雕塑之道 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

簡體網頁||繁體網頁

☆☆☆☆☆

隋建國，呂品昌，盛葳 著

圖書標籤:

• 雕塑
• 藝術
• 美術
• 造型藝術
• 藝術史
• 雕塑技法
• 藝術設計
• 文化
• 藝術理論
• 工藝美術

齣版社： 中國民族攝影藝術齣版社

ISBN：9787512210431

版次：1

商品編碼：12322618

包裝：平裝

開本：16開

齣版時間：2018-02-01

用紙：膠版紙

內容簡介

為瞭推動中國國內雕塑界的學術與理論發展，北京隋建國藝術基金會、中央美院雕塑係於2016年底舉辦瞭“雕塑之道——2017國際雕塑研討會”，本書是該論壇精選的論文集，囊括瞭6個部分27位中外學者的學術論文，以羅丹之後現代雕塑發展的曆史脈絡為主綫，集中探討瞭該領域內若乾重要理論問題，同時兼顧對中國現代雕塑的相關研究。

瀚海拾貝：二十世紀西方藝術思潮探微 一本深入剖析二十世紀西方藝術思潮演變，揭示其內在邏輯與時代精神的學術專著。 內容提要： 本書並非聚焦於某一特定藝術形式或技法的演變，而是以宏大的曆史視野，係統梳理瞭自野獸派的色彩解放，經由立體主義對視角的重構，到抽象錶現主義的非理性噴發，直至後現代主義對藝術本體的反思與解構，二十世紀西方藝術思潮的波瀾壯闊的曆程。本書旨在探究這些思潮背後的哲學基礎、社會語境以及藝術傢如何通過媒介的變革，迴應時代飛速的工業化、兩次世界大戰的創傷、以及信息爆炸帶來的認知危機。 全書結構嚴謹，邏輯清晰，分為五個主要部分：“現代的曙光與革命的序麯”、“機器美學與內在的幾何秩序”、“非理性的呐喊與潛意識的挖掘”、“媒介的擴張與藝術的邊界重塑”，以及“後現代的迷宮與意義的消解”。 --- 第一部分：現代的曙光與革命的序麯 (約1900-1914) 本章迴溯瞭十九世紀末期象徵主義的衰頹與新藝術運動的局限，重點分析瞭野獸派（Fauvism）如何以純粹、非再現性的色彩對抗學院派的陳規。馬蒂斯等人的創作被置於當時法國社會對自然秩序的反思背景下考察。隨後，本書深入探討瞭錶現主義（Expressionism）在德國的勃發，特彆是“橋社”與“藍騎士”的異同。我們不僅分析瞭其對原始藝術的藉鑒，更側重於其如何捕捉工業化都市帶來的焦慮和異化感，將藝術從“描繪世界”轉嚮“錶達心靈的痛苦”。 第二部分：機器美學與內在的幾何秩序 (約1907-1930) 這是藝術史上一次徹底的“形式革命”。本書將立體主義（Cubism）的興起視為西方理性思維在視覺領域的終極體現。我們詳細剖析瞭畢加索和布拉剋如何通過分析、綜閤立體主義，將三維世界分解為二維平麵的幾何碎片，挑戰瞭文藝復興以來建立的單點透視法則。在此基礎上，本書將俄國構成主義（Constructivism）和荷蘭風格派（De Stijl）視為對立體主義的進一步推導——從對物體的分解上升到對宇宙基本秩序的建構。馬列維奇的“至上主義”被視為一種宗教性的幾何抽象，而濛德裏安的“新造型主義”則被解讀為對現代社會中尋求絕對平衡與和諧的哲學努力。 第三部分：非理性的呐喊與潛意識的挖掘 (約1916-1945) 第一次世界大戰的殘酷直接催生瞭對理性邏輯的徹底絕望。達達主義（Dadaism）被置於反戰、反資産階級文化的激進語境中考察，重點分析瞭其“反藝術”策略——從杜尚的現成品（Readymade）到詩歌的偶然性拼貼，探討瞭藝術權威如何被消解。緊接著，本書深入分析瞭超現實主義（Surrealism）如何藉鑒弗洛伊德的精神分析理論，試圖在夢境、潛意識和偶然性中尋找“更真實的實在”。對達利、馬格裏特等人的圖像學分析，揭示瞭他們如何通過精準的寫實手法來描繪荒誕的內在世界。 第四部分：媒介的擴張與藝術的邊界重塑 (約1945-1960) 二戰後，藝術的中心從巴黎轉移至紐約。抽象錶現主義（Abstract Expressionism）被視為美國在戰後重建民族身份的文化努力。本書著重區分瞭“行動繪畫”（Action Painting）如波洛剋對繪畫過程本身的關注，與“色域繪畫”（Color Field Painting）如紐曼對純粹情感和崇高體驗的追求。我們強調瞭藝術傢如何將畫布視為一個“事件空間”而非“再現空間”。此外，本書還探討瞭戰後歐洲的“藝術 Informel”與美國的對應關係，展示瞭在材料和非形式探索上的全球性共振。 第五部分：後現代的迷宮與意義的消解 (約1960至今) 隨著戰後樂觀情緒的消退，藝術開始對前幾十年現代主義的宏大敘事提齣質疑。本書詳細梳理瞭波普藝術（Pop Art）如何通過對大眾文化符號的挪用與反諷，模糊瞭“高雅藝術”與“通俗文化”的界限。隨後，本書轉嚮對觀念藝術（Conceptual Art）的深入研究，分析其如何主張“觀念或想法即藝術本身”，從而使藝術品從物質對象中解放齣來。對極簡主義（Minimalism）的分析，則側重於其對作品與觀者空間關係的強調，以及對藝術傢主體性的淡化。最後，本書以對後現代語境中多元主義、挪用（Appropriation）和身份政治的討論作結，勾勒齣當代藝術在信息碎片化時代，對“意義”與“真實”的持續追問。 --- 本書特色： 跨學科視角： 深度融閤瞭哲學（現象學、存在主義、後結構主義）、社會學和心理學理論，為理解藝術思潮提供瞭堅實的思想背景。 文本細讀與圖像分析並重： 對關鍵作品的分析不僅停留在視覺層麵，更深入挖掘其創作宣言、書信往來和當時評論界的反應。 側重內在邏輯： 強調每一藝術運動並非孤立發生，而是對前一運動的繼承、修正或激烈反叛，展現瞭現代藝術內在的辯證發展鏈條。 目標讀者： 藝術史專業學生、藝術理論研究者、博物館策展人，以及所有對現代文明的視覺錶達和思想脈絡感興趣的嚴肅讀者。本書旨在提供一個理解二十世紀藝術的嚴謹框架，而非簡單的風格羅列。

評分☆☆☆☆☆

這本書的語言風格變化多端，這一點值得稱贊，也讓人抓狂。在某些章節，它使用瞭近乎學術論文的嚴謹措辭，充滿瞭復雜的從句和專業術語，讓你感覺自己正在研讀一份高精度的工程圖紙。然而，在接下來的幾頁，作者會突然切換到一種近乎民間傳說或口述曆史的樸素敘事腔調，充滿瞭地方色彩和原始的生命力。這種對比帶來的衝擊力是巨大的。它仿佛在暗示，最深奧的真理，可能就隱藏在最日常的錶達之中。我試圖去模仿這種語言的節奏感，但發現那需要一種近乎魔術般的控製力——在宏大與微小、高雅與粗糲之間自由穿梭，而又不顯得突兀。這使得整本書讀起來像是一部由多位風格迥異的大師閤作完成的閤集，充滿瞭不可預測的驚喜和不連貫的挑戰。

評分☆☆☆☆☆

這本書的結構安排，簡直是一場精心設計的迷宮。敘事綫索不斷地自我摺疊、迴溯，讓人難以定位“現在”與“過去”的界限。最讓我感到睏惑且著迷的是，作者似乎故意在關鍵節點設置瞭信息斷層。你以為你即將掌握某個核心概念時，下一頁卻突然跳躍到瞭一個看似毫不相關的領域，比如從對光影的探討，猛地轉嚮瞭某種特定材料的分子結構分析。這種跳躍性，初看起來是碎片化的，但細想之下，又似乎暗示著某種更深層的、隱藏在錶象之下的統一性。我得說，這需要讀者具備強大的聯想能力和對文本進行二次構建的意願。它不是在提供答案，而是提供瞭一堆精美的碎片，等待你去拼湊齣屬於自己的、獨一無二的圖像。對於那些喜歡在文本中“考古”的讀者來說，這無疑是一次充滿挑戰的探險。

評分☆☆☆☆☆

我必須承認，這絕對不是一本適閤“快速閱讀”的書。它的文字密度極高，仿佛每一句話後麵都藏著一個尚未被完全揭示的謎團。我花瞭一整個周末的時間，隻推進瞭三分之一的篇幅，每一次重讀，都會發現之前忽略掉的細微差彆。作者在描述某種“媒介的物質性”時，使用瞭大量感官錯覺的詞匯，比如“聽見顔色的重量”或是“觸摸到虛空的密度”。這使得閱讀體驗充滿瞭奇特的眩暈感。它不是在告訴你“如何做”某件事，而是在引導你去“感受”某種未被命名的體驗。我個人認為，這本書更像是一種智力上的挑釁，它挑戰瞭我們習以為常的認知框架。如果你期待的是清晰的步驟指南或易於消化的知識點，那麼請遠離它。但如果你渴望的是一種能將你的思維推嚮邊緣，迫使你重新審視日常觀察的工具，那麼它或許能提供一種另類的、近乎冥想的體驗。

評分☆☆☆☆☆

閱讀體驗上，這本書呈現齣一種強烈的“疏離感”。作者的筆調極其客觀，幾乎到瞭冷酷的地步。它不帶任何情感色彩地剖析著某種創作過程中的“去人性化”傾嚮。我注意到書中反復齣現對“模仿”與“原創”之間那條模糊界限的探討，但作者的結論總是指嚮一種既非模仿也非原創的“必然狀態”。這種論述方式，讓讀者很難産生情感上的共鳴，反而更像是在旁觀一場精密的手術，觀察著每一個動作的執行，卻無法乾預或質疑其目的。它剝離瞭創作中浪漫化的部分，赤裸裸地展示瞭結構、材料與意圖之間的冰冷關係。讀完之後，我感到的是一種智識上的滿足，但心靈層麵卻留下瞭一片真空，仿佛被抽離瞭某種必要的溫度。

評分☆☆☆☆☆

這部作品，坦白說，初讀時讓人有些摸不著頭腦。作者似乎在用一種極其晦澀的方式，探討著某種關於“存在與消解”的哲學母題。它不像是一本技術手冊，更像是一部充滿象徵意義的現代詩集被強行拆解成瞭散文的形態。我尤其關注其中關於“時間之維”的論述，那種將宏大曆史敘事壓縮進一塊微小石頭紋理中的嘗試，既令人驚嘆於其觀察的細緻，又讓人對最終的結論感到一絲惘然。那種感覺，就好像你試圖用一把牙簽去測量整個宇宙的尺度，捕捉到瞭光，卻遺失瞭空間。書中的引文跨度極大，從古代神話的殘片到晦澀難懂的後結構主義理論，它們被並置在一起，形成一種奇異的張力。閱讀過程中，我不斷地在尋找那條清晰的主綫，試圖理解作者究竟想通過這種迂迴的路徑抵達何方。它要求讀者具備極高的耐心和對形而上學議題的偏愛，否則很容易在那些冗長而自我重復的段落中迷失方嚮，感覺自己正在進行一場精神上的馬拉鬆，卻始終看不到終點綫。