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店铺： 亚丁祥瑞图书专营店

出版社： 广西美术出版社

ISBN：9787549412839

商品编码：28689984773

丛书名： 牡丹(学一百通)

开本：8开

出版时间：2015-05-01

本套丛书详细的讲解物象的绘画技法，用通俗易懂的专业术语表达，从细节入手逐一讲解构成物象的画法，让你轻松画出属于自己的完整作品。

本套书为中国写意花鸟画技法系列丛书，该系列丛书具有技法分析详细、画法丰富、内容多样，文字介绍与图结合，用通俗易懂的专业术语表达。本书所例举的题材为牡丹，书中由牡丹花的结构解析图；牡丹花花瓣的用笔、用色、组合；花头的画法步骤图；花蕊的点法和花蕾的画法举例；各种花头的形态与分色举例；叶子画法步骤解析；枝干画法步骤解析；花、叶、枝的组合举例；不同花色的组合举例；完整的作品举例；精品欣赏等内容组成。本套系列图书作为国画技法类图书能让国画爱好者和初学者掌握多种绘画技法，是一本易学的绘画范本。

 

黄忠耿，广东揭阳市人，1945年生。自幼秉承家学，师承其父岭南画派大家黄独峰先生亲授，长期从事中国画创作及美术教育，尤擅长写意花鸟画。曾任广西艺术学院成人教育学院副院长、广西老年大学教授，广西美术家协会会员、广西书画院院士、南宁市老年书画研究会艺术顾问。

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书籍名称：【诗画江南：宋代山水画的审美意境与技法研究】 作者： 李怀民 出版社： 华夏文苑出版社 出版日期： 2023年10月 --- 内容简介： 一、 时代背景与画科嬗变：宋代山水画的黄金时代 本书深入探讨了宋代（北宋与南宋）作为中国山水画发展史上的巅峰时期的历史与文化根基。我们首先追溯了自唐代“青绿山水”到“水墨山水”的过渡，重点分析了五代十国时期荆浩、关仝、董源等巨匠如何奠定北方山水画的雄伟气象和南方山水画的温润笔墨。 宋代社会经济的繁荣、理学思想的兴起，以及文人阶层对“格物致知”的追求，为山水画的成熟提供了肥沃的土壤。本书详细梳理了这一时期宫廷画院的严谨规范与文人画的自由探索之间的张力与融合，揭示了山水画如何从单纯的“写景”上升为表达画家“胸中丘壑”的哲学载体。 二、 北宋巨匠群像：气势磅礴与法度森严 北宋是山水画技法体系确立的关键时期。本书将集中分析以“范宽、郭熙、李成”为代表的北方山水画派的艺术成就。 范宽的“全景式”构图与雨线皴法： 详细解读范宽《溪山行旅图》中对华山雄伟气势的捕捉，分析其标志性的“雨点皴”和“芝麻皴”如何表现山石的厚重感与体积感。我们不仅仅停留在技法描述，更侧重于分析这种技法背后对自然敬畏的哲学表达。 郭熙的“可行、可望、可游、可居”理论： 深入探讨郭熙在《林泉高致》中提出的山水画审美理论，这对后世山水画的章法布局产生了深远影响。通过剖析《早春图》等作品，展示其“三远法”（高远、深远、平远）的精妙运用，及其如何引导观者在二维平面上体验多维度的空间深度。 李成的“雪景”与“寒林”笔法： 关注李成如何以枯笔、淡墨描绘萧瑟的北方冬季景象，其“侧笔破墨”表现的苍茫意境，是后世文人画家学习的典范。 三、 南宋院体：精微刻画与“小景”的转向 南渡之后，山水画的审美趣味发生了明显变化，从北宋的宏大叙事转向南宋院体的精微观察与抒情表达。 马远的“边角式”构图与“一角两边”： 重点分析马远如何运用大胆的留白，将画面焦点集中于局部景物（如一角、一侧），创造出疏朗空寂、耐人寻味的意境。我们将详细研究其“斧劈皴”在表现陡峭山崖时的力度与速度。 夏圭的“拖泥带水”与写意倾向： 对比分析夏圭在水边、湖畔题材中的独特处理方式，探讨其笔法中墨色的晕染与渗透技巧，如何表达南地烟雨迷蒙、水汽氤氲的湿润感。 四、 文人山水与“意境”的提炼： 本书辟出专章讨论苏轼、米芾等文人画家对山水画的革新。 米氏云山与“时时动笔”： 阐述米芾父子“尚意”的艺术主张，解析他们如何利用“横点”、“积墨法”创造出与院体截然不同的、松弛而富有韵律感的“米氏云山”，强调山水画不再是客观再现，而是主观心性的投射。 “墨分五色”在宋代的实践： 详细考察宋代画家如何通过对墨色的控制，实现从焦、浓、重、淡、清的层次变化，表现山石的质感、水汽的流动以及空气的湿度，达到高度的写实性与抒情性的统一。 五、 技法解析与临摹导引（非临摹范本）： 本部分旨在系统梳理宋代山水画中常用的笔墨技法及其演变脉络，而非提供具体牡丹花卉的画法示范。我们将聚焦于： 1. 皴法体系的结构分析： 梳理诸如披麻皴、斧劈皴、荷叶皴等基础笔法的源流及其在宋画中的应用特点。 2. 点苔与植被的季节性表现： 研究宋代画家如何利用点苔的形态、墨色的浓淡来区分春夏秋冬的林木状态。 3. 界画的严谨性与写意性的平衡： 分析如李诫《营造法式》对建筑描绘的影响，以及宋代画家如何在自由山水中融入精确的界画元素。 六、 结语：宋画对后世的影响 总结宋代山水画在笔墨语言、审美范式和哲学内涵上对元、明、清乃至近现代中国画产生的决定性影响，论证其在中国艺术史中不可撼动的地位。 目标读者： 艺术史研究者、美术专业学生、资深国画爱好者以及对宋代美学有深度兴趣的读者。本书以严谨的学术态度和丰富的图版（涵盖高清晰度宋代原作扫描件分析）为基础，致力于提供一份全面、深入的宋代山水画研究指南。

评分☆☆☆☆☆

让我印象深刻的是这本书在材料运用上的细致入微。很多画谱会忽略掉对笔、墨、纸、砚的细微差别对最终效果的影响，但这本书详细地探讨了不同皮纸、生宣熟宣对墨色洇化效果的差异，以及如何根据你手中的笔尖的软硬来调整运笔的速度和压力。这些看似枝微末节的知识点，恰恰是区分“匠气”和“灵气”的关键所在。我个人尤其关注了其中关于“破墨法”的介绍，书里用近景放大的方式展示了墨色层层叠加后产生的微妙变化，对我理解如何营造画面的层次感和体积感帮助极大。这套书的编者显然是深谙绘画之道的行家，才能提供如此深入且贴合实际的指导。

评分☆☆☆☆☆

翻阅这本书的过程，简直是一场视觉的盛宴。大师们的作品气韵生动，笔墨淋漓酣畅，每一幅画都仿佛能呼吸一样，充满了生命力。我不是科班出身，对艺术鉴赏还停留在比较初级的阶段，但这本书的“作品欣赏”部分处理得非常巧妙。它不仅仅是简单地罗列作品，而是结合了创作背景和技法特点进行解读，让我这个门外汉也能从中领悟到一些“意境”的奥秘。特别是那些关于留白的处理，真是妙不可言，深知“计白当黑”的艺术手法在国画中的重要性。这本书的选材可以说是包罗万象，从清雅的兰竹到富贵的牡丹，几乎涵盖了花鸟画的经典题材，为我将来的创作方向提供了广阔的借鉴空间。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余爱好者，我最看重的是学习资料的系统性和持续的激励作用。这本书的整体结构安排得非常合理，从基础的单体描摹，过渡到组合写生，最后到复杂的意境表达，形成了一个完整的学习路径。它没有那种令人焦虑的“完美主义”倾向，而是鼓励读者大胆落笔，勇于尝试。在阅读过程中，我能明显感觉到作者希望传达的不仅仅是绘画技巧，更是一种对生活的热爱和对自然万物的观察。每当我感到技法上遇到瓶颈时，翻看那些大师们的范画，总能从中汲取新的灵感，仿佛又被注入了一股学习的动力。这本书更像一位耐心的良师益友，陪伴我度过每一次拿起画笔的时刻。

评分☆☆☆☆☆

这本厚厚的画册，拿到手上就感觉到分量十足，纸张的质感相当不错，拿在手里沉甸甸的，让人对里面的内容充满期待。我一直对传统花鸟画很有兴趣，但苦于找不到系统入门的教材，很多市面上的书要么过于理论化，要么就是只有光秃秃的成品图，缺乏实操的指导。这本书的排版设计非常用心，每一个步骤都配有清晰的图示和文字说明，感觉就像有位经验丰富的大师手把手在教你一样。尤其是对于初学者来说，这种分解式的教学方法简直是福音，让我不再对着那些复杂的墨色和线条感到手足无措。我特别喜欢它对用笔轻重缓急的讲解，那些看似不经意的提按顿挫，在书中都被细致地剖析出来，让人茅塞顿开。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性，真的超出了我的预期。我以前买过几本所谓的“速成”教程，结果发现大多是华而不实的噱头，练了一段时间还是原地踏步。但这一本，它真的在“实战”上下了功夫。它不是告诉你“应该怎么画”，而是展示了“我是怎么画的”。这种“过程记录”式的教学，对我理解绘画的逻辑至关重要。比如，它会展示同一个题材，不同画家采用的起稿方式和上色顺序的差异，这让我明白了艺术创作的多元性和灵活性。我尝试按照书中的某个示范步骤去临摹，虽然水平还远远达不到原作的高度，但至少我知道了如何从零开始构建一幅画的骨架和血肉，那种“原来如此”的顿悟感，非常令人兴奋。