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高拂晓 著

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出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562184942

商品编码：28760938384

包装：精装

出版时间：2018-03-01

基本信息

书名：音乐表演艺术论

定价：72.00元

作者：高拂晓

出版社：西南师范大学出版社

出版日期：2018-03-01

ISBN：9787562184942

字数：

页码：273

版次：1

装帧：精装

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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从专业的角度看，音乐表演在理论研究领域（比如音乐学）长期处于沉默状态，这也是人们总是认为表演是一种实践活动的原因，理论家的兴趣不在表演问题，而是作品，特别是西方长期以来以弘扬作曲家和作品的为核心建立起来的音乐共识（如音乐史），对表演的相对忽视，以致表演被隐退出学术研究的领域。在，表演艺术家虽然有大量的舞台实践经验和体会，却往往缺乏系统总结和思路（如前辈艺术家的经验），很多实践成果难以很好地保留并流传下来，这也是大量表演问题常常“口传心授”的历史原因。理论的意义实际上也是为了传承和发展。从另外一个方面讲，理论形成于文字和表达，而表演艺术家的*真切的“表达”即是舞台上的展现，而非文字。这也是从实践到理论的一个现实困难。但在文字凝结的理论背后，是对艺术问题的不断思索基础上形成的看法。
　　从更宽泛的艺术范围看，音乐表演有其自身区别于其他艺术门类的神秘而难以言传的艺术魅力，广大的艺术爱好者或音乐学习者，对音乐表演虽不乏很好的认知和感受能力，但差异性较大，常常难以建立较为准确的音乐评价和认识标准，而经常求助于专业人士的解读。许多表演上的技术技巧和艺术上的表现，均是以较为微观和细腻的音乐组织要素来呈现的，没有专业音乐的学习背景和实践经验，对其中一些问题的理解自然会缺乏必要的知识结构。
　　《音乐表演艺术论》采用了一种学术化的思路，从学理上阐释了许多音乐表演的美学问题，同时，也试图从艺术学的审美规律人手，对音乐表演进行全景式的扫描，获得多角度的理解和认识。
　　希望《音乐表演艺术论》能给专业音乐表演者或音乐研究者提供一些参考，也希望能对一般音乐爱好者提供更多观察音乐的视角和观点，起到辅助学习和理论提升的作用。

目录

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导论
章 音乐表演的本质与差异
节 何为音乐表演
一、艺术学的讨论
二、音乐表演的定义
第二节 不只是音符
一、从作品到音响
二、现代技术条件对音乐表演的影响
第三节 边缘还是核心
一、音乐表演的重塑性
二、音乐表演的创造性
第四节 意义的类型与差异
一、三种表演形式
二、传播性、表现性和情景性

第二章 音乐表演的表现与力度
节 表现的哲学
一、表现理论的雏形
二、表现理论的发展
第二节 挑战经典概念
一、表现力概念的萌芽
二、表现力的基本原则
第三节 表现力的呈现方式和差异
一、共性表现力、个性表现力与多维表现力
二、表现力差异的几种情况
第四节 表演的力度和深度
一、舒曼《梦幻曲》的表现力剖析
二、表现的力度

第三章 音乐表演的主体与风格
节 一种身份的意义诠释
一、艺术家的形成
二、表演者的形成
三、音乐表演艺术家的当代职责与发展
第二节 表演者到艺术家的距离
一、表演心理技能
二、表演心理控制
第三节 众人瞩目的奥妙
一、音乐风格问题
二、表演风格问题
第四节 被“他（她）”震撼不是偶然
一、风格的纯正性
二、风格的必然要求

第四章 音乐表演的接纳与评价
节 一种知道和懂的条件
一、接受的美学基础
二、理解的想象力
第二节 复杂社会生态下的审美链条
一、审美接受的社会环境
二、音乐艺术市场的当今发展
三、时代观念与表演创作
第三节 批评的辩证法
一、何为评论者
二、评论的主观性与客观性
三、评论者的素养

第五章 音乐表演的历史与发展
节 西方音乐表演艺术的历史与发展
一、声乐艺术的发展
二、器乐艺术的发展
第二节 中国音乐表演艺术的历史与发展
一、宫廷音乐
二、文人音乐
三、音乐
四、民间音乐
第三节 中外音乐表演理论的发展
一、国外音乐表演理论
二、音乐表演理论
三、中外音乐表演理论比较

第六章 音乐表演的人才与希望
节 “独木桥”的艰辛与憧憬
一、音乐表演人才培养的模式及过程
二、音乐表演人才培养的主要内容
第二节 音乐表演人才培养的完善和平衡
一、基础阶段的能力养成
二、创造性的发展与提升
第三节 音乐表演的研究与深度
一、观念的转变
二、机制的培育
三、双重人才的渴求
四、方法的建立与实施

参考文献
后记

作者介绍

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高拂晓，中央音乐学院副研究员，硕士研究生导师，《中央音乐学院学报》副主编，英国牛津大学访问学者。2004年毕业于西南师范大学音乐学院钢琴教学与表演艺术专业，获硕士学位；2007年毕业于中央音乐学院音乐学系音乐美学专业，获博士学位。主要研究方向：音乐美学及音乐表演美学。目前在中央音乐学院开设本科课程“音乐表演美学概论”和研究生课程“音乐表演研究”“学位论文写作”。出版专著《期待与风格：迈尔音乐美学思想研究》，在各类音乐核心期刊发表论文几十篇；入选教育部新世纪人才支持计划，获霍英东教育基金会青年教师基金项目资助，主持并参与完成了多项科研课题。

文摘

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《音乐表演艺术论》：
　　音乐表演艺术家的形成是历史的必然，经历了从作品向创作者和表演者的观念转变过程，其中透露出艺术家主体地位的不断提升，并在职业分工越来越细化的过程中确立了自身的价值和意义。
　　一、艺术家的形成
　　艺术家这一概念的形成经历了较长的历史过程，如果我们把时间拉回到较久远的过去，那么我们会发现，从艺术作品到艺术家的确立表明，人们给予艺术家越来越独立和崇高的地位。在古希腊，人们对艺术家高超的技艺给予赞美，但这种赞美更多的是给予作品，而不是艺术家本人（如帕提侬神庙与建造者伊克底努）。艺术家因为其作品而被看作是神圣的，因为他们是某类神的化身。艺术家作为工匠的概念被广泛接受。到文艺复兴时期，艺术家的身份发生了变化，从工匠的概念被提升到专门从事艺术工作，为伺奉王公贵族和教皇而存在的一种特殊的职业（如提香和拉斐尔）。提香和拉斐尔甚至作为与王公贵族完全同等地位的身份，过着的生活，并享受着荣华富贵。“每一位到威尼斯去的文学家、每一位绅士、每一位公主都要去拜会提香。”①那些突出的艺术家被人们称为“天才”，艺术家具有了更强的自我意识，并开始产生了艺术家自画像（如达·芬奇），继而开始出现了艺术家的自传（如瓦萨里在1550年写的画家、雕塑家、建筑家传），“传记可以使艺术家的声誉比他的作品流传得更为久远”。①米开朗基罗以其强烈的个性发展到受人们顶礼膜拜般地尊崇，甚至已经超出了艺术家的标识，成为世俗的“神”。
　　18世纪之后，现代意义上的艺术家（Artist）一词逐渐被确立，并区别于手工艺者（Artisan）。浪漫主义对主体和个性的宣扬进一步提升了艺术家的地位，艺术家成为“创造者”。“随着资产阶级革命和启蒙理性对神学和世俗王权的消解，对神秘事物和神圣性的信仰被放置到了新的创造者——艺术家身上，艺术成了新的供膜拜的，而艺术家则成了世俗社会瞻仰的教主，成了新的救赎的象征。浪漫主义是目睹日益分化的现实而渴望重新聚合的努力，而艺术被普遍地看作具有这种调和的能力。”②作为现代概念的艺术家在这种风尚当中确立起来，同时又与社会体制有密切的联系。学院制的建立巩固了艺术家的地位，并逐渐形成规范化和体系化的而又稳定的艺术家概念，使艺术家区别于一般的工匠。在艺术家了工匠而被提升到具有点石成金的身份地位的高度之后，社会就开始越来越看重艺术家的意义，而不是作品的意义。所以现代艺术的转折点正是发生在杜尚的“我不相信艺术，我只相信艺术家”的观念中，杜尚被认为是个明确意识到了自己的艺术家身份，并有效地利用了其身份进行艺术活动的艺术家。贡布里希在《艺术发展史》的开篇就提出了“没有艺术，只有艺术家”的预言。毕加索也说：“画家画什么无所谓，重要的是他是什么。”③
　　正是在这种现代艺术观念的影响下，时代的艺术问题很多时候已经不是艺术本身的问题，而是艺术家身份的问题。艺术之所以称其为艺术，取决于是否是一位艺术家在实施。由于给予了艺术家太多的主体性，使得艺术作品本身被艺术家的所遮蔽了，难怪有人说我们的时代缺的不是艺术家，而是好的艺术作品。这涉及对艺术家的职责的讨论，我们后面将会谈到。
　　……

序言

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《音乐的呼吸与灵魂：艺术性表达的深度解析》 本书并非对某一特定音乐作品的技法或理论进行枯燥的罗列，而是将目光投向音乐表演艺术的核心——那股贯穿始终、赋予音符生命与情感的“呼吸”与“灵魂”。它是一场关于音乐表现力本质的探索之旅，旨在揭示表演者如何将冰冷的乐谱转化为触动人心的艺术体验。 在音响的海洋中，每一个音符都只是一个潜在的可能性。真正的音乐，是从这些点连接成的线条，再延展为广阔的意境。本书将带领读者深入剖析表演艺术家的创作过程，探寻他们如何理解作曲家的意图，如何将个人的理解与情感融入其中，最终雕琢出独一无二的艺术形象。这不仅仅是技术层面的精准，更是精神层面的共鸣与传递。 我们将首先审视“音乐的呼吸”这一概念。它指的是音乐在时间中的流动性、节奏的脉动、乐句的起伏以及情感的张弛。这是一种超越技术层面的直觉和感知，是表演者对音乐生命力的把握。从呼吸的深浅、长短、力度，到对乐句的塑造，再到整体的张力与释放，每一个细微之处都蕴含着丰富的表现信息。本书将通过对不同音乐时期、不同风格作品的剖析，展示呼吸如何在不同语境下呈现出不同的形态，以及优秀的表演者如何赋予音乐以自然的生命气息。 紧随其后的是“灵魂的注入”。音乐的灵魂，是表演者将其内在情感、哲学思考、人生阅历与音乐相结合所产生的独特火花。这不是模式化的演绎，而是基于深刻理解后的个体表达。我们探讨的是，为何同一首乐曲，在不同的艺术家手中会呈现出截然不同的风貌。这源于他们对作品内涵的独特解读，对时代背景的认知，以及他们自身情感世界的映射。本书将通过对大师级表演的案例研究，解析他们在诠释作品时所体现出的深度思考与情感投入，以及这种投入如何跨越时空，与听众建立起深层的情感连接。 本书还特别关注音乐表演中的“意境”营造。意境并非孤立存在的技巧，而是音乐元素（旋律、和声、节奏、音色等）相互作用，在听众心中产生的综合性感知与联想。我们将分析表演者如何通过对音色细微的控制，对力度层次的精心设计，对速度变化的巧妙运用，以及对空间感的感知，来构建起一个引人入胜的音乐世界。从宁静的沉思到激昂的呐喊，从细腻的描绘到宏大的叙事，每一个意境的形成都凝聚着表演者对音乐整体结构的深刻洞察和对听众心理的精准把握。 此外，本书还将深入探讨音乐表演中的“对话”与“交流”。音乐的表演并非单向的输出，而是一个复杂的交流过程。表演者与作曲家之间存在着跨越时空的对话，表演者与同台演出的伙伴之间存在着即时的互动，而最核心的，是表演者与听众之间无声却深刻的交流。我们将解析，优秀的表演者如何通过音乐的“语气”、“姿态”以及对情绪的精准传递，来引导听众的情感走向，激发他们的想象，并最终达成一种心灵的契合。 在技术层面，本书不会止步于对基础技巧的描述，而是将其置于艺术表达的语境中加以审视。例如，对于演奏技巧的把握，不仅仅是为了弹出正确的音高与节奏，更是为了能够自由地驾驭音色，实现情感的精准表达，为音乐的呼吸与灵魂提供坚实的技术支撑。我们将探讨如何通过训练，让技术成为艺术表达的翅膀，而非束缚。 本书的叙述语言将力求通俗易懂，但又不失深度与严谨。它旨在成为音乐爱好者、学习者，乃至专业表演者的一本启发性读物。它不提供标准答案，而是激发思考，鼓励探索。通过阅读本书，您将得以窥见音乐表演艺术背后那股神秘而强大的力量，理解为何有些表演能够穿透时光，触动灵魂，成为永恒的经典。 本书的视野将是开放的，我们将涉及从古典到现代，从独奏到合奏，从声乐到器乐等多元化的音乐表演形式，通过丰富生动的案例，来展现音乐表演艺术的广博与精深。它不仅仅是一本书，更是一扇窗，一扇通往音乐内心世界的窗，一扇通往人类情感丰富表达的窗。它期待与您一同开启这段关于音乐表演艺术的深度对话，去感受那份超越音符的生命律动，去聆听那份在空气中流淌的真挚情感。

评分☆☆☆☆☆

最近刚入手一本《音乐表演艺术论》，虽然还没来得及细读，但翻阅了一下目录和前言，就已经让我对它充满了期待。这本书的装帧设计非常典雅，纸质也相当不错，拿在手里就有一种沉甸甸的厚重感，这对于一本探讨艺术理论的书来说，是恰到好处的。我尤其对其中关于“表演的即时性与再现性”的章节很感兴趣，一直在思考，音乐表演作为一种现场艺术，其不可复制的瞬间魅力如何与乐谱的固定性进行对话，又如何在传播和记录中被赋予新的生命。这本书似乎提供了一个很好的理论框架来解析这个问题。另外，关于“表演者与观众的互动关系”的探讨，也触及了我一直以来在观看音乐会时深切感受到的体验。那种心与心的交流，舞台上能量的传递，观众呼吸的同步，都是音乐表演艺术独有的魔力。我希望这本书能深入剖析这种连接的形成机制，以及它对表演本身和观众体验产生的双重影响。整体来说，这本书给我一种既有学术深度又不失人文关怀的感觉，迫不及待想沉浸其中，与作者一同探索音乐表演的无限可能。

评分☆☆☆☆☆

《音乐表演艺术论》这本书带给我的第一印象是其严谨的学术态度和广阔的视野。虽然我尚未深入阅读，但从其细致的章节划分和引用的参考文献来看，作者在音乐表演艺术领域的研究无疑是深入且全面的。我尤其关注书中关于“音乐表演的詮释性”的讨论。作为一名乐迷，我常常在聆听同一首曲子不同演奏家的版本时，感受到截然不同的情感体验和艺术理解。这本书似乎试图揭示，音乐表演并非简单的文本复述，而是一个充满创造性的再创作过程。表演者如何通过自己的理解、情感和技术，赋予乐谱以生命，将静态的音符转化为动态的艺术体验，这其中的奥秘令人着迷。我期待书中能有深入的案例分析，能够将理论与实践相结合，帮助我更好地理解不同表演者在詮释同一部作品时为何会产生如此巨大的差异。此外，书中关于“音乐表演中的情感传递机制”的探讨，也正是我一直以来所好奇的。音乐为何能直接触动人心？表演者又是如何将抽象的情感转化为可感知的声音和动作，并与之产生共鸣？这本书或许能为我拨开迷雾，找到答案。

评分☆☆☆☆☆

刚拿到《音乐表演艺术论》这本书，还没来得及深入研读，但仅凭初步的浏览，我已被其丰富的理论视角所吸引。特别是书中对“音乐表演的身体性”这一概念的阐释，让我眼前一亮。一直以来，我们更多关注音乐的听觉层面，但表演者身体的姿态、动作、甚至微表情，都在无声地诉说着音乐的情感与逻辑。这本书似乎将焦点拉回了具象的身体，探讨身体如何成为音乐表达的载体，如何通过肢体语言来传递超越音符本身的情感力量。我一直在思考，一个伟大的表演者，其身体是否已经与音乐融为一体，成为了音乐的“活的诠释者”。这本书无疑为我提供了一个深入探究这个问题的理论工具。此外，关于“不同音乐风格下的表演实践差异”的章节，也引发了我浓厚的兴趣。无论是古典音乐的严谨细腻，还是爵士乐的自由奔放，抑或是现代音乐的实验前卫，其表演方式都呈现出截然不同的风貌。我渴望在这本书中找到对这些差异化表演风格的系统性梳理和深度解读，了解它们背后的历史文化根源和艺术美学追求。

评分☆☆☆☆☆

《音乐表演艺术论》这本书，光是书名就让我产生了强烈的共鸣。在接触音乐表演的过程中，我一直对“表演者如何克服紧张情绪，展现最佳状态”这个话题非常感兴趣。书中是否有关于表演者心理调适、压力管理以及临场发挥的技巧与理论，是我非常期待了解的。我总觉得，一个出色的音乐表演者，不仅要有扎实的技术功底，更要有强大的心理素质，能够在巨大的压力下依然保持冷静与专注，并将内心的情感毫无保留地释放出来。此外，书中关于“音乐表演在不同传播媒介中的演变”的探讨，也让我颇为关注。从最早的现场演出，到后来的唱片录音，再到如今的流媒体和视频平台，音乐的传播方式发生了翻天覆地的变化。这些媒介的演变，是否也深刻地影响了音乐表演的形态和观众的接受方式？例如，网络直播的互动性和即时性，是否正在重塑我们对音乐表演的认知？我希望这本书能提供一些富有洞见的分析，帮助我理解音乐表演艺术如何在不断变化的时代中找到新的生存与发展空间。

评分☆☆☆☆☆

刚拿到《音乐表演艺术论》这本书，还没有来得及细细品读，但其主题本身就足以勾起我无限的好奇心。作为一个热爱音乐的人，我一直对音乐表演中的“即兴”元素情有独钟。尤其是在爵士乐和一些民族音乐中，那种当下产生的、不可复制的旋律和节奏，总能带来一种原始的生命力。书中是否有关于音乐表演中即兴创作的理论阐释，以及即兴如何与既有结构进行平衡，是我特别期待的部分。我一直在想，即兴表演者是如何在瞬间捕捉灵感，并将其转化为成熟音乐的？这其中涉及到的思维方式、情感调控和技术运用，都充满了神秘感。同时，我也对书中关于“音乐表演的社会文化语境”的分析很感兴趣。音乐表演并非孤立存在，它深受其所处时代、社会环境和文化背景的影响。例如，不同历史时期的宫廷音乐、宗教音乐、民间音乐，其表演形式和内涵都有着显著的差异。我希望这本书能提供一个宏观的视角，帮助我理解音乐表演是如何在不同的社会文化土壤中生长和演变的，以及它又是如何反过来影响着社会和文化的。