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[奥] 阿洛瓦.里格尔 著

图书标签:

• 视觉艺术
• 艺术史
• 语法
• 图像学
• 艺术理论
• 文化研究
• 艺术哲学
• 形式分析
• 符号学
• 艺术批评

出版社： 上海三联书店

ISBN：9787542660732

版次：1

商品编码：12286167

包装：精装

开本：16

出版时间：2017-11-01

用纸：胶版纸

内容简介

艺术史研究名著。本书收入奥地利艺术史家里格尔的两部身后出版的手稿。在这些手稿中，作者的研究重点在于揭示艺术风格的发展与文化史之间的深刻关系，试图将整部艺术史归结为人类“与自然竞争”的历史，而基于人类对于自然的观念的改变，这种“竞争”的形式亦随之改变，从而形成艺术发展的历史。

目录

前言阿洛瓦·里格尔，丰碑式的废墟——我们为什么还要读《视觉艺术的历史语法》
第一版1897-1898手稿

卷首语
第一部分 世界观
第一章 第一时期以形体之美改进自然的艺术
发展
高峰
衰落
第二章 第二时期通过精神之美改进自然的艺术
改进物质自然之艺术的进一步发展
拜占庭艺术
伊斯兰艺术
第二时期在西方的实际进程
意大利
自然精神化艺术在意大利的发展
十四世纪意大利的自然精神化艺术的高峰
自然精神化艺术在文艺复兴时期的衰落
日耳曼民族
日耳曼民族之中的自然精神化艺术的发展
罗马帝国后期（及拜占庭）艺术对日耳曼民族的最初影响
加洛林王朝与奥托王朝的艺术
罗马化艺术的阶段
日耳曼基督教艺术在十三和十四世纪的高峰
日耳曼基督教艺术的衰落
第三章 第三时期艺术作为短暂自然的再现
第二部分 艺术作品的要素
第四章 目的
第一时期：艺术完美自然
古埃及艺术
亚历山大大帝前的希腊艺术
亚历山大至君士坦丁大帝的古代时期
第二时期：艺术将自然精神化
第三时期：艺术为了自身而与自然竞争
第五章 图像
美化自然时期
古埃及艺术
亚历山大大帝前的希腊艺术
亚历山大大帝后的古代时期
自然精神化时期
意大利艺术
早期基督教时期
乔托阶段
文艺复兴时期
日耳曼基督教艺术
直到十二世纪的发展期
从公元476到768年的早期起源
加洛林一奥托王朝时期
罗马式时期
日耳曼基督教艺术的高峰
日耳曼基督教艺术的衰落
自1520年以来的时期
意大利
日耳曼根源的民族
第六章 形式和表面
第一时期：改进自然的艺术
埃及
亚历山大大帝前的希腊艺术
有机图像
无机图像
亚历山大大帝后的古代时期
线性透视
光和影
空间透视
第二时期：自然精神化的艺术
晚期罗马艺术的革命
有机图像
无机图像
拜占庭艺术
伊斯兰艺术
意大利艺术
罗马式阶段
乔托式艺术
文艺复兴时期
缺失结论的草稿
哥特式
意大利文艺复兴时期的建筑
巴洛克建筑

第二版1899年的讲义
导言
第一部分 世界观
第一章 第-时期三世纪前的古代神人同形多神教
古代近东的多神教
从古典多神论到希腊化时代
希腊化时期
第二章 第二时期基督教一神论，313-1520
东罗马的基督教世界观
西罗马基督教世界观及其与艺术的关系
第三章 第三时期自然科学世界观

第二部分 要素
第四章 图像和目的
多神论世界观下的古代图像
古代近东艺术
希腊人取得的古代艺术的高峰
早期的希腊艺术
古典艺术
晚期古代艺术
晚期罗马艺术
第五章 形式和表面
起源
雕像
浮雕
二维艺术（绘画，镶嵌）
建筑
希腊人的形式和表面
迈锡尼艺术
华菲奥金杯
底庇隆花瓶
古典时代
希腊化时期艺术
晚期罗马艺术
注释
插图
索引

《视觉艺术的历史语法》 一、 艺术的无声语言：构建意义的视觉体系 艺术，作为人类情感、思想与经验的载体，其表达方式的深度与广度远超单纯的具象描摹。它以视觉符号为媒介，构建起一套复杂而精密的“语法”体系，用以传递超越文字的意义。这套“语法”并非人为刻意设计，而是历史进程中，艺术家、文化、社会与科技互动演变的结果。它关乎线条的流动、色彩的张力、形体的组合、空间的营造，以及材质的肌理，每一个元素都承载着其特定的含义，并在相互作用中编织出丰富的情感与概念。 本书《视觉艺术的历史语法》旨在深入剖析这套无声语言的内在逻辑。我们并非将艺术视为孤立的美学客体，而是将其置于历史的长河中，考察不同时代、不同文化背景下的视觉表达方式是如何形成的，它们又承载了怎样的意义，以及这些意义是如何随着时间的推移而演变的。这套“语法”的理解，将帮助我们超越表面形态，触及艺术作品深层的情感共鸣与思想内涵。 二、 探寻视觉表意的脉络：从史前符号到当代实验 艺术的“语法”并非一成不变。它随着人类文明的进步，从最原始的洞穴壁画、陶器纹饰，到古埃及的象形文字式叙事，再到古希腊罗马的理想化形体，乃至中世纪宗教的象征主义，直至文艺复兴对人体与透视的科学探索，每个时期都发展出独特的视觉表达逻辑。 史前与古代的起点： 在人类早期，视觉符号往往与生存、繁衍、神灵崇拜紧密相连。那些粗犷的线条、简化的形体，传递着对自然力量的敬畏，对生命延续的祈愿。岩画上的狩猎场景，记录着先民的生活状态；器物上的几何图案，可能象征着宇宙的秩序。这些原始的视觉表意，为后世艺术的“语法”奠定了基础。 文明的曙光：秩序与神圣： 古埃及艺术中，人物造型的严谨、色彩的象征意义、构图的平行排列，无不体现着对宇宙秩序和神圣权威的追求。其视觉语言的重复性与规范性，服务于宗教仪轨与王权统治的表达。古希腊罗马艺术则转向对人体美的赞颂，追求和谐、均衡与理想化的形式。雕塑中的肌肉线条、衣袍的褶皱，都在诉说着力量、理智与美德。 中世纪的信仰之塔：象征与精神： 在欧洲中世纪，艺术的重心转向精神世界。哥特式教堂的高耸入云，彩色玻璃窗的光影变幻，都旨在引导人们的目光向上，感受神圣的庄严。圣经故事通过壁画、马赛克、插画得以呈现，人物的表情、姿态，以及各种象征性的物件，共同构建了基督教义的视觉叙事。色彩在此被赋予了强烈的象征意义：金色代表神圣，蓝色象征圣母，红色则与基督的牺牲相关。 文艺复兴的觉醒：现实与透视： 文艺复兴标志着艺术的世俗化与科学化。艺术家们开始重新审视人体解剖，探索透视法则，力图在二维平面上创造三维空间的真实感。达·芬奇的《蒙娜丽莎》中微妙的眼神与微笑，米开朗琪罗的《大卫》中饱满的肌肉力量，拉斐尔的《雅典学院》中井然有序的构图，都体现了对现实世界的精确观察与理性表达。色彩的运用也更加丰富与细腻，光影的处理也更加精湛，从而营造出更为逼真的视觉效果。 巴洛克与洛可可的繁复与细腻： 17世纪的巴洛克艺术以其宏大的场面、强烈的戏剧性、动感的线条和丰富的光影对比，展现出澎湃的情感力量。卡拉瓦乔的“明暗对比法”极大地增强了画面的戏剧张力。18世纪的洛可可艺术则转向更为轻盈、精致、装饰性的风格，色彩柔和，线条流畅，主题多为宫廷贵族的生活情趣。 新古典主义与浪漫主义的理性与情感： 18世纪末至19世纪初，新古典主义呼唤理性、秩序与崇高的道德，强调清晰的轮廓和均衡的构图。而浪漫主义则歌颂个人情感、自由、想象力与自然之美，画面充满了激情与动感。德拉克洛瓦的《自由引导人民》正是浪漫主义精神的代表。 印象派的瞬间捕捉与光影探索： 19世纪后半叶，印象派艺术家打破了学院派的传统，将目光投向日常生活，关注光线在不同时间、不同天气下的变化。莫奈对同一景物的多次描绘，如《干草堆》系列、《鲁昂大教堂》系列，便是对光影变幻的极致探索。他们运用短促、并置的笔触，将色彩的直接感受呈现在画布上，模糊了物体的轮廓，强调视觉的瞬间体验。 后印象派的理性与主观： 塞尚、梵高、高更等后印象派艺术家在继承印象派对色彩与笔触的探索基础上，更加注重表现艺术家的主观情感与理性结构。塞尚对几何形体的分析，为现代艺术的抽象化奠定了基础；梵高的强烈情感通过扭曲的笔触与奔放的色彩得以宣泄；高更则寻求原始的纯粹与象征意义。 20世纪的革命：抽象、立体、超现实： 20世纪是艺术史上的一个巨大变革时期。立体主义打破了单一视点的束缚，将物体分解并从多个角度重构，挑战了传统的空间观念。抽象艺术则彻底摆脱了具象的束缚，用纯粹的色彩、线条和形式来表达。康定斯基被誉为抽象艺术的先驱。超现实主义则深入潜意识的世界，通过梦境、幻觉、偶然的组合来揭示内在的真实。达利的作品充满了奇诡的意象和象征意义。 当代艺术的多元与跨界： 当代艺术更是呈现出前所未有的多元化与跨界性。装置艺术、行为艺术、影像艺术、概念艺术等层出不穷，艺术家们不断拓展艺术的边界，挑战传统的审美观念。对于“语法”的理解，也从对既有体系的分析，转向对新的表达方式、新的意义生成机制的探讨。 三、 艺术“语法”的构成要素：形式、内容与语境的协同 理解艺术的“语法”，需要关注其核心构成要素： 形式语言： 这是艺术作品最直观的层面。它包括： 线条： 粗细、疏密、曲直、方向，线条可以表达力量、柔美、动感、静止等多种情感。 色彩： 色相、饱和度、明度，色彩的冷暖、对比、调和，能够直接唤起观者的情感反应，传递象征意义。 形体与构图： 圆形、方形、三角形等基本形体，以及它们在画面中的排列组合，决定了视觉的平衡感、动势和节奏。古典构图强调对称与稳定，现代构图则更加灵活多变。 空间： 线性透视、空气透视、色彩透视等多种手法，构建出作品的空间感。空间的深远、狭窄、封闭、开放，影响着观者的心理感受。 肌理与材质： 绘画的笔触、雕塑的雕刻痕迹、摄影的颗粒感、装置艺术的材料质感，都在传递着独特的触感和视觉信息。 光影： 明暗对比、轮廓光、环境光，光影的运用能够塑造形体、营造氛围、引导视线。 内容与主题： 艺术作品表达的思想、情感、故事、观念。这可以是具象的描绘，也可以是抽象的意念。理解内容，需要结合作品的创作背景、艺术家意图以及文化语境。 语境： 艺术作品并非孤立存在，其意义的生成离不开语境： 历史语境： 作品所处的时代背景，社会政治、经济、文化状况，都会深刻影响艺术家的创作。 文化语境： 作品所属的文化传统、宗教信仰、哲学思想，为理解作品提供了参照系。 艺术家语境： 艺术家的个人经历、思想观念、艺术史观，是解读作品的重要线索。 接受语境： 观者自身的知识背景、情感体验、审美趣味，也会影响对作品的理解。 四、 穿越时空的对话：掌握艺术“语法”的意义 掌握视觉艺术的“语法”，并非是要将艺术僵化为一套死板的规则，而是要培养一种能够“读懂”艺术的洞察力。当我们能够辨析线条的指向，感受色彩的情绪，理解构图的逻辑，品味材质的触感，并将其置于历史与文化的宏大视野中去审视时，艺术作品将不再是沉默的图像，而是能够与我们进行深刻对话的生命体。 深化审美体验： 了解艺术的“语法”，能够帮助我们超越表面的“好看”与“不好看”，进入到对艺术作品更深层次的理解与欣赏。我们能够识别出艺术家在形式上的匠心独运，在内容上的深邃思考，以及它们如何协同作用，共同营造出震撼人心的艺术效果。 拓展认知边界： 艺术的“语法”是人类智慧的结晶，是对世界多元化理解的体现。通过学习不同时期、不同文化的艺术“语法”，我们可以接触到截然不同的思维方式和价值观念，从而拓展自身的认知边界。 理解人类文明的演进： 艺术史是人类文明史的缩影。通过艺术“语法”的变化，我们可以清晰地看到人类社会的发展脉络，技术进步对视觉表达的影响，以及不同时代人们的精神追求。 培养批判性思维： 深入理解艺术的“语法”，能够帮助我们辨析艺术作品的真实意图，抵制被动的接受，培养独立思考和批判性分析的能力。在信息爆炸的时代，这种能力尤为重要。 《视觉艺术的历史语法》不仅仅是一本关于艺术史的知识罗列，更是一本关于如何“阅读”艺术的指南。它邀请您一同踏上这场穿越时空的视觉之旅，去发现隐藏在色彩、线条、形体背后的丰富意义，去聆听那超越语言的无声叙事，最终，成为一个更懂得欣赏、理解和体悟艺术的观察者。

评分☆☆☆☆☆

这本画册的装帧设计简直是视觉的盛宴，从纸张的质感到油墨的细腻度，都透露着一股匠心。封面那种深邃的墨绿色，搭配烫金的字体，拿在手里沉甸甸的，仿佛握住了某种沉淀了时光的重量。内页的印刷工艺更是让人惊叹，那些文艺复兴时期的壁画细节，色彩的层次感和光影的处理，即便是隔着纸张也能感受到画作本身扑面而来的生命力。尤其是那些对细节的还原，连阿尔布雷希特·丢勒的线条中那种近乎神经质的精准，都能清晰地捕捉到。翻阅时，那种指尖拂过光滑或微哑表面的触感，极大地增强了阅读的仪式感。我甚至花了不少时间去研究那些跨页大图的排版布局，编排者显然对节奏感有着极高的敏感度，懂得如何让视觉信息以最自然、最流畅的方式在读者眼前展开，而不是简单地堆砌图片。这种对物质媒介的极致追求，使得这本书本身就成了一件值得收藏的艺术品，它超越了单纯的知识载体，成为了一种可以被感官全方位体验的对象。我时常把它随意放在客厅的茶几上，它不经意间散发出的那种高雅气息，总能吸引路过的人驻足摩挲，这本身就是对其设计语言最好的褒奖。

评分☆☆☆☆☆

最让我印象深刻的是这本书对于“非西方”艺术脉络的整合处理方式。它没有将非西方艺术视为西方主流体系的边缘补充或异域情调的点缀，而是将其放在一个平等的对话框架内进行审视。书中对中国宋代山水画中“留白”哲学与西方巴洛克时期追求的“充实”美学之间的结构性差异进行了深入对比分析，指出这两种看似对立的处理方式，其实都指向了对宇宙秩序的某种探求。这种跨文化的比较视野，极大地拓展了我的审美疆域。作者的论述充满了审慎的尊重，没有用任何文化优越感的语言来评判，而是试图挖掘不同文明背景下，人类对“美”和“秩序”的共同追求与独特表达。这种兼收并蓄、视野开阔的处理态度，让这本书不仅仅是一本艺术史著作，更像是一部关于人类文明共通性的探索指南，读后让人心胸豁达，对全球文化的多样性有了更深层次的敬畏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事风格，简直是文学与考据学的完美结合体，它完全抛弃了学术论文那种冷峻的腔调，转而采用了一种近乎私人的、充满激情和洞察力的散文笔调。读起来完全没有阅读负担，就像是跟随一位知识渊博、谈吐风趣的老朋友在世界各地最好的博物馆里进行私人导览。其中对某些特定艺术家的描述，简直是入木三分，比如对卡拉瓦乔作品中“黑暗”的解读，作者没有停留在技术层面上，而是深入到他生活的窘迫和精神世界的挣扎，将光影的运用提升到了道德和救赎的层面。这种带有强烈个人色彩的叙事，使得原本可能枯燥的历史事件变得鲜活、富有戏剧张力。我尤其喜欢作者在处理那些争议性话题时所展现出的那种从容不迫和幽默感，他似乎总能找到一个恰到好处的平衡点，既保持了历史的严肃性，又增添了阅读的趣味性。每一次翻开，都像是进行了一次私密的、心灵层面的对话。

评分☆☆☆☆☆

这本书在分析图像符号学的深度上，达到了一个令人难以企及的高度。它不仅仅满足于告诉我们“这是什么”，而是深入挖掘了“它为什么是这样”以及“它对后世产生了什么影响”。书中对色彩的心理学解读尤其精妙，比如探讨了某些特定颜料（如普鲁士蓝的诞生）是如何在技术层面突破，进而引发了艺术表达上的革命，甚至影响了当时的社会思潮。对于那些看似无关紧要的“配角”元素，如画框的演变、展陈方式的变化，作者也给予了充分的重视，并清晰地论证了这些外部因素如何反过来塑造了艺术作品本身的“意义”。这种全景式的、多维度交叉分析的方法，彻底颠覆了我过去对艺术史的理解。它让我意识到，艺术的“语法”远比我们想象的要复杂得多，它牵动着技术、宗教、政治、商业乃至大众心理的方方面面，这本书成功地构建了一个将所有元素编织在一起的宏大网络。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，更像是一场穿越时空的智力探险，它没有采取传统的、线性的时间轴叙事，而是用一种近乎碎片化的、高度互文性的方式来构建知识体系。比如，它会突然将十八世纪晚期的浪漫主义风景画与同期日本浮世绘中的“空”的概念并置讨论，这种跳跃性思维迫使我不断地在脑海中建立新的联结和参照系。作者似乎深谙“间接引导”的教育之道，他们很少直接给出明确的结论，而是通过精心挑选的图像组合和旁白中那些看似随性却又暗藏玄机的提问，引导读者自行去挖掘不同艺术流派背后的深层哲学关联。我特别欣赏其中关于“观看”本身的反思，书中探讨了相机发明如何重塑了我们对现实的感知，以及这种感知如何反作用于绘画的表达。这种理论探讨的深度和广度，远远超出了普通艺术史读物的范畴，它更像是一本关于“人类视觉认知史”的论著，令人读后有一种茅塞顿开却又意犹未尽的奇妙感受。

评分☆☆☆☆☆

买好书，上京东。这里啥都有，总有一本适合你！开卷有益，多读书，读好书，好书哪里有？京东样样有，活动多多，配送包裹质量正在提升，即是卖书，更要爱书，护书，做书籍的呵护者，做书籍的守护者，做知识的传递者。

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好好好好好书

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