导演艺术论（套装上下册） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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徐晓钟 著

图书标签:

• 电影
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• 电影理论
• 影评
• 电影史
• 文化
• 艺术史
• 视听语言
• 电影制作

出版社： 文化艺术出版社

ISBN：9787503963100

版次：1

商品编码：12232694

包装：平装

开本：16开

出版时间：2017-06-01

用纸：胶版纸

页数：788

套装数量：2

正文语种：中文

内容简介

　　《导演艺术论（套装上下册）》是中央戏剧学院名誉院长徐晓钟约半个世纪以来从事舞台戏剧导演工作与导演教学历程中所写的文论选集。全书分为五个部分：第一部分是一篇六万字的长文《导演构思论》，可以说是带领全书的“火车头”，内容包括：“导演构思”是导演对未来演出的总体设想和预见；是导演自己对剧本哲理内涵与艺术形象的解读；是体现他自己“解读”的关于哲理、诗情、舞台形象与演出形式相统一的总体构想。第二部分是晓钟老师对自己所导演的十个剧目写的具体“导演构思”，涉及五部中国现代名剧和五部欧洲古典大作。实际上就是用自己的思想对十部戏进行分析和构思。第三部分是“论导演艺术”，是对导演艺术的基本特性、导演艺术面对的时代课题及部分“综合艺术”的论述。第四部分是对当代十几位有成就的导演所做的深入分析研究。第五部分是对来北京演出的代表性舞台演出剧目的评述。全书虽是他在几十年中写的百余篇长短文章结集，但仍可看出相当完整的理论结构和明确而深刻的学术思索。《导演艺术论（套装上下册）》的特点是理论与实践紧密结合，是一部有关当代戏剧导演艺术和导演学术的重量级著作，具有重要的理论价值和实践指导价值。

目录

我的“前言”
一、导演构思论
《导演构思》诗学

二、我的导演艺术实践
《年青的一代》导演札记
“马人”的悲剧——《马克白斯》的排演与教学
《培尔·金特》导演构思
《桑树坪纪事》导演构思
在兼容与结合中嬗变——话剧《桑树坪纪事》实验报告
《洒满月光的荒原》导演阐述
贴近欣赏契诃夫——《樱桃园》导演思索
《春秋魂》导演阐述——我们《春秋魂》的视角
歌剧《图兰朵》导演阐述
实现老师夙愿 再读《雷雨》诗情——《雷雨》导演阐述
《浮士德》导演构思

三、论导演艺术
新时期戏剧导演艺术论
导演艺术的基本特性
把自己的形式赋予自己的观念——1982年“导演座谈会”发言
导演创造意识的觉醒——近年来话剧导演艺术的成就与某些不足
发展着的中国导演艺术——'95中日导演会议发言
需要辩证唯物主义的思维方法——纪念布莱希特诞辰100周年暨“第二届布莱希特学术研讨会”祝词
呼唤哲理、诗情和美的形式
……

四、论导演艺术家
五、论导演艺术实践

导演的视界：探索光影叙事的艺术与实践 一、 电影语言的构建与革新 本书深入剖析了电影语言的本质，探讨了从默片时代到数字时代的视觉表达演变。重点关注蒙太奇理论的深度应用，不仅仅停留在剪辑层面的技术探讨，更深入到其如何塑造观众的认知和情感体验。通过对爱森斯坦、普多夫金等大师作品的解构，揭示了如何通过镜头运动、场面调度和空间关系来构建复杂的主题和叙事张力。 叙事结构解析： 本卷详细梳理了经典好莱坞三幕剧结构在当代电影中的变异与重构。探讨了非线性叙事、多视角叙事在挑战传统因果逻辑下的叙事潜力。分析了结构主义与后结构主义叙事理论对现代导演创作手法的影响，例如对时间轴的打乱、潜意识的视觉化处理等。特别设立章节讨论“留白”在叙事中的作用，即导演如何通过控制信息流来引导观众主动参与到意义的构建过程中。 视觉美学与风格确立： 电影的视觉风格是导演个性最直接的体现。本书系统梳理了不同电影流派的美学特征，如表现主义对光影的极端运用、意大利新现实主义对自然光和非职业演员的偏爱、法国新浪潮对即兴和手持摄影的解放。重点分析了色彩理论在电影中的心理暗示作用，以及如何通过场面调度（Mise-en-scène）——包括布景、服装、灯光和演员走位——来营造特定的世界观和氛围。对黑白电影的艺术性回归与当代运用也有深入探讨。 二、 演员的引导与表演的深度挖掘 导演与演员的关系是电影创作的核心。本书超越了简单的“指导”概念，探讨了建立信任、激发潜能的复杂互动模式。 方法派表演的运用与跨文化实践： 详细阐述了斯坦尼斯拉夫斯基体系及其在不同文化背景下的本土化应用。探讨了如何指导演员进行“情感记忆”的挖掘，以及如何平衡表演的自然主义倾向与戏剧化的表现需求。对默契建立的策略进行了探讨，特别是针对群戏场面中，如何保持个体表演的真实性，同时实现整体的和谐统一。 非专业演员的调度艺术： 很多导演倾向于使用非专业演员以求“真实感”。本书分析了在缺乏传统训练的情况下，如何通过精确的排练、重复的场景模拟以及导演极富感染力的沟通技巧，引导素人演员达到预期的表演层次。对比分析了意大利新现实主义导演与当代独立电影导演在这一领域的实践差异。 角色的内在生命力： 探讨了导演如何协助演员深入理解角色的动机、潜意识冲突和行为逻辑。这包括大量的案头工作、角色背景的建构，以及在拍摄现场对演员即兴发挥的捕捉与引导。重点讨论了如何处理角色的道德模糊性，避免脸谱化，让角色在银幕上呈现出复杂的人性维度。 三、 技术的融合与创新思维 电影技术的革新极大地拓宽了导演的表达边界。本书关注技术如何服务于叙事，而非单纯地炫耀技术本身。 摄影机运动的叙事功能： 详细解析了摇摄、推拉、斯坦尼康、跟拍等不同运动方式如何服务于特定的叙事目的。例如，固定长镜头如何建立空间压迫感或展现时间连续性；快速剪辑的跳跃如何模拟情绪的失控或时间的压缩。对虚拟摄影机（如预可视化技术）在当代大型制作中的应用进行了评估。 声音设计与情感共鸣： 声音是常常被忽视的叙事元素。本书将声音提升到与画面同等重要的地位，探讨了对白、音效（Foley）和音乐（Score）如何共同构建“声景”。分析了寂静的运用，以及如何通过非写实的声音设计（如主观音效）来展现角色的内心世界。讨论了杜比全景声等沉浸式音频技术对叙事空间感的重塑。 数字时代的美术指导与后期制作： 探讨了数字合成（CGI）在构建奇观和重塑历史场景中的作用，同时警示过度依赖特效可能带来的审美风险。重点分析了数字调色（Color Grading）如何成为导演最终确定影片“基调”的关键步骤，以及剪辑（Post-Production）阶段的再创作潜力，如何通过精细的节奏调整完成最终的艺术定稿。 四、 导演的身份、哲学与电影的社会责任 电影创作不仅是技术活动，更是哲学思辨和社会介入。 作者论视角的审视： 探讨了“作者论”概念在不同文化语境下的适用性与局限性。分析了导演如何将自身的哲学观、意识形态和个人经验渗透到作品之中，形成鲜明的个人风格签名。讨论了在高度工业化的电影体系中，导演如何维护其艺术自主权。 跨文化视野与全球叙事： 面对日益全球化的电影市场，本书探讨了如何处理文化差异、避免刻板印象，创作出具有普遍情感共鸣的跨文化叙事。分析了不同国家和地区电影传统之间的对话与冲突。 电影作为社会评论： 深入考察了电影在反映、批判或推动社会变革中的作用。从早期纪录片对社会问题的揭露，到当代政治寓言电影的复杂性，探讨了导演在处理敏感议题时所面临的伦理困境与艺术选择。本书强调，优秀的导演不仅是技艺的掌握者，更是时代精神的记录者和深刻的观察者。 五、 导演的职业生涯管理与片场领导力 成功的电影制作需要卓越的领导力。本书侧重于导演作为项目总指挥的角色。 沟通的艺术： 导演需要与制片人、编剧、技术团队、演员进行多层次、多角度的有效沟通。分析了如何清晰地传达愿景，同时又具备倾听和吸纳不同意见的能力。探讨了危机管理和临场决策的能力，尤其是在预算和时间压力下的权衡取舍。 预算与时间框架下的创造力： 探讨了在商业限制下，如何通过创意性的解决方案（如利用现有场景、精简机位设置等）来保持艺术质量。分析了如何有效组织拍摄日程，最大化每一天的拍摄效率，确保在有限资源内实现宏大的艺术目标。 对未来电影人才的启示： 总结了成为一名可持续发展的、富有影响力的导演所需的综合素质，强调持续学习、保持对世界的好奇心以及对电影媒介的敬畏之心，是终身创作生涯的基石。本书旨在为有志于电影事业的创作者提供一个全面而深刻的思考框架，超越单纯的技术手册，直抵艺术创作的内核。

评分☆☆☆☆☆

这套书的排版和装帧设计也值得称赞，它体现了一种对“内容”的尊重。厚实的纸张，清晰的字体，阅读体验极佳，这在充斥着廉价平装本的时代，显得尤为难得。更重要的是，作者在论述过程中穿插了大量他自己作为导演的实践心得和失败教训，这让理论不再是空中楼阁，而是建立在真实拍摄现场的经验之上。我尤其喜欢其中关于“即兴创作”与“预设结构”之间辩证关系的探讨。很多导演过于依赖剧本，而这本书提醒我们，电影的魔力往往诞生于现场的突发奇想和对演员状态的精准捕捉。它鼓励创作者打破思维定势，去拥抱不确定性，把镜头当作感知世界的眼睛，而不是简单地记录剧本。这种鼓励探索和冒险的精神，深深地影响了我对未来创作的规划，让我更加敢于在自己的作品中尝试一些“出格”但充满生命力的表达方式。

评分☆☆☆☆☆

这部电影理论的经典，实在让人欲罢不能。我花了整整一个周末才啃完第一本，感觉自己的电影观都被彻底颠覆了。作者的笔触细腻而深刻，他不仅仅是在阐述“怎么拍”的问题，更是在挖掘“为什么这么拍”背后的哲学和美学根基。尤其让我印象深刻的是他对蒙太奇理论的重新解读，不同于以往那种僵硬的教科书式的描述，他用大量的经典案例，结合导演个人的创作心路历程，把抽象的理论变得有血有肉。读起来就像是跟一位经验丰富的大师面对面交流，他会引导你去思考镜头语言背后的潜台词，让你明白每一个景别选择、每一次转场处理都不是偶然，而是导演意志的体现。那种层层递进的分析，让人忍不住想立刻拿起摄像机去实践一下，哪怕只是用手机拍个短片，也想试试书中提到的那些“情绪调度法”。这本书的价值在于，它把枯燥的理论转化成了一种可以操作、可以感知的艺术实践指南，对于任何想深入了解电影制作内核的人来说，都是一本不可多得的宝藏。

评分☆☆☆☆☆

说实话，刚开始有点担心这套书会过于学术化，毕竟“艺术论”三个字听起来就挺吓人，但实际阅读下来，发现作者的叙事节奏把握得非常好。他似乎非常懂得如何平衡深度与可读性。虽然涉及了很多严肃的电影史脉络和流派思想，但他的表达方式却充满了活力和洞察力。最让我感到振奋的是关于“非叙事性”表达的章节，这部分内容彻底打开了我的思路。很多时候我们习惯于从故事线索去理解电影，但作者引导我们去关注光影、色彩、声音这些“非语言”的元素是如何构建情感世界的。书中对不同文化背景下导演的风格差异也有精彩的对比分析，比如将好莱坞的强叙事结构与亚洲电影中的留白艺术进行了有趣的碰撞。这使得整套书的视野非常开阔，不仅关注技术层面，更关注文化和哲学层面对电影语言的塑造作用。这对于我这种想从更广阔的视角去理解电影创作的人来说，简直是醍醐灌顶。

评分☆☆☆☆☆

当我翻开第二册时，那种感觉就像是进入了一个更为宏大的叙事空间。如果说第一册侧重于技术和形式的拆解，那么第二册则更像是对导演心性的探讨，探讨如何在纷繁复杂的创作过程中保持自己的“作者性”。我特别欣赏作者对于“空间感”和“时间感”处理的论述，他用非常诗意的语言描述了如何通过剪辑和场面调度来操控观众的心理预期，这是我在其他任何电影书籍中都没有读到过的如此深入的剖析。举例来说，书中分析某位欧洲大师如何用一个长镜头来展现角色的内心挣扎，那种对“呼吸感”的捕捉，简直是教科书级别的示范。读完之后，我回去重看了好几部老电影，发现以前那些“跳过”的、觉得平淡无奇的片段，现在都闪烁着作者所揭示的深层意图。这本书的阅读体验是渐进式的，需要反复咀嚼，每一次重读都会有新的领悟，它不是那种读完就束之高阁的书，而是会成为你案头常备的参考手册，时不时地拿出来翻翻，总能找到新的启发。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，看完这套书，我对“导演”这个角色的理解变得更加立体和复杂。它不再是一个掌握所有技术的人，而是一个拥有强大审美判断力和道德勇气的心灵引路人。书中对导演在片场对演员进行“引导”而非“控制”的论述，让我深思。真正的艺术共创，是如何在保持自身愿景的同时，最大限度地释放合作者的潜能。作者对“片场即兴”的分析，充满了对人性的洞察，他指出，很多伟大的瞬间，都是导演与演员之间那份默契和信任产生的“化学反应”，而不是生硬的指令。这套书不仅仅是教授技巧，更是在塑造一种职业精神和人文关怀。读完后，我感觉自己仿佛完成了一次漫长而充实的修行，对电影艺术从内到外的敬畏感油然而生。它是一份值得反复研读的行业圣经，对于任何一个对影像艺术抱有严肃态度的人来说，都是一次值得的投资。