国际经典动漫设计教程—动画前期：剧本编创与分镜头设计 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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赵莹 著

图书标签:

• 动漫设计
• 动画制作
• 剧本创作
• 分镜头设计
• 动画前期
• 经典教程
• 动漫教程
• 动画理论
• 影视制作
• 动漫艺术

出版社： 中国青年出版社

ISBN：9787515306209

版次：1

商品编码：10970474

包装：平装

开本：16开

出版时间：2012-05-01

用纸：胶版纸

页数：200

正文语种：中文

编辑推荐

　　

　　剧本编创是动画专业学生的必修课，目前市面上的剧本编创书籍理论冗长、太过单调，学生在深入理解和灵活运用方面具备一定的困难。
　　《国际经典动漫设计教程—动画前期：剧本编创与分镜头设计》将“剧本编创”和“以图说文”的“分镜头脚本绘制”放在一起讲解，既适应了“读图时代”的要求，又加深了学生对基本概念的理解。书中将动画影片制作过程中的两大环节紧密结合，加深学生对环节衔接的掌握。除了动画影片之外，“剧本+分镜”的模式也被广泛应用于商业广告领域，学生在整体掌握了这方面的知识后，可以极大拓宽就业领域。

内容简介

　　《国际经典动漫设计教程—动画前期：剧本编创与分镜头设计》有针对性地讲解了动画前期中的剧本编创和分镜头脚本设计这两个环节的制作方法与技巧，在结构方面，按照概述、具体制作步骤的顺序行文，通俗易懂。每一章节既讲解分析经典惯用的制作法则，也包含作者经验积累整理得出的小知识点、注意事项以及解决问题的小窍门，并提供大量正面和反面的生动案例，以达到深入浅出地讲述知识点的目的。

精彩书评

　　★提炼了“剧本编创”和“分镜头制作”的精华
　　——读者评论

　　★直接讲授“最能引导观众视线的构图方法”
　　——读者评论

　　★首次披露“电子故事板”制作秘籍
　　——读者评论

目录

Chapter 01 动画片的工作流程简述
● 1.1 策划
● 1.2 创作和制作
1.2.1 前期创作
1.2.2 中期制作
1.2.3 后期制作
● 1.3 传播

Chapter 02 动画编剧概述
● 2.1 剧本的写作特点
● 2.2 动画特性与编剧的动画思维
2.2.1 变形
2.2.2 表现无形的事物
2.2.3 拟人化.
2.2.4 夸张
2.2.5 对时间和空间的特殊处理
● 2.3 动画剧本的格式
● 2.4 动画剧本的创作步骤

Chapter 03 素材收集与灵感激发
● 3.1 素材与题材
● 3.2 如何收集素材
3.2.1 学会观察生活
3.2.2 尝试记录自己的梦
3.2.3 来自媒体
3.2.4 来自草图
3.2.5 采访和资料搜集.
3.2.6 已有的故事
● 3.3 素材处理与灵感激发
3.3.1 提炼.
3.3.2 展开
3.3.3 启发
3.3.4 改编

Chapter 04 剧本的立意
● 4.1 动画剧本的视角
● 4.2 动画剧本的主题
● 4.3 如何拥有新颖的立意

Chapter 05 角色塑造
● 5.1 成功的动画角色需要具备什么条件
● 5.2 着手构思：建立人物档案
● 5.3 动画角色的时代特征
● 5.4 具有识别性的设定——动画角色的形象塑造
● 5.5 鲜活的灵魂——动画角色的性格塑造
5.5.1 类型化与个性化
5.5.2 角色弧线
● 5.6 创造令人信服的角色
5.6.1 让性格决定命运
5.6.2 合理的动机
5.6.3 缺点的魅力
● 5.7 主角与配角——人物关系设置
5.7.1 人物分类
5.7.2 人物关系设置的要素
5.7.3 传统戏剧结构中的人物关系

Chapter 06 情节与结构
● 6.1 情节与情节线
● 6.2 情节设计的要素
6.2.1 戏剧性情节
6.2.2 非戏剧性情节
● 6.3 情节的组织安排——结构
6.3.1 传统戏剧式结构
6.3.2 非戏剧式结构

Chapter 07 剧本中的台词
● 7.1 对白
7.1.1 对白的主要作用
7.1.2 对白的设计要求
● 7.2 旁白
7.2.1 旁白的主要作用
7.2.2 旁白的设计要求
● 7.3 独白
● 7.4 台词风格

Chapter 08 动画分镜概述
● 8.1 分镜头台本与电子分镜
● 8.2 动画分镜与实拍电影分镜
● 8.3 动画分镜与连环画

Chapter 09 动画分镜的画面设计
● 9.1 绘制分镜的材料
9.1.1 分镜纸
9.1.2 笔
● 9.2 分镜画面的构图
9.2.1 构图的要素
9.2.2 几种常用的构图方式.
9.2.3 应当避免的构图
9.2.4 如何引导观众的视线.
● 9.3 镜头的角度
9.3.1 鸟瞰角度
9.3.2 俯视角度
9.3.3 水平角度
9.3.4 仰视角度
9.3.5 倾斜角度
● 9.4 景别
9.4.1 远景
9.4.2 全景
9.4.3 中景
9.4.4 近景
9.4.5 特写
● 9.5 展示，而非讲述：镜头画面的内容安排
● 9.6 分镜中的场景
● 9.7 色彩的运用
● 9.8 分镜画面中的辅助符号

Chapter 10 镜头的组接
● 10.1 镜头间的关系
10.1.1 镜头组接要具备逻辑性
10.1.2 连续构成和对列构成
● 10.2 景别的衔接
● 10.3 机位与轴线
10.3.1 轴线规律
10.3.2 如何合理地“越轴”
● 10.4 镜头的组接技术
10.4.1 切换
10.4.2 特效组接
● 10.5 镜头的时间长度
10.5.1 镜头的叙述长度.
10.5.2 镜头的情绪长度
10.5.3 镜头的节奏长度
● 10.6 把握镜头的节奏
10.6.1 如何调控节奏
10.6.2 做到“张弛有度”

Chapter 11 分镜中的角色表演
● 11.1 清晰
● 11.2 个性化
● 11.3 统一
● 11.4 避免“只动嘴的脑袋”
● 11.5 细节的重量

附录A 动画分镜头台本常用术语

附录B 使用Flash软件制作动画电子分镜的方法
● B.1 创建舞台尺寸
● B.2 设置帧速率
● B.3 导入静态分镜图
● B.4 使用Flash绘制分镜图
● B.5 编辑分镜的播放速度
● B.6 模拟镜头运动
B.6.1 推拉镜头
B.6.2 摇移镜头
● B.7 模拟特效
B.7.1 叠化
B.7.2 淡入淡出
B.7.3 闪白
● B.8 配音
● B.9 输出

精彩书摘

　　动画片的创作和制作阶段又可分为前期创作、中期制作、后期制作三个阶段。不同工艺的动画（如二维动画、三维动画、偶动画等）在具体的制作步骤上也有所不同。这些不同之处主要体现在动画片的中期制作阶段。例如三维动画的中期制作主要包括角色建模、场景建模、道具建模、控制系统设置、材质贴图、灯光设置、角色动画制作、特效制作、渲染等步骤，而偶动画的中期制作则主要包括骨骼制作、角色模型、道具模型、场景搭建、灯光设置、逐格动画拍摄等步骤。动画片的前期创作——素材收集、剧本编创、角色设计、场景设计、分镜头设计等，是任何一种工艺的动画都必不可少的步骤。它们决定了一部动画片的内容、美术风格、叙事方式，是中期制作和后期制作的依据。
　　动画片制作完成后，首先可以举办试映会，邀请诸如媒体圈、娱乐圈、艺术圈等相关人士前来观赏，通过试映检视是否有需要修改的地方，同时起到宣传的效果。正式播映之前的宣传也很重要。宣传手法有很多，比如通过网站、杂志等媒体发布广告、在电视上播出预告片、举办相关活动等。接下来就进入播映发售阶段，联系电视台播放、在影院上映、发售DVD等。同时，一部动画片还可以视其受欢迎的程度开发玩具、文具、游戏、图书等周边产品，拓展动画片的收益。
　　……

在线试读

《动画前期：剧本编创与分镜头设计》精彩内容

本书通过大量的案例分析，通俗而生动地讲解了动画剧本编创与分镜设计的基本知识和创作方法。通过对优秀动画作品的赏析以及对失败案例的剖析，初学者能够轻松而有效地理解和体会这些创作要素，并将它们灵活地运用在自己的实践之中。

艺术的阶梯：从概念到视觉叙事的完整指南 一部聚焦于数字媒体前沿、深入剖析创意产业核心技能的权威著作。 本书旨在为所有对数字艺术、互动娱乐内容创作，以及沉浸式叙事技术感兴趣的实践者和学者提供一个全面、系统且高度实用的学习框架。它不是一部关于传统动画制作流程的复述，而是将目光投向当代视觉文化和新兴媒体技术交汇点的关键技能矩阵。 我们相信，在当今快速迭代的内容生态中，成功的作品依赖于对跨媒介叙事逻辑的深刻理解，以及对用户体验（UX）驱动的内容组织的精准把握。因此，本书将核心内容围绕以下三大支柱构建： --- 第一部分：数字内容生态与跨平台叙事基础 (The Digital Ecosystem & Cross-Platform Narrative) 本部分着重于理解当前数字内容生产的宏观环境，并确立一种适应性强的叙事思维模式。我们不再将内容视为单一载体的附属品，而是探讨其如何在不同媒介（如移动应用、虚拟现实环境、交互式网页体验）中保持核心信息和情感穿透力。 章节核心内容解析： 1. 新兴媒体环境下的内容载体研究： 深入分析移动优先（Mobile-First）设计原则对故事结构的影响。探讨互动小说、分支叙事（Branching Narratives）在游戏化学习（Gamified Learning）中的应用潜力。 2. 数据驱动的创意决策： 如何利用基础的用户行为数据（如点击流、停留时间、反馈模式）来指导故事节奏和信息展示的优化。这部分内容侧重于分析思维在创意工作流中的融合，而非单纯依赖直觉。 3. 视觉符号学与数字语言： 探讨在超文本环境中，图标、动效（Micro-interactions）和信息图表如何超越传统文字，成为高效的信息载体。我们将研究色彩理论在界面感知中的作用，以及如何通过动态设计来传达品牌调性。 4. 模块化内容构建策略： 学习如何将复杂的故事或信息系统分解为可重复使用、可快速重组的“内容模块”。这对于需要快速迭代、A/B测试和多语言适配的项目至关重要。 --- 第二部分：交互设计与用户心智模型映射 (Interaction Design & Mapping the User Mindset) 本卷超越了线性故事板的范畴，聚焦于“如何引导用户体验流程”这一核心任务。成功的交互设计是连接创作者意图与用户行为的桥梁。本书详细拆解了构建清晰、直观且引人入胜的数字体验流所需的具体工具和方法论。 章节核心内容解析： 1. 信息架构（IA）的艺术与科学： 如何使用卡片分类法（Card Sorting）、树形测试（Tree Testing）等用户研究技术来构建逻辑严密的信息层级。我们探讨的是如何组织信息以匹配用户的心智模型，而不是强行灌输设计者的结构。 2. 原型设计与高保真模拟： 重点介绍使用业界领先的原型工具（如Figma、Sketch等）进行快速迭代。内容涵盖从低保真线框图（Wireframes）到具备完整交互逻辑的高保真动态原型制作的完整流程，强调可测试性是设计的生命线。 3. 动效设计在界面中的策略性应用： 区别于纯粹的视觉装饰，本章深入探讨转场动效（Transitions）、反馈动效（Feedback Animations）如何服务于用户对系统状态的理解。例如，一个恰当的加载动画如何缓解用户的等待焦虑。 4. 无障碍设计（Accessibility）的整合实践： 确保数字内容能够被更广泛的人群访问是现代设计不可或缺的一部分。本部分提供具体的WCAG标准解读，并教授如何在设计早期阶段就将对比度、键盘导航和屏幕阅读器兼容性纳入考量。 --- 第三部分：数字资产的创建、优化与管理 (Creation, Optimization, and Management of Digital Assets) 本部分关注将概念转化为可在生产环境中高效部署的实际视觉资产。它侧重于效率、兼容性与性能优化，这是将创意转化为商业可行产品的关键环节。 章节核心内容解析： 1. 矢量与栅格资产的制作规范： 深入探讨适用于不同输出环境（如视网膜屏幕、VR头戴设备）的图像分辨率要求。涵盖基于节点的图形创作工具在创建可缩放界面元素方面的进阶技巧。 2. 3D模型在2D界面中的集成与渲染考量： 讲解如何准备和导出轻量级的3D模型（如GLTF格式），以便在Web或移动应用中实现高效的实时渲染。讨论LOD（细节层次）策略对加载速度的影响。 3. 色彩管理与跨设备一致性： 探讨从创作软件（如Photoshop/Illustrator）到最终呈现设备（如手机、投影仪）的色彩空间转换（sRGB, P3, Rec. 709）。确保视觉体验的一致性，避免“所见即所得”的偏差。 4. 数字资产库（Design System）的构建与维护： 介绍如何建立和维护一套标准化的组件库和设计语言系统。这不仅包括视觉样式，更包括组件背后的交互逻辑和命名约定，是实现团队规模化协作的基石。 --- 适用读者对象 本书是为那些寻求超越传统媒介界限、渴望掌握未来内容创作核心技能的专业人士和学生量身定制的： 数字媒体专业的学生和初级设计师： 提供一套结构化的、从理论到实践的完整方法论。 交互设计师与用户体验（UX）专业人员： 拓展其叙事和视觉美学方面的深度。 游戏开发者与独立创作者： 学习如何优化非线性故事结构和界面表现力。 品牌策略师与市场营销人员： 理解如何通过精良的数字体验来强化品牌信息传递。 本书承诺： 我们不教授如何绘制一个完美的角色或撰写一部引人入胜的剧本，而是教授如何组织信息、设计体验、管理资产，并使你的创意在任何数字屏幕上都能高效、美观地被感知与互动。 这是一部关于构建“系统性创意”的实战手册。

评分☆☆☆☆☆

我是一名在职的设计师，之前主要负责角色和场景的后期精修，但一直想往前期设计方向发展，特别是分镜头这一块，感觉是连接剧本和视觉呈现的桥梁，特别关键也特别难。这本书在“分镜头设计”上的讲解简直是教科书级别的详细。它不仅展示了如何构图，更深入探讨了镜头语言背后的情感意图。比如，它会通过对比不同焦距镜头（广角、中焦、长焦）在叙事中起到的不同作用，让我彻底明白了“镜头不是随便画的，而是有目的的”。我记得有一页专门讲“运镜与节奏感”，用大量的图例对比了快速剪辑和慢速推拉镜头带来的心理感受差异，这个对我启发很大。我以前总觉得分镜就是把故事板画出来，但这本书让我意识到，分镜是对时间的雕塑，是对观众情绪的精确引导。它还提到了如何利用画面的空间布局来强调人物关系和环境氛围，这些都是我在传统的设计课程中学不到的深度内容。这本书让我的前期概念设计能力得到了质的飞跃，我开始能更具预见性地去思考画面最终的呈现效果。

评分☆☆☆☆☆

我之前尝试自学过一些国外的动画设计资料，但很多都因为文化背景差异，导致里面的例子对我来说很陌生，代入感不强。这本书的优势就在于它的“国际经典”与“本土化理解”的完美结合。它引用了大量享誉全球的动画作品作为范例，分析得非常透彻，但讲解的逻辑和框架又非常符合我们亚洲的叙事习惯和视觉偏好。特别是关于“情绪板”和“视觉氛围设定”的那几章，它不是简单地堆砌色彩理论，而是结合了光影、材质和构图来讲解如何营造特定的情绪场域。我感觉作者非常理解初学者在建立世界观时的困惑，他们提供的模板和检查清单非常有效，能帮助我们快速地搭建起一个逻辑自洽的动画前期概念。它没有放过任何一个细节，从角色在特定光线下应该有的阴影层次，到场景布局如何引导观众的视线，都讲得条理清晰、图文并茂。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买很多设计教程都是冲着那些炫酷的最终效果图去的，结果发现内容空泛，都是“你只要照着画就能学会”的空话。但这本《国际经典动漫设计教程》完全不是那回事。它最大的特点是极其注重“流程的规范性”和“设计的合理性”。它不仅仅告诉你“应该怎么做”，更会告诉你“为什么这么做”。比如在剧本分析阶段，它会详细拆解经典案例的叙事结构，教你如何识别出故事的“骨架”，然后我们再往上添“血肉”。在分镜头设计部分，它还穿插了一些关于“制作流程兼容性”的考量，比如某个镜头在后期制作中可能遇到的技术难点，以及前期如何通过调整画面信息量来优化后期效率。这种兼顾艺术性和工业化标准的讲解方式，让我觉得这本书非常实用，它让我们这些想进入这个行业的人，能更早地建立起专业的工作思维，而不是只停留在“画得好看”的初级阶段。它提供的不仅仅是技巧，更是一种专业的工作态度。

评分☆☆☆☆☆

这套书简直是为我这种刚入行的动画小白量身定做的！我记得我刚开始接触这个行业时，最头疼的就是如何把脑子里的天马行空的想象落地成清晰的剧本。这本书的“剧本编创”部分，它不是那种高高在上、只谈理论的教科书，而是实实在在地教你怎么去构建一个故事的核心冲突，如何设计引人入胜的角色弧光。它有很多很接地气的案例分析，比如如何用简单的三幕式结构去梳理一个复杂的故事线，又如何通过对话的张力来推动情节发展。我尤其喜欢它里面关于“冲突升级”的章节，它用了很多清晰的图示来解释，让你明白为什么有时候一个很小的矛盾点，如果处理得当，能爆发出巨大的戏剧张力。读完这部分，我感觉自己不再是面对空白文档抓耳挠腮了，而是有了一套可以依循的、清晰的创作方法论。对我来说，这本书最大的价值在于，它把“写故事”这个听起来很玄乎的事情，解构成了可以学习和掌握的技能。而且，它的语言风格非常亲切，读起来完全没有压力，就像一个经验丰富的前辈在手把手地指导你一样，让人信心倍增。

评分☆☆☆☆☆

我不得不提一下这本书的排版和设计感。很多专业书籍虽然内容扎实，但读起来枯燥乏味，恨不得速读完事。但这本教程在视觉呈现上做到了极高的水准。它的版式设计非常现代、清爽，大量的示意图和对比图都被精心布局，阅读体验非常舒适流畅。即使是讲解一些比较抽象的叙事概念，比如“视觉节奏的控制”，它也能通过精妙的图解让你瞬间领悟。更重要的是，这本书的“可操作性”极强。它提供了许多可以让你立即动手练习的小任务和自测环节，而不是看完就束之高阁。例如，它会让你针对同一段文字描述，尝试用三种完全不同的分镜头手法来表现，然后对比分析差异。这种“即学即用”的设计，极大地提高了我的学习效率和参与感。它真的像一位耐心的导师，时刻准备着引导你，让你在学习的过程中充满乐趣和成就感。

评分☆☆☆☆☆

讲解很详细 不错

评分☆☆☆☆☆

是本好书。。

评分☆☆☆☆☆

讲解很详细 不错

评分☆☆☆☆☆

挺好！！！！！！！！！！！！

评分☆☆☆☆☆

凉风起天末，君子意如何。

评分☆☆☆☆☆

这本书我还没看，但是应该还不错，就是我需要的，学习的东西都在里面

评分☆☆☆☆☆

图文结合，一目了然

评分☆☆☆☆☆

?????????????

评分☆☆☆☆☆

脚步图文演示的还是很详细的～就是有点浪费纸…