成人钢琴集体课教程学生用书（1 附光盘） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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E.L.兰特斯特，坎农·D.蓝甫洛 编，张丹 译

图书标签:

• 钢琴教材
• 成人钢琴
• 集体课
• 入门
• 乐理
• 技巧
• 练习
• 附光盘
• 音乐教育
• 基础乐谱

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552306248

版次：1

商品编码：11717295

包装：平装

开本：8开

出版时间：2015-05-01

用纸：胶版纸

页数：360

附件：CD-ROM光盘

附件数量：1

内容简介

　　本系列由E.L.Lancaster博士亲自编写。
　　学生用书由26个单元组成，每单元包括读谱练习、技巧讲解、拓展曲目、和声训练、合奏训练等内容，课程设计非常合理，能帮助学生全面提高音乐技能和素养。本书适合高校中非钢琴专业的学生使用。

作者简介

　　张丹，上海师范大学音乐学院讲师，2000年开始在上海师范大学音乐学院钢琴系任教至今。2010年考入上海音乐学院作曲系攻读硕士学位。2013－2014年美国密苏里大学音乐学院访问学者。2005年，上海师范大学音乐学院教学改革，引进了钢琴集体教学模式，张丹一直担任集体课教学工作。在美访学期间，也兼任集体钢琴教学的客座讲师，积累了有丰富的钢琴集体课教学经验。

前言/序言

好的，这是一份关于其他图书的详细介绍，不涉及《成人钢琴集体课教程学生用书（1 附光盘）》的内容。 --- 《古典钢琴演奏技法精要：从巴赫到德彪西》 作者： [虚构作者姓名，例如：李明德] 出版社： [虚构出版社名称，例如：音乐艺术出版社] 出版年份： [例如：2023] 卷首语 本卷力求为广大学习者和演奏者提供一套系统、深入且极具实践指导意义的古典钢琴演奏技法研究。我们深知，钢琴艺术的精髓在于技法与音乐理解的完美融合。本书超越了基础指法练习的范畴，直指不同历史时期、不同作曲家作品中蕴含的独特演奏挑战与美学要求。通过对大量经典文献的剖析，我们旨在搭建一座从机械性训练到富有灵性表达的桥梁。 第一部分：巴洛克时期的触键与音色雕琢（巴赫与亨德尔的精微世界） 巴洛克音乐的演奏，核心在于对“清晰度”（Clarity）与“织体层次”（Voicing）的精准控制。本部分将聚焦于如何处理复调音乐，特别是巴赫的赋格与对位作品。 1. 独立声部控制的奥秘： 我们详细探讨了如何通过手指的重量转移和不同指尖的敏感度差异，实现至少三至四个独立声部的同时清晰进行。书中提供了大量的“慢速分解练习”，旨在训练听觉对内声部（中音部）的敏感度，避免高音部的过度突出或低音部的模糊不清。特别强调了“指尖的立柱式支撑”，确保音头清晰且不僵硬。 2. 装饰音的“时间”与“重量”： 对于巴洛克装饰音（如颤音、回音、倚音），本书提出了“时间标记法”——即装饰音的演奏速度必须与作品的整体速度和情绪保持一致，而非机械地快速跑完。我们分析了不同装饰音在不同乐段中的情感倾向，并指导读者如何通过微小的指尖压力变化，赋予装饰音恰当的“重量”，使其成为旋律的有机组成部分，而非额外的点缀。 3. 踏板的节制使用： 在巴洛克音乐的演奏中，踏板的使用必须极为审慎。本章分析了在没有延音踏板的乐器上演奏时，如何通过指法和呼吸的配合来模拟长音的连接，并在需要时（如特定和弦的共鸣处理）精确地“呼吸式”使用延音踏板，确保和声的清晰过渡，避免泥泞感。 第二部分：古典主义时期的力度对比与结构把握（海顿、莫扎特与贝多芬的戏剧张力） 古典主义音乐追求的是平衡、清晰的结构和清晰的情感表达。本部分重点在于如何构建乐句的“呼吸”和主题的“对比”。 1. 乐句的呼吸与拱形结构： 我们采用“建筑学”的视角来分析奏鸣曲式。乐句不再被视为简单的八小节或四小节的堆砌，而是具有明确的“起、承、转、合”的拱形结构。书中指导读者如何通过触键的渐强与渐弱（Appoggiatura-Decrescendo），在乐句的最高点（Apex）实现最饱满的音色，并在收尾处自然回落，给予听众充分的呼吸空间。 2. 贝多芬的“力度革命”与瞬间爆发： 重点分析了贝多芬作品中突如其来的强弱对比（sffz, fp）。这不仅仅是音量的变化，更是情绪的瞬间转换。我们提供了专门的“肌肉记忆训练”来处理这种极端的力度跳跃，确保在爆发点时，左手和右手的协调性不受影响，特别是大跳和快速音群的稳定。 3. 奏鸣曲乐章的“对话性”： 在处理奏鸣曲的呈示部和再现部时，主题材料之间的对比至关重要。本书详细讲解了如何通过不同的触键类型（如“击打式”的炫技段落与“拥抱式”的抒情段落）来区分主题A和主题B的性格，使演奏更具叙事性。 第三部分：浪漫主义时期的色彩渲染与延展性表达（肖邦、李斯特与舒曼的诗意） 浪漫主义要求钢琴从“乐器”升华为“歌者”。本部分的核心在于如何拓展钢琴的音域表现力，处理复杂的和声色彩。 1. 肖邦的“歌唱性”与指尖的“歌喉”： 肖邦的作品是钢琴声乐化的极致体现。本书深入研究了肖邦夜曲和圆舞曲中对旋律线的处理。关键在于“慢触键”——指尖需要更深地“进入”琴键，与琴弦建立更长的接触时间，以延长音的“呼吸”，营造出如声乐般连绵不绝的歌唱感。同时，详细解析了颤音和琶音在肖邦作品中作为“背景和声云雾”的构建方式。 2. 李斯特的“广阔音域”与“无形跨度”： 处理李斯特的炫技作品，难点在于如何跨越巨大的音程而不破坏整体的连贯性。本章介绍了“手腕的弹性轴心法”，即在进行大跨度琶音或和弦时，手腕应作为灵活的枢纽，而非僵硬的支撑点。通过精确的预判和柔和的落地，实现“无形”的跨越，使音群听起来如同水银泻地般流畅。 3. 踏板的“和声染料”： 与巴洛克时期的节制不同，浪漫主义的踏板是色彩的基石。我们探讨了如何利用延音踏板创造出丰富的和声叠置，实现“模糊而美丽”的效果。但强调，这种模糊必须是“受控的模糊”，即新音群进入时，旧和声的残响需要被精确控制，避免出现不协和音的“脏”感。 第四部分：印象主义与现代技法的初步探索（德彪西与拉威尔的音响实验） 印象主义音乐要求演奏者关注声音的“质感”和“氛围”，而非传统的旋律线条。 1. 德彪西的“水流”与“光影”： 本章侧重于触键的“轻盈”与“虚化”。要求手指像羽毛般落在琴键上，利用琴弦的自然泛音和共鸣。书中提供了训练“虚拍”和“瞬间释放”的练习，目的是让声音的起始和结束变得模糊，如同水中的涟漪。对于德彪西的复杂和弦，重点在于和弦的“整体性”而非单个音的清晰度。 2. 织体层次的解构与重建： 在处理德彪西的多层织体时，我们引导读者将演奏分为“主要光线”（主旋律）和“环境光”（背景和声）。通过极细微的力度差异，使这些层次在听感上共存而不互相侵占，营造出深邃而朦胧的音响空间。 附录：演奏实践中的身心协调 本附录提供了一套针对专业演奏者和高级学习者的身心调节方案，包括： 呼吸与音乐节奏的同步训练。 预防性拉伸与演奏姿态的流体力学分析。 舞台心理调适与专注力维持的技术。 --- 本书特色总结： 本书以“技法服务于音乐表达”为核心理念，全面覆盖了从巴洛克对位到印象主义音响实验的演奏技术难点，旨在帮助学习者跨越机械性练习阶段，真正掌握不同风格作品背后的演奏哲学与实践方法。全书配有大量详细的乐谱标注和独家练习图示。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是它对于“音乐性表达”的早期植入。很多技术导向的教材，常常把技巧训练和情感表达割裂开来，结果就是弹出的音乐听起来像机器一样精准但毫无生气。然而，这本教程从一开始就强调“如何听”和“如何感受”。在讲解音阶和琶音时，它不仅仅要求学生弹得快或准，更会配有简短的文字提示，引导思考“这个乐句应该听起来是柔和的”或是“这里需要一个渐强到有力的推进”。这种对音乐语汇的早期灌输，对于尚未形成固定演奏习惯的成年人来说，是塑造良好音乐观的关键。我注意到，在一些简单的二声部练习中，它开始引导学生去区分旋律声部和伴奏声部的层次感，这在初级阶段是很少被提及的重点。此外，对于踏板的使用，它也没有把它当作一个后期才需要掌握的“高级附件”，而是很早就在一些抒情性的短曲中，以清晰的图示告诉学习者何时踩下、何时抬起，并解释了“连奏”与“断奏”在不同音乐情绪下的作用，使得学习者能很自然地将踏板融入到演奏技巧的整体构建中，而不是把它当成后期需要“补课”的内容。这种对整体音乐素养的全面培养，是这套教材的灵魂所在。

评分☆☆☆☆☆

这本书的“实战性”设计理念，可以说是针对当代社会学习者的痛点量身定做的。我们工作繁忙，时间碎片化，对学习效率的要求极高。这本教程的每个单元结构都非常紧凑且目标明确。你不需要花上大块时间才能看到学习成果。通常一个练习模块可以在短时间内（比如半小时）被一个初学者完整消化并进行初步掌握。更重要的是，它对常见演奏错误的“预警”机制做得非常到位。它不是等你犯错了才纠正，而是在介绍新技巧时，就提前把“你可能会犯的错误”以醒目的方式标注出来，并给出预防措施。例如，在练习跨越音程时，它会提醒“注意手腕的放松，避免食指紧张导致音色发硬”，这种提前预判和干预的教学方式，极大地节省了试错成本和时间。我特别欣赏它在曲目选择上，那些看似简单的练习曲，实际上都蕴含着解决实际演奏难题的“金钥匙”。这些小品的设计，仿佛是把一首复杂的练习曲拆解成了无数个可独立攻克的微小关卡，让学习者总能体验到“我搞定了这个”的即时成就感，从而形成良性循环的驱动力。

评分☆☆☆☆☆

这本教材的排版设计真是让人眼前一亮，那种深思熟虑的布局感，仿佛每一个音符、每一个指法图示都经过了精心的考量。尤其值得称道的是，它在视觉引导上做得非常到位，初学者面对密密麻麻的五线谱时通常会感到畏惧，但这本书巧妙地运用了色彩区分和留白处理，使得乐谱的重点区域能够迅速被捕捉。我注意到，基础乐理的讲解部分，并非简单地堆砌概念，而是将其融入到具体的练习曲目中，这种“学以致用”的教学思路极大地提升了学习的连贯性。例如，在讲解到和弦转换时，配套的练习曲目马上就提供了大量的实际应用场景，而不是孤立地去记忆指型。我特别喜欢它对节奏型的处理，有些教材对复合拍号的讲解总是显得过于抽象，但这本教程通过图形化的方式，将复杂的节拍结构分解成了易于理解的“呼吸”模式，这对于培养强烈的内在律动感至关重要。而且，它的曲目选择兼顾了经典性与趣味性，既有严格的巴赫或车尔尼风格的小品作为基本功训练，也有一些改编自流行音乐的片段，使得学习过程充满了期待感，不至于沉闷。这种平衡的编排，体现了编者对成人学习者心理的深刻洞察，他们既需要扎实的基础，也渴望快速获得演奏的乐趣。从装帧的质感来看，纸张的厚度适中，即便是频繁翻阅也不会轻易损坏，这对于一本高频使用的工具书来说，是极为重要的细节考量。

评分☆☆☆☆☆

我必须强调一下这本教材在理论与实践结合的“接口设计”上的独到之处。很多理论书读起来像是在啃百科全书，枯燥乏味，而技术书又往往缺乏足够的理论支撑，让人知其然不知其所以然。这本教程在这方面找到了一个极佳的平衡点。它不是把理论放在书的最前面，让学习者在没接触实物前就感到困惑，而是将理论点像“补丁”一样，精准地嵌入到需要它的地方。比如，当引入一个新的调性指法练习时，教材会用一小块精致的图表来解释这个调性是如何从C大调推导而来，仅仅用几行简洁明了的文字和谱例，将抽象的五度圈概念具象化到指尖的移动上。这种“即时反馈式”的理论讲解，使得学习者能够立刻理解“我为什么要以这种方式移动我的手指”，从而将技术动作与音乐逻辑紧密联系起来。这种处理方式，极大地降低了成人学习者对传统乐理的抵触情绪。它把枯燥的“知识点”转化成了解决“眼前问题”的“工具箱”，让每一次翻阅和练习都充满了目的性，这对于追求高效能的成年学习群体来说，无疑是最大的价值所在。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我接触过好几本所谓的“零基础”钢琴教材，很多要么内容过于浅薄，学到一半就完全跟不上了，要么就是难度跨越太大，中间的过渡环节处理得非常生硬。但这本教程在难度递进的把握上，展现出一种近乎艺术家的精准度。它仿佛是一位经验极其丰富、耐心又不失严格的导师，知道何时该给你增加一点挑战，何时又该让你稍作喘息巩固。我观察到，它引入新概念的速度是极其克制的，例如，在引入左手和弦的复杂配置之前，会先用大量的单音或简单的分解和弦进行充分的热身和肌肉记忆训练。这种循序渐进的策略，避免了新手在“左手跟不上右手”的经典瓶颈处产生强烈的挫败感。特别是针对成人学习者普遍存在的“手指僵硬”问题，教材中设计了一系列专门的“手指独立性练习”，这些练习的编排并非随机组合，而是针对特定指群的弱点进行“靶向攻击”，效果显著。再者，对于阅读能力，它没有强迫读者一下子记住所有高难度记号，而是通过“标记系统”来引导，比如，一些需要特别注意力度变化的音符会被用略微不同的字体标记，这种潜移默化的提醒，远比死板的文字说明有效得多。这种对学习曲线的精妙控制，让学习者能持续保持在“最近发展区”，既有进步感，又不至于感到力不从心，是成人钢琴教育中非常难得的特质。