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出版社： 天津人民美术出版社

ISBN：9787530575925

商品编码：26802067025

基本信息  

书名:小品画的构图  

定价：35元  

作者:李泽民 编著  

出版社：天津人民美术出版社有限公  

出版日期：2016-09-01  

ISBN：9787530575925

 版次：1  

装帧：平装  

开本：16开

章 小品画的源流与艺术魅力 一、小品画的渊源与发展 二、小品画的艺术特色 三、小品画的收藏价值第二章 小品画的立意与构图 一、何谓立意 二、从立意到为象 三、胸有成竹与胸无成竹 四、立意与思想、生活、修养第三章 小品画的图幅形式 一、扇面 二、小斗方 三、圆光与团扇 四、册页 五、手卷第四章 对立变化与和谐统一第五章 小中求势 因心造境 一、经营位置与置陈布势 二、“起、承、转、合”与“引、伸、堵、泻、回” 三、以情造势，张敛有度 四、布势格法第六章 三线构成与物象置陈 一、三线穿插 二、剪裁取舍 三、虚实与空白 四、掩映藏露 五、疏密聚散与奇偶相参 六、起伏错落，齐而不齐 七、造险与破险第七章 计白当黑与空间处理 一、知白守黑 二、空间处理第八章 画眼与构图中心 一、画眼 二、“井”字布局第九章 构图与色彩 一、小品画的色调 二、黑白灰关系处理 三、色彩对比与和谐第十章 诗书画印四位一体 一、诗意与题款 二、题款的种类与构图调节 三、题款的形式 四、钤印第十一章 写意精神与构图实践 一、弘扬小品画的写意精神 二、小品画构图的学习与实践附：作品赏析后记

 

 

 

书中以翔实的文字，大量古代**作品及线路图分析，为读者更好的学习和理解构图规律提供了好读本。作者是长期工作在教学一线的教师，也是画家，对于小品画创作有实践，同时也有理论支撑，这是本书能够深入浅出道出绘画创作规律的前提，相信本书能够为广大读者带去价值。

笔墨丹青，意蕴无穷：中国山水小品画构图精要 中国山水画，以其独特的东方审美，描绘着自然万物的壮丽与细腻，寄寓着文人的情怀与哲思。而在山水画的众多表现形式中，小品画以其精巧的尺幅，承载着深邃的意境，展现出别样的艺术魅力。本书并非详述某位特定画家（例如李泽民）的个人创作经验，也非局限于某一地区的“包邮”概念，而是聚焦于中国山水小品画的核心——构图。我们将深入探究山水画中构图的奥秘，揭示其绘画理论的精髓，提供一套切实可行的构图技法，帮助您领悟国画构思的独特形式，创作出意趣盎然、气韵生动的小品山水。 第一章：何为山水小品画？尺幅间的乾坤 山水小品画，顾名思义，是指尺寸相对较小的山水画作品。然而，尺幅的限制并不意味着艺术内涵的缩减。相反，小品画要求画家以高度的概括力和精炼的笔墨，在有限的空间内营造出无限的意境。它不同于巨幅山水画的磅礴气势，更侧重于展现自然的一隅、一个场景、一种情调。这种“小中见大”的艺术手法，正是小品画的独特魅力所在。 尺寸的考量： 小品画的尺寸往往在“一尺三、一尺四”（约33cm x 44cm，44cm x 133cm）以内，甚至更小。这种尺寸限制，要求我们在构图时必须做到“剪裁得体，主次分明”。 意境的追求： 小品画的精髓在于“意”。它并非对景物的客观描摹，而是画家情感、思想与自然融合的艺术表达。一山一石，一草一木，皆可寄托情思，引发观者的联想。 笔墨的精炼： 由于尺幅有限，小品画对笔墨的要求更为严苛。每一笔，每一墨，都需恰到好处，既要表现物象的质感，又要传递画家的情绪。过多的笔墨堆砌反而会显得拥挤、杂乱。 画面的呼吸感： 即使是小小的画面，也需要留白，让画面“呼吸”。适当的留白，不仅能虚化背景，突出主体，更能营造出空灵、悠远的意境，引导观者进行想象。 第二章：构图的基石：中国山水画的视觉语言 构图，是绘画的骨架，是作品生命力的源泉。在中国山水画中，构图更是承载画意、传递情感的关键。我们不探讨西方绘画的黄金分割或三分法等固有概念，而是深入挖掘中国传统山水画在构图上的独特智慧。 “计白当黑”的辩证法： 这是中国画构图的灵魂。画面中的“白”并非空无，而是与“黑”相互依存、相互衬托的艺术空间。留白可以烘托山峦的巍峨，衬托云水的渺远，给予观者无限的想象空间。 “散点透视”与“焦点透视”的融合： 中国山水画多采用散点透视，可以在同一画面中展现不同角度、不同时空的景物，打破了西方绘画的单一视点限制，更符合我们对自然景物的整体感知。但小品画在借鉴散点透视的同时，也可以巧妙运用类似焦点透视的原理，突出画面中心，形成视觉焦点。 “虚实相生”的韵律： 画面中的“实”是具体的景物，如山石、树木、房屋；“虚”则是画面中的留白、烟云、水波等。虚实相生，才能使画面富有层次和韵律，产生引人入胜的艺术效果。 “势”的运用： “势”是中国山水画构图的重要概念，指的是画面中物象的起伏、连接、动感和整体的气韵。例如，山脉的走向、河流的蜿蜒、树木的姿态，都构成“势”。好的构图，能使画面中的“势”起伏跌宕，流畅自然。 “景”与“情”的统一： 构图的最终目的是为了更好地表达画家对自然的情感和主观感受。优美的构图，能使山水景物成为画家心绪的载体，达到“情景交融”的艺术境界。 第三章：山水小品画构图的四大法则 在理解了中国山水画构图的普遍原则后，我们将聚焦于小品画特有的构图法则，以期在小尺幅中营造出意想不到的视觉冲击力和深邃的艺术内涵。 1. “一角”构图法：以小见大，窥见乾坤 “一角”构图法，是指画面只选取景物的某一局部，通过局部的描绘，暗示整体的宏大。这种构图方式，最适合小品画的特点。 原理： 以局部之“角”来表现整体之“乾坤”。例如，只画一角山峦，但通过山石的皴法、墨色的浓淡，表现出山脉的绵延起伏；只画一湾溪流，却能通过水的形态、岸边的点缀，展现出溪流的潺潺流淌和周边环境的幽静。 技法： 巧妙的裁剪： 画面应有明确的切割感，但又不显得突兀。如同透过一扇窗户窥视远景，或从一个角度审视一处景致。 突出主体： 即使是局部，也要有鲜明的主体。可以是一块醒目的山石，一株形态独特的古树，或是一间掩映在山间的茅屋。 留白的运用： “一角”构图尤其需要大量留白，以烘托所画之角，增强画面的空间感和意境。留白可以是天空，可以是远处的云雾，也可以是水面的涟漪。 视角的选择： 选择一个能够充分展现景物特点的视角至关重要。例如，仰视可以表现山峦的雄伟，平视可以展现景色的宁静，俯视则能展现地势的开阔。 2. “景中景”构图法：层层递进，步移景异 “景中景”构图，是指在主体画面中，再嵌入另一层或多层景物，形成画中有画、景中有景的丰富视觉效果。这种构图方式，能够极大地增强画面的深度和趣味性。 原理： 利用前景、中景、远景的相互穿插，营造出空间的层次感和“步移景异”的动态美。 技法： 引导线： 利用山脉的走向、河流的蜿蜒、小径的曲折等，自然地将观者的视线引入画面深处。 前景的烘托： 常在画面前景设置一些小景，如几块石头、几株小树、一扇窗户、一座拱桥等，它们既能起到遮挡、分割的作用，又能引导观者视线，并丰富画面层次。 中景的承接： 中景是连接前景与远景的关键，通常描绘的主要景物，如山峰、楼阁、村落等。 远景的虚化： 远景多用淡墨、淡彩处理，以虚化的形式表现，营造出空间的深远感，并与前景、中景形成对比。 “借景”的智慧： 在画面中巧妙地加入建筑、人物、船只等，可以打破纯粹的山水景物的单调，增添人文气息，并使画面更具故事性。 3. “空山不见人”构图法：以静制动，以虚衬实 “空山不见人”构图，强调的是画面的静谧、空灵和幽深。画面中虽然不见人物，但却处处流露出人文的气息和画家的心境。 原理： 通过大面积的留白、云雾的缭绕，营造出一种“空寂”的氛围，衬托出山峦的静穆和意境的深邃。 技法： 大量的留白： 画面大部分区域留白，表现天空、云海、山谷的虚处，让观者产生无限的遐想。 淡墨的处理： 山石、树木等景物以淡墨勾勒、皴擦，色彩淡雅，营造出朦胧、幽远的意境。 恰当的点景： 虽名为“空山不见人”，但可以点缀一两间茅屋，一座小桥，一艘孤舟，或是一株迎风而立的松树，这些点景之物，往往成为画面的灵魂，烘托出画面的意境，传递出画家孤高、淡泊的心境。 构图的节奏： 即使是大量的留白，也需要有巧妙的构图安排，使画面不至于空洞，而能形成一种内在的节奏感和韵律感。 4. “点景”构图法：以小胜大，以动衬静 “点景”构图，是指在宏大的山水背景中，以极小的景物（如人物、舟船、亭台）作为画面视觉中心，形成以小胜大、以动衬静的效果。 原理： 利用微小景物的点缀，打破画面的沉闷，活跃画面气氛，引导观者的视线，并突出山水景物的宏伟。 技法： 景物的选择： 点景之物通常是人物、山径上的旅人、停泊在水中的舟船、远处的茅屋、山间的寺庙等。它们虽小，却能成为画面的“眼睛”。 位置的安排： 点景之物不宜过多，且要放置在画面的关键位置，如视觉中心、视觉引导线末端，或具有象征意义的地方。 大小的对比： 点景之物的大小与周围的山水景物形成强烈的对比，从而凸显出山水的宏伟，同时也使点景之物更加醒目。 动静的结合： 当山水景物显得较为静态时，点缀一些活动的人物或舟船，能使画面富有生机和活力。反之，在动态的山水背景中，一个静止的亭台，也能起到镇静画面的作用。 “不在乎量，而在乎神”： 点景之物的绘画技法同样需要精炼，寥寥几笔，要画出其神韵和动态。 第四章：构思与形式：国画的灵魂所在 构图不仅仅是画面的排布，更是画家对自然景物的理解、提炼和升华。它包含了画家独特的构思和艺术形式的追求。 从“眼中之景”到“胸中之竹”： 优秀的山水小品画，并非对景物的简单复制，而是画家经过观察、体验、感悟后，在心中形成的“意象”。“胸有成竹”的道理同样适用于山水画，画家需要将自然景物转化为自己内心的感受，再通过笔墨表达出来。 “笔墨当随时代”的构图思考： 尽管我们研究的是中国传统山水画的构图，但现代画家在构图上也可以有所创新。如何在传承经典构图法则的同时，融入现代人的审美视角和生活体验，是值得思考的问题。 形式的突破与融合： 构图也与画面形式的整体风格紧密相关。例如，线条的粗细、墨色的浓淡、色彩的运用、留白的多少，都会影响到画面的整体形式感。在构图时，也需要考虑这些因素的相互协调。 “神似”而非“形似”： 构图的目的是为了更好地传达画面的“神韵”和“意境”，而非拘泥于景物的精确描绘。一个巧妙的构图，能够让观者感受到山水的灵性、自然的生命力，以及画家内心世界的起伏。 第五章：实践与提升：创作属于你的山水小品 理论的目的是为了指导实践。通过反复的练习和不断的总结，你将能够掌握运用这些构图法则，创作出属于自己的、富有艺术价值的山水小品画。 从临摹到创作： 学习和借鉴历代名家的构图方式是必不可少的。通过细致的临摹，理解其构图的精妙之处。但更重要的是，要将这些经验内化，并运用到自己的创作中。 速写与写生： 勤于速写和写生，是积累素材、培养观察力的重要途径。在速写和写生的过程中，注意对景物的提炼和构图的尝试。 大胆尝试与创新： 不要害怕失败，要敢于尝试不同的构图方式。在掌握基本法则的基础上，可以尝试打破常规，寻找属于自己的语言。 观摩与交流： 多观摩优秀的山水小品画作品，与同行进行交流，互相学习，共同进步。 山水小品画，以其精巧的笔触，承载着中国文人对自然的热爱和对生活的感悟。希望本书所阐述的构图理论与技巧，能够为你打开一扇通往山水小品画艺术殿堂的大门，让你在方寸之间，领略天地之大，体味自然之美，挥洒胸中之意。让我们以笔为媒，以墨为语，共同描绘那属于你心中的诗意山水。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得国画山水画的小品创作，对画家的构图能力要求非常高，因为它需要在有限的空间内，展现出无穷的意境。这本《区域包邮 小品画的构图》真的给了我很大的启发。书里对“构图”的理解非常独到，它不仅仅是简单的元素摆放，更是一种“画外之意”的表达。我特别喜欢它关于“墨韵”与“构图”相互作用的讲解。它告诉我，墨色的浓淡干湿，不仅仅是色彩的表现，更是构图的重要组成部分，可以用来区分层次，制造空间，引导视线。书中李泽民老师的讲解非常有条理，从基础的“点、线、面”的应用，到复杂的“取景”、“破墨”、“积墨”等技巧在构图中的运用，都讲得非常透彻。而且，书里附带的很多范画，我反复揣摩，总能从中发现新的奥秘。感觉自己的构图思维得到了很大的拓展，能够更好地驾驭画面，让小品画也能充满气势和韵味。

评分☆☆☆☆☆

作为一名国画爱好者，我一直对如何让画面更具“国画味”感到好奇。这本《区域包邮 小品画的构图》的书名虽然有些特别，但内容却非常扎实。它从“构图”这个最核心的要素入手，深入浅出地讲解了国画山水画小品创作的方方面面。我特别喜欢它关于“构思”和“形式”的探讨。它不仅仅告诉我们“怎么画”，更强调“为什么这么画”。书里详细讲解了中国传统绘画的哲学思想是如何融入构图的，比如“天人合一”、“道法自然”等观念如何体现在画面布局中。它引导读者去思考，如何通过构图来表达画家对自然的理解和感悟，而不是简单地复制风景。我最欣赏的是它对“笔墨韵味”和“形式构成”之间的辩证关系的阐述。它告诉我，优秀的构图，是形式服务于内容，是笔墨韵味在形式上的最佳体现。这本书让我对国画小品创作有了更深层次的认识，也为我的绘画之路指明了方向。

评分☆☆☆☆☆

我最近一直在钻研国画山水画的小品创作，对构图技巧一直很困惑，直到我翻开了这本《区域包邮 小品画的构图》。这本书最吸引我的地方在于它对“构图”的深入剖析，以及李泽民老师在山水画领域的实践经验。书里不仅仅罗列了各种构图法则，而是将理论与实践紧密结合。我尤其欣赏它对于“意境营造”和“构图形式”之间的联系的阐释。它强调，好的构图不仅仅是画面的组织，更是情感和思想的载体。书中对历代名家小品画的构图进行了解析，分析了他们是如何通过画面元素的排列组合来传达诗意的，比如如何用高远、深远、平远来表现不同的空间感受，如何用“断”与“连”、“聚”与“散”来营造画面的节奏感。我跟着书中的讲解，尝试着去分析一些自己喜欢的作品，然后用学到的方法去构思自己的小品。感觉自己的画面开始有了主次，有了呼吸，有了生命力。

评分☆☆☆☆☆

这本《区域包邮 小品画的构图》的讲解方式真是太别致了！我之前学国画，总感觉那些理论讲得云里雾里，跟实际画画脱节。但这本书不一样，它把“构图”这个抽象的概念，通过“区域包邮”这种接地气的方式，变得生动有趣。它不像其他书那样上来就讲构图法则，而是先从“哪里可以‘送达’你的画面元素”开始，引导读者思考画面的组织和布局。我印象最深刻的是关于“视觉焦点”的讲解，书里用了生活中很多有趣的例子，比如一张海报如何吸引眼球，一个商店的橱窗如何陈列商品，然后把这些原理巧妙地迁移到国画山水小品中。它告诉我们，即便画面很小，也要有明确的主体和引导线，让观者的视线能在画面中流动，而不是茫然不知所措。我还特别喜欢它讲到的“留白”技巧，不是简单地留白，而是如何让留白成为画面的一部分，成为“负空间”的艺术。这本书让我觉得，构图不再是枯燥的技巧，而是一种充满智慧和趣味的“空间魔术”。

评分☆☆☆☆☆

这本书我早就关注了，它涵盖的领域太广了，让我有点不知道从何说起。我最感兴趣的是“小品画的构图”这一部分。我一直觉得小品画虽然尺寸不大，但麻雀虽小，五脏俱全，构图的精妙程度甚至比大幅作品更考验功力。书中理论部分讲得细致入微，从“计白当黑”到“虚实相生”，再到“以景托情”，每一个概念都配有大量的范例。我特别喜欢李泽民老师对构图元素的拆解分析，比如如何通过几笔简单的线条勾勒出山峦的起伏，如何运用墨色的浓淡来表现空间的深远。他讲解的“三远法”在小品画中的应用，让我豁然开朗，原来小小的画面也能容纳如此丰富的空间层次。而且，书里不仅有理论，还有大量的写生和创作示范，步骤清晰，让我能跟着一步步去尝试。我试着临摹了几幅，发现自己对构图的理解真的提升了不少，不再是凭感觉乱画，而是有了明确的思路和方法。这对于我这种初学者来说，简直是如获至宝。