美国时装设计学院：时装设计师手绘表现技法 画时装人物 [Fashion Drawing Illustration Techniques for Fashion Designers] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 米歇尔·维森·布莱恩特 著，张帆 译

图书标签:

• 时装设计
• 时装绘画
• 手绘
• 人体结构
• 服装设计
• 绘画技巧
• 设计素描
• 时尚插画
• 设计院校
• 专业教材

出版社： 广西美术出版社

ISBN：9787549412570

版次：1

商品编码：11883785

包装：平装

外文名称：Fashion Drawing Illustration Techniques for Fashion Designers

开本：12开

出版时间：2016-03-01

用纸：胶版纸

页数：203

字数：144000

编辑推荐

手绘表现技法是学习服装设计必备的基础技能之一，是锻炼服装设计技能的必要且重要的阶段。而画服装画要从了解人物开始。本书通过大量图片，用简要的语言讲解关于时装人物的基础知识、人体走势的画法等，轻松易学，是时装从业者的必备图书。

内容简介

　　《美国时装设计学院：时装设计师手绘表现技法 画时装人物》对想提高技能的时装素描学生和设计师来说是一本全面实用的指导。采用现代教学方法，配有大量插画，提供步骤详细的必要指导，让读者能够形成自己的插画风格。
　　过去100年设计师和插画师的作品展示
　　涵盖所有时装素描领域，步骤详细地演示如何画女装、男装和童装
　　服装细节的术语图解，以及大量专业词汇、资源和延伸阅读列表
　　620幅插画

作者简介

米歇尔·维森·布莱恩特在纽约帕森时装设计学校和纽约时装技术学院教授时装素描和概念设计。她也是伊斯坦布尔技术大学、帕森巴黎分校以及佛罗里达柏丽慕达时装学院的客座教授。

内页插图

目录

前言
画时装人物
历史回顾

第一章 画女性
规划
传统女性时装人体比例
平衡
转身
摆姿势
调整

第二章 画男性
设计
传统男性时装人体比例
平衡
摆姿势
转身

第三章 画儿童和青壮年
幼儿
婴儿
学步幼童
儿童
“吞”世代
青少年

第四章 局部
画头部
画女性头部
画男性头部
画儿童头部
画帽子
画手部
画脚部
画鞋子

第五章 模特写真
开始阶段
基本法则
整合
术语
延伸阅读
资源
图片出处说明
致谢

前言/序言

好的，这是一份关于一本名为《美国时装设计学院：时装设计师手绘表现技法》的图书的简介，内容聚焦于其他相关或互补的时尚设计主题，而不涉及该书本身的内容。 --- 时尚设计入门与实践：从零基础到专业呈现 内容简介 本书旨在为有志于投身时装设计领域的初学者和希望提升专业技能的设计师，提供一个全面且系统的学习路径。我们不探讨具体的时装手绘技法，而是聚焦于理解时装设计背后的理论基础、市场趋势分析以及从概念到成衣的全流程管理。 第一部分：时装设计的核心理念与视觉语言 1. 探索时装设计的历史脉络与文化语境 时装不仅仅是布料和剪裁的组合，更是社会、文化、艺术思潮的直观体现。本部分将带领读者深入了解时装设计是如何随着历史变迁而演进的。我们将追溯从文艺复兴时期服饰的结构特点，到工业革命对服装生产方式的颠覆，再到战后时装的复苏与现代主义的兴起。重点分析不同历史时期，如20世纪初期的“新艺术运动”、二战后的“New Look”以及60年代青年文化的兴起，是如何塑造了我们今天对美的理解。理解这些背景，是形成独特设计思想的基石。 2. 掌握色彩理论与面料的感性认知 在时装设计中，色彩是传达情感和风格的最直接方式。本书将详细解析色彩心理学在服装设计中的应用，包括如何运用冷暖色调、对比色和邻近色来营造特定的氛围。我们将探讨色彩在不同光照条件下的变化规律，以及如何构建和谐且富有冲击力的色彩组合。 同时，面料的选择是设计灵魂的体现。本书将系统介绍各类天然纤维（如棉、麻、丝、羊毛）和合成纤维（如涤纶、尼龙、氨纶）的特性、手感、垂坠性以及它们对服装轮廓的影响。读者将学习如何根据设计意图和功能需求，科学地评估和选择最适宜的面料，例如，理解不同织物如何影响服装的结构感和流动性。 3. 解构服装的结构与版型基础 一个成功的时装作品，其内在结构至关重要。本部分侧重于基础的服装构成原理。我们将剖析服装的平面结构（版型）与立体结构（裁剪与缝制）之间的关系。读者将初步了解省道、褶裥、省道转移等基本制版概念，以及它们如何影响服装的合身度与视觉效果。我们还将讨论不同服装结构对人体形态的修饰作用，为后续的设计打下坚实的工程学基础。 第二部分：从创意到产品——时装设计流程管理 4. 建立设计灵感与概念开发 成功的时装系列始于一个清晰而有力的概念。本书将指导读者如何有效地收集和筛选灵感来源，无论是艺术展览、自然景观、建筑风格还是社会现象。我们将介绍一系列概念发展工具，如主题板（Mood Board）的构建、关键词提炼以及叙事性设计（Narrative Design）的构建方法。关键在于将抽象的灵感转化为具体的设计元素，如廓形、细节和材质的组合。 5. 深入分析市场趋势与目标客户定位 时装设计必须立足于市场。本部分将教授如何进行前瞻性的趋势预测，包括宏观经济环境、社会文化变迁以及消费者行为的变化如何影响未来的时尚走向。我们将详细介绍如何分析和应用色彩预测机构（如WGSN）发布的数据，以及如何通过街头风格和社交媒体趋势来指导设计方向。至关重要的是，读者需要学会精准地定位目标客户群体，理解他们的审美偏好、购买力和生活方式，从而设计出具有市场竞争力的产品。 6. 实践性的设计应用与系列构建 一个完整的设计系列（Collection）需要逻辑性和连贯性。本书将指导读者如何规划一个包含主题、关键造型、核心单品和配饰的完整系列。我们将探讨如何通过色彩方案、面料应用和设计主题的反复出现来统一系列风格。此外，我们还会涉及如何将二维的设计图转化为三维的样衣制作流程，包括与版师、样衣工的有效沟通技巧，确保设计意图在最终产品中得到准确体现。 第三部分：时装设计产业的专业化路径 7. 了解可持续时尚与创新材料 在当代，可持续发展已成为时装行业不可回避的议题。本部分将探讨生态友好型设计原则，包括零浪费裁剪（Zero-Waste Cutting）、升级再造（Upcycling）以及循环经济在服装生产中的应用。读者将了解到生物基材料、回收纤维等创新面料的潜力和局限性，以及如何将环保理念融入设计决策中，创造既美观又负责任的时尚。 8. 职业发展与行业生态 对于有志于成为专业设计师的人士，了解行业运作至关重要。我们将介绍时装设计领域的主要职业路径，包括高级定制（Haute Couture）、成衣（Prêt-à-Porter）、运动休闲（Athleisure）以及配饰设计等不同细分市场。内容涵盖如何准备一份专业的作品集（Portfolio），如何应对面试，以及在不同规模的设计公司中扮演的角色与所需的核心竞争力。 通过对以上主题的系统学习，读者将建立起一个扎实的理论框架和全面的行业认知，从而更好地在时装设计领域中实践和发展自己的创作才华。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版设计非常注重读者的阅读体验。字体选择大气、清晰，留白的处理也恰到好处，使得即使是对比强烈的彩色插图和密集的文字说明并置时，画面依然保持着视觉上的呼吸感，长时间阅读也不会感到疲惫。我特别关注了它在“色彩理论在时装插画中的应用”这一部分，它没有采用生硬的色轮解释，而是直接将色彩理论与具体的服装搭配案例结合起来，比如如何利用邻近色来营造高级感，或者如何用高饱和度的色彩突出设计焦点。这种场景化的教学方式，极大地提升了知识的迁移率。这本书更像是一本“工具箱”，而不是一本“速成指南”。它不会直接告诉你“你必须这么画”，而是通过展示多种可能性和背后的设计逻辑，引导你去探索最适合自己风格的表达方式。对于一个希望在时装设计领域长期发展的人来说，这种引导式的学习比被动接受固定模式要宝贵得多。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是，它并没有陷入那种过于学院化、枯燥的理论讲解中。相反，它似乎在努力建立起设计师的“视觉思维库”。例如，在处理姿态（Pose）的部分，它展示了大量具有叙事性的动态草图，这些草图不仅仅是为了展示衣服的廓形，更是在讲述一个穿着者在特定场景下的情绪和态度。我注意到，书中花了不少篇幅介绍如何使用不同的媒介，比如炭笔、水彩和彩色铅笔组合使用时，能产生的独特视觉效果。这对我是一个很大的启发，因为我之前总是习惯于用同一种工具解决所有问题。通过这本书的引导，我开始尝试用更自由、更具表现力的方式去记录灵感，而不是被工具所限制。尤其是对于面部表情的处理，它提供了一些非常实用的简化方法，让你在快速绘制草图时，依然能抓住模特的“神韵”，而不是每一个五官都刻画得一丝不苟，这非常符合时装行业对效率和表现力的双重需求。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计，尤其是封面那种哑光处理的质感，初上手就让人感觉挺高级的。我原本对“时装设计手绘”这类书籍抱持着一种比较功利的心态，就是希望能直接套用一些现成的模板或者速成技巧。然而，这本书的编排方式，更像是在搭建一个系统的学习框架，而非简单的技巧堆砌。它花了大篇幅去讲解人体比例的精确调整，这一点非常关键，因为很多初学者都忽略了服装结构是建立在正确的“骨架”之上的。翻阅到服装褶皱那一章时，我发现作者非常细致地分析了不同面料在运动状态下产生的动态变化，比如丝绸的垂坠感和羊毛的厚重感是如何通过线条的粗细和笔触的轻重来体现的。这种对材质差异的深度剖析，让我意识到，好的时装画不仅是“画得像”，更是要“画出材质的灵魂”。它提供的案例图例质量极高，色彩的运用也很有启发性，让人在模仿的同时，能捕捉到设计师在色彩搭配上的细腻考量，而不是仅仅停留在黑白线条的阶段。

评分☆☆☆☆☆

翻阅这本书时，我强烈感受到了一种深厚的行业经验沉淀。它不仅仅停留在“怎么画”的层面，更深入到了“为什么这么画”的层面上。比如在讲解如何设计和绘制配饰（如包袋、鞋履和首饰）时，作者非常强调这些元素在整体造型中的“点睛”作用，并提供了如何用极简的线条来暗示出这些配饰的材质和光泽感。我特别喜欢它在处理“面料纹理”时的细致入微，它详细拆解了提花、蕾丝和皮革这些不同纹理的视觉特征，并对应给出了不同的笔触建议。这使得我在尝试绘制复杂面料时，不再感到无从下手，而是有章可循。总体而言，这本书的价值在于它提供了一套从底层逻辑到高阶表现的完整方法论，它更像是一位资深导师在你身边，耐心指导你如何真正地、专业地去“视觉化”你的设计理念。

评分☆☆☆☆☆

作为一本介绍技法的书籍，它的结构逻辑性是我所见过的同类书籍中比较出色的。它从最基础的“打型”开始，逐步过渡到“光影处理”，再到“服装细节的深化”，整个学习路径非常清晰，不会让人产生“信息过载”的感觉。特别是关于“透视与空间感”的章节，作者用非常直观的图示解释了如何在二维平面上准确地表现三维服装的体积感，这对于那些想为自己的设计作品集增添空间深度的读者来说，无疑是一本宝贵的参考书。我尤其欣赏它对“比例变形”的探讨，它清晰地指出了在时装插画中，哪些部分的夸张是符合行业审美的，而哪些夸张会显得怪异。这种对行业“潜规则”的揭示，比单纯的绘画技巧讲解要实用得多，它帮助我校准了自己的审美方向，避免了在艺术性与商业性之间迷失。

评分☆☆☆☆☆

包装完好无破损，书的内容少了些，价格小贵。

评分☆☆☆☆☆

书寄过来已经压弯了，而且买完就降价了，完全没有保价期

评分☆☆☆☆☆

好。。。。。。。。。。。。

评分☆☆☆☆☆

很好的，觉得很实用。

评分☆☆☆☆☆

书寄过来已经压弯了，而且买完就降价了，完全没有保价期

评分☆☆☆☆☆

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好。。。。。。。。。。。。

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