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邹传安 著

图书标签:

• 工笔花鸟画
• 绘画技法
• 中国画
• 绘画教程
• 艺术
• 绘画
• 花鸟画
• 技法
• 美术
• 绘画技艺

出版社： 湖南美术出版社

ISBN：9787535670038

版次：1

商品编码：11663375

包装：平装

开本：16开

出版时间：2014-10-01

用纸：胶版纸

页数：236

正文语种：中文

编辑推荐

　　《工笔花鸟画技法》修订本将对原书个别作品进行更换，版式和体例在原有的基础上稍加调整。同时补加再版序言一篇。

内容简介

　　《工笔花鸟画技法》为邹传安先生几十年来工笔花鸟画教学和创作经验的总结，作者毫无保留地将这些心得汇于其中，使学习者能够详细地了解并掌握工笔花鸟画表现技法，《工笔花鸟画技法》集实用性与学术性与一体，这也是此书长久不衰，累计销售达4万余册的原因之一。

作者简介

　　邹传安，1940年生，湖南新化人，职业画家。自幼习画，长期致力于工笔花鸟画的研究与创作，艺术语言丰富。独创了大面积泼彩法与工笔画结合，开创了花鸟画的新境界。作品多次参与国内外展览，并多次获奖，多件作品藏于中国美术馆。出版有《邹传安画集》、《天籁》、《砚絮》、《中国当代大家系列邹传安》等。

内页插图

目录

历代精品欣赏
前言
第一章 概述
关于工笔花鸟画和它的意义
花鸟画的题材
花鸟画自成画科的原因
工笔花鸟画的工具、材料及其使用
1.宣纸、画绢
2.笔
3.墨、砚
4.颜色
5.胶、矶
工笔花鸟画的用笔、用墨和用色
1.用笔
2.用墨
3.用色
第二章 花鸟画的发展

第三章 工笔花鸟画的形式与技法
表现手法
1.勾勒法
2.勾填法
3.没骨法
表现形式
1.白描
2.工笔重彩
5.工笔淡彩
4.兼工带泼
工笔花鸟画的用笔及各类线型举例
白描
介绍几种具体渲染方法
1.花头染法
2.叶片染法
5.枝干法
4.点苔法
5.背景色法
6.草虫画法
7.鸟类画法
偶用技法择举
1.老树着苔
2.湖石
5.水中石

第四章 写生
写生的工具
写生的方法
1.植物写生
2.鸟类写生
3.昆虫写生
植物的生态特征
铅笔线描写生
色彩写生（经提炼加工）

第五章 创作
工笔花鸟画的构思
1.因物兴感
2.借物言情
3.缘势成画
写生与创作的关系
工笔花鸟画的构图
1.全景式
2.半景式
5.整枝式
4.折枝式
5.特写式
如何草图
构图中应该注意的几个方面
1.定主宾之序
2.掌均变之衡
3.征节奏之美
4.懂疏密聚散
5.知大小曲直
6.驭圆缺参差
7.见开合呼应
8.求从顺自然
9.识空白之义
构图十式
工笔花鸟画的题识和用印
1.题识的作用
2.题识的内容
3.题识的体式
4.士口何用印
5.谨款慎印
我对工笔花鸟画色彩的认识
1.和谐
2.响亮
3.清俊
4.厚重
5.灵逸
6.纯真
工笔花鸟画的制作步骤
邹传安工笔花鸟画作品
后记

前言/序言

笔尖下的生灵：写意山水与花鸟画漫谈 引言： 在中国传统绘画的宏阔画卷中，写意山水与花鸟画无疑是最为璀璨的两颗明珠。它们以独特的笔墨韵味，描绘出自然万物的生命气息与哲学意境，承载着中华民族深厚的文化底蕴与审美情趣。本书并非专注于某个具体技法的讲解，而是试图以一种更为宏观的视角，带领读者漫游于写意山水与花鸟画的艺术世界，探寻它们各自的独特魅力、创作理念以及在历史长河中的演变轨迹。我们将深入理解写意精神如何在山水与花鸟之间流淌，以及艺术家们如何通过笔墨的挥洒，捕捉转瞬即逝的生命瞬间，抒发内心的丘壑情怀。 第一章：写意之魂——笔墨的哲学与精神 写意，是中国画的核心精神之一，它所追求的并非对物象的百分百忠实复刻，而是通过笔墨的提炼与概括，传达出物象的神韵与内在生命力。本章将首先探讨“写意”一词的哲学内涵。我们将追溯其在中国古典哲学中的渊源，例如道家的“道法自然”、“天地不仁，以万物为刍狗”的思想，以及禅宗的“顿悟”、“以心传心”的理念。这些哲学思想如何渗透进绘画创作，使得艺术家能够跳脱形似的束缚，直达物象的本质，成为理解写意画的关键。 接着，我们将深入分析构成写意的核心要素——笔墨。笔法是中国画的骨骼，墨法是中国画的血肉。我们将细致地阐述中国画中“用笔”的多样性，如中锋、侧锋、逆锋、顺锋的运用，以及由此产生的不同线条质感，如刚劲、柔婉、飞动、沉着等。每一笔，不仅仅是线条的叠加，更是艺术家情感与意志的表达。墨法的变化则更加丰富，从浓、淡、干、湿、焦的“五墨”变化，到破墨、积墨、宿墨等技法的运用，墨的层次与韵味被发挥到极致，营造出空间的纵深感与物象的体积感。我们将讨论，这些笔墨的技法并非孤立存在，而是相互依存，共同服务于“写意”的表达。 此外，本章还将探讨“气韵生动”在写意画中的重要性。“气韵生动”是中国画评论的最高标准，它强调画作不仅要有形，更要有神，要有生命力。我们将分析，艺术家如何在笔墨的运用中注入“气”，如何通过构图的虚实对比、动静结合来达到“韵”的效果，使得画面具有呼吸感与生命力。这涉及到艺术家对自然物象的长期观察与深刻理解，以及将这种理解转化为笔墨语言的能力。 第二章：山水入梦——丘壑的胸怀与意境 中国山水画，是艺术家将内心对自然的敬畏、热爱与哲思寄托于笔墨的载体。本章将聚焦于写意山水的独特魅力，以及它所传达的东方哲学美学。 首先，我们将回顾中国山水画的历史发展脉络，从魏晋南北朝时期的“士人画”萌芽，到唐宋时期山水画的鼎盛，再到元明清时期文人山水画的繁荣。我们将探讨不同朝代、不同画派的山水画风格特征，例如北宋的全景式山水，如范宽的《溪山行旅图》；南宋的“泼墨写意”，如马远的《山水十二景》；元代的文人写意山水，如黄公望的《富春山居图》；以及明清的“四王”的摹古与董其昌的“南北宗论”。通过对经典作品的赏析，读者将能体会到不同风格下，艺术家对自然景物的独特视角与情感表达。 接着，我们将深入解析写意山水画的构图法则与表现手法。不同于西方绘画的透视法，中国山水画强调“散点透视”与“移步换景”，使得画面能够容纳更广阔的空间，展现出“可行、可望、可游、可居”的意境。我们将分析“高远”、“平远”、“深远”等构图方式的特点，以及如何通过“虚实相生”、“顾盼呼应”来营造画面的层次感与节奏感。 在笔墨表现方面，我们将重点讨论山水画中常见元素的画法，例如山石的皴法（如披麻皴、斧劈皴、雨点皴等）如何表现山石的体积与质感；树木的画法（如松、竹、柳、柏等）如何体现其不同的生命姿态；水的画法（如波浪、瀑布、溪流）如何传达其动态与力量；以及云、雾、烟等如何营造出山水画的朦胧美与神秘感。本章将强调，这些技法的运用并非机械的模仿，而是与艺术家的情感、胸怀紧密结合，最终形成独特的个人风格。 最后，我们将探讨山水画中的“意境”。意境是中国山水画的灵魂，它超越了单纯的物象描绘，融入了诗、书、画、印的综合审美，体现了艺术家对宇宙人生、人与自然关系的深刻思考。我们将分析，如何通过画面传达出“空灵”、“静谧”、“苍润”、“雄浑”等不同的意境，以及这种意境如何引起观者的共鸣，引发观者对自然的遐想与对生命的体悟。 第三章：花鸟传神——生灵的韵律与情思 花鸟画，以其细腻的笔触、生动的造型，描绘出自然界中的花卉、草虫、飞禽、走兽等，展现出生命的活力与自然的美好。本章将带领读者进入花鸟画的奇妙世界，感受其中蕴含的东方生活美学与人文情怀。 我们将首先梳理中国花鸟画的发展历程，从早期的人物画中的花鸟点缀，到唐宋时期的工笔花鸟的成熟，再到宋元时期写意花鸟的兴起，以及明清时期花鸟画的进一步发展。我们将重点介绍不同时期、不同画派的花鸟画风格，例如唐代的“金格”画法，宋代的“工笔重彩”，元代的“写意水墨”，明代的“文人花鸟”，以及清代的“扬州八怪”的奔放风格。通过对经典的工笔与写意花鸟画的对比，读者将能清晰地理解两种不同表现方式的差异与共通之处。 接着，我们将深入解析花鸟画的构图原则与造型特点。花鸟画的构图通常更为灵活，讲究“疏密得当”、“虚实相生”，常常以局部取胜，通过精妙的安排，将有限的画面空间表现出无限的意趣。我们将分析“花鸟小品”、“册页”、“扇面”等不同形式的构图特点，以及如何通过“破残”、“点睛”、“留白”等手法来增强画面的艺术感染力。 在笔墨表现方面，本章将详细探讨花鸟画中常见元素的画法。我们将分别介绍花卉的画法，如梅、兰、竹、菊“四君子”的象征意义与笔墨特点；牡丹、荷花、桃花等不同花卉的色彩与形态表现；草虫的精细描绘，如蝴蝶、蜻蜓、蝈蝈等如何传达其灵动之感；飞鸟的画法，如工笔的精细羽毛、写意的神态捕捉；以及走兽的刻画，如猫、鱼、虾等如何表现其生命动感。我们将强调，花鸟画的技法不仅仅是技巧的展示，更是艺术家对生命的热爱与观察的体现。 最后，我们将探讨花鸟画所蕴含的“寓意”与“情思”。许多花鸟画作品并非仅仅是自然景物的描绘，而是寄托了艺术家美好的愿望、人生感悟或道德情操。例如，梅兰竹菊象征着高洁的品格，牡丹象征着富贵吉祥，鱼象征着年年有余。我们将分析，艺术家如何通过花鸟的组合与表现，传达出“吉祥”、“喜庆”、“清雅”、“淡泊”等不同的情愫，使得花鸟画成为连接自然美与人文精神的桥梁。 结论： 写意山水与花鸟画，是中国艺术宝库中珍贵的遗产。它们以独特的笔墨语言，展现了东方人对自然的热爱，对生命的尊重，以及对宇宙人生深刻的体悟。本书通过对写意精神、山水画意境与花鸟画情思的漫谈，希望能够为读者提供一个更加广阔的视野，去欣赏、去理解、去感受这两大画科的魅力。我们鼓励读者在阅读之后，能够走进自然，用心去观察，用笔去描绘，将这份传承千年的艺术精神，在新的时代中继续发扬光大。愿笔尖下的生灵，能在你的手中，绽放出新的生命与光彩。

评分☆☆☆☆☆

翻阅《工笔花鸟画技法》的过程中，我时常会被书中精美的范例所吸引，但更令我着迷的是其循序渐进的教学逻辑。作者并没有一开始就给出复杂的构图和繁复的色彩搭配，而是将重点放在了最基本、最核心的要素上。比如，关于“线条的运用”这一章节，我之前可能只是笼统地知道工笔画要勾线，但这本书却将线条进行了细致的划分，从“游丝描”、“十八描”到更具表现力的“飞白”、“顿挫”，并结合大量的实例，展示了不同线条在表现不同物象（如羽毛的柔软、花瓣的筋脉、枝干的苍劲）时所产生的不同效果。更重要的是，它强调了线条本身的“情感”属性，告诉你如何通过线条的粗细、轻重、快慢来传达物体的质感和动态。我曾尝试着临摹书中关于“描绘鸟羽”的部分，原本觉得枯燥的重复勾勒，在理解了每根羽毛的生长方向、层次以及在光线下的微妙变化后，变得充满了趣味。书中的讲解并不止于“怎么画”，更在于“为什么这么画”。它会告诉你，为什么这里需要用更细腻的线条来表现毛发的蓬松感，为什么另一处需要用更粗犷有力的线条来刻画枝干的韧性。这种“知其然，更知其所以然”的教学方式，让我觉得学到的不仅仅是技巧，更是绘画的原理。我甚至觉得，即使不去画画，仅仅是阅读这一章，也能提升我对物体形态的感知能力，更加敏锐地捕捉到生活中各种线条的美感。

评分☆☆☆☆☆

在《工笔花鸟画技法》中，我找到了我一直以来对工笔画色彩运用的困惑的解答。我总觉得工笔画的色彩要么过于饱和，显得俗气；要么过于淡雅，缺乏生气。这本书的“色彩的调和与运用”章节，彻底改变了我的看法。作者花了大量的篇幅去讲解“色与墨的配合”，这对我来说是一个全新的概念。我之前一直以为工笔画是先勾线，再设色，两者是相对独立的过程。但这本书指出，墨色本身就带有一定的“灰度”和“冷暖”，它与色彩的结合，能够产生更加丰富、微妙的过渡，避免了色彩的生硬和平铺。书中对于“沥粉”和“点染”等传统技法的讲解，也让我大开眼界。我一直以为这些只是装饰性的技法，但作者却将其与色彩的“厚重感”、“立体感”紧密联系起来。比如，在描绘牡丹时，书中是如何运用层层点染来表现花瓣的层次和质感，让画面呈现出一种“浮雕”般的视觉效果。此外，关于“光源的分析”在色彩运用中的重要性，也得到了充分的强调。它不仅仅是教你如何调色，更是引导你思考光线如何照射在花鸟身上，产生怎样的明暗、冷暖变化，从而让色彩更加真实、生动。我尝试着按照书中的方法，去表现一朵即将凋零的荷花，那种在残缺中依然保持的淡雅与从容，通过墨色与色彩的巧妙结合，以及对光影的细致捕捉，得到了很好的呈现。

评分☆☆☆☆☆

《工笔花鸟画技法》中关于“笔墨的枯湿浓淡”这一章节，对我来说是一个巨大的突破。在此之前，我总觉得工笔画的笔墨要求是“匀”、“净”、“细”，似乎不能有太多的变化。然而，这本书却让我看到了笔墨的无限可能性。作者通过对不同笔触的细致讲解，比如“焦墨”、“湿墨”、“浓墨”、“淡墨”，以及它们在不同材质（如宣纸、绢）上的表现，让我认识到，即使是同一种墨，在不同的运用方式下，也能产生截然不同的效果。我印象最深刻的是书中关于“表现水滴飞溅”的示范，作者如何用极快的笔速，配合饱蘸的墨汁，却能画出水滴那种瞬间的爆发力和动感，仿佛听到了“扑通”一声。而且，它还强调了“笔随形走”，即笔触的变化要与物体的形态和质感相呼应。例如，画老树的枝干，就需要用枯笔、飞白来表现其苍劲；画荷叶上的露珠，则需要用湿墨、晕染来表现其晶莹剔透。这种对笔墨精微之处的讲解，让我觉得工笔画的创作不再是单调的重复，而是充满了探索的乐趣。我开始尝试着在练习中，有意识地去运用不同程度的干湿和浓淡，观察它们在画面中产生的化学反应，这让我对“水墨的韵味”有了全新的理解。

评分☆☆☆☆☆

《工笔花鸟画技法》最让我感到惊喜的是它对“写生与写意”关系的深刻剖析。一直以来，我对写生和写意这两种绘画方式总有一种泾渭分明的认知，认为它们是截然不同的表现手法。然而，这本书却巧妙地将两者融合，指出优秀的工笔花鸟画，既要有对物象形态的精准把握，又要有笔墨的写意精神。它并没有要求读者一味地去描摹对象，而是强调“意在笔先，形随心动”。书中关于“提炼与概括”的讲解，让我明白，在写生的过程中，如何抓住物象最本质的特征，舍弃不必要的细节，使其在画面上更加突出和富有表现力。例如，描绘一只栖息的麻雀，作者示范了如何通过寥寥几笔，却能抓住麻雀那种机敏、灵动的感觉，而不是将每一根羽毛都画得纤毫毕露。更重要的是，书中关于“水墨的渗透性”在表现自然肌理上的应用，让我受益匪浅。如何通过水墨的晕染，来表现花瓣的水润感，或者枝干的斑驳感，这些都需要对材料特性有深刻的理解。我曾经尝试着模仿书中关于“表现树皮的肌理”的讲解，运用破笔、飞白等技法，再结合墨色的枯湿浓淡，最终画出了颇具质感的树皮，这让我对“笔墨的语言”有了更深的体会。

评分☆☆☆☆☆

初次翻开这本《工笔花鸟画技法》，我最直观的感受是它的“沉静”。与市面上许多急于展现华丽技巧的书籍不同，它从一开始就营造了一种温润而扎实的基础氛围。书中的第一章，并非直接跳入勾线设色的细节，而是花了相当大的篇幅去阐述“写意与工笔的融通”。我之前一直觉得工笔画是线条的严谨，色彩的细腻，甚至有些刻板，而这本书却告诉我，即使是精雕细琢，也离不开笔墨的韵味和精神的传递。它没有回避工笔画在造型上的写实要求，但更强调如何在写实的基础上，注入画家个人的情感和对自然的洞察。书中关于“物象的气韵”的论述，让我开始重新审视一朵花、一片叶子的内在生命力，思考它们在生长过程中所经历的风雨、阳光，以及由此产生的姿态和神韵。我尤其喜欢其中对于“虚实相生”的解读，它不是简单地将背景留白，而是通过墨色深浅、线条疏密来营造空间感和层次感，让画面既有实体，又不失空灵，仿佛能呼吸一般。这种对画面整体性的考量，远比单纯学习某种技法要来得深刻。我试着按照书中的指导，去观察身边的花鸟，不再仅仅是看它们的形状，而是去感受它们的“魂”。比如，一株迎春花，它在寒冬中绽放的顽强，那种不屈的生命力，如何在笔下呈现？这本书给了我一个全新的视角去思考这个问题，而不仅仅是教会我如何勾勒花瓣的轮廓。它不仅仅是一本技法书，更像是一本关于如何“看”世界的启蒙读物，引导我在细节中发现美，在平凡中体悟不凡。

评分☆☆☆☆☆

《工笔花鸟画技法》中关于“环境的营造与氛围的烘托”这一章节，让我看到了工笔画的“诗意”所在。我之前总是将注意力集中在主体物象的描绘上，而忽略了背景和环境对画面整体意境的影响。这本书指出，优秀的工笔花鸟画，不仅仅是花鸟本身的描绘，更重要的是它所营造出的“氛围”，以及这种氛围所传达出的情感。作者讲解了如何通过“墨色的晕染”来表现清晨的薄雾，或者傍晚的余晖；如何通过“枝叶的穿插”来营造画面的空间感和层次感；如何通过“点景人物”或“其他小景物”来衬托主体，增强画面的故事性。我尤其喜欢书中关于“表现雨景”的示范，作者是如何通过细密的线条和点滴的墨痕，来模拟雨滴落在花草上的效果，让整个画面都充满了湿润和清新的气息。此外，书中还提到了“季节的特征”在环境营造中的重要性，比如，表现秋季的萧瑟，可能需要运用枯黄的色彩和疏朗的构图；表现春季的生机，则需要运用鲜艳的色彩和饱满的构图。通过对这些环境元素的细致讲解，我发现，工笔花鸟画的创作，是一个将自然景色与个人情感相结合的过程，画面不仅仅是物体的写照，更是画家内心世界的延伸。

评分☆☆☆☆☆

读完《工笔花鸟画技法》关于“构图与布局”的部分，我才真正理解了什么叫做“画眼”。之前我总以为构图就是把东西摆好，让画面看起来“满”或者“空”。这本书却把构图提升到了一个战略性的高度，它讲的不仅仅是物体的摆放位置，更是如何通过构图来引导观者的视线，营造画面的意境和情感。书中对于“疏密有致”、“虚实相间”的阐释，让我觉得构图就像是在指挥一场盛大的音乐会，每一个元素都有其扮演的角色，相互配合，共同奏响和谐的乐章。我尤其欣赏书中关于“留白”的讲解，它并非是“什么都不画”，而是“留下可以想象的空间”。作者通过大量的实例，展示了如何利用空白来突出主体，制造呼吸感，甚至引发观者的联想。比如，在画一株含苞待放的梅花时，画面上大片的空白，反而衬托出梅花那股傲然独立、蓄势待发的生命力。此外，书中还提到了“黄金分割”、“九宫格”等传统构图法则，但并没有生搬硬套，而是强调要根据画面的内容和主题灵活运用，做到“法随我用”。我试着运用书中的一些构图原则，去重新布置一幅画，原本觉得杂乱无章的画面，瞬间变得有了重点和方向，观赏起来也更加舒适和有层次。

评分☆☆☆☆☆

在《工笔花鸟画技法》中，我发现作者在讲解“动物的动态与神情”时，着实下了一番功夫。这不仅仅是教你如何画出鸟儿的翅膀和爪子，而是要抓住它们“活”的那一面。书中提供了大量的写生素材和分析，比如，一只正在梳理羽毛的鸟，它的每一个动作都充满了细节；一只准备起飞的鸟，它的身体姿态又蕴含着一股力量。作者强调了“观察”的重要性，要学会去捕捉动物的本能反应和情感流露。我尤其喜欢其中关于“眼睛的描绘”的章节，眼睛是心灵的窗户，一句老话，但在工笔画中，如何通过眼神来传达鸟儿的警觉、好奇、甚至一丝狡黠，这需要非常精妙的笔法和色彩运用。书中示范了如何用细小的点染和色彩的微妙变化，来赋予鸟儿的眼睛生命力。此外，书中还提到了“鸟类解剖学”的简要介绍，这并非是要求我们成为专业解剖师，而是帮助我们理解鸟类的骨骼和肌肉结构，从而画出更准确、更有力量感的造型。我尝试着去画书中示范的一只正在鸣叫的黄鹂，在理解了它发声时的头部和颈部姿态后，画出来的效果比之前随意揣摩要生动和自然得多。

评分☆☆☆☆☆

《工笔花鸟画技法》在“花卉的质感与形态”这一部分的讲解，堪称细致入微。我一直觉得画花，最难的是如何表现出它们不同的“质感”。一朵娇嫩的玫瑰，和一株苍劲的梅花，它们的质感截然不同，但传统的工笔技法似乎很难区分。这本书却给了我答案。作者花了大量篇幅去讲解如何通过不同的用笔、用墨、用色来表现不同的花卉质感。例如，对于丝绒般的质感，可能需要用细腻的笔触，层层晕染，并且在色彩上追求柔和的过渡；而对于带刺的玫瑰，则需要用勾勒和点染相结合的方式，突出其坚硬的轮廓和柔软的花瓣之间的对比。书中对于“花瓣的透明感”和“花蕊的细节”的描绘，也让我大开眼界。如何用极淡的色彩和水分的控制，来表现花瓣晶莹剔透的感觉；如何用细小的笔触，描绘出花蕊的绒毛和花粉，这些都需要极大的耐心和技巧。我尝试着画书中关于“表现月季花的层次感”的示范，通过观察月季花瓣的卷曲方式和光影变化，再结合书中讲解的“勾勒填色”和“没骨填色”的技法，最终画出的月季花，不仅颜色鲜艳，而且非常有立体感和生命力，仿佛能闻到淡淡的香气。

评分☆☆☆☆☆

在《工笔花鸟画技法》中，最令我印象深刻的是它关于“修复与保存”的实际建议。很多绘画书籍在讲完技法后就戛然而止，但这本书却将目光放到了作品完成之后，这对于一个初学者来说，是非常有价值的。作者不仅提到了如何避免作品受潮、受虫蛀，还详细讲解了如何对一些细微的破损进行修复，比如，如何处理画面上的污渍，或者如何修补断裂的线条。这让我觉得，这本书不仅仅是在教你如何“画”，更是在教你如何“爱护”你的作品。我之前尝试着去修复一幅不小心弄脏了的画，但因为缺乏专业知识，反而越弄越糟。读了这本书后，我才了解到，有些污渍可以使用橡皮进行擦拭，而有些则需要用特制的清洁剂。此外，关于“装裱”的建议，也让我受益匪浅。它详细介绍了不同材质的装裱方式，以及如何根据画面的风格和内容选择合适的装裱形式，这对于提升画作的整体观感和价值，起到了至关重要的作用。这本书让我觉得，它不仅仅是一本教授绘画技法的工具书，更像是一位经验丰富的老师，在全面地引导和帮助我的绘画之路，让我觉得我在学习过程中，少走了许多弯路。

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很好，正版

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经典是指具有典范性、权威性的著作。

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印刷质量很好的一本书，很清楚

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挺好挺好挺好挺好挺好。

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现在大家常说的经典究竟是什么？

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收到了

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比较适合学画的朋友，挺实用

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正版

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买了两本，还可以～～