生

图画原不过是"看看"的。但因为眼睛是精神的嘴巴，美术是精神的粮食，图画是美术的本位，故"看看"这件事在人生竟有了这般重大的意义。

第一章 绘画的学习法

绘画的学习，西洋画有一定的方法，而中国画没有定论。因为西洋画容易学，中国画不容易学。学西洋画可以用功而成就，学中国画用功不相干，全靠天才。

绘画的种类

绘画的工具

绘画的学习法

图画学习法

形体的描法

色彩的描法

构图法

第二章 绘画的欣赏

（凡绘画）大体可分为两类：其一是力求肖似实物的，即依照眼前的实际状态而描写的。其二是故意背叛实物的，即依照心中的想像姿态而描写的。前者可称为"写实"的，后者可称为"写意"的。

绘画的欣赏

绘画与文学

漫画

画鬼

第三章 中国美术的优胜

西洋美术与东洋美术一向有着不可越的差别。然而最近半世纪以来，美术上忽然发生了奇怪的现象，即近代西洋美术显著地蒙了东洋美术的影响，而千余年来偏安于亚东的中国美术忽一跃而雄飞于欧洲的艺术界，为近代艺术的导师了。

中国画简史

中国画与远近法

中国画与西洋画

绘事后素

附录 中国美术的优胜

  

 精彩书评

　　他的命题是大的，落笔却是别致有趣……丰子恺以简洁、稚拙、不事雕琢的线条勾勒出的那些只属于他的形象，他的画风影响着中国的后辈漫画家。

——铁凝

　　他的画极家常，造境着笔都不求奇特古怪，却于平常中寓深永之致。

——朱光潜

　　我的脑子里有一个丰先生的形象：一个与人无争、无所不爱、一颗纯洁无垢的孩子的。

——巴金

　　你的文和画就像一首首小诗，我们就像吃橄榄似的，老咂着那滋味儿。

——朱自清

　　我所喜欢的，乃是他的像艺术家的真率，对于万物的丰富的爱，和他的气品，气骨。如果在现代要想寻找陶渊明、王维那样的人物，那么，就是他了吧。

——吉川幸次郎

艺术的广阔天地：探索不同领域的经典艺术读物 一、中国古典诗词鉴赏与文学精粹：穿越时空的文化之旅 本书系《中国古典诗词鉴赏与文学精粹》系列中的一本，专注于深入剖析唐宋八大家及其后世重要文学家的散文艺术。全书汇集了从先秦诸子到明清小品文的精选篇章，力求展现中国古典散文在不同历史阶段的流变与成就。 第一部分：先秦诸子与两汉文风 本部分详细解读了《论语》《孟子》《庄子》《荀子》等核心经典中的哲学思想如何通过精妙的文字表达出来。重点分析了诸子散文的说理逻辑、辩证手法以及其对后世文章体例的影响。例如，对庄子寓言的结构分析，探讨了其如何运用浪漫主义手法阐释深奥的道家思想。随后，深入研究了汉赋的铺张扬厉与辞赋的演变，对比了司马迁《史记》的叙事魅力与雄浑气魄，阐释了“史家之绝唱，无韵之离骚”的深刻内涵。 第二部分：唐宋散文的巅峰对决 唐代古文运动的复兴是本书的重点章节。详细梳理了韩愈、柳宗元在理论建树和实践上的贡献，分析了韩愈散文的雄奇与柳宗元山水游记的清峻之美。特别是对柳宗元《永州八记》的地理考证与情感寄托进行了细致的梳理，揭示了其贬谪经历对创作的深刻影响。 宋代散文的成就尤为突出，本书将欧阳修、苏轼、曾巩、王安石等人的作品并置比较。苏轼的豪放旷达与行云流水的文字风格，通过解析其政论性文章和抒情小品，展现了“一洗雕琢之风”的时代意义。重点品读了苏轼的《赤壁赋》，从结构、意象、哲理三个层面剖析其艺术成就。 第三部分：明清小品的精致与趣味 明清时期，随着市民阶层的兴起，小品文以其短小精悍、富含人情味的特点占据重要地位。本书着墨介绍了袁宏道、谢肇淛等人的作品，分析了小品文如何捕捉日常生活的细节，体现文人雅趣与个人性情。清代桐城派的“义理、考据、辞章”三者统一的写作主张，也得到了详细的阐述，特别是方苞、姚鼐等人的散文对后世科举写作的影响。 第四部分：诗词格律与意境营造 虽然本书以散文为主，但为理解文学的整体风貌，最后两章专门讨论了唐诗和宋词的基本格律知识，如近体诗的平仄对仗、词牌的体制特点。通过对比李白、杜甫的律诗风格，以及李清照、辛弃疾在婉约与豪放词境中的拓展，帮助读者建立起中国古典文学审美的基本框架。 总结特色： 本书最大的特点在于其详实的注释和跨学科的视野。除了文学分析，还融入了历史背景、哲学思潮乃至书法艺术对文学审美的影响，力求让读者不仅“知其文”，更能“知其心”。配有大量古代名家手稿的影印件作为参考，增强了阅读的真实感和厚重感。 二、西方现当代艺术思潮：从印象派到概念艺术的脉络梳理 《西方现当代艺术思潮》并非专注于某一特定艺术家的绘画风格研究，而是旨在构建一个宏观的西方艺术史图景，重点梳理自19世纪末印象主义兴起以来，西方艺术如何经历革命性变革，直至20世纪末的概念艺术与后现代主义。 第一部分：现代主义的诞生与反叛（1870-1914） 本部分详细考察了现代艺术的起点。首先深入分析了印象派对光影和瞬间感捕捉的革命性尝试，并对比了德加的动态捕捉与莫奈对色彩光线的科学研究。随后，重点剖析了后印象主义三杰（塞尚、梵高、高更）各自对形式、情感和象征意义的探索，如何为立体主义和野兽派奠定基础。塞尚对几何形体的提炼，被视为通往立体主义的桥梁。 第二部分：激进主义的爆发：前卫艺术的冲击（1905-1945） 这一时期是艺术形式最为剧烈变化的阶段。本书详尽解读了野兽派（马蒂斯）、表现主义（德国桥社、蓝骑士）、立体主义（毕加索、布拉克）以及未来主义的特点。对立体主义的“多视点透视”理论进行了图解式的分析。接着，集中探讨了达达主义的非理性与反艺术倾向，以及超现实主义如何受到弗洛伊德精神分析学说的深刻影响，分析了达利、马格里特作品中的潜意识符号。 第三部分：战后艺术的转向：抽象表现主义与波普的对话（1945-1970） 二战后，艺术中心转移至纽约。本书将“行动绘画”与“色域绘画”并列分析，深入探讨了波洛克滴画中的“过程本体论”以及纽曼作品中的“崇高感”。随后，对比分析了波普艺术（安迪·沃霍尔、罗伊·利希滕斯坦）对大众文化和商业符号的挪用与戏仿，探讨了艺术如何走出精英殿堂，回归日常。 第四部分：后现代的多元化与边界消融（1970至今） 本书的后半部分聚焦于艺术边界的不断拓展。详细介绍了极简主义（Minimalism）对作品物质性和空间性的强调，以及概念艺术（Conceptual Art）将“观念”置于“制作”之上的核心哲学。同时，也涵盖了大地艺术（Land Art）、行为艺术（Performance Art）等对传统媒介的挑战。最后，讨论了后现代主义在多元文化和身份政治背景下的发展趋势，如女权主义艺术和新表现主义的回归。 总结特色： 本书的特色在于其清晰的时代划分和对理论文本的引用。它并非单纯罗列艺术家的作品，而是穿插了克莱门特·格林伯格、阿瑟·丹托等重要艺术评论家的核心观点，帮助读者理解艺术史背后的哲学与社会动因，是一部系统梳理西方艺术演进逻辑的权威读物。 三、文艺复兴大师的技巧与精神：透视人文主义的艺术光辉 本书聚焦于欧洲文艺复兴时期（约14世纪末至16世纪）的艺术成就，尤其侧重于对意大利三杰——达芬奇、米开朗基罗和拉斐尔——及其前辈和同时代艺术家的技法、美学观念和人文精神的细致解读。 第一部分：早期文艺复兴的萌芽与突破 本部分追溯了文艺复兴的源头。分析了乔托在壁画中对空间感和人物情感的首次自然主义表现，以及透视法在佛罗伦萨画派中如何被系统化。重点研究了马萨乔在《布兰卡契礼拜堂壁画》中对光影和人体结构的前所未有的真实刻画，展现了古典精神如何被重新激活。 第二部分：盛期文艺复兴的典范确立 这是全书的核心。对达芬奇的“晕染法”（Sfumato）进行了详细的技法拆解，结合《蒙娜丽莎》《最后的晚餐》分析了其如何将科学观察融入绘画。米开朗基罗的部分，则侧重于其雕塑和壁画中“英雄式裸体”所蕴含的普罗米修斯精神，特别是对西斯廷天顶画的构图与解剖学的精妙分析。拉斐尔的章节则着重于其作品中追求的和谐、宁静与古典完美，解析了《雅典学院》中对知识分子群像的布局艺术。 第三部分：威尼斯画派的色彩革命 与佛罗伦萨的“素描至上”（Disegno）相对，本书详细阐述了威尼斯画派对“色彩”（Colorito）的强调。提香被视为这一流派的集大成者，本书分析了其油画颜料的层次叠加技巧，以及如何利用色彩来营造氛围和表达情感，这对后来的巴洛克艺术产生了深远影响。 第四部分：人文主义精神在艺术中的体现 本书的理论高度在于挖掘艺术背后的思想内核。探讨了人文主义对“人”的赞美如何取代中世纪的神学主导地位，艺术不再仅仅是宗教的附庸，而是探索人的潜能、理性与自然和谐的载体。分析了艺术赞助人（如美第奇家族）在推动艺术发展中的关键作用。 总结特色： 本书最大的价值在于其对“技法如何服务于精神”的探讨。每一位大师的技法分析，都紧密联系着当时对人体、空间和光线的科学理解，并最终回归到文艺复兴时代对人类自身价值的肯定这一主题上。配有大量高精度作品细节图，便于读者观察笔触和色彩运用。

评分☆☆☆☆☆

我向来对艺术史类的书籍抱持着审慎的态度，因为很多作品往往流于空泛的赞美。然而，这本书在历史脉络的梳理上做得非常扎实和客观。它清晰地勾勒出了丰子恺先生艺术生涯的关键转折点，以及他如何吸收中西文化精髓，最终形成自己独特“漫画”体系的过程。书中引用的史料翔实可靠，使得整个叙事具有很强的说服力。对于想系统了解近现代中国艺术史，特别是漫画发展史的读者，这本书无疑提供了一个绝佳的切入点。它做到了学术性与可读性的完美平衡，既能满足专业人士的需求，也能让普通读者轻松入门。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字部分内容非常充实，作者的解读角度新颖独到，完全跳脱了传统艺术评论的窠臼。他不仅仅停留在对画作表面意象的描述，而是深入挖掘了丰子恺先生作品背后蕴含的深厚人生哲理和时代背景。尤其是一些关于漫画与漫画哲学的探讨，读来令人茅塞顿开。作者的文笔流畅而不失学者的严谨，既有文学的美感，又不乏思想的深度，让人在阅读中不断思考和反省。这不仅仅是学习绘画技巧，更是一场关于生活美学和东方智慧的深度对话。对于希望从艺术中汲取人生力量的读者来说，这本书提供的养分是巨大的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，拿到手里沉甸甸的，纸张的质感也相当不错，翻阅起来非常舒适。印刷色彩的还原度很高，无论是早期水墨的淡雅还是后期色彩的浓郁，都表现得淋漓尽致。我特别喜欢它在细节处理上的用心，比如对一些经典作品的局部放大和深入解析，让读者能更清晰地看到丰子恺先生笔触的独特之处。这本书不仅仅是一本画册，更像是一本精心制作的艺术品收藏集。对于那些追求阅读体验和视觉享受的艺术爱好者来说，这本书绝对物超所值。它让我对丰子恺的艺术风格有了更直观、更立体的感受，每一次翻阅都是一次视觉的享受和心灵的洗涤。

评分☆☆☆☆☆

最让我惊喜的是，这本书并非仅仅局限于介绍“大作”，它还收录了许多丰子恺先生鲜为人知的早期习作和私人信札中的插图。这些“边角料”的展示，极大地丰富了我们对艺术家创作心路历程的认知。通过这些早期作品的对比，我们可以清晰地看到他如何从传统功力中提炼出那种标志性的、充满童趣和禅意的风格。它让丰子恺先生的形象变得更加立体和丰满，不再是一个遥不可及的艺术大师，而是一个活生生、充满生活热情的探索者。这本书的全面性，绝对是目前市面上同类书籍中少有的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版设计简直是教科书级别的典范。在内容如此丰富的情况下，如何保持版面的呼吸感和视觉的舒适度，是一个巨大的挑战。这本书的版式设计成功地解决了这个问题。留白恰到好处，文字块与图像的布局错落有致，使得阅读过程非常轻松愉快，不会产生视觉疲劳。不同章节的字体和行距设计也略有区分，起到了潜移默化的引导作用，让读者能够清晰地区分不同的主题和论述层次。这种对细节的极致追求，体现了出版方对艺术书籍应有的敬意和专业水准。