具体描述
编辑推荐
结构训练是造型创作的基础，是美术学习的必经阶段。套书立足于基础，对结构透视关系，明暗色调关系作详细介绍，讲解简明扼要、条理清晰，避免学习者在自学过程中绕弯路，能够迅速提高。
内容简介
《绘画基础教程：素描静物·单体》收录的素描静物单个物体都日常生活中比较常见的物品，结构造型简单，质感也不太复杂。稿件对不同种类的单个静物进行质感分类，如光洁物体的质感、粗糙物体的质感、透明物体的质感以及柔软物体的质感，每个静物都作有讲解、结构素描和明暗素描，并配有明暗素描的步骤示范，使初学者能根据书本中的作品作画步骤和范画，比较容易地将物体形体结构和明暗画准确。非常适合自学临摹使用。
作者简介
李家友，重庆人，毕业于四川美术学院美教系，多年从事美术图书发行工作，对美术高考的考试风向有敏锐的把握能力。
内页插图
前言/序言
用户评价
我一直认为，绘画是一门需要天赋的艺术，自己可能没有那份“灵气”。但《绘画基础教程：素描静物·单体》这本书，让我重新认识了绘画的本质。它以极其严谨的态度，将绘画的“基础”拆解得如此清晰。书中对“明暗色调关系”的阐述，让我明白，原来画面中的“灰”也可以如此丰富和有层次。它不仅仅是简单的亮暗区分，更是对光线与物体材质相互作用的深刻解读。比如，书中讲解如何表现玻璃杯的光泽，以及金属的冷峻质感，都通过对不同灰度值的运用和细腻的笔触过渡，达到了令人惊叹的效果。我尝试着运用书中的方法，去练习不同材质的物体，比如一块粗糙的石头，一个光滑的瓷器，或者一件柔软的布料。通过对明暗层次的细致刻画，我发现，原本我以为难以表现的质感，竟然可以通过对灰度的精准控制来呈现。这套书让我明白，绘画并非遥不可及，它更多的是一种科学的观察和逻辑的运用。通过对基础的扎实掌握，即使是没有所谓的“天赋”，也能通过勤奋和正确的方法，画出令人满意的作品。它给了我巨大的信心，让我愿意继续在这条艺术道路上探索。
评分对于我这样对色彩理论比较陌生的新手来说，《绘画基础教程：素描静物·单体》中的“色调关系”部分，给了我很大的帮助，尽管这本书是以素描为主，但其中对明暗关系的处理，实际上已经是在为色彩学习打下基础。它不仅仅讲解了亮部、暗部、反光，更是深入地分析了不同灰度之间的过渡和对比。书中通过对比图，展示了如何通过调整不同灰度之间的关系，来营造画面的空间感和体积感。例如，它会对比几种不同灰度组合的画面，让你直观地感受到，哪种组合更能表现出物体的立体感，哪种组合会显得画面更灰。我尤其欣赏它对“色调统一”的讲解，虽然是素描，但它强调了画面整体灰度的和谐，避免了局部灰度过于突出或暗淡，从而影响整个画面的视觉效果。这种对“色调”的理解，让我意识到，即使是黑白灰的素描，也蕴含着丰富的信息，能够传递出物体的质感和氛围。我尝试着用书中的方法去画静物，着重于灰度之间的细腻过渡，惊喜地发现，我的画面比以前“透气”多了，不再是死气沉沉的。
评分我拿到这套《绘画基础教程：素描静物·单体》的时候，其实是对“单体”的概念有些模糊的。我以为它只是教你画一些单独的物体，但实际阅读后，我发现它对“单体”的理解，远比我预想的要深入得多。它不仅仅是讲解单个物体的形体和结构，更重要的是，它强调了“单体”在构建更复杂画面中的基础作用。书中的讲解，是循序渐进的，从最简单的几何体，到生活中常见的静物，再到一些带有复杂结构的物体，比如花卉、衣物等。它会引导你分析这些“单体”的内在构成，比如一朵花，它是由花瓣、花蕊、花茎等多个“单体”组合而成，而每个“单体”又有着自己的结构和明暗关系。书中对这些“单体”的拆解和分析，非常细致，让我能够清楚地看到，即使是看似简单的物体，内部也隐藏着复杂的结构和变化。例如，它会教你如何分析一个苹果的球体结构，以及它表面不规则的起伏和果蒂的细节。这种对“单体”的深入剖析，让我不再只是看到一个“苹果”，而是看到了它是由怎样的形体、怎样的结构、怎样的明暗共同构成的。这种理解，为我后续学习组合静物、甚至人物素描打下了坚实的基础。
评分我是一个对绘画充满热情，但又屡屡受挫的学习者。《绘画基础教程：素描静物·单体》这本书，可以说是我绘画路上的“指路明灯”。特别是它在讲解“形体”部分时，那种严谨又易懂的风格，让我找到了前进的方向。书中从最基本的几何体开始，比如球体、立方体、圆柱体、圆锥体，然后讲解如何将这些基本形体组合起来，构成复杂的物体。它不是简单地告诉你“画一个球”，而是教你如何理解球体的体积感，如何在不同的光线下表现它的明暗变化，如何在纸上准确地画出它的“圆”。我过去画球体，总觉得是扁平的，没有立体感，但看了这本书之后，我才明白，原来是忽略了形体转折处的微妙变化，以及光线在曲面上产生的微妙的灰部层次。书中大量的图解，将复杂的形体分析变得一目了然，让我能够迅速理解并运用到自己的练习中。更重要的是，它让我形成了“用形体去看待物体”的思维模式，当我看到一个苹果时，我不再是只看到一个红色的圆形，而是看到了它是一个球体，它有顶部和底部的变化，它有向光面和背光面，它表面的起伏也遵循着球体的体积规律。
评分明暗关系的处理，一直是我素描练习中的一个瓶颈。我总觉得画面不够“通透”，要么灰蒙蒙一片，要么对比过于强烈，失去了丰富的层次。这套《绘画基础教程：素描静物·单体》在明暗色调关系的讲解上，做得非常到位。它没有止步于简单的“亮面”、“暗面”、“反光”这些概念，而是深入地分析了光线是如何照射在物体表面，产生不同的明暗变化。书中对“光源方向”、“光源强度”、“物体材质”对明暗的影响，都做了非常详尽的分析。我特别喜欢它讲解“灰面”和“灰度过渡”的部分，它告诉我们，画面中的“灰色”是多么的重要，它连接了亮部和暗部，是画面层次感的关键。书中通过大量的图例，展示了不同光源下，同一个物体的明暗变化，以及如何通过细腻的笔触，来表现物体表面的光滑、粗糙、透明等不同质感。我尝试着运用书中的方法，去画一些带有金属光泽的器皿，或者半透明的玻璃杯，发现画面真的变得生动起来，金属的冰冷质感，玻璃的晶莹剔透，都通过对明暗层次的细致刻画得以体现。这套书让我明白，明暗不是简单的明暗，而是物体本身材质和光线互动的结果，它承载着物体的体积、质感和空间感。
评分在学习绘画的过程中，我常常感到自己的作品缺乏“生气”，画面显得有些“呆板”。《绘画基础教程：素描静物·单体》在讲解“结构透视关系”和“明暗色调关系”时，非常注重引导读者去理解物体的“生命力”。它不仅仅是在教授技术，更是在传递一种观察和感受世界的方式。书中关于“结构”的讲解，让我明白，每一个物体的存在，都有其内在的逻辑和生长规律。比如，画树枝时，它会让你去观察树枝的生长方向、粗细变化，以及枝节的连接方式。画花卉时，它会让你去分析花瓣的层叠方式，花蕊的生长结构。这种对“生长逻辑”的理解，让我在绘画时，不再是机械地复制，而是能够赋予物体一种内在的生命力。而“透视”和“明暗”的结合，更是让这种生命力得以在二维平面上展现。例如，光线照射在有生命力的物体上，会产生微妙的光影变化，这些变化能够准确地反映出物体的体积、质感，甚至是它的“呼吸感”。这套书的价值在于，它不仅仅是一个技术手册，更像是一位经验丰富的老师，用循序渐进的方式，引导你进入一个更深层次的绘画世界，让你在学习技巧的同时，也能培养出对艺术的独特感知。
评分刚拿到这套《绘画基础教程：素描静物·单体》时，我其实是带着一丝忐忑的。我是一名自学绘画的爱好者，之前尝试过不少教程，但总觉得自己在“画得像”这个阶段徘徊不前，对结构的理解总是隔靴搔痒，透视更是我的“硬伤”。这本书的第一卷，也就是素描静物部分，直接切入了这些痛点。它没有上来就堆砌复杂的技法，而是从最基础的几何体入手，一点点地引导我们观察物体的本质。我特别喜欢它在讲解“结构”时的思路，不是简单地告诉你“要画圆柱体”，而是告诉你如何从圆柱体的横截面、竖向线条、以及它在空间中的投影来理解它的体积感。书中大量的实例剖析，从单个的苹果、梨，到组合的水杯、书籍，都详细地分解了它们的结构线、形体转折，甚至连一些细微的凹凸起伏都做了细致的标注。这让我意识到，原来以前我只是在“描摹”表面的形状，而忽略了形体背后支撑它的骨骼。尤其是对一些不规则物体，比如布艺的褶皱，书中并没有回避，而是用非常巧妙的方式，将看似复杂的褶皱归纳到基本形体的变化上，讲解得条理清晰，让我茅茅然开, 仿佛打开了新世界的大门。我甚至拿家里的水果和餐具，按照书中的方法仔细观察和绘制，竟然真的感觉到了物体在纸上“站”起来的那种立体感。这套书的优点在于，它不会让你觉得某个知识点是“凭空出现”的，而是层层递进，每一步都踩在实处，让你在不知不觉中，对物体的理解变得深刻。
评分我对“素描静物”的印象，一直停留在“照猫画虎”的阶段，总觉得只是把看到的形状画下来，却没有真正理解物体本身。这套《绘画基础教程：素描静物·单体》彻底改变了我的认知。它不仅仅是教你如何“画”，更是教你如何“看”和“理解”。书中对“结构透视关系”的讲解，非常深入，让我明白了，每一个物体在空间中都有其固定的位置和角度，而透视就是描述这种空间关系的规律。它从最基础的几何体入手，一步步地引导读者去理解“视平线”、“灭点”这些概念，并且强调了“观察”的重要性。我印象最深刻的是，书中有一个章节讲解如何画一组水果，它不是直接让你去画，而是先让你分析每个水果的形状、大小、相互之间的位置关系，以及它们在光线下的受光面和背光面。这种“先思考，后落笔”的教学方式，让我受益匪浅。我开始尝试着在绘画前，花更多的时间去观察物体，去分析它的结构，去想象它的立体形态。这种转变，让我的素描作品不再是简单的二维平面图，而是开始有了真实的体积感和空间感，仿佛可以直接从纸上拿出来一样。
评分坦白说，我对“透视”这个概念一直敬而远之，觉得它枯燥且难以掌握。但《绘画基础教程：素描静物·单体》中的透视章节，彻底颠覆了我之前的看法。它没有一开始就甩出让人眼花缭乱的“灭点”、“视平线”这些术语，而是从非常生活化的例子开始，比如我们看一排整齐排列的电线杆，或者一条望不到尽头的马路，它们是如何在我们的视野里逐渐变小的。书中用非常形象的比喻和图示，将二维平面上的透视原理，转化成了三维空间中的视觉体验。我尤其欣赏它对“一点透视”、“两点透视”的拆解，不是死记硬背公式，而是强调“看”和“感受”。比如讲解两点透视时，它会让你想象一个盒子，你从一个角度看它的两个侧面，两条垂直的棱线是如何在你的视野里向下（或向上）延伸，最终消失在水平线之下的。书中的很多练习，都要求我们实际去观察周围的物体，比如桌子、椅子、门框，然后尝试在纸上画出它们在不同角度下的样子。一开始我画得歪歪扭扭，但随着不断地练习，我逐渐掌握了找到灭点、画出透视线的规律。更重要的是，它让我明白，透视不是凭空产生的规则，而是我们眼睛在观察真实世界时，物体在二维平面上的自然投影。这套书的引导方式，让我从“怕透视”变成了“爱上透视”，它让我能够更准确地捕捉物体的空间关系，让我的画面拥有了真正的纵深感，不再是平面的堆砌。
评分这套《绘画基础教程：素描静物·单体》最让我印象深刻的一点，就是它对于“观察力”的培养。很多绘画教程都会强调观察，但这本书给我的感觉，不是简单地让你“看”，而是教你“如何看”。它会引导你去思考，为什么这个物体看起来是这样的？它的形状是如何形成的？它的光影是如何产生的？书中提供了大量的示范画和写生对比，让你能够直观地感受到，同样的物体，在不同的观察角度和理解深度下，所呈现出的效果是多么的不同。我记得有一章讲解如何画金属质感，它不是简单地告诉你画出反光点，而是让你去观察金属表面的细微纹理、光线在曲面上的反射规律，以及不同材质的金属所呈现出的独特光泽。我按照书中的方法，仔细观察家里的不锈钢勺子，以前我只看到它是个亮闪闪的物体，现在我能看到它表面的微小划痕，光线如何在它的弧面上流动，以及它边缘的锐利或圆润。这种“看透”物体的能力，是绘画进步的基石，而这本书恰恰在这方面给了我极大的启发。它让我明白，绘画不仅仅是手上的技巧，更是脑海中的理解。
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