曲式与作品分析（下册 附光盘） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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茅原，庄曜 著

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• 音乐理论
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• 音乐学
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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103032411

版次：1

商品编码：12085516

包装：平装

丛书名： 普通高等教育“十五”国家级规划教材

开本：16开

出版时间：2007-04-01

用纸：胶版纸

页数：434

正文语种：中文

附件：光盘

内容简介

　　《曲式与作品分析（下册）》属教育部“十五”规划科研项目，是供音乐专业本科作曲及音乐学专业使用的曲式与作品分析教材，其他专业的曲式与作品分析共同课在使用《曲式与作品分析（下册）》时，可适当精简。
　　《曲式与作品分析（下册）》以文字版+电子版的方式出版，配有“音响资料和习题光盘”。限于篇幅，大型作品的乐谱和音响不能全部收入，烦请任课教师自备。
　　《曲式与作品分析（下册）》所含谱例及音响，一般可满足教学需要。

目录

第七章 奏呜曲式
1．奏鸣曲式的基本概念
1．1 奏鸣原则与交响性
2．奏鸣曲式的结构
2．1 最简单的奏鸣曲式
2．2 最完整的奏鸣曲式
3．分析规范性奏鸣曲式的简便方法
3．1 发现主部主题
3．2 发现连接部
3．3 发现副部主题
3．4 发现结束部
3．5 陌生化与家族相似
4．奏鸣曲式的各个部分
4．1 引子
4．1．1 统一性引子与对比性引子
4．1．2 引子的和声、调式、调性
4．1．3 引子的结构
4．2 呈示部
4．2．1 主部主题
4．2．1．1 主题与主题群
4．2．1．2 统一性主题与对比性主题
4．2．1．3 主部主题的结构
4．2．1．4 主部主题与连接部之间的“界限”的有无之分
4．2．1．5 主部主题结束后面临的可能性
4．2．1．5．1 第二主部
4．2．1．5．2 连接部
4．2．1．5．3 主部主题的展开
4．2．1．5．4 副部主题
4．2．2 主部与副部之间的连接部
4．2．2．1 独立的连接部
4．2．2．2 转化而成的连接部
4．2．2．3 连接部的结构
4．2．3 副部主题
4．2．3．1 主题与主题群
4．2．3．2 副部主题的结构
4．2．3．3 副部主题的调性
4．2．3．4 主部与副部主题材料的关系
4．2．3．4．1统一关系
4．2．3．4．2 对比关系
4．2．3．4．3 相互渗透
4．2．3．5 副部主题结束时面临的可能性
4．2．3．5．1 下面是另一个副部主题
4．2．3．5．2 下面是连接部
4．2．3．5．3 下面是结束部
4．2．4 结束部
4．2．4 -1常见的两个特点
4．2．4．2 结束部的调式调性
4．2．4．3 结束部的曲式功能
4．3 展开部
4．3．1 展开部的结构
4．3．1．1 引入部分
4．3．1．2 中心部分
4．3．1．3 返回部分
4．4 再现部
4．4．1 普通的再现部
4．4．2 再现部的变化形式
4．4．2．1 取消连接部或以插部代替原有的连接部
4．4．2．2 副部对主部作调式服从
4．4．2．3 主部移到下属调
4．4．2．4 主题先再现调性后再现
4．4．2．5 带假再现
4．4．2．6 倒装再现
4．4．2．7 双主题叠置再现
4．4．2．8 省略主部
4．4．2．9 省略副部
4．4．2．1 0其他
4．5 结尾部（尾声）
5．例题分析
习题

第八章 组曲
1．组曲的基本概念
2．例题分析
习题

第九章 赋格
1．关于编写体裁部分的说明
2．赋格的基本概念
3．复调音乐织体中的终止
4．赋格程序
4．1 呈示部
4．1．1 导句
4．1．1．1 赋格主题的特性
4．1．1．1．1 引子型陈述方式
4．1．1．1．2 常用音程
4．1．1．1．3 节奏特征
4．1．1．1．4 主题结构
4．1．1．1．5 主题进入的次序
4．1．2 应句
4．1．2．1 答题（主题在新调或原调上的再陈述）
4．1．2．1．1 完全答题
4．1．2．1．2 调性答题
4．1．2．1．2．1 主题从主音开始
4．1．2．1．2．2 主题从属音开始
4．1．2．1．2．3 主题从主音到属音两个音开始
4．1．2．1．2．4 主题从属音到主音两个音开始
4．1．2．2 对题
4．1．3 主题与对题的规范性变化形态
4．1．3．1 时值方面
4．1．3．2 旋律方面
4．1．3．3 移位
4．1．4 多余进入
4．1．5 第二呈示部
4．1．6 插部
4．2 展开部
4．2．1 密接和应
4．2．2 多展开部
4．3 再现部
4．4 尾声
5．结构布局
6．分析赋格的基本要求
6．1 图式规格
6．2 调性标记
7．例题分析
习题

第十章 歌剧
1．歌剧分类
2．分曲歌剧与乐剧
3．例题分析
4．附言
4．1 主导主题（主导动机）
4．2 主要主题与次要主题
习题

谱例索引
后记

音乐分析的深度探索：精选曲目剖析与理论实践指南 本书旨在为音乐学习者、演奏者及研究者提供一套系统、深入的音乐作品分析方法论与实践案例。它并非仅仅停留在对既有范式的罗列，而是着重于引导读者理解作曲家在特定历史语境下，如何运用结构、和声、对位、音色等多种元素，构建出具有鲜明个性和深刻内涵的音乐文本。全书内容围绕解析经典曲目展开，旨在激活读者的聆听敏感度和分析能力。 第一部分：结构学的精微构建与解析 本部分聚焦于音乐作品的宏观骨架——曲式结构。我们摒弃了僵硬的套用公式，转而探讨结构在不同历史时期和风格领域中的演变与灵活性。 一、奏鸣曲式：超越“呈示-发展-再现”的动态过程 本章深入探讨了古典主义晚期至浪漫主义时期奏鸣曲式的内在张力与解决机制。重点分析对象包括海顿晚期作品中趋于自由的结构布局，莫扎特钢琴奏鸣曲中清晰的对比与和声叙事，以及贝多芬如何通过拓展发展部、变异再现部，将形式推向极限，赋予结构以戏剧性。我们将考察： 1. 主题组的内部逻辑： 主题一与主题二在调性、节奏型、动机材料上的互补与冲突。 2. 呈示部的“不确定性”： 探讨如何通过副属和弦、转调的悬置来预示后续发展。 3. 发展部的“重构”艺术： 分析如何从现有材料中提炼出新的对位动机，并进行严格的序列展开。 4. 科达（Coda）的“终结”意义： 考察科达如何从简单的收束转变为对全曲主要冲突的最终定调。 二、复调音乐的层次交织：赋格与卡农的逻辑 本节专注于巴赫以降的严格复调技巧，将其视为一种精密的逻辑结构，而非仅仅是技巧的展示。 1. 赋格的动态分析： 详细拆解主导动机（Subject）的特点（音程、节奏），以及它在引子（Exposition）中不同声部的进入顺序与关系。重点分析中段的“插部”（Episode）如何通过模进、转位等手段，保持调性紧张感。 2. 主题的转换与变形： 考察在赋格发展过程中，主导动机如何被倒影（Inversion）、增值（Augmentation）、减值（Diminution）等手法处理，以及这些处理对音乐情绪的影响。 3. 卡农的建筑美学： 选取不同类型（如无限卡农、多重卡农）的范例，解析其周期长度与声部间的严格数学关系，并讨论这种严谨性如何孕育出流畅的音乐表达。 三、循环结构与宏大叙事：交响诗与室内乐套曲 分析结构如何服务于“叙事”或“意境”的构建，特别是在浪漫主义中晚期。 1. 主题的“变形”与统一： 考察李斯特、柏辽斯等作曲家如何使用同一或同一动机的变形，贯穿于一部多乐章作品甚至是一部交响诗之中，以此建立整体的有机性。 2. 回旋曲式的多变性： 探讨回旋曲（Rondo）如何被用于大型作品（如协奏曲的终乐章），以及其主部主题（A）在回归时，如何因调性或配器上的微小差异而呈现出新的意义。 --- 第二部分：和声、调性与色彩的解析 本部分将分析和声语言作为音乐情感表达核心要素的作用，考察其在不同风格中的功能与创新。 一、传统功能和声的精确解读 聚焦于古典主义时期和声语汇的运用规范，理解和弦的“功能”性。 1. 级进与派生和声： 详细解析七和弦、九和弦的使用时机，以及如何通过副属和弦（Secondary Dominants）和变化和弦（Altered Chords）实现精确的调性导向。 2. 终止式的心理学： 辨析完全终止、不完全终止、伪终止和交替终止在乐段收尾时的不同“力度”和“确定性”。 二、半音化与浪漫主义的和声探索 探讨瓦格纳、勃拉姆斯等人如何拓展调性边界，制造听觉上的“模糊”与“渴望”。 1. 和声的“悬置”： 分析增六和弦（Augmented Sixth Chords）的频繁使用及其在导向关系调性中的作用，特别是其模糊的解决方向性。 2. 非功能性色彩和声： 考察平行和弦（Parallel Chords）、异名同音和弦（Enharmonic Equivalents）在营造特殊氛围中的效果，它们如何暂时削弱了传统功能和声的束缚。 三、二十世纪音乐的调性解放与重构 转向对无调性、十二音体系以及新调性语汇的初步认识。 1. 十二音序列的组织原理： 解析序列的构建（原形、逆行、倒影、逆行倒影）及其在织体中的横向和纵向展开。重点在于理解音组排列而非传统的调性中心。 2. 音高类群（Pitch Class Set）分析的入门： 介绍如何利用集合论的概念来描述非传统和声的内部关系，例如全音阶、半音阶集合的内在张力。 --- 第三部分：织体、配器与表现手法 本部分关注声音的具体形态——织体（Texture）和配器（Orchestration）如何落实和深化结构与和声所奠定的基础。 一、复调、主调与多层次织体 分析不同织体类型的动态转换及其对听觉焦点的影响。 1. 织体的“呼吸”： 考察在同一乐章中，从单音、主调（旋律与伴奏）、到复杂的复调织体之间的过渡是如何被精心设计的，以避免听觉疲劳。 2. 对位法的密度控制： 在严格对位与自由对位之间，如何通过声部增减、音域分配来调节听觉的紧张度与清晰度。 二、管弦乐队的“音色调色板” 探讨作曲家如何利用不同乐器的音色特性来区分、对比或融合音乐材料。 1. 声部组合的对比策略： 分析弦乐组、木管组、铜管组之间的“对话”与“抗衡”，例如，使用木管的柔和色彩来衬托铜管的尖锐动机。 2. 精细化的配器标记： 考察如弱音器（Mute）的使用、特殊演奏法（如Sul ponticello, Col legno）如何为既定的和声或动机增添独特的情感色彩。 三、速度、力度与“乐句的呼吸” 分析演奏记号在作品阐释中的决定性作用。 1. 速度标记的梯度变化： 探讨如 Accelerando、Ritenuto 等标记如何被用来构建乐句内部的驱动力，以及 Tempo Primo 回归时的力度和表情对比。 2. 重音与强调： 分析重音（Accent）和 Sforzando 如何在不改变和声功能的前提下，对特定音高或动机进行强调，从而影响听众对结构重点的感知。 --- 结语：分析的最终目的 本书强调，分析的最终目标不是将音乐拆解成冰冷的部件，而是重建作曲家创作时的意图与逻辑，从而提升我们对音乐作品的深度体验和演奏的精准性。读者应将所学方法应用于各种风格的作品，培养一种能够“看见”声音背后结构的手耳并用能力。

评分☆☆☆☆☆

这本《曲式与作品分析（下册 附光盘）》在我漫长的音乐学习生涯中，无疑是一盏指路明灯。我是在大学时期接触到上册的，当时就被其严谨的逻辑和深入浅出的讲解所折服，然而一直苦于下册不易寻得。当终于拿到这本“下册”时，那种失而复得的喜悦难以言表。翻开书页，首先映入眼帘的是熟悉的、带着一丝厚重感的装帧，仿佛预示着里面蕴含着更深邃的理论与实践。我迫不及待地翻阅目录，看到里面涵盖了奏鸣曲式、回旋曲式、变奏曲式等更高级、更复杂的曲式结构，心中涌起一股既期待又略带挑战的激动。我尤其关注那些对乐曲的“作品分析”部分，这部分往往是理论与实践结合最紧密的环节，是真正检验学习成果的关键。我希望书中能像上册一样，通过对经典作品的剖析，将抽象的曲式理论具象化，让我能够清晰地看到音符是如何组合成一个个令人惊叹的音乐篇章的。而附带的光盘，更是让我惊喜不已，这意味着我可以同步听到书中分析的音乐片段，甚至可能是完整的乐章，这将大大提升学习的效率和趣味性。我个人非常喜欢那种带有实际演奏示范或名家讲解的音频，这能够帮助我从听觉上理解曲式在音乐进行中的实际体现，而不仅仅是停留在纸面上的符号。总而言之，对于任何想要深入理解音乐结构，提升音乐鉴赏和创作能力的读者来说，这本书都具有不可替代的价值。

评分☆☆☆☆☆

对于许多音乐学习者而言，曲式分析常常是学习道路上的一道坎，但《曲式与作品分析（下册 附光盘）》这本书，却像一位经验丰富、循循善诱的老师，将这条看似艰难的路途变得平坦而有趣。我尤其欣赏书中在阐述复杂的曲式理论时，所表现出的逻辑严谨性和条理性。每一章节都围绕着一个核心曲式展开，从基础概念的介绍，到具体作品的案例分析，再到一些可能出现的变体和拓展，都做到了层层递进，环环相扣。我个人对书中对于不同历史时期作曲家在同一曲式上的不同处理方式的比较非常感兴趣，这让我看到了曲式理论的灵活性以及音乐风格的演变。附带的光盘，不仅仅是简单的音频文件，而是经过精心挑选和编排的，能够最大限度地辅助读者理解书中的内容。我经常会发现，书中某个文字描述的抽象概念，在光盘里的音乐片段中得到了完美的诠释。例如，在讲解回旋曲式的主题再现时，光盘里的音频能够清晰地展现主题以不同的方式回归，有时是原汁原味，有时则是经过了一些巧妙的变奏，这种听觉上的体验，让曲式分析不再是枯燥的理论推导，而是一种生动的音乐体验。这本书让我觉得，学习曲式不仅是为了应付考试，更是为了能够更深刻地、更有层次地去欣赏和感受音乐的魅力。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前对“曲式”这个概念一直有些模糊，总觉得是理论书里那些干巴巴的条条框框，离我真正理解音乐还有点距离。直到我偶然翻到了这本《曲式与作品分析（下册 附光盘）》，才感觉脑海中的迷雾逐渐散开。这本书的讲解方式非常独特，它不是简单地罗列定义和术语，而是通过大量具体、经典的音乐作品作为案例，一步步引导读者去发现和理解曲式是如何在实际音乐中运作的。我尤其喜欢书中对那些“例外”情况的处理，那些不完全符合理论规范，但却同样精彩绝伦的作品，恰恰展现了音乐的生命力和作曲家的创造性。这种“举一反三”的学习方式，让我觉得学习曲式不再是一件枯燥的事情，而是一种探索音乐奥秘的奇妙旅程。而且，附带的光盘真是太给力了！我可以一边看着书上的乐谱分析，一边听着光盘里的音乐片段，那种“声情并茂”的学习体验，让我在很短的时间内就对一些复杂的曲式有了更深刻的理解。我记得有一段关于奏鸣曲式分析的讲解，书中花了大量篇幅来剖析一个乐章的呈示部、发展部和再现部，而光盘里的音频恰好能让我清晰地听到主题是如何发展、变形，以及最终回归的，这种直观的感受是任何文字描述都无法比拟的。对于想从“听懂”音乐到“理解”音乐的读者，这本书绝对是你的不二之选。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的感觉就像是一本为音乐“解剖师”量身定制的工具书。我一直对音乐作品的“骨架”是如何搭建的充满好奇，而《曲式与作品分析（下册 附光盘）》恰好满足了我这种求知欲。下册的内容比上册更加深入，涉及的曲式结构也更加复杂，我尤其感兴趣的是关于赋格、奏鸣曲式发展部以及一些不常见的曲式类型的讲解。作者在分析时，不仅仅停留于表面上的“是什么”，更是深入探讨了“为什么”。比如，为什么作曲家会在发展部采用某种特定的调性转换？为什么某个主题的变形会是如此巧妙？书中对这些问题的解答，充满了智慧和洞察力。我特别喜欢书中对一些具体作品的“微观分析”，将一个庞大的乐章拆解成无数细小的部分，然后逐一剖析其功能和意义。附带的光盘更是锦上添花，使得这种“解剖”过程更加直观和生动。我常常会一边对照乐谱，一边听着光盘里的音乐，仿佛亲手在“触摸”音乐的结构。有时候，我还会尝试着将书中的分析应用到我正在学习或演奏的曲目中，虽然水平有限，但这种尝试本身就极大地提升了我对音乐的感知能力。这本书为我打开了一扇通往音乐深层结构的大门，让我能够以一种全新的视角去欣赏和理解音乐。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余的音乐爱好者，我一直在寻找能够真正提升我对音乐理解深度的书籍，而《曲式与作品分析（下册 附光盘）》恰恰填补了我的这一需求。我不是音乐专业的学生，所以对过于深奥的学术理论会感到望而却步，但这本书记载的知识点，尽管涉及到了相对复杂的曲式结构，但其讲解方式却异常的清晰易懂。作者善于运用类比和形象的比喻，将抽象的音乐结构变得生动起来。比如，在讲解变奏曲式时，作者会将其比作在一首熟悉的旋律基础上进行各种“装扮”和“变形”，从简单的节奏变化到复杂的调性转换，都描绘得绘声绘色。更难得的是，本书在讲解曲式理论的同时，非常注重“作品分析”的部分，这使得学习过程充满了实践性。我会反复聆听光盘中的音乐片段，对照书中的分析，试图去体会每一个音符、每一个乐句是如何服务于整体的曲式结构的。有时候，我会发现一些自己以前听音乐时忽略的细节，比如某一个乐句的突然转折，或者某个和弦的巧妙运用，而这些细节，在书中都会被一一揭示其在曲式构建中的重要意义。这本书让我明白，伟大的音乐作品不仅仅是旋律优美，更在于其背后精巧的结构和逻辑，这让我对音乐的敬畏之心又加深了一层。