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张超 编

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• 中国音乐史
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• 音乐入门
• 中国文化
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• 传统音乐
• 音乐教育
• 文化艺术

出版社： 北京工业大学出版社

ISBN：9787563930951

版次：1

商品编码：11008791

包装：平装

开本：16开

出版时间：2012-06-01

用纸：胶版纸

页数：259

字数：228000

正文语种：中文

编辑推荐

《中国音乐文化入门》为您开启音乐之门，走进艺术殿堂，让您在轻松愉悦中了解中国音乐。

内容简介

中国音乐历史悠久、民族特色鲜明，经过几千年的积累、沉淀、发展，形成了丰富的种类和独特的风格。中国音乐以其独特的历史背景、形态特征、传承方式和文化底蕴，在世界音乐殿堂中绽放光彩。《中国音乐文化入门》将带您在中国音乐的海洋中遨游，见证它的独特魅力，使您轻松踏入中国音乐殿堂的艺术之门。

内页插图

目录

第一章 远古先秦时期的音乐
“百兽率舞”：原始时代的朦胧艺术
伶伦：十二乐律的创造者
《大夏》：歌颂大禹的歌舞
巫乐：商代音乐的巫文明
《大武》：西周大型的史诗乐舞
国风：周代传统民歌
师旷：敢用琴砸国君的乐师
《阳春白雪》：与《下里巴人》相对
《九歌》、《离骚》：赋予音乐精神的作品
《幽兰》：孔子的郁愤之作
韩娥：余音绕梁三日的女歌唱家
伯牙：琴逢知音第一人
编钟：古朴凝重的远古乐器

第二章 汉魏晋南北朝时期的音乐
弦鼗：三弦的前身
乐府：宫廷中的音乐部门
相和歌：汉代流传的民歌集
百戏：最早的曲艺综合
京房：发明六十律的乐律学家
李延年：《北方有佳人》的歌者
蔡邕：博学多才的艺术家
蔡文姬：一曲《胡笳》动千古
《广陵散》：嵇康在刑场上弹的曲子
桓伊：吹笛第一手的将军
戴逵：碎琴不为侯门伶人
苏祗婆：来自西域的大音乐家
曹妙达：以琵琶绝艺封王的音乐家
《梅花三弄》：咏梅花之高洁

第三章 隋唐时期的音乐
教坊：唐玄宗的歌剧院
梨园：唐玄宗的音乐学院
唐十部乐：唐乐的集册
李隆基：大兴音乐而荒废国事的皇帝
《霓裳羽衣曲》：唐玄宗所作之曲
许和子：大唐第一金嗓子
李龟年：盛唐教坊第一名手
白居易：用诗歌描写音乐的高手
……
第四章 宋元时期的音乐
第五章 明清时期的音乐
第六章 近现代音乐
第八章 中国少数民族音乐
第九章 中国戏曲音乐
第十章 中国宗教音乐

精彩书摘

此外，受近代文化艺术的大趋势所影响，在清末民初之际，改进国乐、创作和传播新的音乐与传统音乐地位的下降，使得中国的社会音乐结构产生了历史性的变化。学堂乐歌作为中国音乐历史上的新品种，它的出现不仅有着深刻的社会内因，还有着鲜明的外力作用。它对于学校音乐教育的启蒙，对于中国走向近代化社会的行程，起到了促进作用。
学堂乐歌在发展初期，曾遭到清朝政府的干预，清政府派遣了提学使黄绍箕东游日本了解其音乐教育情况。在与日本学者座谈时，日本方面曾建议中国学堂应以古乐作为教材：“古乐则为教育之根本……不遑讲习古乐。”而黄绍箕的回答是：“古乐存者，仅十中之一二，欲复兴之，良非易易，故鄙意谓不如袭用外国音乐，较为便捷。”由此可见，采用东西方外国音乐来进行填词，也是一种迫不得已的办法，因为符合新时代的音乐人还没有培养，不是短时间内就能培养成的。
民国初年，能从事新音乐创作的人很少，学堂又需要大量不同于旧式歌曲的新歌，因而采用现成曲调配歌，成为学堂乐歌的主要创作方式。于是依曲填词，亦成为早期歌曲创作最常用的一种方式。
通常根据现成曲调配以可选择或创作的歌词；或为了适应歌词的内容和形式，而对原有曲调稍加调整。这一时期填词所用曲调，大多选自日本乐歌和欧洲的一些歌调。这是因为去往日本和欧洲国家留学的学生较多所致。
后来，随着中国留日学生的归国，紧接着一段时间内，大部分中国学堂乐歌的曲调都来自日本的学校歌曲，即使有些学堂乐歌采用了欧美的通俗歌曲曲调，那也是通过取道日本的渠道传人的。日本成为我们学习外国音乐的一个重要来源或中转站。
……

前言/序言

探寻世界艺术殿堂的宏伟画卷：一部包罗万象的西方艺术史纲 引言：文明的脚步与艺术的足迹 艺术，是人类文明发展过程中最直接、最深刻的映照。它穿越时空的迷雾，以凝固的瞬间、流动的旋律或立体的结构，诉说着不同时代、不同地域的信仰、审美、哲学与生活。本书旨在为读者提供一部宏大而精密的西方艺术通史，它将带领读者从古老的地中海文明伊始，一路追踪至当代纷繁复杂的前沿思潮，系统梳理西方艺术思想与实践的演变脉络。我们相信，理解艺术，即是理解我们自身所处的文化坐标。 第一部分：古典的奠基——光辉的开端（公元前1000年—公元476年） 本卷聚焦于西方文明的摇篮——古希腊与古罗马。我们不会探讨东方的丝竹之音或宫廷雅乐，而是将焦点完全置于爱琴海畔的辉煌成就。 第一章：古希腊的理性与和谐 本章深入剖析了希腊人如何将“人”置于宇宙的中心，探究其雕塑艺术（从几何风格到古典盛期的理想化人体，如菲狄亚斯和波留克列特斯的作品）如何体现对“黄金比例”的追求。我们将细致考察帕特农神庙等标志性建筑的设计理念，分析多立克、爱奥尼和科林斯三大柱式的演变，理解建筑美学中蕴含的数学与哲学思辨。同时，我们将回顾早期陶器艺术中对神话叙事的描绘，以及其色彩和构图如何服务于叙事功能。 第二章：罗马的实用与帝国气象 罗马艺术继承了希腊的造型能力，但注入了更强烈的现实主义精神与帝国扩张的政治诉求。本章重点探讨罗马人在工程学上的突破，例如拱券、筒形拱顶和穹顶技术的成熟，以及这些技术如何体现在万神殿和引水渠等建筑杰作中。在雕塑方面，我们将对比希腊的理想化肖像与罗马对政治人物的写实性半身像的偏爱，分析纪念碑性雕塑（如图拉真纪功柱）在权力叙事中的作用。我们还将简要提及早期基督教艺术在罗马地下墓穴中的萌芽与象征符号的运用。 第二部分：信仰的时代——中世纪的神秘与象征（公元476年—14世纪） 随着罗马帝国的衰亡，艺术的焦点从尘世的荣耀转向永恒的彼岸。本部分将聚焦于宗教在欧洲精神生活中的主导地位及其在艺术中的体现。 第三章：拜占庭的华美与永恒 本章着重于东罗马帝国（拜占庭）的艺术特征。我们将分析其标志性的马赛克镶嵌画，特别是圣索菲亚大教堂内的作品。探讨金色背景如何营造超凡脱俗的氛围，以及圣像画（Icons）严格的程式化表现手法如何服务于神学教义，强调精神世界而非物质世界的真实性。 第四章：罗马式与哥特式的光影交织 我们将区分西欧在“黑暗时代”后的复苏：罗马式（Romanesque）艺术的厚重、坚固，多见于修道院教堂，其壁画和雕塑多服务于教化功能。随后，我们将深入分析哥特式（Gothic）的革命性成就——飞扶壁、尖拱和玫瑰窗的结合，如何使得教堂内部被彩绘玻璃的光芒所充满。重点分析沙特尔大教堂或巴黎圣母院的结构美学，以及这一时期对细节描绘的日益关注。 第三部分：人文主义的觉醒——文艺复兴的辉煌（14世纪—16世纪） 文艺复兴标志着对古典精神的重新发现与人类主体性的确立。本章将聚焦于意大利，探讨这场艺术变革如何辐射全欧。 第五章：早期与盛期的三杰 我们将系统考察透视法（Linear Perspective）的发明与运用，这是理解文艺复兴艺术的关键。详细分析马萨乔如何将空间感引入绘画。随后，重点剖析三位巨匠：达·芬奇对科学与艺术的融合（如《最后的晚餐》的构图与解剖学研究）、米开朗基罗在雕塑与壁画（西斯廷教堂天顶画）中对人体力量和情感的极致表达，以及拉斐尔对和谐、宁静与完美构图的追求（如《雅典学院》）。 第六章：北方文艺复兴的细节与精神 本章对比意大利的宏大叙事，侧重于尼德兰和德意志地区的艺术发展。分析油画媒介的成熟及其带来的色彩深度和对自然细节的精确描绘（如扬·凡·艾克的“隐秘的光线”）。探讨德国艺术中更强烈的宗教情感和对人性弱点（如丢勒的版画）的关注，以及其与人文主义思潮的本土化结合。 第四部分：戏剧性与理性之光——巴洛克、洛可可与新古典主义（17世纪—18世纪） 艺术风格在宗教改革的余波和科学革命的背景下，走向了更为极端化的表达或回归秩序。 第七章：巴洛克的激情与动感 巴洛克艺术是反宗教改革的产物，强调情绪的张力、运动感和强烈的明暗对比（Chiaroscuro）。本章将深入分析卡拉瓦乔的现实主义与戏剧性光影，贝尼尼雕塑中捕捉到的瞬间永恒（如《圣特蕾莎的狂喜》），以及鲁本斯作品中奔放的色彩与生命力。我们将分析彼得·保罗·鲁本斯在欧洲宫廷中的影响力。 第八章：洛可可的轻盈与新古典的回归 洛可可作为巴洛克晚期在法国的精致化体现，其特点是柔和的色彩、蜿蜒的曲线和对贵族享乐生活的描绘（如华托的作品）。紧接着，受启蒙运动影响，新古典主义（Neoclassicism）以雅克-路易·大卫为代表，呼唤古罗马的道德感、简洁的线条和清晰的叙事，构成了对洛可可奢靡的反动。 第五部分：变革的时代——浪漫主义、现实主义与现代艺术的萌芽（19世纪） 工业革命和政治动荡催生了对个人情感的空前关注，艺术史进入了一个快速迭代的时期。 第九章：浪漫主义的自由与主观 浪漫主义（Romanticism）强调想象力、情感、对自然的崇拜（如特纳和康德的“崇高”概念）。我们将分析德拉克洛瓦笔下的异域风情和政治激情，以及戈雅作品中对人类非理性一面的深刻洞察。 第十章：现实主义与印象派的光影实验 现实主义（Realism）拒绝神话和历史的虚饰，直面社会现实（如库尔贝对劳动人民的描绘）。本章的重中之重是印象派（Impressionism）对瞬间光线和色彩的科学捕捉。我们将详细探讨莫奈如何通过并置色彩来模拟视觉的动态过程，以及德加对日常活动（如芭蕾舞者）的“抓拍”式构图。 第六部分：颠覆与重生——20世纪至今的艺术浪潮 现代艺术的特征是持续的自我否定和对传统的彻底决裂。本部分将梳理从后印象派开始的爆炸性创新。 第十一章：现代主义的先声：后印象派到立体主义 分析塞尚如何将自然物象简化为圆柱体、球体和圆锥体，为立体主义奠定基础。探讨梵高强烈的笔触和色彩如何表达内在情感，以及高更对原始美学的追求。随后，深入研究毕加索和布拉克的立体主义（Cubism）如何从多重视角解构和重组对象，彻底改变了西方对三维空间的认知。 第十二章：非理性、抽象与新媒介的探索 我们将考察达达主义对理性逻辑的反叛，超现实主义（Surrealism）对潜意识的挖掘（如达利和马格利特）。同时，分析康定斯基等先驱如何将绘画完全导向纯粹的抽象表达。最后，本卷将简要概述战后波普艺术（Pop Art）对大众文化的挪用，以及当代艺术在概念、装置和行为艺术中对“艺术作品”本体论的持续质疑与拓展，直至今日多元化的艺术格局。 结语：艺术史的无限回响 本书力求提供一个全面的、有论证深度的西方艺术发展轨迹，强调不同时期风格背后的哲学基础和社会驱动力，旨在让读者在领略艺术美的同时，构建起一座坚实的艺术史知识框架。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，很多文化入门书籍往往流于表面，充其量只能算是个“蜻蜓点水”的介绍。《中国音乐文化入门》却完全打破了我的这一固有印象。这本书的深度和广度都着实让我惊叹。它不仅仅停留在“是什么”的层面，而是深入挖掘了“为什么”。比如，为什么中国传统音乐如此强调“意境”？为什么某些乐器会有如此特殊的音色？作者通过对中国传统音乐理论、美学观念的细致剖析，给出了令人信服的答案。我特别欣赏书中对音乐与自然、音乐与情感之间关系的阐释，那些将琴声比作流水、将箫声比作风声的描写，充满了诗意，让我对音乐有了更深层次的体悟。同时，书中对乐理知识的介绍也十分严谨，但又不显得枯燥，而是与具体的音乐实例相结合，让我在不知不觉中掌握了不少音乐知识。这绝对是一本能够激发读者深度思考，并真正理解中国音乐文化精髓的力作。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是打开了我对中国音乐世界的新大门！我一直觉得音乐是了解一个文化最直观的方式，但之前对中国传统音乐的了解仅限于一些零散的乐器名字和一些耳熟的旋律。《中国音乐文化入门》却以一种非常系统且引人入胜的方式，为我勾勒出了中国音乐的宏大图景。从古老的宫廷雅乐，到民间流传的民歌小调，再到戏曲中的唱腔和乐器编排，书中都进行了深入浅出的介绍。我尤其喜欢其中关于乐器演变的部分，那些精美的插图和详细的文字描述，让我仿佛穿越时空，看到了古人是如何制作和演奏这些如今听来依旧韵味无穷的乐器的。而且，作者并没有仅仅停留在音乐本身，而是将其与中国哲学、历史、宗教以及社会生活紧密联系起来，让我明白，在中国，音乐从来都不是孤立存在的，它承载着深厚的文化底蕴和情感表达。读完之后，我再听到那些熟悉的旋律，感觉就完全不一样了，仿佛能听到其中蕴含的故事和情感，真是受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

我一直对中国古典文学和哲学很感兴趣，偶然间看到这本书，本想了解一下音乐在其中的作用，没想到却意外地被中国音乐本身的魅力所吸引。书中的论述非常深刻，不仅仅是罗列乐器和曲调，而是深入探讨了音乐的“道”与“德”。作者引用了大量的古代文献，将音乐的审美、伦理、教育功能娓娓道来。我记得有章节专门讲了“乐”与“礼”的关系，阐述了音乐如何被用来规范社会秩序、陶冶情操。这让我对“中庸之道”有了更深的理解，原来音乐在其中扮演着如此重要的角色。此外，书中对不同历史时期音乐风格的分析也让我大开眼界，比如唐宋时期的音乐风貌与明清时期的差异，以及文人雅士是如何通过音乐来表达内心的情怀的。读这本书的过程，与其说是学习音乐知识，不如说是进行了一次中国古代精神世界的探索，音乐成为了我理解这些精神内核的绝佳载体。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对中国历史一直抱有浓厚兴趣的爱好者，我总觉得那些文字记载的浩瀚历史，总是缺少一些鲜活的声音。《中国音乐文化入门》恰好弥补了这一遗憾。作者就像一位引路人，带领我走进了一个由声音构建的历史画卷。我可以通过书中对不同朝代宫廷乐舞的描述，想象出唐朝盛世时乐师们的翩翩起舞，感受汉代乐府的庄重与威严。那些关于民间音乐的章节更是让我看到了普通老百姓的生活气息，从劳作时的号子，到婚丧嫁娶时的曲调，再到节日庆典时的热闹欢腾，音乐无处不在，记录着时代的变迁和人们的情感。书中还特别提到了音乐在军事、宗教仪式以及日常生活中的应用，让我深刻体会到音乐在中国社会中并非点缀，而是不可或缺的重要组成部分。读这本书，不仅仅是在了解音乐，更是在通过音乐，重新审视和理解中国历史的脉络。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我之前对中国传统音乐的印象有点刻板，觉得它们听起来可能比较单一或者“老派”。但这本书完全颠覆了我的看法！《中国音乐文化入门》以一种非常现代和包容的视角，向我展示了中国音乐的多元化和生命力。我尤其被书中关于各地民歌风情的章节所吸引，从江南的丝竹，到北方的鼓乐，再到西南的少数民族歌舞，每一种都有其独特的地域特色和文化韵味。而且，书中还介绍了中国音乐如何与现代音乐相结合，以及在当代社会中焕发新生，这让我看到了中国音乐的未来。我印象最深的是关于戏曲音乐的部分，不仅仅是介绍唱腔，还包含了对伴奏乐器、锣鼓点以及表演者情感投入的讲解，让我对京剧、昆曲等艺术形式有了全新的认识。这本书让我意识到，中国音乐并非静止不变的古董，而是一个充满活力、不断发展的宝藏。