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胡晓明，肖春晔 著

图书标签:

• 艺术管理
• 艺术经济
• 文化管理
• 文化产业
• 艺术市场
• 艺术政策
• 博物馆学
• 剧院管理
• 艺术教育
• 非营利组织

出版社： 中山大学出版社

ISBN：9787306037985

版次：1

商品编码：10606798

包装：平装

开本：16开

出版时间：2011-03-01

用纸：胶版纸

页数：292

字数：395000

内容简介

近几十年来，宏观文化创意产业的风生水起，国内外艺术市场的全面升温催化了艺术管理学科的产生。同其他学科相比，艺术管理是一门年轻的交叉学科。近些年来，艺术管理在艺术组织和机构中发挥了越来越重要的作用，艺术管理作为一门学科得到了迅猛的发展。改革开放以来，随着我国经济和艺术事业的发展以及文化产业理论的深人研究，艺术管理越来越引起人们的关注。对于目前我国如火如荼的艺术市场和艺术行业来说，发展艺术管理专业和培养艺术管理?才已成为各大院校面临的一项重要任务。
《艺术管理》（胡晓明、肖春晔编写）对艺术管理相关概念和学科建设、艺术管理的历史和发展、艺术产业管理、艺术品市场和营销、艺术展览和策划、艺术传播和赞助、艺术管理政策与法规、视觉艺术管理、舞台表演艺术管理、影视艺术管理等一系列与艺术管理相关的理论进行了梳理。同时，为了帮助学生和其他读者加深对艺术管理基本概念和理论的理解，本书还收录了昆士兰艺术集聚区、宋庄、大芬村、威尼斯双年展、萨奇画廊、美国艺术博物馆、张艺谋印象系列、女子十二乐坊、好莱?等案例和相关资料链接，供读者学习参考。
《艺术管理》可以作为高等院校文化产业管理、艺术管理、音乐学、影视学、美术学、国际文化贸易、艺术学等相关专业的教材或教学参考书，也是文化产业、艺术管理研究者、政府管理者以及艺术管理从业者、爱好者的重要参考资料。

目录

第一章 艺术管理学导论
第一节 艺术管理学科概述
一、艺术管理学科的发展
二、艺术管理的定义
第二节 艺术管理的模式和特点
一、艺术管理的模式
二、艺术管理的特点
第三节 艺术管理的角色和任务
第四节 艺术管理的目的和艺术研究方法
一、艺术管理的目的
二、艺术研究的主要方法
思考与练习
第二章 艺术管理的历史和现状
第三章 艺术产业管理
第四章 艺术市场管理和营销
第五章 艺术展览和策划
第六章 艺术管理政策与法规
第七章 艺术传播与艺术赞助
第八章 视觉艺术管理之画廊
第九章 视觉艺术管理之博物馆
第十章 舞台表演艺术管理
第十一章 影视艺术管理
附录
参考文献

前言/序言

《光影流转：电影制作的幕后史诗》 一、 序曲：梦想的启动与蓝图的构建 本书将带领读者潜入电影制作的浩瀚宇宙，深入剖析一部伟大作品从无到有的复杂历程。我们并非探讨艺术管理中关于场馆运营、票务策略或赞助招募的那些宏观议题，而是将焦点完全聚焦于“内容生产”这一核心环节，以极度细致的视角，解构电影制作现场的每一块砖瓦。 电影，作为一种集视觉、听觉、叙事于一体的综合艺术形式，其诞生绝非仅仅依赖于一个天才的剧本，而是一场精密组织、跨学科协作的“工业化奇迹”。本书开篇将探讨前期筹备（Pre-production）的精妙之处。这不仅仅是简单的“找人、找钱、找地儿”的粗浅阶段，而是一场高风险的战略布局。我们将详细分析剧本的“可行性分析”——如何评估一个故事的商业潜力与艺术表达的边界。 在此阶段，选角（Casting）的决策艺术被提升到前所未有的高度。我们不会讨论明星代言或品牌价值，而是聚焦于“角色适配度”的深度挖掘。导演与选角指导如何通过细微的肢体语言、声音特质乃至演员过往角色的心理阴影，来确定谁能真正“成为”角色，而非仅仅“扮演”角色。深入解析“试镜过程的心理博弈”，以及为特定场景量身定制“替身演员”的选择标准，这些都是确保最终影像张力的关键。 随后，我们将进入美术设计（Art Direction）的殿堂。一帧完美的画面，背后是成百上千张概念草图的迭代。本书将详尽描述布景设计师如何通过色彩心理学、历史文献考据和空间透视原理，将抽象的文字描述转化为可触摸、可感知的实体环境。从一盏灯具的年代感，到墙壁上油漆的剥落程度，每一个细节都必须服务于叙事的情感导向。 二、 乐章：掌镜的科学与即兴的舞蹈 摄影指导（Director of Photography, DP）的工作是本书的第二核心。我们聚焦于影像语言的构建，而非资金流的调配。摄影机不是一个记录工具，而是导演的延伸之眼。我们将拆解不同摄影机系统的特性（如胶片与数字传感器在动态范围和颗粒感上的差异），以及镜头选择如何直接影响观众的心理感受。 例如，一个长焦镜头如何制造压迫感和疏离感？一个广角镜头如何扭曲空间，以凸显角色的焦虑？本书会用大量的案例分析，展示光线如何被“雕刻”——自然光、钨丝灯、LED阵列，它们如何被用来塑造人物的内心世界，突出场景的氛围。探讨曝光三角（Exposure Triangle）在极端艺术表达下的灵活运用，例如如何故意过曝以营造梦幻感，或欠曝以强调阴谋与黑暗。 现场调度（Blocking）是拍摄阶段最考验导演功力的部分。我们着重分析如何将演员的表演轨迹、摄影机的运动路径以及灯光的角度进行三维空间的完美交织。这不是一个简单的走位表，而是一场关于时间、空间和视觉焦点的动态编排。书中会细致描述“一镜到底”场景的复杂性，如何预设每一个机位切换和每一次运动的节奏，以期达到叙事上的最大冲击力。 三、 变奏：声音的维度与情感的注入 声音设计，常常是影迷在观影后最容易忽略，但对电影体验影响最为深远的部分。本书将跳脱出传统的“对白录制”范畴，深入探讨拟音（Foley）艺术的魔力。 我们不会谈论录音棚的租赁成本，而是如何通过精心挑选的材质和技巧，创造出逼真又具有象征意义的声音。一把钥匙插入锁孔的“咔哒”声，一双皮靴踩在碎石路上的“咯吱”声，它们如何被放大、扭曲，从而引导观众的注意力，甚至暗示角色的紧张状态。深入分析声音景观（Soundscape）的构建：环境音如何为场景定调，背景噪音（如远处的汽笛、风的呼啸）如何被策略性地融入混音，以增加场景的真实感和沉浸感。 对白录制本身也是一门技术艺术。探讨如何处理现场环境噪音的干扰，以及后期对白修复（ADR）的精细化过程，确保演员的情感表达与声音质量达到完美统一，尤其是在复杂的动作场面中。 四、 终章：剪辑的炼金术与初剪的哲学 后期制作是电影的“二次创作”。本书将剪辑师的角色视为影片的最终建筑师。剪辑不是简单地将片段按时间顺序连接，而是通过节奏、长度和顺序的调整，重新构建现实。 深入剖析蒙太奇理论在现代电影中的应用，例如“冲突蒙太奇”如何通过快速的镜头切换制造紧张感，而“抒情蒙太奇”又如何通过慢速的镜头组来深化情感。分析不同剪辑节奏对叙事效率的影响：一个快速的打斗场面与一段冗长的内心独白，其镜头的平均时长有何本质区别，以及为何要如此设置。 此外，我们还会探讨色彩校正（Color Grading）如何为电影注入最终的“情绪滤镜”。色彩不是装饰，而是情感的载体。如何通过整体色调的调整，让观众在潜意识中感知到角色的希望、绝望或怀旧。例如，高饱和度的暖色调如何营造出乐观氛围，而低饱和度的冷色调又如何象征疏离与死亡。 总之，《光影流转：电影制作的幕后史诗》聚焦于电影艺术和工业技术完美融合的那个“动手”的环节，详尽剖析从概念到胶片（或数字文件）的每一个技术、艺术和心理层面的挑战与解决方案。这是一部献给所有对“如何把故事拍出来”这一过程本身充满好奇的读者的深度指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书的章节结构如同迷宫一般，每一条路径都通向一个关于“创意产业”权力分配的复杂核心。我原本以为这是一本关于知识产权和版权法的实务手册，但它远远超出了这个范畴。作者将注意力聚焦于“内容货币化”的最新趋势，特别是那些依赖于“粉丝经济”和“去中心化创作平台”的新兴创作者群体。书中关于“注意力税”的论述，直接点破了当前内容生产者面临的困境：投入极高，回报却高度依赖于算法的偏爱和社群的裂变。我非常赞赏作者没有采取简单的谴责态度，而是用大量篇幅分析了创作者如何在这一“新封建主义”的体系中，尝试构建自己的独立生态。例如，他们如何通过发行“社交代币”或建立私密社群来维护社群价值和排他性，从而绕过传统平台的中介。这种对新兴商业模式的敏锐捕捉和深刻解构，使得本书具有极强的时效性和前瞻性，它不再是关于过去如何运作的记录，而是关于未来十年内容经济形态演变的路线图，读来令人振奋，也让人深思。

评分☆☆☆☆☆

这本新近出版的关于文化遗产保护的著作，简直是一剂强心针！我原以为这个领域充斥着枯燥的法规和束之高阁的理论，但作者以一种近乎诗意的笔触，将那些被时间侵蚀的古迹和默默无闻的守护者们的故事娓娓道来。书中对“活着的遗产”这一概念的阐述尤为深刻，它不再仅仅是冰冷的砖石结构，而是与当代生活紧密相连的、需要持续呼吸和参与的文化脉搏。特别是在探讨数字化技术如何介入传统手工艺的传承时，作者没有简单地赞美科技的力量，而是冷静地分析了界面设计、用户体验（UX）在不损害工艺精髓的前提下，如何实现跨代际的有效沟通。我尤其欣赏其中关于社区参与式保护的案例分析，那些地方性的小型博物馆如何通过灵活的策展策略，重新点燃了本地居民对自身历史的集体记忆，这种自下而上的驱动力，远比政府层面的自上而下的干预更为持久和有力。阅读的过程中，我仿佛跟随作者的脚步，穿越了无数座古老的庭院和喧嚣的市集，感受到了物质文化与非物质文化之间那种微妙而又不可分割的张力。这本书的价值在于，它提供了一套完整的、充满人文关怀的思考框架，让我们重新审视我们正在失去或尚未真正理解的那些珍宝。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计和排版布局，给我留下了极其深刻的印象，它本身就是一种关于“信息美学”的成功实践。我向来认为，内容的承载方式与内容本身同等重要，而这本关于音乐产业生态的著作，在这方面做得无可挑剔。作者对于古典音乐的数字化转型，特别是流媒体服务如何改变了听众的“注意力货币”分配机制，进行了极为细致的数据化描述。他没有使用那些晦涩难懂的统计学符号，而是通过清晰的图表和对比鲜明的案例，展示了从黑胶唱片时代到算法推荐时代的听觉体验的断裂。我特别佩服作者对“沉默成本”的探讨，即一个音乐家或一个乐团，在传统模式下投入的时间、排练和知识积累，在新的即时消费模式下如何迅速贬值。更令人耳目一新的是，书中对“声音景观”（Soundscape）理论的应用，它将音乐不再视为孤立的艺术品，而是视为特定城市环境和社交场景的有机组成部分。这种跨学科的视角，使得原本可能有些沉闷的产业分析，充满了生动的画面感和强烈的现场感，让人仿佛置身于某个音乐厅的后台，感受着幕布拉开前的紧张与期待。

评分☆☆☆☆☆

作为一个长久以来关注博物馆陈列技术发展的人士，我被这本书中对“沉浸式体验”的批判性审视深深吸引。长期以来，业界似乎陷入了一种对“互动性”的盲目崇拜，认为技术越新奇、屏幕越大，观众的参与度就越高。然而，本书作者却提出了一个颠覆性的观点：过度的互动往往导致知识的浅层化和体验的碎片化。书中详细对比了两种不同的叙事策略：一种是通过VR/AR技术重建历史场景，另一种则是通过精心设计的灯光、声音和物料选择，引导观众主动构建情感联系。作者的结论倾向于后者，强调“留白”和“激发想象”的重要性。书中对某欧洲自然历史博物馆的案例分析尤其精彩，他们如何通过重新布置化石陈列的方式，迫使观众减慢脚步，真正去“阅读”展品背后的地质时间尺度，而不是仅仅“观看”一个酷炫的3D模型。这本书的文字风格极其精准、冷静，充满了欧洲学者的严谨和对传统工艺的深深敬意，它迫使我们这些行业从业者停下来思考：我们到底是在服务于技术，还是在服务于知识的有效传递？

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，我拿到这本书时，内心是存有一丝疑虑的。我一直在关注当代艺术市场运作的微妙变化，特别是资本如何重塑艺术的价值体系。然而，这本书的叙事轨迹似乎更偏向于宏观的历史梳理与哲学思辨，而非我期待的那种尖锐的、揭露性的行业内幕。但随着阅读的深入，我发现作者的高明之处恰恰在于其宏大的视野。他并未回避市场化带来的冲击，而是将其置于一个更广阔的权力结构中去审视。比如，他对“策展人中心主义”的批判，并非简单地指责策展人权力过大，而是深入剖析了全球化背景下，艺术话语权如何从生产者（艺术家）和接收者（观众）手中，转移到知识生产和流通的中间环节。书中关于“小镇艺术节”经济效益与文化真实性之间矛盾的案例分析，简直是教科书级别的反思——那些试图通过艺术项目拉动地方经济的努力，在多大程度上异化了艺术本身的审美追求？读完后，我对于“艺术的公共性”这一老生常谈的话题有了全新的理解：公共性不是免费开放的门票，而是一种持续的、充满张力的对话过程，需要不断地被构建和捍卫。这本书的论证密度极高，需要反复咀嚼才能消化其深层含义。

评分☆☆☆☆☆

前两天和家里打电话，我妈听说我单位的食堂管晚饭，怂恿

评分☆☆☆☆☆

不错，比较满意的一次购物体验

评分☆☆☆☆☆

对艺术种类罗列较多，但是希望能够具体介绍每一个项目的如何策划的？资金渠道如何？

评分☆☆☆☆☆

自己开公司做企业十几年了。最近发现企业的生存环境与前些年相比已经大不相同以前机会很多，挣钱也容易，基本上只要敢干、能吃苦就能挣钱而现在市场竞争日趋激烈，劳动力成本不断上升，国家的法规也不断健全，企业经营上的各种新问题层出不穷，这些问题一下子全都摆在了老板面前。一旦老板处理不好，企业就有可能走下坡路，很快倒闭。

评分☆☆☆☆☆

二，员工对企业的归属感差，容易跳槽

评分☆☆☆☆☆

做老板不是件大事而是一万件小事！

评分☆☆☆☆☆

很喜欢此书 送货速度不错

评分☆☆☆☆☆

二，员工对企业的归属感差，容易跳槽

评分☆☆☆☆☆

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