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店铺： 亚丁祥瑞图书专营店

出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540484255

商品编码：28687866775

丛书名： 吉他入门趣多多

欢迎光临本店铺！

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《弦音秘境：古典吉他演奏精解与音乐哲学》 一部深入探索古典吉他艺术殿堂的权威指南 【本书特点】 深度解析古典吉他技艺的精髓： 涵盖从基础持琴姿势到复杂指法的系统训练，注重细节打磨与效率提升。 权威的音乐语汇与表现力拓展： 深入剖析浪漫主义、巴洛克时期作品的演奏风格，实现技术与情感的完美融合。 丰富且罕见的曲目资源库： 甄选了巴赫、索尔、塔雷加等大师的经典练习曲与作品的修订版乐谱，并附带演奏示范指导。 系统化的音乐史与理论结合： 不仅仅是“如何弹奏”，更阐述“为何如此演奏”，构建演奏者坚实的音乐理论基础。 --- 第一章：溯源与基石——古典吉他的历史语境与形制认知 本书将带领读者超越现代流行音乐的范畴，深入探究古典吉他的漫长演进史。我们不满足于罗列年代，而是着重于分析乐器形制（从五、六弦吉他到现代标准古典吉他）的每一次关键性革新如何影响了音乐风格的产生与发展。 1.1 古典吉他的“前世今生”： 详述文艺复兴时期鲁特琴（Lute）到巴洛克吉他（Baroque Guitar）的过渡，重点分析安德烈斯·德·托雷斯（Antonio de Torres Jurado）对现代古典吉他“声箱”设计的革命性贡献。深入解析音梁结构（Bracing Patterns）对音色、投射力（Projection）和泛音丰富度的决定性影响。 1.2 精准的准备工作： 姿势是声音的起点。本章详细阐述了“西班牙式”与“法国式”两种主流持琴法的优劣，并配以高精度解剖图，指导如何调整脚凳（Footstool）或支撑架（Support Device）以达到最佳的人体工学平衡。特别强调左手虎口（Thumb Placement）与右手三角支撑在保证力度均匀和音色纯净中的微妙作用。 1.3 弦与调律的玄学： 探讨不同材质琴弦（尼龙、碳纤、复合材料）在不同气候条件下的性能表现。提供一套超越基础十二平均律的、针对特定巴洛克时期作品的“历史调律法”（Historical Temperaments）的入门讲解与实操指南。 第二章：触弦的艺术——右手拨弦技巧的精细化雕琢 右手技巧是古典吉他演奏的核心引擎。本章拒绝泛泛而谈，聚焦于音色控制（Tone Control）的微观层面。 2.1 拨弦模式的解构： 系统分类与练习PIMA（拇指、食指、中指、无名指）的独立控制。通过对“Tirando”（自由拨弦）和“Apoyando”（靠弦拨弦）的深入对比，指导学习者如何根据音乐要求，精确选择力度和触弦深度，以获得从温暖的“Ponticello”（靠近琴桥的拨弦）到柔和的“Tasto del Tasto”（靠近指板的拨弦）等多种音色。 2.2 颤音与琶音的结构力学： 深入分析塔雷加（Tárrega）颤音（Tremolo）的神经肌肉学原理，提供加速指间交替频率的渐进式练习序列，重点解决常见的手腕僵硬和指尖疲劳问题。对于复杂的琶音织体（如巴赫的赋格），则从节奏分组和手指预加载角度进行解析，确保速度提升的同时，保持清晰度（Clarity）。 2.3 节奏的精确性与弹性（Rubato）： 讨论如何在严格的节拍框架内，融入浪漫主义演奏中不可或缺的“速度的细微波动”（Rubato）。指导如何利用节拍器进行“反向训练”，即先练习极端的节奏变化，再将其平滑过渡到自然的音乐呼吸中。 第三章：左手的逻辑与和声的承载 左手不仅是按弦，更是构建和声骨架和实现连贯性的关键。 3.1 音准的校正与按弦效率： 讲解如何利用指尖的“侧面”而非正中央按弦以减少不必要的振动噪音。重点分析和弦转换（Chord Shifting）中的“预读”技巧，特别是如何利用身体的微小移动来“借力”，从而减少大跨度位移时的迟滞感。 3.2 揉弦（Vibrato）的个性化： 区分“横向揉弦”（多用于小提琴风格的延伸）和“纵向揉弦”（更贴合吉他声学特性）。指导演奏者建立自己独有的、具有情感辨识度的揉弦“签名”，避免机械化操作。 3.3 封闭把位（Barre）的持久战： 针对持续性大横按带来的手部压力，提供针对性的肌群放松与强化练习，确保在演奏高难度奏鸣曲或变奏曲时，大横按下的和弦音依然清晰饱满，无“闷音”现象。 第四章：曲目精选与风格透视 本章是本书理论应用于实践的桥梁，聚焦于不同时期、不同地域的代表性作品。 4.1 巴洛克时期的对位思维： 以巴赫（J.S. Bach）的《d小调柔板与赋格》（BWV 998/999）为例，指导如何通过音色区分主旋律、副旋律与低音声部（即“声部独立性”）。分析如何使用不同的拨弦触点，模拟出羽管键琴（Harpsichord）的颗粒感。 4.2 浪漫主义的叙事诗： 深入剖析索尔（Fernando Sor）的练习曲（Op. 35, Op. 60）背后的教学意图。讲解如何将这些技术练习，升华为具有叙事性的音乐片段，而非仅仅是枯燥的指法练习。对《阿尔罕布拉宫的回忆》中的颤音在情感表达中的作用进行细致的解读。 4.3 20世纪的色彩与探索： 介绍探戈、弗拉门戈（Flamenco）等伊比利亚半岛音乐元素对古典吉他拓展的影响。探讨诸如“击板”（Golpe）和“拨弦扫弦”（Rasgueado）等非古典技巧，在特定现代作品中如何得体地使用，丰富音乐的表达维度。 第五章：录音、演出与长期发展的规划 对于严肃的演奏者而言，舞台表现与录音呈现是检验学习成果的最终环节。 5.1 舞台表现力的构建： 从克服舞台焦虑（Stage Fright）的心理学角度切入，提供呼吸控制与身体语言的训练。讨论乐曲呈现的“呼吸点”与“眼神交流”，使演奏不再是技术的展示，而是与听众的深刻对话。 5.2 声音的记录与解析： 讲解基础的家庭录音环境搭建——麦克风的选择（电容麦克风与动圈麦克风的特性对比）、摆位对声音空间感和频率响应的影响。指导演奏者如何客观地“听待机”自己的演奏，精准定位录音中掩盖的微小瑕疵。 5.3 建立终身学习的体系： 推荐一套完整的进阶阅读书目，涵盖作曲法、和声学、管弦乐配器基础，旨在培养一位拥有“作曲家视角”的演奏家，从而对所演奏的作品拥有更深层次的理解与诠释能力。 本书承诺： 绝不提供速成秘籍，只提供通往精深技艺的清晰路径与深刻理解。它是一本献给那些愿意投入时间打磨指尖艺术，追求古典吉他演奏美学高度的严肃学习者、音乐学生及专业教师的深度参考工具书。

评分☆☆☆☆☆

这本琴谱的排版实在是让人眼前一亮，那种精心的设计感，不是随便应付的教材能比拟的。尤其是那些和弦图示，色彩的运用简直是大师级别的，一下子就抓住了我这个初学者的眼球。我一直觉得学乐器最怕的就是枯燥乏味，但这本书从打开的第一页起，就充满了活力。它没有用那种老掉牙的、密密麻麻的五线谱轰炸你，而是将复杂的乐理知识拆解成了非常形象的图形和口诀。比如，讲到琶音的指法转换时，它不是简单地给出一个数字序列，而是配上了生动的插画，仿佛那个小小的吉他指板就在眼前晃动。 书里的教程进度把握得非常好，那种循序渐进的节奏感让人很踏实。我之前买过几本号称“零基础”的书，结果第二章就开始让我爬指，完全跟不上。但这本不同，它似乎非常懂得初学者的“小心翼翼”。它会花大量篇幅在你最容易犯错的地方做“友情提示”，提醒你手型要放松，扫弦的力度要均匀。我特别喜欢它在每学完一个小节后，都会穿插一些关于吉他保养的小知识，这种润物细无声的教育方式，让我觉得这不是一本纯粹的教学资料，而更像一位经验丰富的老琴师在旁边手把手地指导。这些细节的积累，最终让我的练习效率大大提高，真的有种“豁然开朗”的感觉。

评分☆☆☆☆☆

我不得不提一下这本书的音频资源，简直是教科书级别的配套辅助！现在的教材，配套的MP3往往就是简单地弹一遍示范曲，然后就没有了。但这个资源包厉害之处在于它的“分层”设计。初级示范是清晰、慢速的，让你能听清每一个音符的咬合点。然后它紧接着会提供一个“伴奏轨”，只有鼓点和贝斯，让你自己在上面练习节奏型。最绝的是，它甚至提供了一个“只有指弹声”的音轨，可以让你对比自己的拨弦音色和专业录音的差距。这种立体化的学习体验，比单纯看文字要有效率上百倍。我光是跟着它的慢速示范，就纠正了我过去对“闷音”处理的错误，那个清脆的“哒”声，一下子就出来了。

评分☆☆☆☆☆

对于我们成年人来说，学吉他最怕的就是“自嗨式学习”，学了一堆自己根本弹不了的曲子，然后就放弃了。这本书的曲目选择非常贴合“实用”和“成就感”这两个关键词。它不是一上来就教你那些复杂的布鲁斯推弦，而是从最简单、最常用的流行和弦进行入手。它的练习曲目都是基于这些核心和弦改编的，所以你学完一个和弦按法，马上就能在曲子里应用起来，这种即时反馈带来的快乐是巨大的驱动力。我记得我学完“C大调”的指法后，第一个就能完整弹唱一首我原来超爱的民谣，那种感觉，真的比什么都值。它没有让你觉得在“学技术”，而是在“玩音乐”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸张质量也值得称赞，这对于经常需要打开查找的教材来说非常重要。我以前买的那本教材，没用几次封面就开始松动，内页也容易洇墨。但这一本，感觉用的是那种略带哑光的铜版纸，即便是用荧光笔做笔记，也不会透到下一页。而且，它采用的是180度平摊设计，这在弹奏时简直是救星！很多书摊开后，中间部分会拱起来，导致你看谱子都要费力地去按住。这本完全没有这个问题，你可以完全平放在谱架上，视线毫无阻碍地扫过教材的每一个角落，让我可以更专注于手指的动作，而不是跟书本“搏斗”。

评分☆☆☆☆☆

我最欣赏的还是它在“乐理趣味化”方面的探索。很多吉他书把乐理讲得像大学高数，让人望而生畏。但这本书处理得非常巧妙，它用了很多生活中的类比。比如讲解“调式”时，它会把不同的调式比喻成不同的“情绪开关”，C大调是“阳光明媚的午后”，而E小调则是“微带忧郁的黄昏”。这种感性的描述，比起生硬的音阶结构更容易被大脑接受和记忆。而且，它没有强迫你在初期就去记忆大量的调式名称，而是通过大量的听力练习让你“感觉”到不同音阶带来的色彩变化。这种“先感受，后归纳”的学习路径，非常适合我这种偏向直觉学习的动手型选手。