電影語言的語法(插圖修訂版) pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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[烏拉圭] 丹尼艾爾·阿裏洪，譯者：陳國鐸，黎锡 編

圖書標籤:

• 電影語言
• 電影語法
• 電影理論
• 電影分析
• 視覺敘事
• 電影技巧
• 電影製作
• 電影研究
• 電影傳播
• 電影藝術

店鋪： 博庫網旗艦店

齣版社： 京華

ISBN：9787550211834

商品編碼：1027265990

開本：16

齣版時間：2013-03-01

基本信息

• 商品名稱：電影語言的語法(插圖修訂版)
• 作者：(烏拉圭)丹尼艾爾·阿裏洪|譯者:陳國鐸//黎锡
• 定價：49.8
• 齣版社：京華
• ISBN號：9787550211834

其他參考信息（以實物為準）

• 齣版時間：2013-03-01
• 印刷時間：2013-03-01
• 版次：1
• 印次：1
• 開本：16開
• 包裝：平裝
• 頁數：349
• 字數：510韆字

編輯推薦語

全球暢銷三十餘年並被翻譯成數十種語言，被公認為討論導演、攝影、剪輯等電影影像畫麵組織技巧方麵*詳密、實用的經典之作 從實踐齣發闡明攝影機位、場麵調度、剪輯等電影語言，為“用畫麵講故事”奠定基礎 百科全書式的工作手冊，囊括拍攝中的所有基本設計方案，如對話場麵、人物運動，使初學者能夠迅速掌握專業方法 近500幅機位圖、故事闆貫穿全書，幫助讀者一目瞭然地理解電影語言 對大量經典影片的典型段落進行多角度分析，如《西北偏北》、《放大》、《廣島之戀》、《桂河大橋》，深入揭示其中激動人心的奧秘 本書是中國老一輩電影教育工作者精心挑選的教材，在翻譯、審訂中投入瞭巨大的心力，譯筆簡明、準確、流暢，惠及無數電影人

內容提要

《電影語言的語法(插圖修訂版)》編著者丹尼艾爾·阿裏洪（Daniel Arijon）。
     本書是烏拉圭電影導演丹尼艾爾 ·阿裏洪根據本人創作實踐經驗編寫 的電影敘事技巧教程，其專業性、實用性、經典性為全球各影視院校所公 認。作者不對電影的拍攝工作做過多理論論述，而是集中從實踐經驗入手 ，對製作過程中齣現的種種問題加以細緻精準的研究探討，並提齣行之有 效的解決方案。全書涉及到電影製作中如攝影機位、場麵調度、剪輯等關 鍵問題，對兩個以上演員對話場麵的處理、攝影機位三角形原理的運用、 內外反拍等也均有詳細論述。全書層次分明，清晰準確，並有近500幅插圖 貫穿其中，便於讀者充分理解和掌握。
     本書譯者多為中國老一輩電影教育工作者，如周傳基、呂錦璦、李溪 橋、裴未如等，譯稿準確流暢，影響深遠，被北京電影學院列為必讀書目 ，*有人盛譽此書“開啓瞭中國電影新的時代”。
    

目錄

齣版前言
推薦序
原編者的話
序言
**章 作為一種視覺交流係統的電影語言
1.1 電影語言的起源
1.2 電影創作者的類型
1.3 電影的錶現形式
1.4 明確我們的目的

第二章 電影平行剪輯的重要性
2.1 兩種基本類型
2.2 動作和反應
2.3 高峰瞬間和理解力
2.4 怎樣運用平行剪輯
2.5 一個寬廣的前景

第三章 基本手段的定義
3.1 新聞電影
3.2 紀錄電影
3.3 故事電影
3.4 三種類型的場景
3.5 電影語法諸元素
3.6 鏡頭
3.7 運動
3.8 距離
3.9 剪輯類型
3.10 視覺分句法
3.11 場景的匹配
3.12 對視
3.13 注意中心的交替

第四章 三角形原理
4.1 基本的身體位置
4.2 關係綫
4.3 頭部的重要性
4.4 三角形原理的五個基本變化
4.5 構圖重點
4.6 視覺重點的類型
4.7 三角形原理：一個人

第五章 兩個演員的對話
5.1 麵對麵
5.2 數量對比
5.3 演員肩並肩
5.4 演員一前一後
5.5 注意事項
5.6 攝影機的距離
5.7 攝影機和演員的高度
5.8 人物並排躺著
5.9 電話裏交談
5.10 相反的對角綫
5.11 半透明的遮闆
5.12 演員在麵鏡中的反映

第六章 三個演員的對話
6.1 常規的情況
6.2 非常規的情況
6.3 內／外反拍攝影機位
6.4 內反拍攝影機位
6.5 平行攝影機位
6.6 樞軸
6.7 注意中心的突齣
6.8 局部突齣
6.9 全部突齣
6.10 “北一南”變為“東一西”
6.11 隻用四個攝影機位
6.12 引入內反拍鏡頭
6.13 使用八個攝影機位
6.14 采用三種攝影機位的簡易方法
6.15 使用樞軸鏡頭
6.16 有意的捨棄
6.17 小結

第七章 四人或*多人的對話場麵
7.1 若乾簡單的情況
7.2 圍桌而坐的人群
7.3 人群再細分為若乾組
7.4 幾何圖形
7.5 幾個相對立的區域
7.6 處理一大群人
7.7 一個演員麵對觀眾
7.8 關係綫的交叉變化
7.9 主要演員處於中心的人群
7.10 作為樞軸的演員

第八章 靜態對話場麵的剪輯形式
8.1 接近與遠離形式
8.2 一場戲如何開始
8.3 再交代鏡頭
8.4 沉默的反應的重要性
8.5 插入鏡頭與切齣鏡頭
8.6 數量對比
8.7 主鏡頭的平行剪輯
8.8 關係綫變換軸側
8.9 對話之間的頓歇
8.10 時間的壓縮加速
8.11 對白的節奏

第九章 畫麵動作的特性
9.1 運動的分割
9.2 隨著運動變換視點
9.3 切齣鏡頭的使用
9.4 中性方嚮
9.5 用演員錶明方嚮的變換
9.6 在同一半邊畫麵的對立運動
9.7 鏡頭切換的條件
9.8 切換點
9.9 在運動中切

第十章 運動結束後的剪接

第十一章 畫麵內的運動
11.1 轉身
11.2 起立
11.3 坐下和躺臥
11.4 行走和奔跑
11.5 穿過門洞
11.6 小結
11.7 個人愛好

第十二章 入畫和齣畫的動作
12.1 多片段
12.2 三個片段運動

第十三章 演員A走嚮演員B
13.1 會聚運動
13.2 攝影機直角位置
13.3 反嚮攝影機角度
13.4 平行攝影機位
13.5 共同視軸
13.6 A越過B

第十四章 用主鏡頭拍攝畫麵中的動作

第十五章 不規則的例子
15.1 若乾人的視覺間歇
15.2 省略間歇
15.3 用相反的攝影機位
15.4 分散運動
15.5 一個演員在畫麵上的某一固定位置
15.6 兩個演員同時運動

第十六章 演員A離開演員B

第十七章 演員們一起運動
17.1 間斷運動

第十八章 睏難的剪輯情況的解決
18.1 攝影機和靜態人物之間的運動
18.2第二個鏡頭開始時的動作
18.3 在靜態演員身後的動作
18.4 運用90°角的攝影機位
18.5 兩個演員都在運動
18.6**個鏡頭中遮住一個運動的人物
18.7 使用一個強烈的前景動作
18.8 靜態人物的替換
18.9 重新轉移注意力
18.10 運用非人體的動作
18.11 拉開帷幕的效果

第十九章 其他類型運動
19.1 環形運動
19.2 垂直運動
19.3 強烈的停頓

第二十章 運動鏡頭的二十條基本規律
20.1 運動和攝影機
20.2 攝影機運動的基本準則
20.3 有根據的戲劇動機

第二十一章 搖攝鏡頭
21.1 全景搖攝
21.2 追逐場麵
21.3 間歇搖攝
21.4 環形搖攝
21.5 快速搖攝
21.6 用兩個方嚮
21.7 垂直搖攝
21.8 傾斜搖攝
21.9 固定鏡頭和搖鏡頭的連接
21.10 兩個連貫的搖鏡頭的剪接
21.11 雜耍式的搖鏡頭

第二十二章 移動攝影
22.1 用連續移動拍攝間歇動作
22.2 把一個靜止鏡頭和一個移動鏡頭連接起來
22.3 攝影機的間歇移動
22.4 運用軌道兩側的移動
22.5 蜿蜒路綫
22.6 移動時搖攝
22.7 攝影機和演員反方嚮移動
22.8 單列縱隊
22.9 移動攝影的速度
22.10 拍攝對象接近移動的攝影機
22.11 剪輯連貫的移動鏡頭
22.12 在一個移動的主鏡頭中切入靜止鏡頭
22.13 環形移動

第二十三章 攝影升降機和變焦距鏡頭
23.1 跟隨動作
23.2 前景道具強調高度
23.3 把兩個或*多的情節要點從視覺上加以結閤
23.4 把動作注入靜態情境中
23.5 以搖攝動作突齣情節重點
23.6 為動作中的剪接提供有力的運動
23.7 變焦距
23.8 變焦的速度
23.9 變焦和搖攝相結閤
23.10 仰俯拍鏡頭使用變焦距效果
23.11 攝影機在變焦距時移動
23.12 穿過前景障礙物變焦

第二十四章 動作性場麵
24.1 標準的公式
24.2 主觀視點
24.3 加強視覺動作的五種方法
24.4 推嚮視覺高潮
24.5 把高潮動作分為若乾鏡頭
24.6 動作性場麵中使用高速和慢動作
24.7 跟焦距技巧

第二十五章 鏡頭內的組接
25.1 需要事先的計劃
25.2 運動之間的頓歇
25.3 錶演區的*換
25.4 接近或遠離攝影機
25.5 變換身體姿勢
25.6 位置替換
25.7 調換畫麵區域
25.8 數量的對比
25.9 在畫麵內的組接

第二十六章 由一個錶演區到另一個錶演區
26.1 一般原則
26.2 一組人由一個錶演區移到另一錶演區
26.3 一組人的展開
26.4 兩種進一步的變化
26.5 一名演員移動，另一名保持靜止
26.6 一組人的聚攏
26.7 改變錶演區的手段

第二十七章 組閤的技巧
27.1 逐個鏡頭的剪輯
27.2 各種技巧的混閤使用
27.3 小結

第二十八章 電影的分句法
28.1 場麵到場麵的轉換：淡齣一淡入
28.2 白色淡齣淡入和彩色淡齣淡入
28.3 疊化
28.4 劃入—劃齣
28.5 圈入—圈齣
28.6 暗區的使用
28.7 字幕
28.8 道具
28.9 光綫的變化
28.10 問和答
28.11 同一方嚮的運動
28.13 物件的替換
28.14 字的重復
28.15 視覺的欺騙性配閤
28.16 圍繞著一件道具切換
28.17 一個意料不到的特寫鏡頭
28.18 平行剪輯的轉移
28.19 一個場麵的起始
28.20 演員
28.21 攝影機
28.22 視點的交代
28.23 突然的跳切用作分句
28.24 跳切用作時間轉移
28.25 選擇動作的高峰空場用作分句
28.26 孤立的鏡頭用作敘述中的頓歇
28.27 整個段落用作敘述的頓歇
28.28 虛像畫麵用作分句
28.29 全暗畫麵用作分句
28.30 攝影機運動用作分句
28.31 垂直的分句法
28.32 定格

結束語

好的，這是一本關於電影敘事和視覺錶達的權威著作的簡介，它深入探討瞭電影如何構建意義、引導觀眾情感以及運用其獨特的視覺“語法”來講述故事。 --- 《銀幕的詩學：電影敘事、視覺修辭與符號學解析》 內容提要： 本書是對電影藝術進行的一次全麵而深入的探索，它超越瞭簡單的類型劃分和技術描述，直指電影作為一種語言係統的核心運作機製。作者以嚴謹的學術態度和流暢的文筆，構建瞭一套分析電影“敘事語法”和“視覺修辭”的理論框架。全書不僅梳理瞭從早期電影到當代數字影像的演變軌跡，更聚焦於電影如何通過鏡頭運動、剪輯節奏、場麵調度、光影運用以及聲音設計等元素，編織齣復雜的意義網絡，有效地與觀眾進行意義上的溝通。 本書的核心論點在於，電影並非僅僅是現實的鏡子，而是一種高度結構化的、具有自身規則和邏輯的符號係統。理解電影，就需要像理解一門復雜的語言一樣，去剖析其“詞匯”（如特寫、遠景）和“句法”（如濛太奇的運用、場景的轉換）。 第一部分：電影的語言基礎與構成要素 本部分緻力於解構電影的物質基礎和基本單位。作者首先討論瞭“幀”作為電影最小時間單位的意義，並詳細分析瞭攝影機運動（如搖攝、推軌、跟拍）如何不僅是記錄工具，更是敘事主體情感和視點（POV）的延伸。每一個運動都被視為一個具有明確指嚮的“語法標記”。 接著，重點探討瞭剪輯的結構。這部分超越瞭傳統的“連續性剪輯”敘述，深入解析瞭愛森斯坦的“吸引製剪輯”、庫裏肖夫的實驗，以及非連續性剪輯（如跳切、交叉剪輯）在製造心理張力、時間壓縮或擴展方麵的強大效能。作者強調，剪輯不僅僅是連接鏡頭，而是“思想的碰撞”，是構建因果關係和哲學思考的關鍵步驟。 第二部分：視覺修辭與場麵調度 在這一部分，作者將焦點從時間結構轉嚮空間構建。場麵調度被視為導演在特定空間內對人物、道具和景深的“舞颱編排”。作者細緻考察瞭深度（前景、中景、背景的層次）在引導觀眾注意力、暗示人物關係和心理狀態中的作用。通過對經典場景的深入剖析，展示瞭如何利用景深（Deep Focus）來錶達多重敘事綫索的共存，以及如何通過淺景深來孤立和強調特定角色。 光綫與色彩作為電影最原始的錶達工具，也被賦予瞭深刻的符號學意義。本書係統地歸納瞭不同照明風格（如倫勃朗光、三點布光、逆光）在不同類型片中的慣例性用法，以及它們如何直接影響觀眾對人物性格的潛意識判斷。色彩的運用不再僅僅是美學選擇，而是情緒的載體和主題的編碼方式，例如對特定色彩的重復齣現（Motif）如何構建敘事的潛流。 第三部分：敘事結構與意識流的錶達 本部分將語言分析提升至敘事哲學的層麵。作者批判性地審視瞭傳統的“三幕劇”結構，並探討瞭如何通過非綫性敘事、畫外音的運用，以及閃迴/閃進來重塑時間體驗。 一個核心章節專門討論瞭如何通過電影語言來錶達主觀性與意識流。這涉及對主觀鏡頭（POV Shot）的精細辨析，探討其如何模糊瞭敘事者、角色和觀眾之間的界限。同時，本書也分析瞭“夢境序列”和“內心獨白”在影像上的實現方式，即如何通過失真的透視、不穩定的運動和抽象的視覺效果來模擬人類心智的不可預測性。 第四部分：聲音的維度與跨媒介對話 聲音在本書中被視為與影像同等重要的敘事支柱。作者詳細區分瞭畫內音（Diegetic Sound）和畫外音（Non-Diegetic Sound），並分析瞭背景音樂（Score）如何通過和聲、速度和配器來“注釋”屏幕上正在發生的一切，甚至預示未來的情節轉摺。 此外，本書還探討瞭濛太奇與聲音的對位，即聲音與畫麵信息是否一緻，以及何時通過聲音的錯位來製造諷刺、疏離或驚悚效果。最後，本捲擴展到電影的跨媒介影響，簡要分析瞭電影語言如何反哺文學、戲劇乃至當代數字媒體的敘事方式。 本書特色： 理論的整閤性： 本書巧妙地融閤瞭敘事學、符號學、現象學和美學理論，為電影研究提供瞭一個多維度的分析工具箱。 案例的深度解析： 穿插瞭大量對世界影史經典作品（涵蓋歐洲藝術電影、好萊塢黃金時代、日本新浪潮等）的細緻場次分析，確保理論落地。 視覺化的論證： 盡管內容深刻，但作者力求清晰闡釋，旨在幫助非專業讀者也能掌握分析電影的“語感”。 《銀幕的詩學》是電影專業學生、評論傢、獨立製片人以及任何渴望深入理解電影這門復雜藝術的觀眾的必備讀物。它不僅教你“如何看”電影，更教你理解電影“為何如此呈現”。

評分☆☆☆☆☆

這本書給我帶來的最大衝擊，來自它對“敘事主體性”的顛覆性解讀。我過去一直習慣於將鏡頭視為一個固定的、客觀的觀察者，或是為情感服務的工具。但讀完這本書後，我開始重新審視鏡頭的“意圖”。作者提齣瞭一種非常激進的觀點：每一個景彆、每一次運鏡，都攜帶著一種內在的“敘事張力”，這種張力決定瞭觀眾與銀幕之間建立的權力關係。當我重新迴顧那些我熟知的老電影時，我發現自己過去完全忽略瞭這些微妙的“語法規則”所産生的潛移默化的影響。舉個例子，他對“法式瞥視”（French Point of View）在現代電影中的演變進行瞭詳盡的案例分析，揭示瞭它如何從一種打破第四堵牆的技巧，演變成一種對觀眾主體性的復雜調侃。這本書的行文風格非常冷靜，幾乎不帶個人情感色彩，全靠論證的力度來打動人。這使得閱讀過程既枯燥又充滿智力上的快感。插圖部分在解析那些復雜的運動軌跡和視綫交織時，起到瞭不可替代的作用，沒有這些圖解，許多運動學上的概念根本無法被清晰地想象齣來。

評分☆☆☆☆☆

這本書的修訂版在理論的更新上做得相當齣色，尤其是在納入瞭數字時代的一些新的視覺現象後，使得這本書的討論範疇得以擴展。我關注到瞭其中關於“非綫性剪輯”在網絡信息流衝擊下産生的新變化的部分。作者並未固步自封於膠片時代的理論框架，而是敏銳地捕捉到瞭現代觀眾的注意力的碎片化趨勢，並探討瞭電影語言如何對此做齣瞭適應性的調整。我特彆欣賞作者在處理“聲音”與“畫麵”關係時的細緻入微。他不僅僅是在討論音效和對白，而是在探討聲音的“空間化”如何重塑瞭畫麵的物理邊界感。比如，他通過對特定恐怖片中“環境噪音”的處理案例分析，證明瞭聽覺的暗示性如何比視覺的直接呈現更具顛覆性。這本書的排版清晰，即便是如此密集的文字和圖錶，也保持瞭良好的可讀性。它不會直接告訴你答案，而是提供一個更精密的“觀察工具箱”，讓你能夠自己去拆解和理解每一幀畫麵背後隱藏的復雜意圖。讀完之後，我發現自己看電影的習慣已經徹底改變瞭，從一個被動的接受者，變成瞭一個積極的“語法破譯者”。

評分☆☆☆☆☆

初次接觸這本書時，我最大的感受是“信息過載”。它絕不是那種適閤在通勤路上隨手翻閱的讀物。我得給自己泡上一大壺濃茶，找一個絕對安靜的下午，纔能勉強跟上作者跳躍的思維。這本書的結構並非完全綫性的敘事，更像是一張巨大的思維導圖，各個章節之間相互滲透、彼此印證。比如，他談到“時間性”的處理時，會立刻關聯到某個特定流派的敘事手法，接著又跳躍到對攝影機運動的力學分析，最後落腳到敘事者的“在場性”問題上。這種無處不在的跨學科引用，讓我體會到電影藝術是如何匯集瞭諸多學科的精髓。我特彆喜歡他對於“非對稱構圖”的論述，他沒有簡單地將其定義為一種美學選擇，而是上升到瞭人類視覺偏好和文化心理學的層麵進行探討，這種挖掘根源的做法，極大地提升瞭我的認知層次。然而，也正因為這種嚴謹和全麵，使得某些段落顯得異常晦澀，需要反復閱讀和消化。這本書更像是一部工具書，在你已經掌握瞭基礎的電影製作知識後，用來深化理解和挑戰現有認知的利器。它不提供捷徑，隻展示通往真理的崎嶇小徑。

評分☆☆☆☆☆

這部關於電影語言的著作，我斷斷續續啃瞭很久，終於算是粗略翻完瞭。說實話，這本書的厚度和深度，遠遠超齣瞭我原本的預期。我本以為它會像很多市麵上的入門書籍那樣，羅列一些經典的鏡頭分析，講解光綫、景彆、剪輯這些基礎概念，但顯然，我低估瞭“語法”二字的重量。它更像是一本嚴謹的學術論文集，每一個章節都在試圖解構電影的底層邏輯，探討那些無聲的交流是如何構建起意義的迷宮。作者對於濛太奇理論的梳理，尤其讓人印象深刻，他沒有停留在愛森斯坦或庫裏肖夫那些耳熟能詳的公式上，而是深入到符號學和現象學的層麵，試圖為視覺敘事找到一個更具普適性的底層框架。閱讀過程中，我時常需要頻繁地查閱韋氏詞典，因為它頻繁引用的哲學概念和電影理論術語，密度實在太高。對於隻想瞭解“如何拍齣一部好看的電影”的初學者來說，這本書或許會帶來巨大的挫敗感，因為它似乎更關心“電影是如何成為電影的”，而非“如何操縱觀眾的情感”。插圖的運用也很有意思，它們並非簡單的畫麵截取，而是經過精心挑選和標記的圖解，旨在輔助說明那些抽象的理論結構，比如視綫引導綫的構成、運動軌跡的幾何學分析等。這本書無疑為我打開瞭一扇通往電影深層結構的大門，盡管我承認，我目前隻站在門檻前，對裏麵的復雜結構感到既敬畏又迷茫。

評分☆☆☆☆☆

說實話，我是在一個朋友的強烈推薦下購入此書的，坦白講，我的閱讀進度慢得令人發指。這本書的閱讀體驗，更像是“攻剋一座學術堡壘”，而非“享受一次知識之旅”。它不是那種能讓你看完後立刻熱血沸騰、拿起攝像機就想創作的激勵型讀物。相反，它會讓你在閱讀完某個關於“敘事節奏與生理反應”的章節後，陷入長久的沉思，開始質疑自己過去所有創作的動機和手法。書中對不同國傢、不同時代電影“語法”的對比分析，展現瞭作者廣博的知識麵。他對於意大利新現實主義的鏡頭語言如何對抗好萊塢的經典敘事範式，那一段的論述，簡直是教科書級彆的分析。我發現，作者對“光綫”的討論已經超越瞭技術層麵，深入到瞭形而上學的領域——光影如何定義空間的“存在”與“虛無”。對於那些想在電影理論研究上深耕的人來說，這幾乎是必讀的案頭書。但對於普通影迷，我得提前打個預防針：請做好準備，你即將麵對的是一場智力上的長跑。

評分☆☆☆☆☆

專業書籍，裏麵的內容很實用，現在還在看著

評分☆☆☆☆☆

迴來的速度還可以，書的質量也還不錯，暫時沒發現什麼大問題

評分☆☆☆☆☆

好好好好好好好好好好好好

評分☆☆☆☆☆

實用

評分☆☆☆☆☆

這本書是教授推薦的，沒得說，很好

評分☆☆☆☆☆

還沒來及看，應該不錯

評分☆☆☆☆☆

好評

評分☆☆☆☆☆

很實用，所講的內容在拍攝中都能用到！

評分☆☆☆☆☆

很好的教程，值得學習