清华大学教育培训动漫影视系列教材：动画剧本创作 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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韩笑，曾雯 编

图书标签:

• 动画剧本
• 剧本创作
• 动漫教材
• 影视教材
• 清华大学
• 教育培训
• 动画制作
• 编剧
• 影视创作
• 动漫教育

出版社： 清华大学出版社

ISBN：9787302206255

版次：1

商品编码：10399881

品牌：清华大学

包装：平装

开本：16开

出版时间：2009-10-01

页数：195

正文语种：中文

内容简介

编剧是将生活、想象和美三者结合在一起的创作者。剧本是一剧之本，决定未来影片的丽业价值和艺术魅力。它负责向未来以导演为核心的再创作者们提供影片摄制的基础——包括思想基础和艺术基础。
“动画剧本创作”是动画专业的必修课、核心课。《动画剧本创作》在电影剧作的基础上，系统地讲授动画剧作的基础理论，对动画剧本、动画人物、动画故事构思特性的思考分析，通过对经典商业动画片案例的分析，深入具体地讲授动画剧本创作的技巧。《动画剧本创作》在这方面提供了许多实战技巧，并从动画观众的心理、动画市场的需求、动画剧本创作规律等方面进行全面总结分析。
《动画剧本创作》适用于职业院校动漫专业的学生和所有有志于动画创作的学习者。

作者简介

韩笑，北京电影学院动画学院教师，中国电影家协会会员；上海美术电影制片厂动画电影《勇士》，北京电视台动画片《八仙寻宝记》，中央电视台动画片《马兰花》编剧；获26届金鸡奖、12届华表奖、23届金鹰奖等多项国家级动画大奖。
曾雯，毕业于北京电影学院导演专业，英国威斯敏斯特大学市场管理专业硕士研究生；北京电视台动画片《八仙寻宝记》、中央电视台动画片《武行者》编剧，并参与多部电视连续剧剧本创作。

目录

第1章 动画剧本概述
1.1 剧本的任务
1.1.1 一剧之本
1.1.2 剧本的组成
1.1.3 剧本的格式
1.1.4 剧本的时空结合特点
1.1.5 剧本的视听结合特点
1.2 动画的本质
1.2.1 动画的心理学基础
1.2.2 情节动画与情绪动画
1.2.3 动画如何承担教育责任
1.3 动画剧本的题目
1.3.1 题目是作品的第一印象
1.3.2 题目反映文化心理特征
1.3.3 题目获取的方式

策2章 剧本创作过程
2.1 生活的积累
2.1.1 生活体验
2.1.2 素材收集
2.2 内容的提炼
2.3 主题的升华
2.3.1 动画主题的特点
2.3.2 动画主题的要求
2.3.3 常见主题的种类

第3章 人物
3.1 人物的定义
3.2 人物的设置
3.2.1 生
3.2.2 旦
3.2.3 净
3.2.4 末
3.2.5 丑
3.3 人物的性格
3.3.1 先天（原罪）
3.3.2 后天（环境）
3.4 人物塑造
3.4.1 人物塑造的要求
3.4.2 人物塑造的方法
3.5 主人公
3.5.1 主人公类型模式
3.5.2 主人公配置特点
3.5.3 主人公必备的原则要素
3.6 配角人物
3.7 人物的出场方式
3.8 台词
3.8.1 台词的概念
3.8.2 台词写作要求

第4章 故事
4.1 结构要素
4.1.1 开端
4.1.2 发展
4.1.3 高潮
4.1.4 结局
4.2 故事的动力关系
4.3 故事模式
4.3.1 广义的故事模式分类
4.3.2 狭义故事模式36种
4.3.3 其他故事模式
4.4 矛盾冲突
4.5 情节点
4.6 动画故事题材的类型

第5章 场景
5.1 场景在影片中的作用
5.2 场景是剧本创作的主题
5.3 场景是刻画人物的手段
5.4 场景是抒情的手段
5.5 场景是建构或解决矛盾的手段
5.6 场景是影片的叙事语言
5.7 场景传达象征含义
5.8 通过剧作塑造场景空间
5.9 通过场景启发剧作

第6章 写作技巧
6.1 叙事方式
6.2 节奏与取舍
6.3 选择
6.4 审美
6.5 错位效果
6.6 偶然与必然
6.7 因果关系
6.8 真实感的塑造
6.9 噱头与铺垫
6.9.1 噱头
6.9.2 铺垫
6.10 段落安排
6.11 重复与呼应
6.12 蒙太奇

第7章 改编
7.1 改编的原则
7.2 改编的形式
7.3 改编的方法
第8章 剧本案例

精彩书摘

电影是一门时空艺术。“电影的特点就是在银幕的时间与空间中展开、造型动作、声画结合、现实主义的形象。”空间是塑造人物动作的依据，时间是展现人物动作的过程。所以运动本身含有时间和空间双重属性，而运动又是塑造时间与空间的手段。
“时间是以一种潜在的形态存在于一切空间展开的结构中。”这就是说，空间是容易感觉到的，而时间却不是，它是看不见摸不着的。但我们却可以通过空间的改变和物体的变化感觉到时间的流逝。比如光影的变化，季节天气的变化，景色服装的变化等。这种变化也就是“运动”。
在电影里，时间是空间的潜在形态，空间是时间的外在表现，运动最终使空间表现出时间。运动与时间、空间具有稳定的三角关系，它们相互依存、相互塑造、相生相克。时间随着空间的变化而流动，空间随着时间的延续而变化。电影艺术就是“时间艺术空间化，空间艺术时间化”。
电影表现的时空是一种“叙事时空”，电影的空间需要表现真实性或假定性，电影的时间需要对现实生活的时间进行压缩或延长。
电影的空间应该通过多角度、多位移、多景别的表现方式去展现。它能使人物和环境得到富有动作感的、感染力的、与众不同的表现力。所以创作者对现实空间应采取“选择”和“重组”的方式，使之在电影中具有叙事能力和刻画能力。
现代动画片由于受到电影的影响，在空间表现上愈加逼近真实，例如《恶童》（图1-1），这说明一方面由于电影的审美感染力、影响力过于强大；另一方面，观众更多的还是希望体会人物真实的状态、鲜活的生命感，这就要求空间必须真实。
空间还常常用来刻画人物内心世界或梦境幻觉等的心理空间。例如《海上钢琴师》（图1-2），当他面对陆地上的高楼大厦，内心产生了强烈的恐惧感，这时的高楼大厦不再是现代文明、都市文化、繁华世界，而是无法掌控的迷宫一般，是阴森恐怖残酷无情的怪物。“高楼大厦"带有了强烈的主观感情色彩，观众通过空间假定性处理，真实的感受到了人物的内心世界。

前言/序言

　　每一部引人人胜又能给人以视听极大享受的完美动画片，均是建立在“高艺术”与高技术”的基础上的。从故事剧本的创作到动画片中每一个镜头、每一帧画面，都必须经过精心设计。而其中表演的角色，也是由动画家“无中生有”地创造出来的。因此，才有了我们都熟知的“米老鼠”和“孙悟空”等许许多多既独特又有趣的动画形象。同时，动画的叙事需要运用视听语言来完成和体现。因此，镜头语言与蒙太奇技巧的运用，是使动画片能够清晰而充满新奇感地讲述故事所必须掌握的知识。另外，动画片中所有会动的角色，都应有各自的运动形态与规律，才能构成带给人们无穷快乐的具有别样生命感的活的“精灵”。而对于对动画的创作怀着“痴心”的朋友来说，要经过系统严谨的专业知识学习和有针对性的课题实践才能逐步掌握这门艺术。此套“清华大学教育培训动漫影视系列教材”的编写，就是基于对国内外动漫游戏相关行业对人才必须具备的专业知识与掌握的必要技术的充分的调研基础上，并特别邀请了北京相关院校、行业内及文化部、教育部的专家进行认真讨论，对此套教材的定位、内容作审定工作，集中了清华大学美术学院、北京电影学院动画学院、北京印刷学院设计艺术学院等院校的富有专业教学和实践经验的一线教师进行编写。充分体现了他们最新的教学与研究成果。
　　此套教材突出了案例分析和项目导入的教学方法与实际应用特色，并融人每一个具体的教学环节之中，将知识和实操能力合为一个有机的整体。不同的教学模块设计更方便不同程度的学习者的灵活选择，保证学以致用。当然，再好的教科书都只能对学习起到辅助的作用.如想获得真知.则需要倾注你的全部精力与心智。

动画剧本创作：构建视觉叙事的基石 导读： 剧本，是动画的灵魂，是连接创意与最终成片的桥梁。一部引人入胜的动画作品，其成功离不开扎实、富有张力的剧本。本指南深入探讨动画剧本创作的核心原理、结构逻辑与实践技巧，旨在为有志于从事动画编剧、导演或制作的专业人士，以及对动画叙事充满热情的学习者，提供一套系统、实用的创作方法论。 第一部分：理解动画叙事的本质与特点 动画叙事，有别于真人影视，它拥有无限的想象空间，但也对叙事逻辑提出了更高的要求。本部分将从基础概念入手，剖析动画媒介的独特性如何反作用于剧本的构建。 1. 动画叙事的核心要素：视觉优先 动画的优势在于“无中生有”，因此剧本的描写必须时刻指向“视觉化”。我们探讨如何通过精确的动作描述、环境渲染和角色表情变化来推动情节，而非依赖过多的对白。重点分析“Show, Don't Tell”（展示而非告知）在动画中的极致应用。 2. 动画类型与目标受众的匹配 不同的受众群体（如儿童、青少年、成人）对故事的复杂性、节奏和主题有不同的期待。本章细致区分了剧本在不同动画类型（如科幻、奇幻、日常、教育系列）中的侧重点和结构调整。例如，教育系列剧本需要平衡知识传递与娱乐性的难度。 3. 角色设计的视觉化表达 在剧本中，角色的“人设”不仅仅是文字描述，更是未来动画形态的预设。我们将研究如何通过角色的语言、行动习惯（如标志性的肢体动作或口头禅）在剧本中提前确立其视觉辨识度，并确保这些特征服务于故事冲突。 第二部分：剧本的结构蓝图：从概念到大纲 成功的剧本源于清晰的结构。本部分将引导创作者搭建从零散想法到完整故事线的骨架。 1. 创意火花的捕捉与概念的提炼 如何将一个模糊的灵感转化为一个可执行的“故事核心”（Logline）和“故事前提”（Premise）。我们将学习使用“What If”（假如）句式来测试概念的张力，并确定故事的主题哲学——即动画最终想要表达的观点。 2. 经典三幕式结构的解构与动画改编 深入分析传统三幕式结构（开端、中段、高潮与结局）在动画剧本中的应用。重点解析“激励事件”（Inciting Incident）和“第一幕转折点”（Plot Point 1）在动画中如何设计得更具爆炸性和视觉冲击力，以迅速抓住观众注意力。 3. 故事大纲（Outline）的层级构建 详细介绍如何从场景卡片（Scene Cards）到分场大纲（Beat Sheet），再到详细的剧本大纲的层级构建过程。强调在中段（第二幕）中，如何通过一系列递进的“障碍与升级”（Rising Stakes）来维持叙事的动力，避免中段疲软。 4. 角色弧光与情节线的交织 分析主线故事与副线故事（B-Story，通常是情感或人物成长的线索）的交叉点。一个优秀的动画剧本，其角色内在的成长变化必须与外部事件的推进相互印证，共同服务于主题的升华。 第三部分：场景创作的精细打磨与技术规范 剧本是技术文件，其格式与细节描述直接影响到后续的制作流程。本部分关注剧本的实际书写规范和技术层面的细节处理。 1. 格式与标注：制作语言的统一 学习行业标准的剧本格式（如Courier 12pt字体、页边距规范等）。重点讲解动画特有的场景标题、动作描述（Action）与角色对白（Dialogue）的书写规范，确保制作团队能准确理解每一个镜头的意图。 2. 动作描述的精确性与效率 动画剧本中的动作描述必须是“可被绘制的”。本章指导如何使用简洁、有力的动词来描述复杂的动作序列，尤其是在处理快速剪辑或大场面调度时，如何用文字精准地控制节奏感。 3. 对白的设计与声效的预设 动画对白需服务于视觉。分析如何写出符合角色性格、推进剧情且适合被“说出来”的台词。同时，探讨如何在剧本中预先设计关键的声音效果（SFX）提示，引导音效设计师的工作方向。 4. 镜头感与场面调度（Blocking）的预设 虽然动画师负责最终调度，但编剧需要在关键时刻暗示镜头的意图。讲解如何通过场景的“开场”与“结束”描述，来暗示镜头推近、拉远或移动的必要性，为导演和分镜师提供清晰的视觉引导。 第四部分：针对性创作技巧与常见误区规避 本部分聚焦于在实际创作中可能遇到的具体问题，并提供成熟的解决方案。 1. 节奏控制与动画时长管理 一页剧本通常对应一分钟的动画（粗略估算），但节奏的快慢决定了实际时长。学习如何通过动作密集度、对白长度和场景切换频率来精准控制单集或单幕的时长。 2. 处理无对白场景的挑战 许多动画片段依赖纯粹的视觉叙事。本章提供处理“哑戏”场景的技巧，如何通过夸张的面部表情、肢体语言和环境互动来清晰传达角色的内心状态和事件的推进。 3. 避免“信息倾泻”与“解释性对白” 动画世界观的构建需要循序渐进。指导创作者如何避免在开场段落中塞入过多的背景信息，而是通过角色的日常行为和面临的冲突自然地“泄漏”世界观信息。 4. 试写、修改与反馈的迭代过程 剧本创作是一个反复打磨的过程。介绍如何进行有效的自我审查，如何从同行或早期读者那里获取建设性的反馈，并系统性地将这些反馈融入到后续的修订版本中，直至定稿。 结语： 动画剧本创作是一门技术与艺术高度融合的学科。掌握这些结构原理和技术规范，将使创作者能够将最天马行空的想象，转化为一个结构严谨、节奏紧凑、易于制作的视觉蓝图，为最终成功的动画作品奠定坚实的基础。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对细节有偏执要求的读者，尤其是在涉及艺术创作的方法论时。这本书在处理“风格化表达”这一点上，展现出了极高的成熟度。它没有强行规定一种“最好的”风格，而是引导读者去探索自身的声音。书中有一段关于如何从“个人经历”提炼出“普适情感”的论述，讲得非常精妙。它提到了“情感的具象化表达”——如何把那种难以言喻的失落感，通过一个具体的道具、一个特定的光影效果，甚至是角色说话的停顿来呈现出来。这对于我这种过去常常陷入“空泛抒情”泥潭的作者来说，是当头棒喝。而且，书中对“受众心理”的分析也十分到位，它不是用简单的市场调研数据来搪塞，而是深入剖析了不同年龄层观众对“想象力边界”的接受度，这对于创作面向特定群体的动画项目至关重要。读完这部分，我立刻对我的下一个项目的人设和叙事节奏有了更精准的把握，感觉自己的创作视野一下子被拉宽了好几倍。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排逻辑，简直就像一位顶级导演在指导他的新秀团队。它没有按照传统的“是什么、为什么、怎么做”的枯燥顺序，而是巧妙地将理论融入到创作的实际步骤中。我最欣赏它对“世界观构建”这一部分的论述。在很多教材中，世界观往往被放在开篇，作为基础知识介绍，但这本书反其道而行之，它是在角色动机和核心冲突确立之后，才引导你去完善世界观，让你明白世界观必须服务于故事和角色，而不是反过来。这种“以终为始”的教学法，极大地提高了学习效率。我感觉自己不再是被动接受知识，而是在主动构建一个完整的创作体系。此外，书中穿插的“创作自查清单”，简直是救命稻草。每当写完一个阶段，我拿出清单比对一下，总能发现自己忽略掉的逻辑漏洞或者情感断层。这种即时反馈和自我修正的能力，是任何课堂教学都无法替代的。这本书读下来，最大的感受就是：它教的不是“如何写一个剧本”，而是“如何像一个成熟的动画编剧一样思考”。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来对手册类的教材都有点抗拒，总觉得会枯燥乏味，但《动画剧本创作》这本书完全打破了我的刻板印象。它的行文风格极其鲜活，充满了动画行业的“烟火气”。作者似乎深谙动画制作流程中的痛点，所以他们提供的每一个建议都紧密贴合动画制作的实际需求，而不是停留在纸面上的文学创作。比如，书中对“分镜头脚本”与“文字剧本”之间衔接的探讨，简直是动画师和编剧之间的“沟通桥梁”。它没有简单地说“要互相配合”，而是给出了具体的格式要求、信息传递的侧重点，甚至连如何标注镜头运动和情绪点都做了详尽的说明。我立刻拿书里教的方法去修改我手上的一个短片剧本，效果立竿见影，制片人都说这次的文本清晰度提高了不止一个档次。更让我觉得专业的是，它对“时长控制”和“视觉语言密度”的分析，这在其他剧本书中是很少涉及的深度。它教会你如何用最经济的镜头语言，表达最丰富的情感内涵，这种“为动画而写”的思维方式，是这本书最宝贵的财富。

评分☆☆☆☆☆

这本书的厚度看似可观，但每一页都充满了沉甸甸的干货，没有丝毫的注水成分。我特别喜欢它在处理“动画特定的叙事节奏”时所采用的对比分析法。它会拿一个优秀的动画片段，然后对照着分析其节奏的起伏、信息点的密度，以及观众的注意力焦点是如何被引导的。这种“拆解分析”的过程，比单纯看一堆理论公式要有效得多。比如，它对“笑点设置”的讲解，就深入到了节奏的微秒控制，以及如何通过视觉上的“夸张变形”来强化语言的幽默感，而不是简单地堆砌段子。对我这个有强迫症的读者来说，最赞的是它的参考文献和推荐阅读列表，那份列表简直就是一张通往更高阶动画理论的藏宝图，很多都是国内罕见的专业书籍或论文。总而言之，这本书的价值远超一个简单的教材范畴，它更像是一份经过时间检验的、系统的、高度实用的“动画剧本创作工作手册”，能陪你度过从新手到专业人士的每一个关键瓶颈期。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是为我这种半路出家、想在动画领域深耕的人量身定做的！从翻开第一页开始，我就感觉自己像被一个经验丰富的老前辈拉着手，一步步走进了剧本创作的殿堂。它不是那种空泛地讲理论，而是直接把实战中的技巧掰开了揉碎了教你。比如，它对“冲突设计”的讲解，简直是醍醐灌顶。我以前总觉得冲突就是角色吵架，但这本书里，它把冲突细化到了潜意识层面、环境层面，甚至不同价值观之间的微妙碰撞。书中提供的案例分析非常到位，每一个案例都像是把一个经典动画的“骨架”拆开给你看，让你明白为什么那个情节能抓住人心。更让我惊喜的是，它对“三幕剧结构”的阐述，完全颠覆了我之前那种僵硬的理解。它强调的是适应性，而不是死板的套用，这一点对于那些想做一些非线性叙事的创作者来说，简直是福音。我特别喜欢它在讲解“角色弧光”那一章时，那种循序渐进的引导，不是直接告诉你角色要怎么变，而是通过一系列的问题，让你自己去挖掘角色的内在驱动力。读完之后，我感觉自己对“讲故事”这件事，有了一种全新的、更成熟的敬畏感和掌控感。

评分☆☆☆☆☆

入门级很好的教材。。。。。。。。。。。

评分☆☆☆☆☆

《动画剧本创作》适用于职业院校动漫专业的学生和所有有志于动画创作的学习者。

评分☆☆☆☆☆

还没看完哦，感觉应该还可以吧

评分☆☆☆☆☆

入门级很好的教材。。。。。。。。。。。

评分☆☆☆☆☆

适用于职业院校动漫专业的学生和所有有志于动画创作的学习者

评分☆☆☆☆☆

整体不错，就是内容有点杂乱，经常扯到电影上去。不过作为编剧基础教程还是合格，

评分☆☆☆☆☆

整体不错，就是内容有点杂乱，经常扯到电影上去。不过作为编剧基础教程还是合格，

评分☆☆☆☆☆

还没看完哦，感觉应该还可以吧

评分☆☆☆☆☆

还没看完哦，感觉应该还可以吧