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[美] 茅为蕙 著

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• 钢琴曲讲解
• 钢琴学习方法
• 钢琴知识

出版社： 复旦大学出版社

ISBN：9787309126709

版次：1

商品编码：12060175

包装：精装

丛书名： 复旦悦读精品

开本：32开

出版时间：2017-03-01

用纸：胶版纸

页数：145

字数：77000

正文语种：中文

内容简介

　　钢琴教师是一个既特殊又神圣的行业，他们带领学生走进音乐的殿堂，享受琴声的美好，领略艺术的风采，启发智慧的潜能，建立良好的自信！
　　老师开始教，绝不等于停止学；经历的越多，问题和疑惑也会接踵而来！《钢琴教师99问》积攒了茅为蕙多年来被老师们问过的问题，并给出了自己*中肯的回答。不求同意和赏识，只求思考和探索。当问题产生的那一瞬间，其实答案已不再遥远……
　　让我们一起为我们的职业骄傲，为我们的学生喝彩，为我们的未来努力！

作者简介

　　茅为蕙，著名钢琴家，教育家，美国南加州大学音乐艺术学博士，中国儿童音乐教育领军人物，多次国际钢琴比赛金奖得主，世界上屈指可数的施坦威艺术家。

目录

观念篇
1．会“弹”是不是就意味着会“教”？
2．大学里没有学习教育专业，毕业后从事钢琴教学需要做好哪些准备？
3．从小学习钢琴表演，一心想成为演奏家，但最终以教学为业，这是不是意味着“失败”？
4．什么样的性格适合做老师？不是“孩子控”或“孩子王”，能成为优秀的钢琴启蒙教师吗？
5．集体课和一对一小课的老师，在性格、行为和教法上是否有很大区别？
6．需不需要先做陪练老师来锻炼自己？
7．去学生家教钢琴是不是一个好的选择？
8．如何挑选和了解不同的培训中心，才能找到适合自己工作的地方？
9．在自己家里教钢琴既省时又省钱，有没有不足之处呢？
10．什么样的琴童是“神童”？
11．如果遇到了一个所谓的“神童”，老师应该如何培养？侣
12．如果学生提出“换老师”，应该以什么样的心态来对待？
13．针对不同年龄的初学者，老师是否应该区别对待？
14．考级，当真是中国琴童绕不过去的坎吗？
15．老师在什么阶段可以判断出学生是否适合走钢琴专业道路？
16．什么是音乐或钢琴的“专业道路”？是不是只有以演奏为业才是“专业道路”？
17．对家长的“一定要走专业道路”或“一定不要走专业道路”这样强制的理念，老师应该如何介入？
18．有的家长对孩子学习钢琴一事不闻不问，老师是否可以怪罪？
19．是否每一个学生都需要请陪练老师？
20．如何选择最佳的钢琴启蒙教材？

实践篇
哲理篇

精彩书摘

　　《钢琴教师99问》：
　　这可能是大部分老师会碰到的误区。有些老师认为自己学了二十多年的钢琴，掌握肖邦、贝多芬、李斯特的许多名作，也能弹奏得非常熟练，教小朋友弹钢琴理所当然会非常简单、毫无压力，其实未必！会弹钢琴的人能教的只是基本的演奏方法、音符节奏、音乐理论、技术知识等；但不一定理解“心理学”的重要性，不一定懂得如何与孩子交流、理解学生的特征、体会学生不同的需求，让每个孩子真正理解音乐，爱上音乐。会弹琴的人，甚至在演奏上极有才能的钢琴家未必就是一位成功的钢琴启蒙教师。而且往往越有才能的演奏家越觉得要“教”好很困难，因为极有才能的大师不能真正理解学生的困惑和困难。所以，会弹钢琴只是可以教钢琴的基础，而非全部。老师还需要在会弹的基础上学会如何“教”，学会如何成为一名称职的钢琴教师。教钢琴远远不是教指法、教音符、教节奏这么简单，我们传授的更是艺术、文化、修养和正能量。
　　很多音乐学院（包括师范类院校在内）的课程设置都是以音乐理论和演奏乐器为主，这里的学生可能具有丰富的演奏经验和理论基础，却缺乏和琴童面对面接触的实践和经验。我认为要从事钢琴教育的大学生毕业后可以从以下几方面着手准备：第一，多观摩有经验、有耐心、有正能量和口碑良好的钢琴老师上课。儿童钢琴教学不同于大学老师专业、高水平的教学模式，自有它的独特之处。第二，多倾听不同阶段、层次和区域的琴童的演奏，在此过程中慢慢了解当今琴童的特征，了解他们的优缺点，思考如何能为琴童做得更多。第三，多看教育类、儿童心理学类理论书籍，让实践和理论相结合。第四，多与不同年龄的孩子接触与交流，哪怕是课外，这样可以更好地熟悉孩子的语言、节奏、秉性和喜好等等。所以，毕业之后除了找工作、找生源外，还要通过更多的观摩、实践、学习和交流，让自己做好各方面的准备。离开学校，真正的人生课堂学习才开始。
　　无论是中国、美国还是其他欧洲国家，当今社会并不需要太多以演奏为业的职业钢琴家。相反，因为学习钢琴的需求似乎远远大于“欣赏”钢琴的需求，钢琴教师这个职业正处于鼎盛时期，尤其是在中国。事实上，95%以上的钢琴表演专业学生毕业之后终将走上教育的道路，其中包括儿童的启蒙教育、业余钢琴教育、大学专业教育等等。如果认为从事教学就是“失败”，那么95%以上学习乐器演奏的人都是“失败”的。
　　所以，摆正心态是重中之重。为了音乐事业的延续，为了下一代中不断涌现出真正的音乐人，从事教育往往比演奏对社会的贡献更大。什么是失败，什么是成功，很难以实际工作性质来决定，重要的是这份工作为社会带来什么，为你身边的人带来什么，自己是否能从中得到巨大的满足感和成就感。尤其在当今中国，面对如此多的琴童和业余钢琴爱好者，成为一名优秀钢琴教师的神圣使命，将比成为演奏者更艰巨，且对社会影响更大。
　　总而言之，学习钢琴表演的学生走向教学，是绝对成功的表现，而非失败。前二十年所学的知识，积淀的心得、感悟，都会逐渐在教学工作中体现，没有任何曲子是白弹的，没有任何一堂钢琴课是白上的，任何知识都将化作正能量传递给下一辈的音乐人。
　　……

前言/序言

　　作为教师，我们每天都在回答各种问题。一旦被称作老师，我们似乎就应该对什么问题都能给出答案。实际上我们经历的问题越多，能给出的自信答案就越少。因为每一次我们寻觅一个句号，更多的问号会不请自来……
　　我希望这本书的最大功能，是“问”而不是“答”。同样的问题，不同的人会有不同的答案；同样的人在不同的阶段又会给出不同的答案。提出问题的目的不是寻求答案，而是在寻求答案的过程中学会分析、思考、怀疑和探索。
　　感谢这些年来全国各地的钢琴教师们能给我机会，与你们交流与切磋，你们的每一个问题都是对我的信任、对我的厚爱和对我的鼓励。也正是因为你们，我得到了不断让自己进步的机会。能有幸与你们同路、同行，是这个时代赋予我们的机遇，我无比珍惜。
　　钢琴老师，是一个让无数人羡慕的职业。我们传授音乐，传授艺术，传授情感，最主要的是我们在传授美。一定不要辜负我们的能力、我们的心血和我们的使命。美好的音乐需要美好的心灵才能领悟透彻，艺术的传承更需要来自于富有高尚情操的良师益友。我们每天都在努力，为了成为更好的学者、更好的教师和更好的人。
　　感谢上海复旦大学出版社的谢少卿编辑，你给我灵感，给我信心，这些年来你已经成了我的左膀右臂；感谢复旦大学方璐同学的整理和付出，你的聪慧和才智让我羡慕不已；感谢我的丈夫，我永远的情人……无论我有多少光环，你永远是我生命中最大的亮点；感谢我的妈妈，你的优雅、你的气质、你的坚韧和你的情怀是我永远的追求和梦想。
　　当然，还有我远在天国的父亲……我的每一句话模仿你，我的每一个思想追随你，我的每一次成功因为你，我每一天思念你。

匠心独运：探寻古典音乐的奥秘与演奏的艺术 一本关于钢琴演奏技法、音乐史深度解析与美学思考的权威指南 作者：[虚构作者名，例如：艾尔莎·冯·霍夫曼] 出版社：[虚构出版社名，例如：和声典藏] ISBN：[虚构ISBN，例如：978-1-23456-789-0] --- 导言：触及琴键的瞬间，超越指尖的对话 本书并非简单地罗列技巧口诀，亦非晦涩难懂的学院派理论堆砌。它是一场深入人类情感与音符结构之间的探险，旨在为所有对古典钢琴音乐怀有敬畏与热忱的学习者、演奏者、教育者以及鉴赏家，提供一套融汇了历史洞察、心理学分析与实践哲学的深度指引。我们聚焦于如何真正“理解”音乐，而非仅仅“复制”乐谱上的记号；如何将冰冷的黑白键转化为富含生命力的、具有独特“声音人格”的表达媒介。 全书结构严谨，分为四大核心篇章，层层递进，引导读者从基础的物理感知，上升至深邃的艺术阐释。 --- 第一篇：触键的物理学与感知的美学 (The Physics of Touch and the Aesthetics of Perception) 本篇是全书的基石，探讨了钢琴演奏中最为核心却常被忽视的环节——触键。我们摒弃了传统教学中“轻柔”或“有力”这类模糊的描述，转而采用严谨的物理学视角，结合神经科学的最新研究成果，解析手指与琴键接触的微妙过程。 1.1 触键力度的动态模型构建： 详细分析了从指尖接触琴键到音锤击弦过程中，力量传递的加速度、压力分布与持续时间。引入了“延迟爆发点”的概念，解释了如何通过控制手指的初始接触角度和肌肉纤维的预先张力，来塑造音头的清晰度与饱满度，这对于演奏巴赫复调作品中的线条分离至关重要。 1.2 声音的“颜色”与踏板的呼吸： 深入剖析了延音踏板（Sustain Pedal）的本质并非简单的“延长声音”，而是对共鸣腔体进行“声场塑形”的过程。我们探讨了不同品牌钢琴的共鸣特性，并提供了一套基于“听觉饱和度”而非固定时值的踏板控制法。此外，通过对德彪西和拉威尔作品的案例分析，阐明了“半踏”与“快速释放”如何创造出水波般流动的和声色彩。 1.3 节奏感的内在节律： 节奏不仅仅是节拍器的产物。本章考察了不同时期作曲家对“律动”（Pulsation）的理解。我们区分了“外部计时”与“内在脉搏”，并提出了“群体同步化”练习法，旨在帮助演奏者发展出能够自然地推动或减缓乐句，使其符合音乐内在逻辑的自由感，这对于诠释浪漫主义时期的抒情性至关重要。 --- 第二篇：历史语境与风格的精确还原 (Historical Context and Stylistic Fidelity) 古典音乐的魅力在于其时间性。本篇将引导读者超越乐谱，潜入作曲家所处的时代背景，理解不同音乐风格背后的社会思潮、乐器演变与演奏习惯，从而实现更具说服力的风格还原。 2.1 巴洛克时代的“装饰”与“即兴”的边界： 强调巴赫、亨德尔作品中装饰音的结构性作用，而非纯粹的点缀。深入研究了“指法标记的缺失”如何要求演奏者借鉴当时的键盘技法（如古钢琴的非平均律手感），并提供了一套基于历史文献构建的、符合逻辑的即兴华彩段的创作框架。 2.2 古典主义的清晰度与平衡的艺术： 聚焦于莫扎特与海顿的奏鸣曲结构。本章详细分析了“主导动机的清晰呈现”、“乐句的呼吸点”以及“力度记号（如sfz）在结构强调中的作用”。探讨了维也纳古典钢琴（Fortepiano）与现代三角钢琴在音色过渡上的差异，指导如何在现代乐器上重现古典时期的精致质感。 2.3 浪漫主义的个人史诗与叙事策略： 肖邦、舒曼的作品是情感的极致表达。我们探讨了如何区分“个人的内心独白”与“对听众的公开陈述”。通过对舒曼《幻想曲》中“佛罗列斯坦”与“尤瑟比乌斯”人格的深度心理分析，指导演奏者如何构建连贯的叙事线，避免情绪的无序爆发。 --- 第三篇：大型作品的结构解析与记忆策略 (Structural Analysis and Memory Architecture) 演奏大型奏鸣曲、变奏曲或赋格曲，需要强大的结构掌控力。本篇提供了一套系统化的、从宏观到微观层面的作品解构方法。 3.1 奏鸣曲式：从蓝图到建筑的工程学： 不仅分析呈示部、发展部与再现部，更侧重于“转调的逻辑”、“主题间的戏剧性冲突”以及“发展部的情感动机”。提供了一种将复杂的调性关系转化为清晰的色彩和空间图谱的分析工具，帮助演奏者在舞台上保持清晰的结构感，避免迷失在细节中。 3.2 赋格曲的线条独立性训练： 针对巴赫《平均律钢琴曲集》等作品，提出了“单线条记忆法”与“交织声部听觉分离法”。强调如何训练耳朵，使之能够在演奏A声部时，仍能清晰感知B声部和C声部的进行方向和进入时机，从而实现复调音乐的“多重意识”状态。 3.3 记忆的心理学与舞台应变： 探讨了舞台焦虑对演奏记忆的干扰机制。提出了“流程化记忆”、“情境锚定记忆”和“非线性回溯”等多种记忆巩固技术，并提供了在“遗忘发生时”如何利用音乐结构进行安全、平滑过渡的实用策略，确保演奏的完整性。 --- 第四篇：教育理念与自我完善的闭环 (Pedagogical Philosophy and the Self-Correction Loop) 本书的终极目标是培养演奏者终身学习的能力，而非依赖于某一位指导者的灌输。 4.1 “自我诊断”的技术评估框架： 设计了一套包含音准、触感、节奏稳定性、乐句完整性在内的量化自我评估表。指导学习者如何用“客观的耳朵”来审视自己的练习，识别出那些“习惯性错误”并制定针对性的纠正方案，使练习效率最大化。 4.2 练习的深度与广度： 区分了“重复性练习”（强化肌肉记忆）与“解析性练习”（理解结构关联）。详细介绍了如何针对性地处理“困难片段”，例如将复杂的段落分解为最小的节奏单位进行“节奏反转练习”，或使用不同的触键力度进行“和声内部分解练习”。 4.3 演奏的终极目标：从“完美”到“真实”： 探讨了在追求技术精湛的同时，如何保持音乐的鲜活感和不可复制性。真正的艺术成就，在于演奏者对作品的独特解读与真诚交付，而非对既有范本的僵硬模仿。本书鼓励读者建立自己的音乐语言，让每一次演奏都成为一次独一无二的、与作曲家跨越时空的对话。 --- 结语： 《匠心独运》是一部献给所有严肃对待钢琴艺术的人的案头必备之作。它要求读者投入思考，挑战既有认知，最终引领我们发现，隐藏在黑白琴键之下的，是无限广阔的音乐宇宙。它将帮助你超越指法的限制，真正成为作品的阐释者与声音的塑造者。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余的钢琴爱好者，我常常为一些基础却又难以突破的问题而苦恼。例如，我一直搞不懂为什么有时候手指会“打架”，明明大脑想的是这样，但手指却不听使唤。《钢琴教师99问》这本书，可以说是为我量身定做的。它没有使用过于专业的词汇，而是用非常生活化的语言，将那些抽象的音乐概念变得具体可感。我尤其喜欢书中关于“节奏感”的探讨，作者用了很多形象的比喻，比如把节奏比作心脏的跳动，或者行走的步伐，让我一下子就理解了节奏的重要性以及如何去培养。而且，这本书的结构设计也非常巧妙，每一个“问”都是一个独立的小章节，我可以根据自己的实际情况，选择性地阅读，随时随地获得所需的指导。我发现，通过这本书，我不仅仅是在学习钢琴技巧，更是在学习如何与自己的身体对话，如何与音乐建立更深层次的连接。它让我在练习过程中，少了很多盲目的摸索，多了一些清晰的方向。这本书的价值，远超乎一本普通的钢琴教程，它更像是一本关于音乐、关于学习、关于自我探索的心灵指南。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，钢琴学习是一个漫长而孤独的过程，很容易在技巧瓶颈期感到沮丧和迷茫。《钢琴教师99问》这本书，却像一盏明灯，照亮了我前行的道路。它没有回避那些最棘手的问题，比如“为什么我的手总是僵硬？”、“我怎样才能提高演奏的稳定性和准确性？”等等，而是用一种非常深入浅出的方式，提供了切实可行的建议。我特别欣赏书中对于“慢练”的解释，我以前认为慢练只是简单的放慢速度，但这本书让我理解了慢练的真正意义在于“听清楚每一个音”，在于“感受指尖的触感”，在于“建立声音的连贯性”。它还引导我反思自己的练习方法，是不是过于追求数量而忽略了质量，是不是总是在重复同样的错误。这本书的价值在于，它不仅提供了技术层面的指导，更重要的是，它帮助我建立了一种正确的学习心态。让我明白，每一次的练习，都是一次与乐器、与音乐的对话，而每一次的“问”，都是一次成长的契机。它让我不再畏惧困难，而是以一种更积极、更主动的态度去面对挑战。

评分☆☆☆☆☆

我必须说，《钢琴教师99问》这本书的视角非常独特，它没有像市面上大多数教材那样，将重点放在技巧的训练和乐理的讲解上，而是深入到了钢琴学习过程中那些最容易被忽视，但却至关重要的“软性”问题。书中的“问”字，恰如其分地体现了它的核心价值。它不是在告诉你“应该怎么做”，而是在引导你“思考为什么”。比如，书中有一个问题是“为什么我总是弹不好某个段落？”作者并没有直接给出技术上的解决方案，而是引导你去分析自己的心理状态、练习习惯，甚至是情绪对演奏的影响。这种“由内而外”的解题思路，让我醍醐灌顶。我一直以来都以为是手指不够灵活，或者识谱不够熟练，但这本书让我意识到，有时候问题的根源可能在于我对自己要求太苛刻，或者是在练习中缺乏耐心。它鼓励我拥抱不完美，把练习过程当作一个探索和成长的旅程，而不是一场与自己的较量。这真的改变了我对练习的态度，让我变得更加放松和投入。读完这本书，我感觉自己不再是那个被技术难题困扰的“机器”，而是开始理解音乐、理解自己，并从中获得真正的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

这本《钢琴教师99问》真是太出乎我的意料了，我原本以为它会是一本枯燥乏味的教学指南，充斥着各种理论和术语，但当我翻开第一页，就被它完全吸引住了。作者以一种非常亲切、如同与一位经验丰富的钢琴老师面对面交流的方式，将那些听起来似乎高深莫测的钢琴学习问题一一剖析。我特别喜欢书中那种循序渐进的引导，它并没有直接给出标准答案，而是鼓励读者去思考，去探索，去找到最适合自己的方法。例如，在谈到“如何处理乐句的呼吸感”时，作者没有简单地说“要在这里断开”，而是用了很多生动的比喻，比如像唱歌一样，在哪里换气，哪里是流畅的一句话，甚至还提到了不同作曲家在处理乐句时的情感倾向。这种方式让我感觉自己不只是在学习技巧，更是在学习如何“读懂”音乐。而且，书中提到的很多练习方法，都非常实用，我尝试了几种，明显感觉自己的演奏在细腻度和表现力上有了提升。这不仅仅是一本书，更像是一位良师益友，随时随地都能给我启发和指引。我强烈推荐给所有对钢琴有热情的人，无论你是初学者还是有一定基础的演奏者，都能从中获益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

说实话，在买《钢琴教师99问》之前，我有点犹豫，因为我对钢琴的了解真的不多，总觉得这种“问答”形式的书可能不太适合我。但事实证明，我的担心完全是多余的！这本书的语言风格非常接地气，没有半点故弄玄虚，就像朋友之间的聊天一样。很多时候，我会在深夜里捧着这本书，读着读着就会忍不住会心一笑。作者就像一个经验极其丰富的长者，用最简单明了的方式，解答了我们这些“后辈”在钢琴学习路上遇到的各种困惑。我印象最深的是关于“如何找到自己的弹奏风格”的章节。我一直觉得模仿大师的演奏是唯一的出路，但这本书让我明白，模仿只是一个过程，最终还是要找到属于自己的声音。它提供了一些非常有趣的练习方法，比如让你尝试用不同的情绪去演奏同一首曲子，或者想象自己是一个画家，用色彩来描绘音乐。这些方法虽然听起来有点“跑偏”，但确实能激发我对音乐的更深层次的理解，并且让我开始尝试用自己的方式去表达。这本书不仅仅是教会我如何弹钢琴，更重要的是，它教会了我如何去“听”钢琴，如何去感受音乐。