【后浪直营】光影创作课（新版）电影摄影进阶书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[法] 邦雅曼·贝热里 著，刘欣 唐强 译

图书标签:

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店铺： 后浪出版公司官方旗舰店

出版社： 文化发展出版社

ISBN：9787514218800

商品编码：25663104054

品牌：后浪

包装：平装

丛书名： 后浪电影学院

开本：16开

出版时间：2018-04-30

用纸：铜版纸

页数：360

字数：404000

正文语种：中文

编辑推荐

《光影创作课》精选自《美国电影摄影师》杂志重磅专栏，全面记录了21位大师在USC、UCLA、NYU、La Fémis等欧美电影名校的教学现场，主讲的摄影大师包括维托里奥?斯托拉罗（《末代皇帝》《现代启示录》）、达吕斯?康第（《七宗罪》《午夜巴黎》）、拉乌尔?库塔尔（《筋疲力尽》《朱尔和吉姆》）、亨利?阿勒康（《罗马假日》《柏林苍穹下》）、乔丹?克罗嫩韦思（《银翼杀手》）、欧文?罗伊兹曼（《驱魔人》《法国贩毒网》）、维尔莫什?日格蒙德（《花村》《第三类接触》）、哈斯克尔?韦克斯勒（《灵欲春宵》《飞越疯人院》）、斯蒂芬?H?布鲁姆（《情枭的黎明》《碟中谍》）等。 

《光影创作课》一书分摄影技术基础、光源、人像、室内日景、室内夜景、后期技术和场景照明七大部分，针对不同的创作需求，模拟经典场景的照明进行了仿拍并作了深度解析。直观的布光图示、详尽的技术参数和全彩印刷的高清剧照，将方便读者在实践中理解光影的魅力和大师的奥秘。

著译者简介 

著者

邦雅曼?贝热里（Benjamin Bergery），法国资深电影记者、新媒体艺术家，一直担任《美国电影摄影师》（American Cinematographer）杂志驻欧洲高级记者和法国电影摄影师协会（AFC）的顾问。本书撰写期间在南加州大学讲授电影摄影课程，长期策划组织关于电影摄影的大师工作坊和研讨会。贝热里在电影技术和创作领域都有丰富的经历，曾从事纪录片摄影和视频剪辑，在卢卡斯影业和潘那维申公司参与过重要技术研发项目，还曾师从直接电影的代表人物理查德?利科克，之后在母校麻省理工大学讲授相关课程。更多信息请访问他的个人网站www.thefilmbook.com。

译者

刘欣，北京电影学院摄影系视觉特效方向硕士，现为自由媒体工作者。 

唐强，毕业于北京电影学院摄影系多媒体影像创作专业，现从事调色师的工作。

内容简介

这是一本值得精读的电影摄影经典教程，让你一次亲历21位光影大师的教学课堂。作者精选了发表在创刊近百年的世界专业杂志《美国电影摄影师》上的大师工作坊教学实录和深度访谈，配以现场演示时实拍的镜头画面、灯位图和详细的技术指标清单，分享了从光圈选择、光线控制、布光设计到洗印工艺等一系列环节的实用技巧。每章所邀请的主讲人既有推动技术和美学革新的艺术先行者，如库塔尔和斯托拉罗；也有掌镜好莱坞主流卖座大片的影像魔术师，如日格蒙德和康第。他们不仅亲自在摄影棚内为学生点拨场景照明的关键细节，也就《筋疲力尽》《七宗罪》《末代皇帝》等名片的重要段落做了生动的逐镜讲解，直观有效地帮助创作者在实践中提高技艺水平。 

此外，书中访谈部分还涵盖了诸位电影摄影大师的创作理念、与名导合作的宝贵经验、所拍经典作品的幕后花絮，以及对后辈同侪的真诚建议，读者可以从中得到有关影像美学、创作思维、团队合作等方面的诸多收获，领会光影大师如何创造电影之美。

电影摄影进阶：光影的叙事与控制 本书旨在为有一定基础的摄影师和影视制作人提供一套系统、深入的光影控制与叙事技巧，旨在将视觉语言提升至更高层次。它着重于理解光线如何塑造情感、引导观众注意力，并服务于故事的核心主题。本书内容不涉及任何关于“后浪直营”或特定版本标识的宣传性信息。 --- 第一部分：光线的物理学与感知心理学（基础重构） 在深入探讨复杂的布光技巧之前，本部分将建立坚实的物理学基础，并将其与人类视觉感知机制相结合。理解光线如何作用于我们的大脑，远比知道如何放置灯具更为重要。 1.1 光的本质与环境交互 色温与光谱的深度解析： 不仅仅是数字上的开尔文值，而是深入探讨不同光源光谱对皮肤色彩还原（Skin Tone Value, STV）的细微影响。分析高显色指数（CRI）光源与混合光源环境下色彩校正的实际挑战。 光的几何学与传播： 详细分析距离、角度和衰减率（Inverse Square Law）在实际片场中的应用。如何利用距离的微小变化，实现从硬光到软光的平滑过渡，并控制阴影的锐度与过渡。 反射、吸收与透射： 深入研究不同材质（金属、织物、石材）对光线的反应特性。如何利用定制化的反射板（如胶片反光布、特种磨砂板）来“雕刻”环境光，而非仅仅是“添加”光源。 1.2 视觉认知与光影心理学 明度对比度的情绪编码： 探讨高对比度（高动态范围）和低对比度（低调/高调）画面在潜意识中对观众情绪的影响。如何利用明度梯度来暗示角色的内心冲突或环境的压迫感。 视线引导与焦点照明： 基于眼动追踪研究，讲解如何利用边缘光、轮廓光或精确的聚光灯，构建视觉层级。确保观众的视线自然地被引导至叙事关键点。 色彩心理学与情绪基调： 超越基础的红、黄、蓝情感对应，深入探讨色彩的饱和度、明度与色相在特定文化背景下的复杂含义。如何通过微妙的色彩偏移（Tint Shift）来营造不安、怀旧或希望的氛围。 --- 第二部分：叙事驱动的布光设计（高级应用） 本部分将布光从技术操作提升至叙事工具层面，探讨如何在不同的场景类型中，构建富有意义的光学语言。 2.1 经典布光模式的解构与重构 三点布光的范式转移： 分析经典的三点布光（主光、补光、轮廓光）在现代电影中的局限性。着重于如何“打破”或“重塑”这三者的功能，使其更贴合角色的动机。例如，将轮廓光转变为环境反射光，使角色融入背景而非被切割出来。 高调与低调的哲学表达： 详细分析Low-Key（低调）布光在黑色电影、惊悚片中的运用，特别是对遮蔽光（Negative Fill）的精确控制。解析High-Key（高调）布光在喜剧或理想化场景中如何通过柔和的、全方位的漫射光来营造氛围，同时避免画面扁平化。 环境光与自然光的模拟： 学习如何精确模仿特定时间、特定天气条件下的自然光。包括“穿透云层的光束”（God Rays）的模拟、窗户光的几何形状控制，以及如何在室内场景中，让光源的“来源”在视觉上具有可信度。 2.2 运动与动态光效的编程 光线的运动轨迹设计： 探讨运动镜头中光线如何保持一致性。如何使用Dolly、Crane、Steadicam等运动设备时，预先计算和编程灯光的变化（如灯光师的预设调整）。 时间推移与光照过渡： 如何设计长镜头中的光照变化，以反映时间的流逝（日出、日落、室内灯光开启/关闭）。这要求对灯光组的精细控制和快速切换能力。 特效光与视觉奇观： 深入讲解如何在实景中创造如闪电、霓虹闪烁、火光跳动等动态光效，并确保这些特效光与主光和环境光的色温保持和谐。 --- 第三部分：技术整合与工作流程优化 本部分聚焦于现代电影制作流程中，摄影指导（DP）如何利用先进技术工具，实现其创意愿景。 3.1 镜头选择与光线捕捉效率 光圈、焦距与景深的联动控制： 重新审视光圈对画质（锐度、畸变、暗角）的影响，不仅仅是曝光参数。探讨广角、标准、长焦镜头在控制观众空间感和聚焦意图上的作用。 滤镜系统的深度应用： 超越基础的ND和UV镜。详细讲解不同柔光滤镜（如Pro-Mist, Black Satin）如何细微地改变画面的对比度、高光处理和皮肤的质感。分析红外滤镜在特定艺术表达中的潜在用途。 数字传感器对光的敏感性： 深入理解不同摄影机传感器（如全画幅、Super 35）的宽容度和原生ISO特性。如何根据传感器的原生性能，决定采用何种照明强度，以最大限度地保留阴影和高光细节。 3.2 现场管理与跨部门协作 与美术部门的光影整合： 摄影师如何与美术指导合作，确保场景的布景、道具的颜色和材质能最大限度地响应设计的布光方案。讨论反光物体的处理与消除。 电力预算与灯具选择的平衡： 在大型制作中，如何在保证光效质量的前提下，管理电力负荷。不同类型灯具（钨丝、HMI、LED）的优缺点和在不同片场环境下的适用性分析。 预视觉化（Pre-visualization）与灯光脚本： 介绍如何使用3D建模软件或专门的照明设计工具，在拍摄前精确模拟布光设置，并将其转化为可执行的灯光清单（Light Plot），提高现场效率。 --- 第四部分：风格化探索与案例分析 最后一部分通过分析世界著名电影的片段，展示如何将前述的理论和技术无缝地融入到成熟的视觉风格中。 大师风格的解构： 分析如罗杰·狄金斯（Roger Deakins）、维托里奥·斯托拉罗（Vittorio Storaro）等大师的作品中，光线是如何成为叙事的主要“角色”。重点分析他们如何使用体积光（Volume Light）和环境光来定义空间感。 类型片的光学语言： 针对科幻片（侧重于精确的、技术性的光源）、历史片（侧重于蜡烛、火把等低照度光源的真实感再现）和惊悚片（侧重于光线的不完整性和遮蔽）进行深入的风格化布光解析。 本书的最终目标是：让读者停止被动地“照亮”场景，转而主动地“绘制”光线，使每一束光都携带明确的叙事意图。

评分☆☆☆☆☆

这本摄影书的装帧设计着实让人眼前一亮，拿到手上就能感觉到那种沉甸甸的质感，封面采用的是哑光处理，触感细腻，光影在封面上流转的瞬间，仿佛就能预示着内容深度的不凡。书脊处的字体排版非常考究，黑白灰的经典搭配，简约而不失力量感，即便是放在书架上，也是一道亮丽的风景线。我尤其欣赏它在细节上的用心，比如内页的纸张选择，选择了那种略带米黄色的特种纸，即便是长时间阅读，眼睛也不会感到疲劳，这对于我们这种需要长时间钻研技术细节的爱好者来说，简直是福音。书本的开本设计也相当人性化，既能保证足够的阅读空间来展示那些精美的范例图片，又不会笨重到让人难以携带，方便我在不同拍摄场景中随时翻阅参考。光是翻阅这本实体书的过程，就仿佛完成了一次视觉上的仪式感，让我对即将展开的学习之旅充满了期待。它不仅仅是一本工具书，更像是一件精心打磨的艺术品，体现了出版方对知识载体的尊重与敬畏。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来对市面上那些充斥着大量空泛理论、只讲概念不给实操的“进阶”书籍感到有些审美疲劳了。但这本书的叙事方式完全打破了我的固有印象。它没有一上来就抛出一大堆晦涩难懂的术语，而是选择了一种非常“接地气”的引导方式，仿佛有一位经验丰富的前辈坐在你身旁，手把手地教你如何思考光线。书中对不同场景下，光线如何塑造情绪和结构进行了极其细致的拆解，比如它分析了清晨逆光时，如何利用柔光板来控制阴影的过渡，而不是简单地说一句“要柔和”。更妙的是，它会穿插一些作者在实际片场遇到的“翻车”经历，以及如何通过临场应变解决问题的过程，这些“失败的案例分析”比单纯的成功案例教学更有价值，它教会了我如何预见风险，如何让技术为表达服务，而不是被技术所束缚。这种深入骨髓的“实战哲学”，是很多教材里学不到的。

评分☆☆☆☆☆

作为一个长期从事视频后期制作的人士，我关注的焦点往往聚焦在后期的调色和特效上，对前期摄影的理解时常停留在基础层面。然而，这本书让我重新审视了“前期决定后期”的铁律。它用令人信服的案例展示了，一个优秀的摄影师如何通过精准的光位选择和曝光控制，为后期处理预留出最大的动态范围和色彩空间。书中对不同类型电影摄影机性能的介绍，虽然不是侧重于参数对比，但却非常精辟地指出了不同机型在“质感”上的细微差别，以及如何根据项目预算和风格需求做出最合理的选择。这种从源头上去控制画面基调的思维方式，对我后期的工作流程产生了深远的影响，让我明白了只有打好前期坚实的基础，后期的艺术创作才能真正达到游刃有余的境界。它成功地弥补了我知识结构中的一个重要短板。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版设计简直是教科书级别的“减法美学”。在信息爆炸的时代，如何有效地传递复杂信息而不造成阅读负担，是一个巨大的挑战。这本书的作者或编者显然深谙此道。每一章的结构都非常清晰，逻辑链条环环相扣，章节之间的过渡自然流畅，读起来毫无跳跃感。大量的图例和表格被巧妙地融入到文字讲解中，这些视觉辅助材料绝非简单的装饰，而是对文字内容的有力补充和印证，它们帮助我将抽象的概念具象化。我尤其欣赏它在章节末尾设置的“自检清单”或“思维导图”部分，这迫使我回顾并巩固刚刚学到的知识点，确保每一个技术要领都被扎实地吸收，而不是浅尝辄止。这种严谨的知识结构安排，让我在学习过程中始终保持专注和高效，极大地节省了我反复翻阅和梳理笔记的时间。

评分☆☆☆☆☆

我购买过不少关于色彩理论和构图原理的书籍，但大多都停留在二维平面的解析上。这本书的独特之处在于，它极其强调“空间感”和“时间维度”在影像创作中的作用。它不仅仅是告诉你“哪里是黄金分割点”，而是深入探讨了镜头语言如何引导观众的视线在画面中游走，以及快门速度如何凝固或模糊时间，从而营造出特定的叙事节奏。书中对于景深与焦点选择的讨论，更是达到了教科书级别的高度，它不再是简单地介绍F值与距离的关系，而是将其与人物情绪的凸显、环境信息的取舍紧密联系起来。阅读过程中，我经常需要停下来，拿起相机对着窗外的景象反复尝试，去体会作者所描述的“镜头前的呼吸感”。这种强调主体与环境、瞬间与永恒之间微妙平衡的讲解，极大地提升了我对影像语言的感知深度。