看电影的门道 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

[美] 吉姆派珀 著

图书标签:

• 电影
• 观影技巧
• 影评
• 电影分析
• 电影入门
• 电影鉴赏
• 视听语言
• 电影文化
• 电影史
• 电影推荐

店铺： 文轩网旗舰店

出版社： 北京联合出版公司

ISBN：9787550246195

商品编码：10228417480

出版时间：2016-03-01

作  者:(美)吉姆？派珀 著作 曹怡平 译者 定  价:39.8 出 版 社:北京联合出版公司 出版日期:2016年03月01日 页  数:358 装  帧:平装 ISBN:9787550246195 ●第1版前言
●第2版前言
●部分  电影艺术
●  镜头
●1.1  景别
●1.2  角度
●1.3  运动
●1.4  光学
●1.5  构图
●1.6  长镜头：艺术还是游戏
●1.7  生胶片
●第二章  场面
●2.1  内景
●2.2  极端的布景设计
●2.3  布光
●2.4  外景
●2.5  电脑合成影像
●第三  章声音
●3.1  对白
●3.2  音乐
●部分目录

内容简介

吉姆？派珀著的《看电影的门道(插图修订第2版)》是一本适合各个年龄段和社会阶层读者阅读的影迷观片指南。作者用诙谐精练的语言介绍了大量经典电影、流行大片和影史遗珠，并且探讨了这些电影所运用的技术和表现手法，以及当代电影人如何继承和发展了这些技术和手法。为了*大程度限度地满足读者的阅读需要，作者尽量避免使用过于专业和深奥的术语，以形象化的表述方式阐释了镜头、场景、声音、剪辑、风格、布景、角色等很多电影的基本概念和组成元素，因此本书在海外畅销多年。在*新的修订版中，作者添加了三个新章节，分别介绍了好莱坞电影、美国独立电影和世界其他国家的电影，沿用艺术与娱乐并行不悖的研究方式，带给读者*新、*好看的片例。也许看完本书之后你的**个愿望就是找到一部暌违多年或者期待良久的电影，酣畅淋漓地看上一场，记住抱着沙发上*舒适的抱枕，打开自己**级的音响。 (美)吉姆？派珀 著作 曹怡平 译者 吉姆？派珀（Jim Piper），在美国弗雷斯诺城市学院教授电影和英文课程已经超过三十年，出版了 Making Short Films 等七本电影著作，并拍摄过若干获奖短片。

好的，这是一本名为《探秘光影艺术：从胶片时代到数字未来》的图书简介。 --- 图书名称：《探秘光影艺术：从胶片时代到数字未来》 图书简介 欢迎来到一个由光与影编织而成的世界。本书旨在为所有对电影艺术怀有好奇心、渴望深入理解其运作机制和发展脉络的读者，提供一份详尽而引人入胜的导览。我们不只是观看电影，而是要学会“看”电影，理解每一帧画面背后所蕴含的技术革新、叙事技巧以及文化思潮的交汇。 《探秘光影艺术：从胶片时代到数字未来》是一部跨越百年电影史、深入剖析电影制作核心要素的综合性著作。它从最基础的光学原理谈起，逐步引导读者理解电影是如何从默片时代的粗粝感，演化为如今令人惊叹的视听盛宴。 第一部分：光影的诞生与技术的奠基 本篇章着重回顾电影艺术的起源及其早期的技术突破。我们将详细考察摄影术的演进如何为电影的诞生铺平道路，从早期的运动摄影实验，到卢米埃尔兄弟的“活动电影放映机”的横空出世。 胶片时代的叙事语言的建立： 早期电影制作者，如梅里爱和格里菲斯，是如何通过蒙太奇、景别和场面调度等基本概念，构建出人类第一套成熟的视觉叙事语言的？我们将分析经典默片时代（如卓别林、基顿的作品）中，演员如何仅凭肢体和面部表情来传达复杂的情感和故事情节，这对于理解现代表演依然具有重要意义。 声音的革命与色彩的魔力： 声音的加入如何彻底改变了电影的结构和主题？本部分将详述“有声电影”过渡时期的挑战与机遇，以及早期彩色胶片技术（如蒂芬尼法、特艺彩色）的原理和美学效果。色彩不仅仅是装饰，它如何成为表达人物内心世界和烘托环境氛围的关键工具？ 第二部分：电影语言的深化与流派的勃兴 随着电影技术的成熟，世界各地的创作者开始探索更深层次的表达方式，形成了风格迥异的电影流派。 经典好莱坞的工业体系： 我们将解析“制片厂制度”下，电影是如何像流水线一样被高效生产的。从星探制度到垂直整合的发行链条，这一工业体系如何塑造了观众的审美习惯，并催生了如黑色电影（Film Noir）和西部片等具有鲜明时代烙印的类型片。 欧洲的先锋探索： 相比于好莱坞的商业化叙事，欧洲大陆的电影家们则将镜头对准了人类更深层的心理和哲学命题。德国表现主义对光影的极端运用、苏联的爱森斯坦的“冲突蒙太奇”理论，以及法国印象派电影对视觉韵律的追求，都将被细致梳理。这些非主流的探索，往往是未来电影技术和美学的摇篮。 现实主义与新浪潮的冲击： 二战后，意大利新现实主义以其对街头生活的真实记录，冲击了既有的电影规范。随后，法国新浪潮导演们如何打破传统叙事规则，在片场即兴创作，并将作者论（Auteur Theory）推向极致？这一部分将探讨电影如何从娱乐产品，转变为具有强烈个人印记的“作者艺术”。 第三部分：技术驱动下的电影形态重塑 进入现代，电影制作经历了从机械到数字的巨大飞跃，这不仅仅是工具的改变，更是创作边界的拓展。 特效的演进史： 从早期的机械模型、微缩景观，到CGI（计算机生成图像）的全面应用，特效的发展史就是一部不断挑战视觉极限的历史。我们将探讨“开创性视觉效果”的案例，分析这些技术突破是如何被用来服务故事，而非仅仅炫技。特别关注对深度摄影、运动捕捉技术以及虚拟制片流程的深入剖析。 声音设计的艺术： 现代电影音轨已不再只是对白和配乐的简单叠加。本书将专门辟章探讨专业音效师的工作流程，如何通过环境声、拟音、重采样和杜比全景声等技术，构建出超越肉眼可见范围的沉浸式听觉空间。例如，一个简单的脚步声，在不同场景下需要怎样的音景支撑才能达到最佳的心理暗示效果。 数字时代的制片流程与发行： 数字化极大地降低了制作门槛，但也带来了新的挑战。从前期策划的3D建模、虚拟勘景，到后期调色与母版制作，再到流媒体平台的崛起对传统院线发行的冲击，我们将探讨数字技术如何重塑了电影的生产、传播和消费模式。 第四部分：电影美学的未来展望 最后，本书将目光投向未来，探讨人工智能（AI）、沉浸式体验（如VR/AR）对电影艺术的潜在影响。 元叙事与交互性： 当电影可以被观众主动影响时，叙事结构会发生怎样的变化？我们将分析互动叙事作品的结构特点，以及AI在剧本生成、角色面部动画优化等方面的应用前景，并探讨这些新技术对“作者身份”的界定可能带来的哲学思考。 电影的本体论思考： 电影的本质是什么？是记录现实，还是构建梦境？本书将通过对大量经典案例的解构，引导读者超越单纯的娱乐消费，形成一套系统的、具备批判性的观影框架。理解电影的“门道”，就是理解我们如何通过光影来认识世界和自我。 《探秘光影艺术：从胶片时代到数字未来》不仅适合电影专业的学生和从业者，更适合所有渴望提升审美层次、对视觉文化充满热情的普通读者。它将是一把钥匙，带您开启电影艺术殿堂的每一扇门。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是它对“观影环境”和“时代背景”的深入剖析。作者似乎坚信，一部电影的体验感是无法脱离其诞生的土壤和观众当时的社会心态的。他不是仅仅分析电影内容本身，而是花了很多笔墨去描述一九二零年代的电影院是什么样子，人们在看完一部战争题材影片后走出影院的复杂心情，甚至是当时审查制度对叙事手法的隐性限制。这极大地拓宽了我对“电影史”的理解，让我明白那些我们如今看来理所当然的镜头语言，在当时可能是多么的先锋和具有颠覆性。阅读过程中，我不断地在脑海中进行画面构建，仿佛自己真的身处那个年代的黑暗放映厅里。这种沉浸式的历史感，让观影从一种纯粹的娱乐行为，升华为一种对人类文化变迁的深刻洞察，这方面的深度挖掘，远超我之前读过的任何一本“观影技巧”类书籍。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，与我以往在网络上阅读的那些快速、碎片化的影评文章形成了鲜明的对比。它需要时间和耐心，它要求你放慢速度，去品味那些看似平淡却内含深意的论述。我尤其欣赏作者在处理那些争议性作品时的克制与公允。他不会急于给出绝对的褒贬判断，而是会从多个角度去剖析作品的复杂性，引导读者去理解创作者的困境与选择。例如，在谈到某些被后世批判的陈旧观念时，作者没有简单地进行道德审判，而是将其置于那个特定的历史语境中进行考察，让人思考艺术与时代道德的永恒张力。这种成熟、富有层次感的评论态度，极大地提升了阅读的智识愉悦度。读完后，我的感觉是，我的“观影词汇量”和“鉴赏视角”都得到了显著的升级，它让我对那些经典作品有了更深层次的“共情”能力，而不是仅仅停留在“好看”或“不好看”的初级判断上。

评分☆☆☆☆☆

这部片单简直是影迷的福音！我花了足足一个下午的时间才把这本书里提到的那些经典老片浏览了一遍，很多名字听起来耳熟却从来没机会坐下来好好看一看。作者的品味非常独到，他不仅仅罗列了那些脍炙人口的商业大片，更深入挖掘了一些在主流视野中被略微忽视的独立制作和那些在特定年代具有里程碑意义的影片。比如，他对上世纪六七十年代欧洲艺术电影的梳理，那种细致入微的分析，让我感觉自己不是在看书，而是在进行一次穿越时空的电影朝圣之旅。他对于电影语言的解读也十分到位，不是那种空泛的理论说教，而是结合具体的镜头调度、剪辑节奏来阐述导演的意图。读完第一部分，我立刻在流媒体平台上搜索了几部以前从未听过的影片，准备在这个周末进行一次“深度补课”。这本书的价值不在于提供一个“必看清单”，而在于它像一把钥匙，为你打开了通往更广阔、更深刻的电影世界的大门，让你学会如何带着“问题”和“期待”去欣赏影像艺术。那种被引导着去探索未知领域的兴奋感，是其他同类书籍很难给予的。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的结构安排对我来说是一个不小的挑战，它似乎并不追求线性叙事或逻辑上的绝对流畅。与其说它是一本指南，不如说它是一本“索引”或者“思维导图”。作者的知识体系庞大得惊人，一会儿从黑泽明的镜头语言跳跃到新浪潮时期的配乐，下一章可能又开始探讨某个特定国家的小成本恐怖片对后世的影响。这种跳跃性起初让我有些措手不及，总想去寻找一个“主线”将所有内容串联起来，但后来我意识到，这种看似松散的结构正是其精髓所在——它鼓励读者进行自己的联想和探索。我甚至开始用荧光笔在书页上划出不同主题的颜色，试图建立我自己的知识网络。这本书更像是一个引人入胜的私人会谈，作者慷慨地展示了他脑海中那些庞杂而丰富的电影知识版图，迫使读者也调动起自己已有的观影经验去进行对话和碰撞，而不是被动地接受灌输。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的文字风格非常“老派”，但这种老派恰恰击中了我的心窝。它没有使用太多时髦的网络流行语或者过于晦涩的学术术语，而是用一种近乎于老派影评人的沉稳笔调，娓娓道来。我特别喜欢作者在描述那些黄金时代好莱坞巨星的段落时所流露出的那种敬意和怀旧之情。他会花很长的篇幅去描绘一个演员在特定场景下的一个眼神、一个微小的肢体动作是如何承载了复杂的情感张力的。这让我重新审视了那些被我们日常消费的快餐式娱乐背后，所蕴含的匠人精神。读这本书的时候，我常常会情不自禁地停下来，去回味作者描述的那些场景，甚至会想象如果用今天的特效技术去重拍，会失去多少原有的韵味。这已经不是一本关于“看电影”的书了，它更像是一部关于“光影的记忆”的私人札记，充满了个人情感的投射，读起来非常温暖，也让人更加珍惜那些经典作品的永恒魅力。