绘画手册：材料、技法、形式、内容 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 简·罗伯森，克雷格·麦克丹尼尔 著，白冰，冯白帆 译

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• 创意
• 绘画技巧

出版社： 江苏美术出版社

ISBN：9787534448713

版次：1

商品编码：11256390

包装：平装

开本：大16开

出版时间：2013-06-01

用纸：胶版纸

页数：284

编辑推荐

　　《绘画手册：材料、技法、形式、内容》为美国引进版美术专业图书，在美国本土作为绘画学习班的教材使用。作者同为美国印第安纳大学印第安纳波利斯分校艺术与设计学院教授，除《绘画手册：材料、技法、形式、内容》外，他们还合作出版有《当代艺术的主题：1980年以后的视觉艺术》等著作。

内容简介

　　《绘画手册：材料、技法、形式、内容》为美国引进版美术专业用书，共11章，全面系统地介绍了绘画材料、绘画技法、绘画形式以及绘画内容。书中附有黑白和彩色图示作为案例进行分析讲解，书后附有绘画术语表供读者参考。其中一些技法和材料国内鲜见，对读者有引领作用，适合国内美术专业学生、绘画爱好者以及相关从业人员使用。《绘画手册：材料、技法、形式、内容》不仅教读者如何绘画，尤其注重引领读者去领悟艺术，启发读者的艺术创造力，从而展开属于自己的艺术创作。

作者简介

作者：（美国）简？罗伯森 （美国）克雷格？麦克丹尼尔 译者:白冰 冯白帆 作者同为美国印第安纳大学印第安纳波利斯分校艺术与设计学院教授。

目录

前言 介绍 第1章 入门指南 第2章 材料和技法 第3章 色彩――绘画的决定性元素 第4章 画面空间的处理 第5章 形状、平面、立体感和笔触 第6章 空间感 第7章 外形和光线 第8章 形式和创意的拓展 第9章 当代抽象主义 第10章 叙事画 第11章 社会及其问题 本书术语表 图片来源

前言/序言

《画意游踪：山水间的灵魂低语》 前言 自古以来，笔墨纸砚便是文人墨客抒发情怀、寄托理想的媒介。然而，真正触及山水灵魂，将其中的意境与情感融于画卷，却是一门需要毕生钻研的学问。本书并非一本枯燥的技法讲解，也不是一套僵化的程式遵循，而是我多年来在山水画创作道路上，一次次与自然对话、一次次在笔墨间探索的真切体悟。我希望通过这本书，与同样热爱山水、渴望在笔墨间找到心灵栖息的同道者，分享一段关于“画意”的追寻之旅。 第一章：目之所及，心之所感——山水画的“意”从何来？ 我们常说“写意”，但“写意”究竟是什么？它绝非简单的形似，更不是凭空捏造。在我看来，山水画的“意”，源于我们用眼睛去“看”，用心灵去“感受”，再通过笔墨去“表达”。 “看”的艺术： 什么是真正的“看”？它不是匆匆掠过，而是细致入微地观察。观察山峦的起伏，是如龙盘虎踞，还是似层峦叠嶂；观察树木的姿态，是苍劲古朴，还是挺拔秀逸；观察云水的变幻，是烟波浩渺，还是激流勇进。这些看似细微的差别，都蕴藏着独特的生命力与性格。例如，同一座山，在雨后初霁时，它显得格外清新湿润，墨色浓淡变化；而在日暮时分，则笼罩着一层柔和的光晕，更添几分宁静与神秘。这种“看”，需要我们摒弃杂念，全神贯注，让眼睛成为心灵的触角，去捕捉自然最真实的脉搏。 “感”的温度： 仅仅看到是不够的，我们还需要去“感受”。山间的清风拂过脸颊，带来泥土与草木的芬芳；溪水的潺潺流淌，仿佛诉说着千年的故事；孤寂的古寺钟声，回荡在山谷之间，引发无限遐思。这些感官体验，会与我们内在的情感产生共鸣。当我们置身于壮丽的山河之中，会油然而生敬畏之情；当我们看到一株饱经风霜的古松，会感受到顽强的生命力；当我们沐浴在夕阳的余晖下，会体验到世间的宁静与安详。这种“感”，是将外部景象内化为个人情感体验的过程，是心与物融为一体的桥梁。 “言”的追求： 最终，我们试图用笔墨来“言”。山水画的“言”，并非直白的叙述，而是含蓄的暗示，是意象的组合，是情绪的传递。我们用墨的浓淡干湿来表现光影与质感，用线的刚柔曲直来塑造形态与动势，用色彩的冷暖明暗来营造氛围与情感。一个简单的皴法，可以描绘出山石的坚硬；一笔流畅的线条，可以勾勒出流水的灵动。每一笔，都承载着我们对自然的理解和对情感的抒发。 第二章：笔墨的呢喃——元气淋漓的生命密码 笔墨，是中国画的灵魂。而山水画，更是将笔墨的运用发挥到了极致。我并非推崇某种固定的笔法，而是强调笔墨所承载的“元气”。 点、线、面的交响： 点，可以是山间的一簇野草，也可以是天上的一颗星辰，它可以是独立的意象，也可以是构成面的基础。线，是山峦的脊梁，是河流的蜿蜒，是树干的挺拔，它的粗细、刚柔、方圆，都赋予了物体不同的性格。面，则是构成整体的骨架，是山的体量，是水的广阔，是云的舒展。点、线、面的巧妙组合，构成了山水画的基本语言，但关键在于如何在组合中注入生命力。 皴法的意蕴： 皴法，是表现山石纹理的独特语言。披麻皴的流畅，斧劈皴的坚硬，解索皴的交错，云头皴的圆润……每一种皴法，都有其最适合表现的石质与形态。但重要的不是熟练掌握所有皴法，而是理解每种皴法背后的哲学。例如，披麻皴的舒展，恰似山体连绵的起伏，透出温和；斧劈皴的犀利，仿佛刀劈斧凿，展现出力量。我更倾向于根据山石的实际感受，去选择最能表达其“性格”的皴法，甚至是多种皴法的融合。 墨的境界： 墨，是中国画的“五色”。浓墨的苍劲，淡墨的缥缈，湿墨的浑厚，干墨的枯涩，焦墨的沉郁。墨色的变化，直接影响着画面的空间感、立体感和情绪。我常常在墨色上反复试验，寻找最能表达山水“呼吸”的那一抹。例如，表现雨后初霁的山，我会尝试用淡墨与浓墨的交错，营造出水汽蒸腾的感觉；表现夕阳下的山，则会运用焦墨与浓墨结合，让画面显得厚重而温暖。关键在于“用墨要活”，墨色本身就应该是有生命力的，它应该随着山石的结构和光影的变化而流动。 “笔无定法，意在笔先”： 这句话道出了山水画创作的真谛。我并不拘泥于某一种固定的笔法，而是强调“笔意”。每一笔的起承转合，都应该有其内在的逻辑和情感。有时候，一笔落下，是山峦的耸峙；有时候，一笔勾勒，是溪水的蜿蜒。关键在于，在落笔之前，心中已经有了“意”。笔随心动，才能画出有生命力的线条。 第三章：山川的呼吸——构图的呼吸与节奏 构图，是画面的骨架，更是山水画“意”的载体。好的构图，能引导观者的视线，营造出空间的纵深感，并传递出画家的情感。 “计白当黑”，虚实相生： 白，不仅仅是纸的空白，更是空间、是空气、是意境。黑，则是墨迹所成的山石、树木、房屋。虚实相生，才能使画面产生呼吸感。过多的实景堆砌，会让画面显得窒息；过多的空白，又会显得空洞。我常常在构图时，留出大量的“空白”，让这些空白成为引导观者想象的窗口，让它们承载着云雾、山气、甚至是一种无法言说的宁静。 “三远”法门与空间营造： 远、高远、深远，是中国传统山水画的经典构图法则。但“三远”并非死板的公式，而是引导我们去体验和表现空间纵深感的方法。远，是指平视的视野；高远，是指仰视的角度；深远，则是指平远中有高低错落，有前后遮挡。我会在构图时，尝试运用不同的视角，将近景、中景、远景巧妙地结合起来，让画面产生层次感和空间感，仿佛真的能带领观者走进山水之中。 留白的力量： 留白，是中国画的独特魅力，更是山水画意境的重要组成部分。我理解的留白，并非简单的“空着”，而是“有意地留白”。它可以是缥缈的云雾，可以是浩渺的江面，可以是静谧的远山。这些留白，留给观者无限的想象空间，让画面不仅仅是描绘，更是邀请。它能够有效地打破画面的沉闷，营造出空灵、宁静的意境。 “骨法用笔，意存笔外”： 好的构图，不仅仅是元素的堆砌，更是情感的表达。在构图时，我也会考虑画面的节奏感。高低错落的山峦，起伏跌宕的线条，疏密有致的树木，都能够构成画面的节奏。有时候，一幅画的成功，就在于一种恰到好处的“松紧”对比，一种“虚实”的平衡。 第四章：色彩的低语——山水的情感调色板 虽然我更偏爱水墨的淋漓尽致，但我并不排斥色彩在山水画中的运用。色彩，如同音乐的旋律，能够直接触动观者的情感。 “色不碍墨，墨不碍色”： 这是色彩运用的一大原则。色彩应该服务于水墨，而不是喧宾夺主。我倾向于使用较为淡雅、含蓄的色彩，如青绿、浅绛，它们能够很好地烘托水墨的韵味，而不会冲淡画面的整体感觉。 情感的色彩： 不同的色彩，能够唤起不同的情感。青色，是山峦的沉静；绿色，是生命的生机；黄色，是阳光的温暖；红色，是落日的壮丽。我会在色彩的选择上，首先考虑它是否符合我想要表达的情感。例如，描绘秋日山景，我会选用偏暖的色调，如赭石、淡黄，来表现丰收与成熟；描绘冬日山景，则会运用冷色调，如淡蓝、灰白，来烘托萧瑟与宁静。 设色的空间感： 色彩的运用，也能增强画面的空间感。近处的景物，可以用更鲜艳、更浓重的色彩；远处的景物，则可以用更淡雅、更灰暗的色彩。这种色彩的递进，能够有效地拉开画面的层次，营造出视觉的纵深。 第五章：景外之景，意中之意——山水画的哲学思考 山水画，不仅仅是对自然景色的描绘，更是画家内心世界的投射。在笔墨的游走之间，我试图探寻更深层次的哲学意味。 “天人合一”的境界： 中国传统文化强调“天人合一”，即人与自然的和谐统一。在创作中，我希望能够达到这种境界，将自己的情感融入山水之中，让画面成为人与自然对话的载体。当我看到一棵历经沧桑的古树，我会在笔墨中融入对生命坚韧的敬意；当我描绘一片云海，我会在色彩与墨色中倾注对宇宙辽阔的感悟。 “禅意”的探索： 许多时候，山水画所呈现的空灵、静谧，与佛教的“禅意”不谋而合。我喜欢在画面中留白，让观者在静默中去体悟。一间茅屋，一叶孤舟，一抹远山，都可能成为引发观者内省的契机。我希望我的画，能够给观者带来片刻的宁静，让他们在喧嚣的尘世中，找到一丝心灵的慰藉。 “意境”的构建： 意境，是中国山水画的灵魂。它不仅仅是眼前所见，更是画家心中所感，是观者所悟。它是一种朦胧的美，一种含蓄的情感，一种超越形质的精神。我始终相信，一幅好的山水画，应该能够让观者在欣赏完画面后，依然在心中久久回味，仿佛置身其中，感受那份山川的静谧与悠远。 结语 《画意游踪：山水间的灵魂低语》是我对山水画创作的一次个人探索与分享。我没有提供一套标准化的“如何画山水”的教程，因为在我看来，山水画的美，恰恰在于其无限的可能性和个性化的表达。我所分享的，是我在与自然对话、在笔墨游走间所体会到的“意”。希望这本书，能够成为您在山水画创作道路上的一位真诚的伙伴，与您一同踏上这段充满发现与感悟的艺术之旅。愿我们都能在笔墨间，找到那份属于自己的山水情怀。

评分☆☆☆☆☆

我一直对绘画的“内容”有着浓厚的兴趣，觉得绘画不仅仅是描绘眼前所见，更是表达内心的情感、思想和对世界的认知。然而，如何在绘画中有效地传达这些“内容”，却是我一直以来感到困惑的地方。《绘画手册：材料、技法、形式、内容》在“内容”的探讨上，给了我极大的启示。书中并没有给出固定的答案，而是鼓励我从多个角度去思考，去挖掘。 作者通过对不同艺术流派、不同主题的绘画作品的分析，让我明白，原来“内容”可以如此丰富多样。它可以是对社会现象的观察和反思，可以是个人情感的抒发，可以是想象力的驰骋，甚至是哲学思想的具象化。我开始明白，真正打动人心的绘画作品，往往是那些能够触及观者内心深处，引发思考和共鸣的作品。这本书引导我去关注生活中的点滴，去感受那些细微的情感，然后将这些感受通过绘画的方式表达出来。我开始相信，即使是简单的题材，只要注入真挚的情感和独特的思考，也能创作出有深度的作品。

评分☆☆☆☆☆

我对那些能够巧妙运用构图，将画面组织得既和谐又富有张力的作品总是赞叹不已。在我看来，“形式”这个概念，是让一幅画从“好看”升级到“耐看”的关键。这本书在“形式”这一部分，对构图的原则进行了详尽的阐述。它不仅仅是教我把东西摆到哪里，更是深入地探讨了画面中的平衡、节奏、韵律以及留白的重要性。我之前画画，总是习惯性地把主体放在画面正中间，然后把其他东西随意地填充进去，结果画面显得十分单调，缺乏动感。 读了这一部分，我才意识到，原来视觉引导线、黄金分割点、对角线构图等等，都能让观众的视线在画面中自然地流动，从而引导他们去发现画面的重点和层次。书中的案例分析更是让我受益匪浅，它通过对比不同构图方式的作品，直观地展示了构图对画面整体氛围和情感传达的巨大影响。我开始主动地去思考，在开始绘画之前，如何去设计画面的布局，如何去安排物体的远近、大小和朝向，让它们在画面中形成一种有机的联系。这种对“形式”的深入理解，让我不再仅仅满足于画出“像”的东西，更开始追求画面的“美感”和“意境”。

评分☆☆☆☆☆

我一直对那些能够引发观者思考、触动内心深处的作品充满了好奇。在绘画中，“内容”的深度和广度，才是真正让作品具有生命力和感染力的源泉。这本书在“内容”的探讨上，给了我很多启发。它不仅仅是关于描绘眼前所见，更是关于如何将个人情感、思想和对世界的理解融入到作品中。作者通过分析不同风格、不同主题的绘画作品，让我明白，原来绘画可以承载如此丰富的内容。它可以是对自然风光的赞美，可以是内心世界的探索，可以是现实生活的批判，甚至是抽象概念的具象化表达。 我尤其喜欢书里关于“情感表达”的章节。它让我意识到，即使是描绘同一景物，不同的画家因为内心情感的差异，最终呈现出来的作品也会截然不同。这种对“内容”的理解，让我不再拘泥于简单的写实，而是开始尝试去捕捉那些转瞬即逝的情绪，去表达那些难以言喻的感受。我开始思考，我想要通过我的画来传达什么？是宁静的喜悦，是淡淡的忧伤，还是对生活的热爱？这种自我内省的思考，让我的绘画创作变得更有目的性和意义。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本《绘画手册》之前，我对于艺术创作的理解，可能还停留在比较浅显的层面，觉得只要把东西画得像，颜色调得准，就是一幅好作品了。然而，这本书的出版，彻底颠覆了我之前的一些固有认知，让我从一个更加宏观和深入的角度去审视绘画这门艺术。它就像一位循循善诱的老师，并没有急于灌输我多少具体的技法，而是先为我构建了一个清晰的框架，让我明白了绘画的“材料”、“技法”、“形式”和“内容”这四个维度是如何相互关联、相互作用的。 我开始意识到，一幅成功的绘画作品，绝不仅仅是某一个环节做得好，而是这四个方面有机融合的结果。比如，即使你的技法再高超，如果选错了材料，画面可能就会显得生硬；即使构图再巧妙，如果内容空洞无物，也很难引起观者的共鸣。这本书让我学会了跳出单一的视角，用一种系统化的思维去理解绘画，这对于我这样刚刚起步的绘画爱好者来说，实在是太重要了。它让我明白，创作的过程是一个整体，需要从多个角度去考量和打磨。

评分☆☆☆☆☆

在接触这本书之前，我对“绘画材料”的理解，可能仅仅停留在“笔”和“颜料”这两个最基础的概念上。我总觉得，只要有工具，就可以开始创作了。然而，这本书的“材料”部分，彻底刷新了我对这个概念的认知。它让我明白，原来不同的纸张、不同的颜料、不同的画笔，甚至是不同的辅助材料，都会对最终的画面效果产生如此巨大而微妙的影响。作者的讲解非常细致，从纸张的纹理、厚度、吸水性，到颜料的干湿、透明度、显色性，再到画笔的形状、硬度、弹性，都进行了深入的剖析。 更重要的是，书中并没有仅仅停留在理论的层面，而是通过大量的实例，展示了不同材料组合所能产生的独特效果。我开始意识到，选择合适的材料，不仅仅是为了方便创作，更是为了更好地表达创作的意图，甚至是激发新的创作灵感。我甚至开始对一些之前从未关注过的材料产生了好奇，比如不同种类的墨水、粉彩，以及一些特殊的画布。这本书让我明白，材料的选择，本身就是一门学问，是构成艺术作品不可或缺的一部分。

评分☆☆☆☆☆

我一直对那些能够抓住人物神韵的肖像画充满敬意，总觉得那是绘画的巅峰成就之一。但自己尝试去画人物时，总是显得僵硬、呆板，人物的眼睛好像没有灵魂，表情也显得不自然。这本书的“技法”部分，可以说是为我打开了新世界的大门。它并没有简单地罗列各种绘画技巧，而是深入浅出地分析了线条的粗细、虚实如何表现物体的体积感和质感，光影的运用如何塑造人物的立体感和情绪。特别是关于如何观察和捕捉人物面部表情的细微变化，作者的讲解让我豁然开朗。它引导我去关注眼睛的眼神、嘴角的一丝弧度，甚至眉毛的轻微颤动，这些看似不起眼的细节，才是赋予人物生命力的关键。我开始尝试用书中教授的方法去观察身边的人，去捕捉他们不经意间流露出的情感，然后小心翼翼地将这些观察付诸笔端。 虽然我现在的画作离专业水准还差得很远，但已经能够明显感觉到人物形象变得更加生动和富有表现力了。我不再害怕去画人物，反而对每一次的尝试充满了期待。我开始理解，原来绘画中的“技法”并非冰冷的技巧堆砌，而是对观察力、感知力和情感表达的强大助力。它让我明白，即使是同一个物体，通过不同的技法处理，也能展现出截然不同的生命力。我甚至开始尝试将不同的技法融合运用，比如用水彩的晕染来表现肌肤的柔和，再用铅笔的细腻线条来刻画五官的细节，这种实验性的尝试，让我体会到了创作的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，“技法”是绘画中最具挑战性，也最吸引人的部分。它就像是画家手中最锋利的武器，能够将脑海中的构思，栩栩如生地呈现在画布上。然而，在我过往的绘画经历中，我常常会遇到瓶颈，感觉自己的技巧无法满足表达的需要。《绘画手册：材料、技法、形式、内容》在“技法”部分的讲解，可以说是为我指明了方向。书中并没有简单地列举各种技巧，而是深入剖析了每一种技法背后的原理和应用场景。 从最基础的线条运用，到复杂的色彩调和，再到光影的塑造，作者都进行了极其细致的讲解。他不仅仅教我“怎么做”，更告诉我“为什么这么做”。比如，在讲解光影时，书中会分析光线是如何照射在物体上的，会产生怎样的明暗变化，以及这些变化如何影响物体的体积感和空间感。这种深入的分析，让我能够更好地理解和掌握各种技法，并且能够灵活地运用它们来解决实际的创作问题。我开始尝试将书中教授的技巧，运用到我自己的绘画中，并惊喜地发现，我的作品在细节表现和整体效果上都有了显著的提升。

评分☆☆☆☆☆

在我看来，一幅画之所以能够吸引人，除了内容之外，它的“形式”，也就是构图和布局，起到了至关重要的作用。我曾无数次地困惑，为什么有些画作看起来那么和谐，而有些则显得杂乱无章。这本书的“形式”部分，就像为我揭开了构图的神秘面纱。作者详细地介绍了各种构图原则，比如黄金分割、对称构图、对角线构图等等，并且深入浅出地分析了它们在实际作品中的应用。 我尤其喜欢书中对于“画面节奏”和“视觉引导”的讲解。它让我明白，好的构图不仅仅是将元素摆放整齐，更是要让观众的视线在画面中自然地流动，去发现画面的重点和层次。通过对大量经典画作的分析，我更加直观地理解了不同构图方式所能产生的不同效果，以及如何通过调整元素的比例、位置和方向，来达到预期的视觉效果。这种对“形式”的深入理解，让我开始更加有意识地去设计我的画面的布局，力求让每一笔每一划都服务于整体的表达。

评分☆☆☆☆☆

终于拿到这本备受期待的《绘画手册：材料、技法、形式、内容》了！说实话，在此之前，我一直对绘画抱有一种“想学又怕难”的心态。总觉得绘画是一门高深的艺术，需要天赋，更需要无数个小时的刻苦练习，而且很多时候，即使努力了，也未必能得到想要的效果。我曾尝试过几次，结果都以失败告终，不是颜色调不好，就是线条歪歪扭扭，或者根本画不出脑海中构思的形象。这让我一度怀疑自己是不是根本不适合绘画，也许我注定只是一个欣赏者，而不是一个创造者。 然而，当我翻开这本书的第一页，那种沉重的畏惧感就悄然消散了。作者的文字并没有使用那些令人望而生畏的专业术语，而是以一种循循善诱、娓娓道来的方式，将绘画的世界一点点地展现在我面前。我最开始被吸引的是关于“材料”的部分。以前，我对绘画材料的认知仅限于各种颜料和画笔，觉得它们只是工具。但这本书却详细地讲解了不同纸张的纹理、重量对最终效果的影响，不同颜料的特性，比如水彩的透明感、油画的厚重感，甚至连画笔的材质和形状都会对笔触产生怎样的细微差别。它让我明白，原来选择合适的材料，本身就是创作的一部分，能够极大地影响作品的表达力和情感张力。我甚至开始对那些在美术用品店琳琅满目的各种颜料产生了浓厚的兴趣，想要去一一尝试，去感受它们不同的触感和色彩表现力。

评分☆☆☆☆☆

我一直对那些能让我产生强烈的情感共鸣的艺术作品情有独钟。很多时候，我会站在一幅画前，久久不能移开目光，似乎能从中感受到画家的喜怒哀乐，或是作品所描绘场景的氛围。在我看来，一幅优秀的绘画作品，不仅仅是视觉上的享受，更是心灵的沟通。《绘画手册：材料、技法、形式、内容》在这一点上，给予了我极大的启发。书中关于“内容”的阐述，让我明白了，绘画是可以承载如此丰富的思想和情感的。 它不仅仅是记录现实，更可以是对现实的解读，对内心的挖掘，甚至是对想象世界的构建。作者通过大量的实例，向我展示了如何将个人的情感、经历、思考融入到作品之中，从而创作出具有独特灵魂的作品。我开始反思，自己过往的绘画，是不是过于注重外在的形似，而忽略了内在的神韵？这本书鼓励我去探索更深层次的“内容”，去思考我想要通过绘画表达什么，去挖掘那些隐藏在内心深处的感受和故事。这种对“内容”的探索，让我对绘画的理解，从“画什么”上升到了“为什么画”的层面。

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打折时买的，很划算

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活动购买，比较满意。

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内容不错，适合我这种美术专业的，就是黑白配图不爽。

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好

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发货速度很快，很难买到，不错。

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库存书，仓库里放太久了，拿到手里和封面看起来二手差不多…里面还好

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活动购买，比较满意。

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打折时买的，很划算