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[日] 饭尾洋一著刘雨轩译 著

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出版社： 北京联合出版公司

ISBN：9787559601728

商品编码：13043677591

出版时间：2017-06-01

作  者:(日)饭尾洋一 著；刘雨轩 译 定  价:36 出 版 社:北京联合出版公司 出版日期:2017年06月01日 页  数:146 装  帧:平装 ISBN:9787559601728 ●前言
● 首先鼓起勇气去古典音乐会
●为什么要去音乐会？
●音乐会的票价是多少？
●S席是什么？票价高的席位就是好席位吗？
●与管弦乐队越近越好吗？
●各地的管弦乐队和音乐厅
●如若常去音乐会，如何进行选择
●跟谁一起去音乐会？一个人去也没关系吗？
●去音乐会之前需要预习吗？
●第二章 为了能够心情舒畅地享受音乐会
●有着装要求吗？
●音乐会迟到是NG吗？
●在音乐会上的鼓掌时机
●手机、智能手机和糖纸是烦恼的根源
●睡眠不足是大敌
●谢幕是什么？
●有返场吗？
●鼓掌以外的称赞
●工作日晚上的公演，晚餐怎么办？
●部分目录

内容简介

由日本饭尾洋一所著、刘雨轩翻译的《古典音乐说明书》一书是一本轻松易读的入门读物，为希望认识古典音乐的人打开一扇窗。全书分为七个部分，包括去听古典音乐会的准备、需要注意的细节、入门者常有的问题、管弦乐团与指挥、欣赏歌剧、音乐史、经典名曲介绍等方面。前六章通过提出并回答一系列问题，解答了有兴趣聆听而又茫然无措者常有的疑问。第七章选择了25首极受欢迎的名曲详细介绍，融入了作者个人的理解，并附有在线欣赏地址。 (日)饭尾洋一 著；刘雨轩 译 饭尾洋一，1965年生于日本金泽市。音乐编辑。名古屋大学理学部物理学科毕业后，在音乐之友的月刊杂志《唱片艺术》《音乐之友》及书籍担任编辑。自2005年，作为自由撰稿人活跃于古典乐领域的杂志、广播、音乐会节目单撰写等方面。编写书籍有《古典乐BOOK仅这一册既读又听便能10倍享受！》（三笠书房·王样文库）、《R40的古典乐作曲家在中年时如何生活，留下了怎样的名曲》（广济堂新书）等。主持古典音乐网站CLASSICA。
刘雨轩，1988年生于北京，2013年毕业于日本敬爱大学靠前学部，毕业后从事日语口译工作，业余兼职书籍翻译工作。大学期间因学院祭与古典乐结缘，学业之余曾参与学校古典乐部学习音乐等

《星辰的低语：一部关于现代作曲技法与电子音景的探索》 图书简介 在这部深入剖析当代声音艺术的著作中，我们带领读者穿越二十世纪中叶以来，音乐创作领域所经历的剧烈变革与无限可能。本书并非对既有音乐史的重复梳理，而是聚焦于那些挑战传统听觉习惯、拓宽音乐疆域的前沿领域——特别是作曲技术、电子媒介的应用，以及声学哲学的重塑。 本书的基石，建立在对“如何构建声音事件”这一核心问题的重新审视之上。我们避开对浪漫主义或巴洛克时期曲式结构的传统分析，转而深入探讨序列主义、随机性（Aleatoric Music）、微音调（Microtonality）和总体序列化（Total Serialism）等二十世纪革命性技法的内在逻辑与实践困境。 第一部分：结构与非结构——二十世纪的作曲革命 我们首先考察了二战后欧洲和美国音乐界对传统调性和和声语言的彻底决裂。这不仅仅是弃用大小调体系，而是对时间、音高、力度乃至音色本身的结构化控制。 1. 序列主义的严谨与边界： 本部分详细分析了勋伯格的十二音体系如何被布列兹（Pierre Boulez）发展为更具普适性的序列化原则，将节奏、力度、音高甚至演奏法都纳入矩阵控制。我们并非简单地罗列作品，而是剖析了其背后的数学模型和思维路径。例如，如何通过“旋转”或“交叉”序列来生成复杂却内在统一的音乐材料。这涉及对时间粒度（Temporal Granularity）的精确计算，以及如何在这种极度受控的环境中，为演奏家保留一丝“解释性空间”。我们探究了早期序列主义作品中那种冰冷、精确的美学是如何一步步让位于更具生命力的、部分随机化的结构。 2. 概率与偶然性的介入： 随后，我们将焦点转向约翰·凯奇（John Cage）及其对“非意图性”的哲学追求。本书详细阐述了易经、硬币投掷以及其他随机数生成器在音乐创作中的实际应用。但这并非单纯的“随便写写”，而是对“作者意图”的深刻质疑。我们探讨了如何设计一个允许偶然性发生的系统，使其产出的结果，即便依赖于随机，依然能被听众识别为一个“音乐事件序列”。对于乐谱的呈现方式，如平面图、图形符号或延展性指示（Indeterminate Notation），我们也进行了细致的图例分析，展示了它们如何迫使演奏者和听众参与到作品的生成过程中。 3. 音高的极限——微音调的重构： 现代作曲家如何突破半音的限制？本章着重分析了如哈里·帕奇（Harry Partch）利用复调音律（Just Intonation）和自创乐器对西方音乐体系的挑战。我们不会陷入过多的物理学论证，而是侧重于这些音程差异如何影响了听觉感知和情感投射。通过对特定乐器制造图纸和音阶模型的解析，读者可以理解这些看似微小的音高差异，如何能颠覆听者对“和谐”与“不和谐”的既有认知。 第二部分：电子媒介与声音景观的构建 本书的后半部分，完全献给声音的物理属性和电子技术如何成为作曲的全新“颜料”。我们完全规避对传统管弦乐队配器的讨论，而是专注于声音的合成、编辑与空间化。 1. 磁带音乐的诞生与早期实践： 我们考察了科隆的“电子音乐工作室”（WDR Studio）与巴黎的“具体音乐”（Musique Concrète）之间的哲学分歧与技术融合。具体音乐的“预先录制的声音对象”如何被剪辑、反转、变速和叠置，创造出一种无法在现场演奏中再现的“听觉幻象”。我们将分析早期磁带作品（如舍费尔的《音景》或斯托克豪森的早期电子作品）中，对自然界声音素材的抽象化处理过程。这涉及对录音机的操作技巧、磁带循环的构建，以及如何使用滤波器和调制器来“雕刻”声音的频谱。 2. 合成器的崛起与波表合成： 进入七十年代，模拟合成器和随后的数字合成器，为作曲家提供了前所未有的声音源。本章详细区分了电压控制（Voltage Control）的模拟合成哲学与数字合成的精确性。我们不侧重于品牌型号的介绍，而是专注于波表合成（Wavetable Synthesis）和频率调制（FM Synthesis）的原理及其在创造全新音色上的潜力。如何设计一个复杂的包络（Envelope）来模拟非音乐性的动态变化，如何利用LFO（低频振荡器）来为静态音色注入生命力，这些都是本书实践性探讨的重点。 3. 计算机音乐与实时处理（Live Electronics）： 本书的最后一部分探讨了声音与计算机接口的深度结合。从早期的傅立叶变换在音乐分析中的应用，到现代的Max/MSP或Pure Data等可视化编程环境。我们重点关注“实时电子音乐”的挑战：如何设计算法，使计算机能够在演奏过程中，即时地接收、分析（如分析音高、响度、频谱中心）并反馈处理过的声音信号。这要求作曲家同时具备声学工程师的思维和即兴演奏者的直觉。我们探讨了反馈回路、延迟网络以及对环境声音的实时采样和重构，如何共同构建出一种流动的、适应性极强的声音景观。 面向读者 本书旨在为那些对二十世纪以来音乐实践的“幕后技术”和“哲学前提”抱有强烈好奇心的学习者、作曲家、声音设计师或音乐学专业人士提供一个坚实的参照系。它要求读者具备对基础乐理的了解，但更鼓励一种开放的、对“何为音乐”持批判态度的探索精神。我们深入挖掘的是技法的内在逻辑，而非对某一历史阶段的简单概述或对某位大师的膜拜。这是一本关于如何“制造”当代声音的说明书，侧重于过程、工具与思维方式的转变。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就吸引了我，低调的配色，带有复古感的字体，散发着一种沉静而智慧的气息，让我想起那些在午后阳光下，捧着一本厚重书籍细细品读的时光。拿到书后，我迫不及待地翻开，就被书中严谨的排版和清晰的章节划分所打动。虽然我并非音乐科班出身，但作者的语言风格却异常友好，没有让人望而却步的专业术语堆砌，取而代之的是娓娓道来的叙述，仿佛一位经验丰富的老师，耐心地引导着我一步步走进古典音乐的世界。书中的配图也恰到好处，无论是乐器介绍还是作曲家肖像，都为文字增添了不少趣味和直观性。我尤其喜欢其中关于早期巴洛克时期音乐发展的篇章，那些关于复调的解释，以及对蒙特威尔第等作曲家作品的浅析，让我对那个时代的音乐有了全新的认识。更让我惊喜的是，作者并没有止步于介绍作曲家和作品，而是深入探讨了音乐在不同历史时期所承载的社会文化背景，让我能够从更广阔的视野去理解这些流传千古的旋律。这本书不像是冰冷的知识点罗列，更像是一场穿越时空的音乐之旅，让我沉浸其中，乐此不疲。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的感觉，就像是打开了一扇通往过去某个特定年代的窗户，我能真切地感受到那个时代的脉搏，以及音乐如何在其中扮演的角色。作者的叙述方式非常有感染力，他不仅仅是陈述事实，更像是把我带入到那个氛围中，让我去感受作曲家创作时的心境，去体会作品中蕴含的情感。比如，在描述莫扎特晚年创作的几部交响曲时，那种天才的灵光闪现，以及背后隐藏的对生命的思考，都通过文字淋漓尽致地展现出来。我发现自己常常在阅读某段文字时，不自觉地开始脑海中回响起相应的旋律，仿佛文字与音乐融为一体，互相辉映。这本书最让我印象深刻的是，它没有试图将所有古典音乐作品都进行细致入微的剖析，而是选择了一些具有代表性的作品，通过深入浅出的讲解，让我能够触及到它们的核心精髓。这种“少即是多”的处理方式，反而让我更容易吸收和理解，避免了信息过载的混乱感。我常常在读完一章后，会主动去搜索书中所提及的作品进行聆听，这种结合阅读与聆听的方式，让我的古典音乐欣赏体验提升了一个档次。

评分☆☆☆☆☆

初拿到这本书，我以为会是一本比较严肃的学术著作，但翻开后，我却被书中轻松自然的叙述方式所吸引。作者的语言非常有温度，他仿佛是一位多年好友，在与我分享他对古典音乐的热爱和见解。书中没有长篇大论的理论分析，更多的是一些生动的故事和形象的比喻，让我能够轻松地理解一些复杂的概念。例如，他用“建筑”来比喻交响曲的结构，用“色彩”来形容不同乐器的音色，这些巧妙的比喻让我瞬间茅塞顿开。我尤其喜欢书中关于浪漫主义时期音乐的章节，作者对于那些充满激情和戏剧性的作品的解读，让我感受到了作曲家内心澎湃的情感。这本书让我不再觉得古典音乐是高高在上、难以接近的艺术，而是变得鲜活、有趣，充满了人情味。我常常在阅读过程中，会不自觉地露出笑容，或是陷入沉思，仿佛与书中的人物和音乐一同经历着那些喜怒哀乐。这本书记在我的床头，我随时都可以翻阅，每次都能从中获得新的感悟。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的，是一种潜移默化的启迪，它让我重新审视了自己对古典音乐的理解。我原本以为自己对古典音乐已经有了一定的了解，但读了这本书后，我才发现，原来自己之前的认知还停留在非常表面的层次。作者在书中探讨了许多关于音乐创作技法和发展演变的问题，这些内容虽然专业，但被作者处理得非常通俗易懂。比如，他对奏鸣曲式的讲解，就不仅仅是罗列几个术语，而是通过一个生动的故事，让我理解了奏鸣曲式是如何在音乐中构建起戏剧性的张力。我最欣赏的是，这本书并非一本枯燥的音乐史，它更像是一本关于“听懂音乐”的手册。作者强调了理解音乐需要“用心去听”，并且提供了很多实用的方法和思路。在阅读过程中，我常常会停下来，回想之前听过的某些作品，然后对照书中的讲解，发现自己似乎真的能听出一些以前从未注意到的细节。这本书让我意识到，欣赏古典音乐，不仅仅是听它的旋律是否优美，更在于理解它背后的结构、情感和时代意义。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来的，是一种全新的音乐视角。我以前听古典音乐，总觉得有些“雾里看花”，知道它好听，但却很难说出好在哪里。读了这本书之后，我发现自己开始能够“听出门道”了。作者在书中并没有回避一些相对专业的音乐术语，但他总是会用最简单易懂的方式去解释它们，而且还会结合具体的音乐作品进行例证，让我能够触类旁通。例如，他对赋格的讲解，就让我彻底明白了这种复杂的复调音乐是如何构建的。更让我惊喜的是，这本书的视野非常开阔，它不仅仅局限于某一个时期或某一个流派，而是将古典音乐的发展脉络梳理得非常清晰。在阅读过程中，我仿佛置身于一条时间的长河中，亲眼见证着音乐是如何从古至今不断演变和创新的。这本书让我对古典音乐产生了更深的敬意，也让我对未来的音乐探索充满了期待。我发现自己现在听音乐时，不再仅仅是被动的接受者，而是开始主动地去探索、去感受、去思考。