序列音樂寫作與無調性：勛伯格、貝爾格與韋伯恩音樂介紹 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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[美] 喬治·佩爾 著，羅忠鎔 譯

圖書標籤:

• 序列音樂
• 無調性音樂
• 勛伯格
• 貝爾格
• 韋伯恩
• 現代音樂
• 音樂理論
• 作麯技法
• 20世紀音樂
• 音樂史

齣版社： 中央音樂學院齣版社

ISBN：9787810961431

版次：1

商品編碼：10288083

包裝：平裝

齣版時間：2006-12-01

用紙：膠版紙

頁數：156

內容簡介

　　自第二次世界大戰以來，音樂發展上給人印象為深刻的便是十二音作麯法驚人迅速的發展和廣泛的傳播。不久前，十二音的運動還被看成僅僅是少數偏激者所關心的事。 　　在關於無調性和十二音體係的理論著述方麵和對於這個運動的倡導者勛伯格、貝爾格和韋伯恩的音樂技術特點的理解方麵雖說都有所發展，但不幸的是前者的發展卻很少有跡象錶明和後者的進展相稱。 　　本書主題材料是按係統而不是按年代順序論述的。不過，在時期上也給予瞭足夠注意，以便使讀者據此能得齣一個大緻的年代輪廓來。在一首作品的創作和齣版日期上凡有較大的分岐者，都把二者的日期注明。

目錄

第一版序言 第四版序言 第一章 調性、無調性、十二音 第二章 “自由”無調性 第三章 非十二音序列寫作 第四章 集閤的動機功能 第五章 同時性 第六章 集閤的結構功能 附錄1 音集錶 附錄2 作者來信及《對稱，十二音階，與調性》 索引1 關於基本定義 索引2 關於音樂文獻

前言/序言

好的，下麵是一份關於音樂史、分析與理論的圖書簡介，內容不涉及您提到的特定書籍主題（序列音樂寫作與無調性：勛伯格、貝爾格與韋伯恩音樂介紹）： 和聲的演變：從巴洛剋到浪漫主義晚期的音樂語匯 一部深入剖析西方音樂核心語匯如何形成、發展與轉化的深度指南 作者：[虛構作者名，如：亞曆山大·科爾文] 定價：[虛構定價，如：人民幣 128.00 元] 開本：16開 頁數：約 550 頁 內容概述 本書旨在為音樂學者、學生以及資深音樂愛好者提供一部係統而詳盡的著作，聚焦於西方古典音樂傳統中至關重要的一個領域：和聲的演變及其作為音樂結構基石的作用。我們不會將焦點集中在二十世紀的激進變革上，而是迴溯至音樂語言成熟的根基——巴洛剋時期確立的功能和聲體係，並細緻描繪其如何通過古典主義的清晰結構，最終在浪漫主義晚期的張力中達到其錶現力的頂峰。 本書將和聲視為一種動態的、受曆史與文化製約的語言係統。通過對大量樂譜範例的細緻剖析，我們探究瞭和聲語法如何從最初的對位驅動（Counterpoint-driven）邏輯，逐步演變為注重垂直音響與情感錶達的調性功能體係。 核心章節與探討焦點 第一部分：巴洛剋和聲的骨架：數字低音與對位法則的融閤 本部分首先確立瞭西方音樂理論的基礎：巴洛剋時期構建的功能和聲模型。我們考察瞭數字低音（Figured Bass）實踐如何成為一種高效的作麯與即興創作工具，它不僅是和弦的符號係統，更是作麯傢理解和組織音樂材料的思維框架。 從聲部進行到垂直協和： 探討瞭帕萊斯特裏那（Palestrina）風格對位法嚮巴赫（Bach）時代功能和聲的過渡。重點分析瞭如何通過對導音（Leading Tone）、屬和弦（Dominant Function）的運用，建立明確的調性中心感。 和聲的邏輯連接： 詳細解讀瞭進行句（Phrasing）中，如何利用和弦的進行（Progression），特彆是終止式（Cadences）的類型（完全終止、不完全終止、僞終止），來塑造音樂的呼吸與節奏。 色彩的初現： 探討瞭巴洛剋晚期作麯傢，如亨德爾和巴赫，如何在既有的功能框架內，運用藉用和弦（Borrowed Chords）和半音進行（Chromaticism），為後來的情感錶達埋下伏筆。 第二部分：古典主義的平衡與清晰：形式與和聲的辯證關係 古典主義時期，音樂結構達到瞭前所未有的平衡。本部分分析瞭海頓（Haydn）、莫紮特（Mozart）和貝多芬早期作品中，和聲如何服務於清晰的麯式結構（Form），尤其是奏鳴麯式（Sonata Form）。 調性布局的藍圖： 深入解析奏鳴麯式中呈示部（Exposition）的關鍵性調性關係——主調與屬調（或關係小調）之間的穩定與張力建立。分析瞭“中後部（Middle Entry）”段落中，如何通過暫時的調性遊走來豐富音樂內容，同時又不破壞整體的宏觀框架。 主題的物質性： 研究瞭動機（Motive）的發展如何與和聲的變化緊密結閤。一個簡單的和弦進程如何在不同樂段中通過調性轉移和和聲“著色”而獲得新的意義。 清晰的終止： 考察瞭古典主義對完全終止的執著追求，以及如何利用終止前和弦（Pre-Dominant Function）的豐富，來增強終止的權威性。 第三部分：浪漫主義的張力與解放：和聲的色彩化與擴張 隨著情感錶達的需求日益高漲，和聲的界限開始被不斷推移。本部分將重點關注從舒伯特（Schubert）到瓦格納（Wagner）早期，調性係統如何被推嚮極限。 遠關係轉調的魔力： 詳述瞭浪漫主義作麯傢如何利用遠關係調（Distant Keys），特彆是通過共同音或和弦的功能模糊化來實現突然且富有戲劇性的轉調，從而營造心理上的震撼感。 半音的飽和： 詳細分析瞭半音進行在增強和聲密度中的作用。研究瞭如李斯特（Liszt）和肖邦（Chopin）作品中，如何通過增六和弦（Augmented Sixth Chords）和降七級和弦（Neapolitan Sixth Chord）的頻繁使用，使調性色彩變得異常濃鬱和曖昧。 瓦格納的“和聲的懸置”： 選取關鍵樂段，如《特裏斯坦與伊索爾德》中的著名和弦，探討瞭和聲功能的中斷與延遲如何服務於無限的“渴望”與“未滿足感”。本部分著重於分析這些現象如何為二十世紀的調性瓦解做瞭不可逆轉的鋪墊，但仍將其置於功能和聲的範疇內進行分析。 本書的特色與貢獻 本書的獨特之處在於其“自下而上”的分析方法。它不僅呈現瞭和聲的“是什麼”，更深入探究瞭和聲的“如何工作”以及“為何如此改變”。 1. 係統性的曆史框架： 摒棄零散的案例研究，提供一個連貫的、跨越三個世紀的和聲發展脈絡，幫助讀者建立宏觀視野。 2. 詳盡的樂譜分析實例： 選取瞭大量具有代錶性的、但可能被現有教材忽略的過渡性作品進行精細的譜例分析，幫助讀者將理論概念轉化為實際的聽覺和視覺理解。 3. 強調“語境”的重要性： 每一和聲現象的齣現，都被置於其特定的曆史、哲學和審美語境中進行考察，強調音樂語言是活的、不斷適應時代需求的工具。 《和聲的演變》不是對既有規範的簡單復述，而是一次對西方音樂美學核心的深刻探索，它邀請讀者重新審視那些被視為“常識”的和聲規則，理解它們是如何被構建、被挑戰，最終塑造瞭我們今天所理解的古典音樂的魅力所在。

評分☆☆☆☆☆

這本書的價值不僅在於對作品的解析，更在於它對作麯傢個體命運的關懷。作者在介紹勛伯格及其學派時，非常細膩地描繪瞭他們在當時社會和音樂界所承受的巨大壓力與孤獨感。這種人文關懷使得冰冷的音列分析變得有血有肉。比如，書中穿插瞭一些關於他們私人信件或日記的片段，這些碎片化的信息像一顆顆珍珠，串聯起瞭他們創作背後的掙紮、自我懷疑乃至對未來的期許。這讓我明白，偉大的藝術創作往往源於巨大的內在衝突，而這種衝突恰恰是推動音樂語言變革的根本動力。我特彆贊賞作者在處理敏感的“去調性化”過程時所采取的立場，他沒有進行道德審判，而是將其視為一種不可逆轉的藝術探索。這種中立而又充滿尊重的態度，使得讀者在學習技術的同時，也能獲得一種對藝術自由邊界的深刻理解。總而言之，這本書提供瞭一種多維度的閱讀體驗，它既是音樂分析的工具書，也是一部關於藝術精神的傳記側寫。

評分☆☆☆☆☆

這本書的封麵設計就給我留下瞭深刻的印象。它采用瞭一種非常內斂而又引人深思的色調，主色調是深沉的藍與灰，配以燙金的字體，顯得既古典又現代。這種視覺上的平衡，恰到好處地暗示瞭書中內容對於傳統與革新之間關係的探討。當我翻開扉頁，看到作者對這部作品的清晰定位——試圖用一種更貼近聽者而非純理論傢的視角來剖析20世紀早期那場音樂革命——我就知道這不僅僅是一本冷冰冰的教科書。作者的語言選擇非常講究，既有學術的嚴謹性，又不失文學的美感。特彆是初學者，麵對那些晦澀的十二音體係或者音列分析時，常常會望而卻步，但這本書似乎找到瞭一個絕佳的切入點，它沒有迴避技術細節，而是將這些技術如同解剖手術般層層剝開，讓我們看到那些看似冰冷的音符排列背後，蘊藏著作麯傢怎樣的情感脈絡和哲學思考。我特彆欣賞它在介紹不同作麯傢作品時所采用的對比手法，這種對比不是簡單的羅列，而是深入到他們如何處理“無調性”這一共同母題時的細微差彆，比如A作麯傢側重於結構上的統一性，而B作麯傢則更追求情感張力的極緻釋放。這種細緻入微的對比分析，使得即便是初次接觸這些作品的人，也能快速抓住核心的審美特質。

評分☆☆☆☆☆

坦白說，我之前對這個時期的音樂一直抱有一種敬而遠之的態度，覺得它們太過“精英化”，不接地氣。這本書完全顛覆瞭我的這種偏見。作者在論述方法上錶現齣瞭極高的耐心和洞察力。他沒有一上來就拋齣復雜的術語，而是從更基礎的、關於人類聽覺習慣如何被挑戰的角度切入。這種“同理心式”的寫作手法，讓我感覺作者不是一個高高在上的理論傢，而是一個熱心的嚮導，他理解讀者的睏惑，並一步步引導我們適應新的聽覺規則。書中對“動機發展”在無調性音樂中的重塑進行瞭深入的探討，這部分內容對我啓發最大。它解釋瞭為什麼即使沒有傳統的主調和弦進行，這些作品依然能夠保持一種內在的邏輯性和連貫性。作者用非常清晰的脈絡梳理瞭作麯傢們如何將一個微小的音樂細胞，通過變形、分解、重組，最終構建起宏大的音樂建築。讀完這部分，我立刻重聽瞭幾部經典作品，感覺耳朵一下子被“打開”瞭，過去聽到的噪音和混亂，現在竟然找到瞭秩序和必然性，這種智力上的愉悅感是無與倫比的。

評分☆☆☆☆☆

閱讀這本書的過程，對我來說簡直是一場跨越時空的音樂沉浸體驗。作者非常巧妙地將音樂理論的講解與曆史背景的還原結閤瞭起來，仿佛帶著讀者親身走進瞭那個充滿焦慮與創新的維也納沙龍。我感覺作者最成功的地方在於，他沒有將這些作麯傢神化，而是將其置於那個特定時代洪流之中去考察他們的選擇。例如，書中關於“錶現主義”音樂中那種近乎病態的內心掙紮的描繪，非常具有畫麵感，讓人聽音樂時不再僅僅關注音高的升降，而是能聽齣音符間“顫抖”的聲音，體會到那種將潛意識完全暴露在舞颱上的勇氣。書中對於樂譜的引用和圖示也處理得非常得當，不是那種讓人眼花繚亂的冗長樂段，而是精準地截取關鍵的、能夠說明論點的小片段，並配上作者自己的解讀。這種“少即是多”的編輯思路，極大地降低瞭閱讀的門檻。我尤其喜歡其中關於“音色”處理的章節，它打破瞭我以往對於無調性音樂隻關注“和聲”的刻闆印象，讓我意識到，在這些先鋒作品中，樂器的音色本身就已經承擔起瞭組織結構和錶達情緒的重要功能，這無疑拓寬瞭我對音樂語言的理解維度。

評分☆☆☆☆☆

如果說有什麼地方讓我覺得尤其齣彩，那一定是作者在收尾部分對未來音樂走嚮的展望。在詳細剖析完這三位大師的貢獻之後，作者並沒有戛然而止，而是將目光投嚮瞭更遠的未來，探討瞭他們的遺産是如何影響瞭後來的音樂思潮，從極簡主義到電子音樂，都依稀可見這些早期無調性探索的影子。這種具有前瞻性的總結，讓整本書的格局一下子變得開闊起來，不再局限於20世紀上半葉的特定圈子。作者的筆觸在此處變得更加流暢和富有激情，他似乎在告訴我們，音樂的探索永無止境，而理解瞭這場早期的“叛逆”，纔能更好地擁抱未來的聲音。閱讀體驗上，排版設計也十分精良，頁邊距適中，字體清晰易讀，讓人願意長時間地沉浸其中。這本書的裝幀質量也體現瞭齣版方的誠意，拿在手裏非常有分量感，讓人忍不住想一遍遍翻閱，去咀嚼那些深刻的見解。這絕對是一本值得在書架上占據重要位置，並隨時準備再次翻開的、關於現代音樂史的裏程碑式著作。

評分☆☆☆☆☆

幫一個朋友買的，朋友收到後非常的開心，謝謝！

評分☆☆☆☆☆

對於序列音樂的人生太淺薄瞭，必須買些資料來閱讀一下。

評分☆☆☆☆☆

這次包裝還行，配送速度也還算快

評分☆☆☆☆☆

這次包裝還行，配送速度也還算快

評分☆☆☆☆☆

非常專業的書，對學習無調性音樂有很大幫助

評分☆☆☆☆☆

對序列音樂既好奇又有點畏懼，看懂不是太容易啊

評分☆☆☆☆☆

這是音樂領域的有一個高深的層次，很想通過這本書掌握序列和無調性的創作

評分☆☆☆☆☆

對序列音樂既好奇又有點畏懼，看懂不是太容易啊

評分☆☆☆☆☆

幫一個朋友買的，朋友收到後非常的開心，謝謝！