具体描述
基本信息
- 商品名称：宋元山水(1)/临摹与发扬原大白描
- 作者：绘画:缪文杰
- 定价：38
- 出版社：中国社会
- ISBN号：9787508752693
其他参考信息（以实物为准）
- 出版时间：2016-02-01
- 印刷时间：2016-02-01
- 版次：1
- 印次：1
- 开本：6开
- 包装：平装
- 页数：36
- 字数：25千字
编辑推荐语
《临摹与发扬原大白描》》一共六本，分别为《宋元山水（一）》《宋元山水（二）》《宋元山水（三）》《宋元山水（四）》《宋人小品（一）》《宋人小品（二）》，均以缪文杰老师手绘的宋人小品或宋元山水为主，并简单介绍绘制方法，教国画爱好者研习绘画，并可以在原画上临摹，无须放大，还可以直接装裱，装饰起来。 本书为缪文杰所绘的《宋元山水（1）/临摹与发扬原大白描》，本书以传统工笔画宋代四张古画《风雪杉松图》《雪江归棹图》《渔父图卷》《重江叠嶂图卷》书中描绘的内容丰富，画风工细，着色典雅，十分适合学习，书中配有着色完成作品，可以说是学习传统工笔山水树法的不可多得的好书。相信此书会有很好的市场前景，为广大书画爱好者提供学习的好资料。
作者简介
缪文杰，字守卓，号云阶堂主，斋号简静居。天津美术家协会会员，北京工笔重彩画会会员。毕业于清华大学美术学院北宗山水专项研修班。其山水画线条苍劲有力、皴法刚硬利落、设色淡雅、整体温润浑融。其人物画线条灵动、色彩典雅。
目录
正文
用户评价
在深入阅读《宋元山水(1)/临摹与发扬原大白描》的过程中，我越发被作者“发扬”的部分所吸引，它不仅仅是对前人技法的温习，更是一种创新与传承的有机结合。如果说临摹是对古法的“复刻”，那么发扬则是在此基础上的“创造”。我发现作者在临摹的基础上，并没有止步于对原作的一味模仿，而是巧妙地将自己的理解和时代的审美融入其中。例如，在临摹一幅南宋山水后，作者所创作的“发扬”作品，虽然保留了原作的构图骨架和基本元素，但在细节的处理上却展现出新的思路。他可能会在一些原本较为写意的部分，用更加精炼的线条去勾勒出更具象的景物，或是通过对笔墨节奏的调整，营造出更具现代感的视觉效果。我特别欣赏作者在表现水流时的处理，他没有仅仅依赖于传统的波浪纹，而是通过更为自由、流畅的线条，捕捉水流的动态和力量感，甚至在某些画面中，我能感受到水流冲击岩石时溅起的点点水珠，这种细致的描绘，在传统的白描山水中是比较少见的。再者，作者在构图上也展现出一定的调整和创新。他可能会在保持整体意境不变的前提下，对画面的取景角度进行微调，或是适当增加一些现代人熟悉的元素，但这种增加并非突兀，而是与原作的古朴风格相得益彰，形成一种穿越时空的对话。这种“发扬”并非是对古法的颠覆，而是一种在尊重传统基础上的“意会”与“延伸”，是作者在理解了宋元山水精髓后，用自己的视角和语言进行的二次创作。我看到了他对传统文化的深刻理解，以及将这份理解转化为具有时代意义的艺术作品的努力。这种“发扬”，让我感受到了中国山水画艺术的生命力，它并非静止不变的古董，而是可以不断被激活和焕新的活态文化。
评分在仔细品读《宋元山水(1)/临摹与发扬原大白描》时，我越发感受到作者对于“笔墨”二字的执着追求。宋元山水画，其精髓所在，很大程度上就体现在对笔墨的运用上。作者在“临摹”部分，无疑是在进行一场对古人笔墨技法的“解码”过程。我仿佛能看到他一遍遍地揣摩原作中每一处笔触的力度、速度和方向。他不仅仅是在描摹形体，更是在捕捉笔墨的“性格”，是墨色如何在宣纸上晕染开来，是线条如何在纸面上留下痕迹。我特别留意到，书中某些临摹作品对“皴法”的处理，作者似乎在尝试用不同的线条组合来模仿不同岩石的纹理，有的如雨点般细碎，有的则如斧劈般刚劲，有的又如披麻般柔和。这些看似简单的线条，却共同构建了山体的质感和体积感。而进入“发扬”部分，这种对笔墨的理解和运用，则被作者注入了自己的情感和理解。他并没有简单地复制古人的笔墨，而是在继承的基础上，融入了自己的创新。我注意到，在某些“发扬”作品中，作者可能会在保持原作意境的基础上，运用更加写意的笔法来表现一些景物，比如用大写意的笔触来勾勒远山的轮廓，或者用湿墨来表现云雾的缭绕。这种“发扬”，在我看来，是对笔墨精神的传承和发展，它是在理解了古人笔墨的精髓后，用自己的语言进行一次新的表达。我感受到了作者对笔墨的深厚功力，以及他将这份功力转化为具有时代意义的艺术作品的努力。
评分这本书的装帧设计给我留下了深刻的印象，它以一种简洁而富有质感的方式呈现，仿佛在暗示着内容本身的纯粹与厚重。《宋元山水(1)/临摹与发扬原大白描》在纸张的选择上，便显露出不俗的品味，纸张的质感温润，具有一定的厚度和韧性，即使是反复翻阅，也不易产生褶皱。印刷的精度更是令人赞叹，每一笔线条都清晰锐利，毫不含糊，即使是细微的笔触变化，也得到了忠实的再现。这对于一本以“白描”为主的山水画册而言，至关重要。模糊的线条只会破坏作品的整体美感和艺术感染力。我注意到，书中在展示临摹作品和发扬作品时，似乎有意采用了不同的排版方式，临摹作品往往会占据更大的篇幅，以求清晰展示原作的细节，而发扬作品则在保留核心内容的同时，或许会更注重整体画面的视觉冲击力。这种精心设计的排版，不仅方便了读者对作品进行细致的对比和研究，也从侧面烘托了作者在创作过程中的严谨态度。此外，我惊喜地发现，书中还可能包含了一些作者在创作过程中留下的笔记或心得，虽然我尚未仔细研读，但这些零散的文字，或许能为我们提供理解其创作思路和艺术理念的线索。这种图文并茂的呈现方式，使得整本书不仅仅是一本画册，更像是一份包含着艺术探索和学术思考的文献。我喜欢这种不浮夸、不炫技的装帧风格，它将读者的注意力完全引向了作品本身，让我能够沉浸在宋元山水那古朴而隽永的韵味之中，去感受艺术的魅力。
评分翻阅《宋元山水(1)/临摹与发扬原大白描》的过程中，我产生了一种奇妙的时空穿越感。作者在“临摹”部分，仿佛是一位耐心的学徒，谦卑地站在巨匠的身旁，仔细学习他们的每一笔勾勒，每一处转折。而当他进入“发扬”的环节，又瞬间化身为一位独立的创作者，将古人的智慧融入自己的血液，然后用全新的视角和笔墨，赋予这些经典以新的生命。我尤其留意到作者在“发扬”过程中，对“意境”的再创造。宋元山水画之所以能够流传千古，除了精湛的技法，更在于其所蕴含的深邃意境，如“可行、可望、可游、可居”的理想化山水。作者在“发扬”时，并没有刻意去打破这种意境，而是选择在原有基础上进行“增色”或“提炼”。例如，他可能会在原作的基础上，增加一些富有生活气息的细节，比如几只归来的飞鸟，或是山间隐约可见的寺庙，这些元素的加入，并没有破坏整体的古朴之感，反而使得画面更加丰满，更具故事性。我又注意到，作者在处理远山的层次感时，也展现出了独特的巧思。在临摹部分，他或许会严格遵循原作的皴法和墨色变化，而在“发扬”时，他可能会运用更加写意的笔法，或者通过巧妙的留白，来表现云雾缭绕的山峦，营造出更加辽远的视觉效果。这种“发扬”，在我看来，并非是对古法的简单继承，而是一种“得其神而化其形”的升华，它既保留了宋元山水画的灵魂，又注入了现代人的审美情趣和艺术理解，使得这些古老的画作，在当代依然能够触动人心，引发共鸣。
评分在翻阅《宋元山水(1)/临摹与发扬原大白描》这本书时，我被作者对“意境”的营造所深深打动。宋元山水画，其核心价值之一，就在于其所传达的那种超脱尘俗、宁静致远的意境。作者在“临摹”部分，无疑是在努力捕捉古人笔下的这份“气韵”。我仔细观察书中的临摹作品，发现作者在处理画面中的留白时，尤其用心。他深知，山水画中的留白，并非是“空”，而是“气”的所在，是意境的延伸。他通过巧妙的留白，营造出云雾缭绕、空灵渺远的氛围，使得画面充满想象的空间。而“发扬”部分，则更像是作者在继承古人意境的基础上，注入了自己对当下生活的理解和感悟。我注意到，在某些“发扬”作品中，作者可能会在保持原作的整体意境不变的前提下，增加一些富有时代气息的细节，比如一轮弯弯的月亮，或是山间若隐若现的灯火。这些细节的加入，并没有破坏原作的古朴之感，反而使得画面更加富有生活气息，更加贴近当代人的情感体验。我理解，作者的“发扬”，并非是对古法的全盘否定，而是一种“形神兼备”的传承，是在理解了宋元山水画的内在精神后，用自己的方式进行一次充满敬意的“再创作”。他通过这种方式，让我们感受到，中国山水画的意境，是可以穿越时空，并与现代人的心灵产生共鸣的。
评分这本书的书名是《宋元山水(1)/临摹与发扬原大白描》，我怀着极大的好奇和期待翻开了它。初看之下，我对“原大白描”这个词组感到有些困惑，它似乎预示着一种高度还原和精细描摹的创作方式，与我以往对山水画的理解有所不同。我一直以为山水画的精髓在于笔墨的挥洒、意境的营造，而“白描”这个词总会让我联想到简练、勾勒，似乎少了些色彩的渲染和层次的丰富。然而，翻阅了书中的部分篇章后，我发现这种“白描”并非简单的勾勒，而是对宋元时期大师们原作精髓的极致捕捉，是在不失原作神韵的前提下，以纯粹的线条语言进行再创作。书中的临摹部分，每一笔都仿佛凝聚着作者对原作数日乃至数月的心血，他对皴法、点苔、树石的形态，乃至云水的流转，都进行了细致入微的观察和揣摩，力求在视觉上达到“形神兼备”的效果。我尤其注意到作者在处理山石轮廓时的力度变化，有时苍劲有力，如斧劈皴般刀劈斧凿，展现山体的坚韧；有时则婉转流畅，如披麻皴般柔和舒展，表现山峦的起伏。他对树木的描绘也同样讲究，无论是古松的虬曲盘绕，还是杂树的疏密有致，都通过线条的粗细、虚实、刚柔，赋予了生命力。这些临摹作品，不仅仅是简单的复制，更像是一种对话，作者在向古人请教，试图理解他们创作时的心境和技法。我感受到了作者对古法的敬畏，以及在敬畏中寻求突破的决心。这种“原大白描”的处理方式，仿佛为我打开了一扇新的窗户，让我得以窥见宋元山水画在简化表现形式后，依然能蕴含的深邃意境和勃勃生机。我开始重新审视“白描”在山水画中的可能性，它似乎提供了一种截然不同的路径，去探索和表达山水之美，一种更加纯粹、更加直接的视觉冲击。
评分在翻阅《宋元山水(1)/临摹与发扬原大白描》时，我被书中的“原大白描”这一核心概念深深吸引。它所代表的不仅仅是一种绘画技法，更是一种对待艺术创作的态度。我理解的“原大”，意味着对原作的尊重和还原，是对古人智慧的敬畏和学习。作者在临摹部分，无疑投入了极大的心血，试图用最纯粹的线条语言，去捕捉宋元山水画的精髓。我仔细观察了书中某些作品的笔触，发现线条的粗细、顿挫、转折，都经过了精心的考量。例如，在描绘山石的皴法时，作者并非简单地套用固定的模式，而是根据山石的形态和质感，灵活运用了不同的线条组合，有的如斧劈般刚劲，有的则如雨点般密集，有的又如豆瓣般细碎，这些看似简单的线条，却共同构建了山体的巍峨和厚重。而“白描”，则意味着作者在去除色彩的干扰后，更加专注于笔墨的本身。这种对线条的极致运用，反而更能凸显出作者对造型功力的把握。我看到，在一些原本可能色彩浓郁的山水画中，作者通过白描的方式，将焦点引向了山体的轮廓、树木的枝干、云水的流动，以及画面中的虚实对比。这种处理方式，使得原本需要依靠色彩来区分的层次和空间，转而通过线条的疏密、刚柔、干湿来表现，这无疑对作者的造型能力和对画面整体结构的掌控力提出了更高的要求。我感叹于作者能够在这看似“减法”的创作过程中，实现了“加法”的艺术效果，将宋元山水画的意境和神韵，以一种更加纯粹、更加直接的方式呈现出来。
评分《宋元山水(1)/临摹与发扬原大白描》这本书，对我而言，不仅仅是一本画册，更像是一堂生动的山水画史课。作者以“临摹”为引，带领我们走进宋元时期那辉煌的山水画殿堂。我仿佛看到了范宽笔下那巍峨的山峦，李唐那苍劲的斧劈皴，马远那高远、深远的意境。作者在临摹过程中，对原作细节的把握，精准而深刻。他并非简单地复制，而是通过反复的推敲和揣摩，去理解原作的构图、用笔、用墨。我特别喜欢作者在临摹中的一种“钻研”精神，他似乎想把每一笔线条的来龙去脉都弄清楚，并将这种理解，用自己的笔触重新呈现出来。这种“钻研”，使得他的临摹作品，不仅仅是对古人的致敬，更是对中国传统绘画技法的深入探索。而“发扬”部分，则更像是作者在吸收了古人的营养后，进行的一次“自我表达”。我看到，作者并没有拘泥于对原作的模仿，而是将自己的感悟和理解融入其中。例如，他可能会在保持原作意境的前提下，对画面中的一些元素进行调整，比如增加一些富有现代感的构图视角，或者在一些细节的处理上，运用更加简洁、有力的线条。这种“发扬”，在我看来，是对传统艺术的一种“激活”，它让那些沉睡在历史中的经典，重新焕发出鲜活的生命力。我看到，作者在“发扬”过程中，既保持了对传统的敬畏，又展现了对创新的勇气，这是一种非常健康的艺术发展模式。
评分《宋元山水(1)/临摹与发扬原大白描》这本书，让我看到了中国传统山水画在当代发展的另一种可能性。我一直认为，山水画的魅力在于其“气韵生动”，而“气韵”二字，往往难以言传，只能意会。作者通过“原大白描”的方式，似乎在试图用最直接、最纯粹的线条，去触及这种“气韵”。在“临摹”部分，我看到作者对原作细节的极端关注，他不仅仅是模仿笔触，更是试图理解笔触背后的情感和力量。例如，对于描绘树木的枝干，他会观察其生长姿态，是挺拔向上，还是弯曲盘绕，并通过线条的粗细和力度变化，将这种生命力表现出来。而“发扬”部分，则更像是一种“意会”后的“再创作”。作者在理解了宋元山水画的内在精神后，并非生搬硬套，而是将自己的理解融入其中。我注意到，在某些“发扬”的作品中，作者可能会在保持原作构图和基本元素的精神内核不变的前提下，对一些细节进行调整，比如增加一些更为细腻的笔触来描绘草木，或者通过更加大胆的墨色对比来突出山体的立体感。这种“发扬”，我理解为是一种“化古为我”的过程，是在继承传统的基础上，融入个人的思考和创造。它让我看到，传统艺术并非是束之高阁的陈列品，而是可以被不断地激活和再生的活态文化。我更欣赏作者在“发扬”过程中，并没有刻意去追求某种风格的“创新”，而是顺应着自己对艺术的理解和对自然的感悟，去自然而然地流淌出新的笔墨。这是一种更加真诚和动人的创作方式。
评分这本书的标题《宋元山水(1)/临摹与发扬原大白描》，本身就蕴含着一种严谨的学术精神和饱含深情的艺术传承。《宋元山水(1)》暗示了这是一个系列作品的第一部，预示着后续可能还有更多精彩的内容，这让我对作者的创作计划充满了期待。而“临摹与发扬”则清晰地阐述了本书的核心内容，它不仅仅是简单地复制古人的作品，而是要通过临摹来学习，再通过发扬来创新。最令我感到好奇的是“原大白描”这四个字。“原大”二字，意味着对原作尺寸的忠实还原，这对于研究山水画的细节和笔墨特点来说，具有极高的参考价值。我推测，书中收录的临摹作品，很可能是按照原作的尺寸进行绘制的，这使得读者在观看时，能够获得与原作几乎相同的视觉体验，从而更深入地理解古人的创作技法。而“白描”，则意味着作者放弃了色彩的辅助，完全依靠线条的力量来塑造山水形象。这是一种极具挑战性的绘画方式，它要求作者具备扎实的造型功底和对笔墨的深刻理解。我迫不及待地想看到，作者是如何运用纯粹的线条，去表现山体的雄伟、树木的葱茏、云水的流动，以及画面中那份超然脱俗的意境。这种“白描”的处理，或许能让我们看到宋元山水画最本质、最纯粹的美，一种不被色彩所羁绊，直达灵魂深处的美。
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