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侯锡瑾 著

图书标签:

• 合唱
• 西方音乐史
• 早期音乐
• 音乐史
• 合唱艺术
• 音乐文化
• 中世纪音乐
• 文艺复兴音乐
• 教会音乐
• 音乐研究

出版社： 北京大学出版社

ISBN：9787301098783

版次：1

商品编码：10594543

包装：平装

丛书名： 博雅大学文科基本用书·艺术

开本：16开

出版时间：1995-12-01

用纸：胶版纸

页数：361

字数：398000

正文语种：中文

内容简介

《西方早期合唱艺术》对西方早期合唱艺术的起源、流变、发展脉络进行了梳理和探讨，对西方早期合唱艺术发展的重要阶段：早期基督教仪式合唱、多声部音乐的产生与发展、中世纪合唱、文艺复兴时期的合唱以及巴洛克时期的合唱艺术进行了阐释，同时论述了合唱音乐艺术理论的发展，并论述了一些在合唱艺术方面有突出贡献的著名音乐家，如蓝汀尼、亨德尔、巴赫等。《西方早期合唱艺术》在论述合唱艺术发展演变的历程时，配有大量的谱例，并在附录部分选取了大量牧歌和尚松的曲谱，让读者在阅读书籍的同时，享受美妙的音乐。

目录

第一章 早期基督教仪式合唱
第一节 概论
第二节 格里高利圣咏
第三节 中世纪教会音乐理论

第二章 宗教仪式与宗教合唱体裁
第一节 基督教主要的相关名词
第二节 感恩曲
第三节 弥撒曲
第四节 关于圣母玛利亚的音乐体裁
第五节 安魂曲

第三章 多声部音乐的产生与发展
第一节 多声部音乐产生的社会文化背景
第二节 早期复调合唱音乐的特性与形式
第三节 巴黎圣母院乐派
第四节 经文歌

第四章 14世纪的合唱
第一节 14世纪合唱音乐的发展
第二节 14世纪合唱音乐的体裁
第三节 等节奏经文歌和马肖
第四节 蓝迪尼与终止式

第五章 从中世纪到文艺复兴--15世纪的欧洲合唱
第一节 15世纪音乐的特征与体裁
第二节 英国音乐
第三节 布艮第乐派

第六章 文艺复兴的合唱（一）
第一节 概述
第二节 佛莱芒乐派（上）
第三节 佛莱芒乐派（下）

第七章 文艺复兴的合唱（二）--民族风格合唱的兴起
第一节 意大利的弗罗托拉
第二节 法国的尚松
第三节 德国的民族音乐
第四节 西班牙的民族音乐
第五节 英国的民族音乐

第八章 文艺复兴的合唱（三）--宗教音乐改革
第一节 德国宗教改革的音乐
第二节 天主教音乐改革与帕里斯蒂纳
第三节 与帕里斯蒂纳同时期的其他著名作曲家
第四节 威尼斯乐派

第九章 文艺复兴的合唱（四）--意大利牧歌
第一节 概述
第二节 意大利早期牧歌
第三节 意大利中期牧歌
第四节 意大利晚期牧歌

第十章 文艺复兴的合唱（五）--英国牧歌及抒情诗曲
第一节 英国牧歌
……

第十一章 巴洛克时期的合唱
第十二章 亨德尔
第十三章 巴赫
歌词及译文附录
歌谱附录
歌词译文附录
参考书目

前言/序言

《中世纪奥尔加农的演进：从单声部到复调的跨越》 图书简介 本书深入探讨了中世纪早期（约公元9世纪至13世纪）欧洲音乐领域中，奥尔加农（Organum）这一早期复调形式的复杂发展历程。它并非一部关于“西方早期合唱艺术”的通览，而是聚焦于一个更为精确且技术性极强的音乐现象：如何从单一旋律线（Monophony）一步步构建出具有独立意义的、多声部音乐的蓝图。 第一部分：单声部音乐的终结与复调的萌芽（约900-1050年） 1.1 罗马圣咏的结构与局限 在复调出现之前，欧洲音乐生活的核心是格里高利圣咏（Gregorian Chant）。本章首先梳理了圣咏的文本结构、调式系统（教会调式）及其在礼仪中的固定地位。我们分析了单声部音乐在情感表达上的力度与局限性，特别是其在大型弥撒和日课中的重复性和仪式感。这一基础的理解，是理解为何需要引入第二声部的关键。 1.2 记谱法的革命性挑战 复调的诞生对当时的记谱法提出了前所未有的挑战。本部分详细考察了纽姆记谱法（Neumes）是如何从单纯的旋律轮廓指示，逐渐演变为记录音高相对位置的工具。我们重点分析了圭多·达莱佐（Guido of Arezzo）及其对四线谱的贡献，以及这些技术进步如何为精确地书写和保存多声部作品提供了可能。 1.3 原始奥尔加农的形态与实践 奥尔加农的起源并非一个单一事件，而是一个渐进的过程。本书区分了两种早期形态： 平行奥尔加农（Parallel Organum）： 重点分析了五度或四度平行进行的早期实践，尤其是在圣母院乐派（School of Notre Dame）出现前，于9世纪至11世纪在主要朝圣地（如圣马可大教堂）可能存在的演奏习惯。这一阶段的“第二声部”几乎是第一声部的机械性镜像，缺乏独立性。 自由奥尔加农（Free Organum）： 探讨了声部间开始出现节奏和音高上的微小脱离，尤其是在圣咏旋律（Vox Principalis）被固定在低声部，而上声部（Vox Superior）开始进行更具装饰性的运动时，音乐家们如何探索声部线条的互动。 第二部分：圣母院乐派的奠基：节奏与组织的革命（约1150-1250年） 2.1 节奏模式的制度化 奥尔加农发展史上的里程碑事件是节奏的引入。本章详尽解析了巴黎圣母院（Notre Dame）的两位巨匠——列奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）——如何通过引入六种“节奏模式”（Rhythmic Modes）来规范声部的运动。我们通过对现存作品（如《Viderunt omnes》）的细致分析，展示了这些模式如何将自由流动的声部组织成可预测、可计量的音乐结构。 2.2 二部、三部与四部奥尔加农的比较分析 本书清晰地对比了不同部数作品的结构差异： 双部奥尔加农（Diaphony）： 以列奥宁的作品为主，探讨二声部如何在严格的节奏框架内实现对位。 三部与四部奥尔加农（Triplum and Quadruplum）： 重点研究佩罗坦如何扩展了复调的维度。在这里，底下的圣咏（通常被拉长和简化，称为“特纳利斯”或“定旋律”）与上层声部（Duplum, Triplum, Quadruplum）之间的关系变得更为复杂和张力化。 2.3 定旋律（Tenor）的地位与作用 特纳利斯（Tenor，即持长音的声部）在中世纪奥尔加农中扮演着至关重要的“锚”的角色。本章深入分析了作曲家如何选择圣咏文本来作为定旋律的基础，以及定旋律的音值如何决定了上声部的节奏单位。这揭示了中世纪音乐家在追求创新时，对传统礼仪文本的依赖程度。 第三部分：奥尔加农的边缘：节奏的松动与新形式的出现 3.1 替代性和增补性组织（Conductus与Clausulae） 随着音乐家对奥尔加农结构的熟练掌握，他们开始探索更自由的写作方式。 克劳苏拉（Clausulae）： 详细研究了那些从现有奥尔加农中切分出来的、主要由快速、有规律的节奏模式构成的段落。这些片段往往是乐派音乐家进行节奏实验和声部对位探索的“沙盒”。 孔杜克图斯（Conductus）： 探讨了这种新出现的、通常不以圣咏为基础的、采用“等时律”（Measured Rhythm）的复调形式。它标志着音乐家开始将创作自由从弥撒的固定结构中解放出来。 3.2 早期经文歌（Early Motet）的诞生 本书的结论部分聚焦于奥尔加农向更成熟的复调形式——经文歌（Motet）的过渡。我们分析了经文歌如何直接从克劳苏拉发展而来，其核心特征在于：上声部引入了独立的、与定旋律文本无关的拉丁语或法语歌词。这种“多文本性”（Textual Layering）是中世纪音乐思想上的巨大飞跃，预示着文艺复兴早期对位法的复杂性。 总结 《中世纪奥尔加农的演进》是一部专注于技术分析的学术著作，它通过对记谱法、节奏模式和声部层级的细致解构，清晰地描绘了音乐从单一旋律线如何系统性地、在特定地域和制度背景下，发展出具有明确对位逻辑和节奏结构的早期复调体系。本书旨在为研究者提供一个精确的、聚焦于12世纪巴黎音乐实践的深度剖析框架。

评分☆☆☆☆☆

我是一名乐理学习者，一直希望能够深入了解西方音乐的源头。“西方早期合唱艺术”这本书，无疑为我提供了一个绝佳的视角。书中对早期的教会音乐，特别是其声乐传统的部分，进行了系统性的梳理。我特别关注了关于“圣咏”的发展和分类，作者的讲解逻辑清晰，将不同的圣咏类型，如“普咏”、“对答咏”、“联祷咏”等，及其在弥撒和日课中的作用，都进行了详细的阐述。更令我惊喜的是，书中对早期复调音乐的演变过程，尤其是从奥尔加农到早期经文歌的过渡，有着相当深入的研究。作者不仅仅是列举了音乐的特征，更重要的是分析了这些音乐形式在功能、结构和创作手法上的演进。他引用了许多具体的音乐实例，虽然书中没有附带乐谱，但通过他生动的描述，我几乎能勾勒出这些音乐的轮廓。让我印象深刻的是，书中对中世纪晚期作曲家如吉约姆·德·马肖的介绍，作者对其作品的分析，不仅展现了其音乐的创新性，也揭示了当时社会文化对其创作的影响。对于希望深入了解西方音乐史，特别是声乐发展脉络的读者来说，这本书无疑是一份珍贵的学术参考，它严谨的论证和丰富的史料，让我受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

对于我这样一个对西方历史文化颇感兴趣的普通读者来说，这本书简直是意外的惊喜。它以一种极其平易近人的方式，将“早期合唱艺术”这个听起来有些门槛的主题，变得鲜活有趣。作者并没有一开始就抛出复杂的音乐术语，而是从最基础的“声音”开始谈起，比如早期人类如何用声音来表达情感，如何通过集体呼喊来协作。这种循序渐进的讲解方式，让我这种非科班出身的人也能够轻松跟上。我最欣赏的一点是，书中大量的篇幅都用来讲述那些塑造了早期合唱艺术的“人”和“事”。比如，我会读到那些默默无闻的修道士，如何在寂静的修道院里，用歌声来记录信仰和传承文化；也会了解到，早期教会音乐是如何受到罗马帝国衰落和基督教兴起的影响而发生变革。书中的案例分析也十分到位，通过对一些具体作品的解读，我仿佛亲耳听到了那些古老的旋律，理解了它们在当时所承载的意义。而且，作者在处理不同历史时期和不同地域的合唱风格时，也展现出了相当的细腻，不会简单地将它们混为一谈，而是能够指出其独特性和联系。这本书真的让我对“合唱”这个概念有了全新的认识，它不再仅仅是几个人一起唱歌，而是一种承载着历史、文化和精神的艺术形式。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，这本书的标题就足够吸引我了。我一直对西方早期音乐的演进过程感到好奇，尤其对声乐部分。这本书的深度和广度都超出了我的预期。作者从最基础的“人声”作为起点，一路梳理到复杂的复调作品，其脉络非常清晰。我尤其惊叹于书中对早期教会音乐发展的细致描绘，从格里高利圣咏的形成，到多声部音乐的萌芽，再到经文歌的兴起，每一个阶段都进行了详实的考证和深入的分析。让我眼前一亮的是，书中不仅关注了音乐本身，还探讨了音乐背后的历史、文化和社会因素。例如，作者是如何分析不同时期教会对音乐的要求，以及这些要求如何影响了合唱音乐的创作风格。而且，书中对当时音乐文献的解读也相当到位，虽然我无法直接看到原始乐谱，但通过作者的描述，我仿佛能够想象出那些古老的旋律。对我来说，这本书最大的价值在于，它帮助我建立了一个相对完整的西方早期合唱艺术的认知体系，让我能够更深刻地理解后来西方合唱艺术发展的根基。这是一本既有学术价值，又能提供绝佳阅读体验的书。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就带着一种沉静而庄重的古典美，深邃的蓝色背景上，烫金的“西方早期合唱艺术”几个字笔力雄浑，仿佛诉说着一段悠远的历史。初翻开，我就被书中精美的插图所吸引，那些中世纪手抄本上的乐谱，那些描绘早期合唱场景的绘画，每一个细节都充满了故事。作者并非简单地罗列史实，而是巧妙地将音乐的演变融入当时的历史、宗教和社会背景之中。我尤其喜欢关于格里高利圣咏的部分，作者的文字有一种魔力，让我仿佛能听到那空灵、悠扬的歌声在古老的教堂中回荡。他没有用枯燥的理论分析，而是用充满画面感的语言，描绘了圣咏如何成为当时人们表达信仰、连接神明的重要方式。书中对早期复调的探讨也十分深入，但语言却异常生动，不像许多学术著作那样晦涩难懂。我了解到，那些看似简单的旋律叠加，在当时却是多么革命性的创新，它如何打破了单音音乐的局限，开启了音乐发展的全新篇章。即便我并非音乐专业的读者，也能从中感受到那种严谨的学术态度和对艺术的热爱。这本书不仅仅是一本关于音乐的书，更像是一扇窗，让我得以窥见西方文明早期精神世界的独特风貌。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来的阅读体验，可以用“沉浸式”来形容。作者的文字功底极佳，仿佛一位技艺精湛的导游，带着我穿越时空，亲历西方早期合唱艺术的每一个重要节点。我最喜欢的一点是，他总是能巧妙地将宏大的历史叙事与微观的音乐细节相结合。比如，在描述某个时期合唱音乐的变革时，他会先铺垫当时的社会动荡或宗教改革，然后再聚焦于音乐本身的变化，解释这些变化是如何发生的，又产生了怎样的影响。书中对于不同时代、不同地域的合唱形式的介绍，都充满了人文关怀。我读到了那些在教堂里虔诚歌唱的修道士，也读到了那些在宫廷里为国王和贵族献唱的乐师。通过作者的笔触，我感受到的是，合唱艺术不仅仅是一种音乐形式，更是那个时代人们精神世界的一种投射。书中的一些关于音乐理论的解释，虽然涉及专业知识，但作者却能用非常形象的比喻来阐释，例如将复调的构建比作建筑的搭建，让我这个非音乐专业人士也能理解其精妙之处。读这本书，我不再是被动地接受信息，而是主动地去感受、去思考，仿佛真的与那个时代的音乐产生了一种跨越时空的连接。