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☆☆☆☆☆

赵岚 著

图书标签:

• 电影学
• 美学
• 电影理论
• 视听语言
• 电影分析
• 艺术
• 文化
• 媒介
• 影像
• 审美

出版社： 重庆大学出版社

ISBN：9787562499183

版次：1

商品编码：12018752

包装：平装

开本：16开

出版时间：2016-06-01

用纸：胶版纸

内容简介

　　在巴赞眼里，电影是“生活的渐近线”；在巴拉兹眼里，电影是现实主义的一种；在奥逊?威尔斯眼里，电影是“发明给成年人的好的玩具”；在桑塔格眼里，电影是20世纪的艺术。电影这个“百年神话”，在今天业已成为具世界性、对人类生活影响大的艺术之一。
　　电影美学是有关电影的论说，意在美学视域下寻找画面背后的意义。本书以电影美学专题为经纬，不失“悦读性”；以经典电影美学为基准，不失立场和姿态的先锋性；以电影作品为研究文本，不失理论的鲜活性；以电影文化为介入点，不唯技术主义。
　　诚如英国电影理论家彼得?沃伦所言：我相信，电影美学将重新流行!

目录

导　言　美学视域下的电影理论／1
有一个幽灵，在飘荡！／1
电影是什么？／3
犹在镜中：光影艺术／6
寻找画面的灵魂：电影美学／8
第一章　作者电影／11
第一节　电影作者论／11
第二节　法国电影“新浪潮”／20
第三节 “电影作者论”在电影美学史上的意义／28
第四节　电影诗人——基耶斯洛夫斯基／31
第二章　电影符号学与叙事学／45
第一节 “一个催人如梦的故事”——电影叙事原则、方法和结构／45
第二节　那些年，我们一起看过的故事——电影叙事基本母题／51
第三节 《这个杀手不太冷》——里昂的故事／58
第四节　阳光是否依然灿烂？——《阳光灿烂的日子》与《十七岁单车》／62
第五节 《贫民窟的百万富翁》——一切早已命中注定／65
第六节 《秋喜》——中国主旋律电影的突围／69
第七节 《法国中尉的女人》——一个“双重叙述”的爱情故事／74
第三章　电影精神分析学与意识流电影／79
第一节 “白日梦”——电影的精神结构／79
第二节　想象的能指——精神分析电影符号学／86
第三节　阿尼玛：一个少年的成长——电影《西西里的美丽传说》／89
第四节　心理机能和意识流学说／99
第五节　意识流电影／101
第六节 “回忆”的重构——电影《情书》／105
第四章　后现代主义电影／109
第一节　后现代主义之“后”／110
第二节　后现代主义电影的特点／114
第三节　经典后现代主义电影／123
第五章　文化研究与电影／146
第一节　电影——有意识与无意识的意识形态神话／146
第二节 “好莱坞”的秘密／152
第三节 “被书写”的美国历史——《阿甘正传》／157
第四节 《霸王别姬》的戏里戏外／164
第五节　文化幻想与审美救赎——电影《阿凡达》引发的文化思考／169
写在后面的话：电影令生活成为多种可能！／176
参考文献／178

银幕上的光影叙事：电影语言的深度解析与实践指南 书籍名称：《银幕上的光影叙事：电影语言的深度解析与实践指南》 简介： 本书并非对特定电影流派或导演风格的浅尝辄止，而是一部深入电影本体论，探究影像如何成为一种独立语言的权威论著。它旨在为电影研究者、独立制片人、以及所有对“如何讲述故事”抱有热切探究精神的读者，提供一套全面、系统且富有洞察力的分析框架与实践工具。 第一部分：视觉符号学的重建——光影的语法 本部分将开篇即摒弃空泛的理论说教，直接聚焦于电影语言最基础的构成要素：光线、色彩与构图。我们不再将光线视为简单的照明工具，而是将其视为叙事的驱动力。 第一章：光线的潜台词 本章详细剖析了硬光（Hard Light）与软光（Soft Light）在情感传达上的差异。硬光如何被用来营造戏剧性的冲突、揭示人物内心的焦虑或坚硬的外壳？软光又如何勾勒出柔和、梦幻或暧昧的氛围？书中将引入大量具体案例，分析伦勃朗光（Rembrandt Lighting）、蝴蝶光（Butterfly Lighting）在塑造面部轮廓和心理状态上的微妙作用。特别设立一节，探讨逆光（Backlighting）如何将人物从背景中剥离出来，实现视觉上的“隔离”或“神圣化”的效果。我们考察的重点在于：光线何时是环境的记录者，何时是情绪的放大器。 第二章：色彩的心理光谱 色彩不再是装饰，而是叙事结构的一部分。本书从光学物理的角度出发，讨论了色彩的波长如何影响观众的生理感知。继而深入文化符号学，分析不同文化背景下对特定色彩的解读差异。核心内容聚焦于色彩调性（Color Palette）的构建：如何通过主导色、对比色和点缀色，在长达两小时的影片中维持视觉的连贯性与情绪的递进性？我们将解构诸如三色调配（Triadic Harmony）在构建视觉平衡中的应用，以及去饱和度（Desaturation）如何精确地标记时间流逝或心理创伤。 第三章：构图的深层意图 超越“三分法”的初级阶段，本章探讨负空间（Negative Space）在构建张力中的决定性作用。负空间是留给观众思考的空白，是未言明的威胁，或是人物精神世界的延伸。我们将分析对称性构图带来的稳定感与禁锢感，以及对角线构图如何暗示动态、失衡或运动的开始。更进一步，探讨景深（Depth of Field）不仅是清晰度的选择，更是导演对观众注意力的“无形之手”，如何引导焦点，甚至隐藏关键信息。 第二部分：时间的剪辑与空间的分离——蒙太奇的进化 如果说光影是电影的“词汇”，那么剪辑就是“句法”。本部分将回顾蒙太奇理论的经典流派，并着重研究当代电影中，剪辑如何与叙事节奏和观众的认知负荷相协调。 第四章：节奏的生理学 剪辑的节奏感并非仅凭感觉决定，它有着清晰的生理学基础。本章量化分析镜头的平均时长（Average Shot Length, ASL）与观众心率、肾上腺素水平的相关性。我们将细致区分叙事性剪辑（推动情节）与情感性剪辑（深化感受）。分析“撞击式剪辑”（J-cut/L-cut）如何实现声音和画面的跨时空连接，制造出预感或回溯的复杂体验。 第五章：空间的重塑与连续性法则的打破 经典的好莱坞连续性剪辑（Continuity Editing）旨在消除剪辑痕迹，创造“透明”的空间。然而，本书将重点探讨那些有意打破连续性的实践。从楚弗科夫的“空间跳跃”到当代动作片中“碎片化剪辑”，我们探究如何通过不连续的画面连接，来模拟角色的主观混乱、记忆闪回，或展现环境的巨大压力。讨论焦点在于：何时需要观众忘记剪辑的存在，何时必须让观众直面镜头的切换本身。 第三部分：运动的哲学——摄影机作为主体 摄影机不仅仅是记录者，它具有移动性、视角和表达欲望。本部分专注于探讨摄影机运动的哲学内涵。 第六章：视点的构建与权力关系 固定镜头（Static Shot）的沉稳与权威性，与手持跟拍（Handheld）带来的即时性、不稳定感形成了鲜明对比。本章将深入分析摇摄（Pan）与俯仰（Tilt）的精确使用：一个缓慢的俯视镜头如何将角色置于被审视的地位？一个持续追踪的运动镜头如何表达角色无望的追逐？我们着重讨论“主观镜头”（POV Shot）的陷阱——它所建立的“第一人称”视角，往往是精心设计的一种幻觉。 第七章：变焦与运动的替代 在不移动摄影机的前提下，如何实现空间或焦点上的变化？变焦（Zoom），这一常被误解的工具，远不止于拉近景物。本章将剖析推拉镜头（Dolly Zoom，或称Vertigo Effect）在表达心理冲击、空间扭曲或突如其来的顿悟时刻的震撼力。它揭示了“看”的方式本身，就是一种叙事行为。 第四部分：声音的维度——被忽视的叙事引擎 声音往往是电影中最被低估的元素。本书将声音提升到与影像同等重要的地位，探索其在构建沉浸感和引导情绪中的核心功能。 第八章：从环境到寓言：声景的设计 本章区分了画外音（Diegetic Sound）和画内音（Non-Diegetic Sound）的作用。我们不再将背景音乐视为单纯的配乐，而是分析其对位（Counterpoint）与和声（Harmony）如何与画面内容产生冲突或加强。深度剖析“声景设计”（Soundscape Design），即如何通过环境音（Ambience）的细微差别，精确描绘地理位置、天气条件乃至特定历史时期。例如，一个被刻意放大的、令人不安的室内滴水声，其叙事重量可能远超任何一句台词。 第九章：寂静的艺术 最响亮的声音往往是寂静本身。本章研究在极端情绪场景中，声音的缺失如何成为一种有组织的听觉缺席（Auditory Absence）。我们分析在处理创伤、极度恐惧或哲学沉思的场景时，如何通过短暂而彻底的音轨抽离，迫使观众进入人物的内心真空。寂静，是导演留给观众的最后一个发声空间。 结论：整体的综合与未来方向 本书最终将所有技术元素汇集一炉，探讨如何实现“语言的统一性”——即形式语言（光影、运动、声音）必须完全服务于主题内容，而非成为炫技的展示窗口。我们鼓励读者将这些工具内化为自身表达的本能，从而创造出真正具有生命力和穿透力的电影作品。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是电影爱好者和理论研究者的一剂强心针！作者的文字功底深厚，对影像语言的拆解入木三分，让我这个自以为对光影和叙事结构有所了解的“老观众”都感到醍醐灌顶。尤其是对于蒙太奇手法的历史演变和不同流派的阐释，简直是教科书级别的梳理。他不仅仅停留在对经典片段的罗列上，而是深入挖掘了“为什么”——为什么某个景深能带来心理上的压迫感，为什么某种剪辑节奏能引发观众的共情或疏离。我记得有一章专门讲色彩心理学在特定导演作品中的运用，简直是打开了新世界的大门，我回去重温了那几部影片，果然感受完全不同了。这本书的逻辑脉络非常清晰，从基础的视觉元素，到复杂的叙事策略，再到深层的文化内涵，层层递进，让人完全沉浸在电影的“内在机制”探索之中。读完之后，看电影不再是单纯的娱乐消费，而是一种主动的、充满思辨的建构过程。唯一的“小缺点”可能是对于初次接触电影理论的新手来说，部分章节的学术密度略高，需要反复咀悦，但对于追求深度的读者，这反而是最大的优点。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书的时候，我本来是抱着试一试的心态，毕竟市面上关于电影的书籍汗牛充栋，真正能让人眼前一亮的实在不多。但这本书，它没有那种故作高深的学院腔，反而有一种知识分子的真诚和热情。它最吸引我的地方在于其独特的跨学科视角。作者似乎对哲学、建筑学乃至音乐理论都有涉猎，并将这些知识巧妙地融入到对镜头语言的分析之中，使得原本枯燥的理论变得鲜活且富有画面感。例如，书中对“空间感”的探讨，引用了现象学中的空间概念，对比了不同时代对布景和场域的构建，让我对早期默片中舞台化的布景与现代写实主义的场景设计之间的分野有了更深层次的理解。行文流畅自然，时而幽默风趣，时而沉稳深刻，仿佛一位经验老到的导演在和你面对面交流他的创作心得。如果你想从“看热闹”升级到“看门道”，并且享受这个学习过程本身带来的乐趣，这本书绝对值得投资时间。它不是那种读完就束之高阁的工具书，而是会成为你案头常备，随时翻阅的灵感源泉。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的装帧和排版并不算多么华丽，但内容本身带来的震撼，远远超过了任何精美的封面设计。我尤其欣赏作者在探讨“声音设计”这块所花费的心力。在太多专注于画面的论著中，声音往往被轻描淡写，但这本书却将声音的叙事功能提升到了与视觉同等重要的地位。它详细分析了非同步音效如何制造悬念，音乐主题如何暗示人物命运，甚至连寂静本身的含义——那种刻意的、被精心设计的“无声”时刻——都被赋予了强大的情感重量。我记得书中有一个案例分析了某个特定场景中，环境音的突然消失如何将观众的注意力瞬间拉回角色内心的恐惧，这个细节的剖析让我为之惊叹。这本书的好处在于，它提供了一套完整的分析框架，让你在观看任何一部新片时，都能下意识地去留意那些原本容易被忽略的听觉线索。这不仅仅是理论的介绍，更是一场听觉的再教育，极大地丰富了我的观影体验，使得电影的沉浸感提升到了新的层次。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排非常有策略性，它巧妙地将宏大的理论体系和具体的、可供检验的实例结合起来，使得抽象的概念有了落地的载体。我特别喜欢它穿插其中的导演访谈片段和手稿资料的解读，这为冰冷的理论注入了人性的温度和创作的艰辛。作者在解读某个大师的作品时，不会像一个纯粹的影评人那样只关注情节的好坏，而是会深入到制作过程的决策点，去探究灯光师、美术师和导演之间的微妙博弈，正是这些细节的碰撞，才最终塑造了银幕上的美学效果。这种“幕后工作原理”的揭示，让读者对电影创作的复杂性和协作性有了更直观的认识。对于想要从事影视制作或想深入了解电影工业的读者来说，这本书提供了一个绝佳的、兼顾理论深度和实践广度的窗口。它告诉你，每一个镜头都不是偶然，而是一系列深思熟虑的美学选择和技术实现的必然结果。这是一部真正意义上的“解密”之作。

评分☆☆☆☆☆

我是一个非常注重批判性思维的读者，很多理论著作虽然系统，但往往缺少对既有范式的挑战。这本书在这方面做得非常出色。它敢于质疑一些被奉为圭臬的“电影法则”，并提出新的观察角度。例如，作者对“不可见的剪辑”的探讨，并非简单地赞美其流畅性，而是反思这种过度追求“自然”的剪辑手法在某种程度上如何消弭了电影作为一种人工艺术形式的张力。他会引导你思考：完美无缝的叙事，是否也意味着某种程度的审美惰性？这种带着反思精神的论述，非常激发读者的思考欲。书中引入的一些当代电影理论的视角，也显示出作者紧跟时代步伐，并未固步自封于经典理论。它鼓励读者，乃至电影制作者，去探索那些尚未被完全开发的视听表达领域。读完后，你会发现自己对“好电影”的标准变得更加多元和复杂，不再满足于单一的叙事模式，而是开始欣赏那些在形式上做出大胆革新的作品。