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[美] G.布鲁斯·博耶（G.BruceBoyer） 著

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出版社： 重庆大学出版社

ISBN：9787568903097

商品编码：12329549486

出版时间：2017-03-01

作  者:(美)G.布鲁斯·博耶(G.Bruce Boyer) 著；邓悦现 译 定  价:48 出 版 社:重庆大学出版社 出版日期:2017年03月01日 页  数:294 装  帧:平装 ISBN:9787568903097 ●1 阿斯科特式领带
●2 靴子
●3 蝴蝶结领结
●4 商务着装
●5 手工艺
●6 牛仔布
●7 晨衣
●8 英国乡村宅邸着装
●9 晚礼服
●10 眼镜
●11 香水
●12 理容
●13 意大利风格
●14 常春藤风格
●15 保养
●16 格言
●17 印花混搭
●18 口袋方巾
●19 衬衫
●20 鞋―袜―长裤的搭配
●部分目录

内容简介

G.布鲁斯·博耶著，邓悦现译的《风格不朽(绅士着装的历史与守则)》是一本男装百科全书，一部男士着装风格趣味史。从书名即可看书全书的内容要点：关键词一，“绅士着装”。作者分26个章节，从头到脚，从里到外，从配饰到香水到外在风度，对称得上经典的绅士着装搭配进行了介绍。关键词二，“历史”。时尚总是瞬息万变，几个世纪以来的发展，导致男装的历史发生着革命性的变革，从华丽的宫廷服饰、扑着粉的假发头饰，发展到简洁利落的商务着装、清爽舒适的运动装束及观赏性和实用性俱佳的夹、工装裤、防风防水雨衣等，男装的演变历史是值得严肃对待的学术研究。关键词三，“守则”。这一部分作者可谓倾囊相助，把自己多年的绝学奉献给了广大读者，尤其是《格言》那一章，简直条条都是金句，都是男士着装的不二守则。例如“服装会说话。实际上它们从不沉默。如果你听不见它们，也许是因为你不是正确的听众。”关键词四，“风格”。风格是将时尚化为个性的艺等 (美)G.布鲁斯·博耶(G.Bruce Boyer) 著；邓悦现 译 G.布鲁斯·博耶，现居住于美国宾夕法尼亚州。曾在美国莫拉维亚学院学习英国文学，获得学士和硕士学位。在担任了7年英国文学教授后进入男装时尚领域，在《城里城外》（Town & Country）时尚生活杂志担任男装编辑。在他30多年的职业生涯中，曾为GQ、Esquire、Harper's Bazaar、《福布斯》杂志、《纽约时报》、《纽约客》等杂志和The Sartorialist等时装博客撰文，sartorialist街拍网站的作者之一，并为纽约时装学院博物馆的“常春藤风格”等时装展担任顾问。如今，他已经是优选男装时尚领域的人物，其经典、得体而富有历等

《不朽的乐章：跨越世纪的音乐史诗》 一部关于人类情感与声音艺术的宏大叙事 《不朽的乐章》并非一部简单的音乐史著作，而是一场跨越时空、深入灵魂的音乐之旅。它剥开了乐谱的表层，触及了那些塑造了我们集体记忆与个体情感的无形结构——声音的魅力与人类对永恒表达的渴望。本书以极富文学性的笔触，将音乐史编织成一幅波澜壮阔的画卷，而非枯燥的年代罗列。 第一部：起源的低语——原始之声与文明的萌芽 本书的开篇追溯至人类文明尚未点亮火种的远古时代。我们探讨的不是具体的作曲家，而是声音本身作为一种社会粘合剂和精神载体的起源。从部落祭祀中重复的鼓点，到早期喉音模仿自然的尝试，作者细致描摹了声音如何从混沌走向有意识的组织。 我们会深入研究古埃及的宗教仪式音乐如何影响了后世的和声观念，探究古希腊哲学中“和谐论”（Harmonics）如何将音乐提升到宇宙秩序的层面。这里的重点在于，早期的音乐是仪式、数学、信仰的混合体，它存在的目的在于连接尘世与神明，而非纯粹的审美享受。我们会着重分析那些失传的古代乐器（如里拉琴、阿乌洛斯笛）在特定文化语境中的实际用途和声音特性，力求还原其“现场感”。 第二部：中世纪的穹顶——信仰、结构与神秘主义 进入中世纪，音乐的中心转向了教会的宏伟穹顶之下。本部分聚焦于格里高利圣咏（Gregorian Chant）的单音音乐体系如何确立了西方音乐的骨架。这不是对圣咏的简单介绍，而是对其作为一种“声音建筑”的深入剖析。我们研究修道院的唱诵传统如何通过严格的旋律模式，服务于冥想和精神的提升。 随后，本书将视角转向早期的复调音乐（Polyphony）的诞生——尤其关注巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）的先驱者，如列奥宁和佩罗坦。我们解析复调是如何打破单音的禁锢，引入时间维度上的复杂交织，这标志着人类对“同时发生”的不同声音进行结构化控制的巨大飞跃。本书将这些复杂的音乐结构视为一种对上帝无限性的隐喻，探讨世俗音乐（如游吟诗人的歌曲）如何在夹缝中保持其生命力。 第三部：文艺复兴的理性之光——人本主义与声音的再发现 文艺复兴时期，音乐不再仅仅是侍奉神祇的工具，它开始成为赞美人类智慧与情感的载体。本章着重分析人本主义思潮如何渗透到音乐创作中。焦点将放在佛兰德斯作曲家群体的成熟，他们将对位法（Counterpoint）推向了逻辑与美学的完美平衡。 我们详细剖析了早期键盘乐器的发展及其对音乐织体的影响，以及“牧歌”（Madrigal）这一世俗音乐形式的兴起。牧歌的特点在于“文字描绘”（Word Painting），即音乐直接模仿歌词的意义（如高音模仿“升天”，低音模仿“沉溺”）。本书认为，这标志着作曲家首次主动要求听众从情感而非纯粹的宗教敬畏角度去理解音乐。此外，印刷术对音乐传播的革命性影响，如何使得欧洲各地的音乐语言开始趋于统一，也占据了重要的篇幅。 第四部：巴洛克的激情与秩序——情感的戏剧化表达 巴洛克时期是音乐史上最富戏剧性和装饰性的时代之一。本书将巴洛克视为一种“声音的宏大剧场”。我们将深入探讨“巴洛克技法”——如持续低音（Basso Continuo）的建立，它如同戏剧的舞台基石，支撑起上方变幻莫测的旋律线条。 重点分析“激情理论”（Doctrine of Affections）——一种试图通过特定的音乐语言（调式、节奏、速度）来唤起听众单一、强烈情感（如狂喜、悲伤、愤怒）的理论基础。我们将探讨歌剧（Opera）的诞生，它如何融合了戏剧、音乐、舞台设计，成为那个时代最全面的艺术综合体。从蒙特威尔第的早期尝试到巴赫对对位法的终极整合，本书描绘了声音如何被精确地雕刻和编排，以达到最震撼人心的效果。 第五部：古典主义的清晰轮廓——形式的优雅与普遍性 在巴洛克繁复的装饰退去之后，古典主义时期追求的是清晰、平衡与逻辑。本书将这一时期的音乐视为对启蒙运动理性精神的音乐化表达。我们不再关注个别情感的爆发，而是关注普适的人类情感秩序。 聚焦于奏鸣曲式（Sonata Form）的发展，这种结构本身就是一种辩论与和解的完美模型：呈示（提出对立）、发展（冲突与探索）、再现（回归与解决）。海顿、莫扎特和贝多芬早期的作品，如何通过对清晰结构和旋律逻辑的精妙运用，使得音乐能够被更广泛的听众理解和接受，成为衡量“好品味”的标准。本书特别强调了交响乐的成熟，它如何成为一个社会群体共同参与聆听的仪式，以及钢琴作为家庭乐器的普及，如何改变了音乐的创作和消费模式。 第六部：浪漫主义的潮汐——自我、自然与无限的向往 当个体意识在十九世纪觉醒时，音乐的边界也随之被打破。浪漫主义音乐是关于“超越”的艺术。本书探讨了“崇高”（Sublime）这一美学概念如何在音乐中体现：通过扩大管弦乐队的编制、探索更广阔的音域、以及使用更具暗示性的和声语言来表达个体内心的挣扎、对自然的敬畏和对无法言喻之物的渴望。 我们详细分析了“标题音乐”（Program Music）的兴起，如何使音乐从抽象走向叙事，以及钢琴家们如何成为音乐会舞台上的“摇滚巨星”。肖邦的内敛的诗意、李斯特的炫技与情感的爆发，以及瓦格纳对“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的追求，构成了这一时期音乐的丰富景观。本书将浪漫主义的终点视为作曲家对音乐表达极限的不断试探。 第七部：二十世纪的破碎与重构——声音的民主化与未来 进入二十世纪，音乐世界迎来了前所未有的震荡。工业革命、两次世界大战和新的科学发现，使得对“美”的传统定义彻底瓦解。本书将这一时期的音乐描述为对既有秩序的激进反叛。 我们考察了调性体系的瓦解（无调性、十二音技法），以及德彪西和拉威尔如何用印象派的手法捕捉瞬间的光影变化。随后，我们将深入探讨斯特拉文斯基的原始主义冲击，以及勋伯格的序列主义如何试图用数学的精确性来重建失序的世界。此外，本书不会忽视电子音乐、具体音乐（Musique concrète）的出现，以及爵士乐如何作为一种全新的、高度即兴的音乐语言，挑战了欧洲古典音乐的中心地位。最后的章节将探讨当代音乐家如何在数字时代，重新整合这些破碎的元素，寻找通往未来“不朽乐章”的可能性。 《不朽的乐章》旨在向读者展示：音乐不仅是流淌的时间，更是人类在不同时代、不同文化背景下，对生命意义、秩序与混乱、理性与激情的永恒对话。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，真正的“风格”是一种超越物质层面的东西，一种精神的体现。而《风格不朽》这本书，恰恰让我看到了这种精神力量。它不是一本关于“如何搭配”的书，而是一本关于“如何思考”的书。作者的叙述方式非常独特，带着一种哲学思辨的色彩，却又不失亲切感。我尤其被其中关于“时间”与“风格”关系的论述所吸引。作者指出，那些真正具有生命力的风格，都能够经受住时间的考验，它们或许会随着时代而演变，但其核心精神却始终不变。这种对“恒久”的追求，让我对生活和设计都有了新的认识。书中还探讨了不同文化背景下风格的差异与共性，让我意识到，风格并非是孤立存在的，而是与历史、文化、地理环境紧密相连的。读完这本书，我感觉自己的审美视野被极大地拓宽了，也更加懂得欣赏那些历久弥新的经典之作，并尝试在自己的生活中，去寻找和塑造属于自己的，真正“不朽”的风格。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，一开始被这本书吸引，纯粹是因为它那个极富艺术感的书名，总觉得里面一定藏着什么惊艳的秘密。而读进去之后，我发现我的预感是正确的，但这份惊艳并非来自惊心动魄的情节，而是源于一种潜移默化的启迪。作者的笔触非常细腻，像是用一把精巧的雕刻刀，一点点地勾勒出那些恒久流传的美学原则。我印象最深刻的是关于“比例”的那几章，以往我总觉得比例只是一个冰冷的数学概念，但在作者的阐释下，它变成了连接和谐与美的桥梁，从黄金分割到其他更为复杂的比率关系，都充满了数学的诗意和艺术的韵味。书中还穿插了一些历史故事，讲述了不同时代的设计师们如何在实践中探索和运用这些原则，这些故事让我觉得，那些看似抽象的美学理论，其实是活生生的智慧结晶。阅读过程中，我常常会停下来，反复琢磨书中提到的观点，然后去观察周围的世界，突然发现，原来那些让我感到舒适和愉悦的空间、物品，都暗含着某种看不见的秩序和规律。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，这本书的内容对我来说，与其说是一种阅读，不如说是一种“唤醒”。我一直觉得自己对美有着模糊的感知，但却无法清晰地表达，也无法将其有效地应用到生活中。这本书就像一位睿智的长者，循循善诱地为我揭示了美的奥秘。我特别喜欢其中关于“材质”的探讨，作者不仅仅是列举了不同的材质，而是深入分析了不同材质的特性、触感，以及它们如何影响整体的氛围和给人的感受。比如，一处温暖的木质家具，与冰冷的大理石台面，带来的情感体验是截然不同的。书中的案例，都是我生活中接触过的，但读了这本书之后，我才恍然大悟，原来那些让我产生共鸣的设计，并非偶然。它让我开始重新审视那些被我忽略的细节，比如灯光的运用，色彩的搭配，甚至是声音的质感，这些都构成了“风格”的重要组成部分。这本书让我明白，风格并非遥不可及，而是存在于我们生活的每一个角落，等待着我们去发现和创造。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就透着一股子沉静的力量，那种低饱和度的色彩搭配，仿佛瞬间将人拉入了一个充满历史厚重感的空间。翻开书页，扑面而来的文字，没有那种华丽的辞藻堆砌，也没有故作高深的理论阐述，而是以一种娓娓道来的方式，讲述着那些跨越时代的设计理念和美学追求。我尤其喜欢其中关于“少即是多”的那一部分，作者并没有简单地将其定义为极简主义，而是深入剖析了其背后的哲学思考，以及如何在实践中真正做到“少”而不失“精”，“少”而不失“神”。这让我开始重新审视自己生活中的物品，思考什么才是真正必需的，什么才是真正能带来长久愉悦的。书中的案例分析也十分到位，从建筑到家居，从服饰到艺术品，都选取了极具代表性的作品，并对其进行了细致入微的解读，让我看到了那些经典之作背后隐藏的深刻逻辑和文化根源。读完之后，仿佛在我的心中播下了一颗种子，让我开始更加注重事物的本质，追求一种更为纯粹和持久的美。

评分☆☆☆☆☆

对于一本讲“风格”的书，我原本抱持着一种观望的态度，生怕它会流于表面，变成一本教人如何“跟风”的指南。然而，《风格不朽》彻底颠覆了我的看法。它并非简单地罗列当下的流行趋势，而是带领读者去探寻风格的根源，挖掘那些经久不衰的经典元素。我特别欣赏作者对于“个人风格”的定义，它不是刻意为之的标新立异，也不是盲目模仿的堆砌，而是一种内在气质的自然流露。书中对一些标志性风格的剖析，比如“工业风”的粗犷与质朴，“北欧风”的明亮与舒适，都非常有深度，不仅仅停留在视觉层面，而是深入到其背后的文化背景、社会思潮以及人们的生活方式。我从中学会了如何去辨别真正有价值的设计，如何去理解一件物品为何能够穿越时间而依然散发魅力。这种认知上的提升，让我对美有了更深层次的理解，也让我更加清楚地认识到，真正的风格，是内在的修养和审美的沉淀，而不是外在的装饰。