二十世纪作曲技法分析（修订版）/“作曲技术理论”丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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姚恒璐 著

图书标签:

• 作曲技法
• 音乐理论
• 二十世纪音乐
• 和声
• 对位
• 音乐分析
• 作曲
• 理论音乐
• 现代音乐
• 音乐史

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805538044

版次：2

商品编码：12156009

包装：平装

丛书名： “作曲技术理论”丛书

开本：16开

出版时间：2017-06-01

用纸：胶版纸

正文语种：中文

内容简介

　　《二十世纪作曲技法分析（修订版）/“作曲技术理论”丛书》通过分析一些具有代表性曲家的典型作品，学习研究当前世界上已经规范化的分析方法学；通过展示原作的曲谱及分析图表，认识不同技法、风格的音乐作品的组织结构。
　　《二十世纪作曲技法分析（修订版）/“作曲技术理论”丛书》还从作曲技法的演变过程中，选取代表性作曲家的一些典型的小、中型作品作为谱例。
　　对于《二十世纪作曲技法分析（修订版）/“作曲技术理论”丛书》的写作宗旨，笔者还有以下一些构想。
　　首先，20世纪音乐分析是对本世纪所产生的某些具体音乐分析的学习。上述分析方法本身产生于20世纪，学习的初阶段需要追溯到一些古典、浪漫主义时期的作品，以便于学习者理解某些现代音乐作品同传统音乐作品的继承关系。
　　其次，20世纪音乐分析的主要研究对象是本世纪的近现代音乐作品，通过学习和分析实践，学习乾应当在理论上理解上述音乐分析方法的基本原则，在实践中会“对症下”，根据不同类型的作品，选择不同的分析方法。对此，每一章中的实例分析都带有对某类分析手法的实证意义。
　　《二十世纪作曲技法分析（修订版）/“作曲技术理论”丛书》在著述中想表达的另一层含义是，在分析方法上不拘泥于某一固定的分析形态，主张跨风格、跨技法的多重思维，拉近分析途径与音乐创作实践之间的关系。

作者简介

　　姚恒璐，博士，中央音乐学院作曲系教授、博士生导师。曾获英国利兹大学作曲专业音乐硕士学位（Mmus）和哲学博士学位（PhD）。发表各类音乐学术论文70余篇。主要作品：交响曲《升华》（七乐章）；管弦乐《虹》等；室内乐：《第二弦乐四重奏》、六重奏《山曲》、铜管五重奏《音画三幅》等；民乐五重奏《五福连珠》、《一枝花》为弹拨乐队而作；合唱与艺术歌曲数十首。主要著作：①《20世纪作曲技法分析》（上海音乐出版社2000年版）；②《现代音乐分析方法教程》（湖南文艺出版社2003年版）；③《鲁托斯拉夫斯基的偶然音乐作曲技法研究》（香港华文出版社2005年版）；④主编《音乐必听曲目欣赏指导》（9册，山西教育出版社2003年版）；⑤主编《音乐技法的综合分析》——普通高校作曲技术理论综合课程（高等教育出版社2009年版）；⑥《实用音乐英文选读》（湖南文艺出版社2010年7月版）。此外，出版个人音乐作品的CD：1。《升华》——姚恒璐音乐作品典藏（北京环球音像出版社2009年版）；2。《原始的音迹》——姚恒璐钢琴作品选（人民音乐出版社2010年版）。

目录

序言一
序言二
前言

第一章 主题一动机的材料分析
第一节 拉多夫·莱蒂对贝多芬【悲怆奏鸣曲】所作的主题一动机分析
第二节 分析德彪西的钢琴曲《被淹没的教堂》
第三节 勋伯格关于主题一动机的作曲技法和分析理论
第四节 实例分析
一、贝多芬《第28首钢琴奏鸣曲》中的“主题一动机”贯穿手法
二、对斯克里亚宾的四首钢琴小品之三《色调的微差》的分析

第二章 申克式图表的分析
第一节 旋律的缩减与音级的概念
第二节 完整部分中的基本结构
第三节 和声关系
第四节 声部进行一对位与数字低音
第五节 结构的延伸
第六节 对巴赫《C大调前奏曲》的比较分析
第七节 萨尔则的后申克式分析
一、申克本人分析的意义及其局限性
二、凯兹对申克式分析的评论要点
三、萨尔则分析理论的意义和例示
第八节 实例分析
一、对斯克里亚宾的四首钢琴小品之三《色调的微差》的分析
二、肖邦的《前奏曲》
三、约翰·麦克凯布的《三首钢琴即兴曲》之一
四、巴托克《八首钢琴即兴曲》之一
五、亨德米特《调性游戏》中的《前奏曲》和《后奏曲》
六、R·哈里斯钢琴小组曲之二《可悲的消息》、之四《入睡》

第三章 非调性的十二音序列分析与音级集合分析
第一节 十二音序列分析
一、十二音序列分析的基本理论与概念
二、十二音原型序列的设计
三、对十二音序列作品的实例分析
第二节 十二音音级集合的分析
一、阿伦·福特的《音级集合的原型与函量表》
二、P．c集合的简便计算
三、实例分析

第四章 非调性音乐中的潜调性和实例分析
第一节 分析克热涅克《十二首钢琴小品》
第二节 威伯恩的《五首管弦乐小品》
第三节 威伯恩的《五首歌曲》之一

第五章 种种音乐结构力的探寻及实例分析
第一节 分析伯特威塞尔的室内乐小品《我自己的歌》
第二节 分析彼得·马克斯威尔·戴维斯的《维塞利的圣像》之七《基督接受十字架》
第三节 分析卡特的《练习曲》
第四节 分析乔治·克拉姆的歌曲《四个月亮之夜》之一
附录一 音乐分析学参考书目
附录二 专业术语英汉对照

精彩书摘

　　《二十世纪作曲技法分析（修订版）/“作曲技术理论”丛书》：
　　特别指出的是，当所议论的材料是由无调性缩影所提供时，有两种性质明显不同的动机分析类型：①是基本上通过实际的音高、音程、时值和音乐中所呈现出的特征表现出来的；②将音高和音程减为音级，这也是音级集合分析的最初阶段，接着用相似性的关系和复合集合的手段去探索所列举的种种和声上有意义的现象，分析者会决定一个“抽象的动机”或基本的外形去追溯变奏、变形的过程，这种方法不必在纸面上计算作品中的每一音高。此外，第一类动机分析可能导致几种不同的方向，取决于具体音乐的性质。在一系列被修改的重复或变奏的手段中，动机分析可能会解释作品中全部的或主要的相互关系；或者，在展开过程的变形中，分析更多地强调音乐的派生关系。动机可能被理解为纵向或横向的音乐陈述，或两者兼而有之。在勋伯格本人的作品中，可以发现主题一动机的理论在其创作实践中所起到的指导性的结构作用，如同他在谈到十二音音乐的联系时所说的：“与动机的音符打交道。”
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好的，为您撰写一份不包含《二十世纪作曲技法分析（修订版）/“作曲技术理论”丛书》内容的图书简介，字数在1500字左右，力求内容详实，风格自然流畅。 --- 《西方音乐史与美学导论：从巴洛克到新古典主义》 本书简介 本书是一部系统梳理西方音乐自巴洛克时期至二十世纪初演变脉络的综合性著作。它不仅聚焦于音乐风格的重大转折与标志性人物，更深入探讨了特定历史背景、哲学思潮与美学观念如何塑造了不同时代的音乐语言。本书旨在为音乐专业学生、研究人员以及对西方古典音乐有浓厚兴趣的爱好者提供一个清晰、深刻且富有启发性的导览。 第一部分：巴洛克辉煌与理性之光（约1600-1750年） 本部分聚焦于巴洛克时期，一个在结构严谨性、情感强度与装饰艺术方面达到高峰的时代。我们首先回顾了早期歌剧的诞生与发展，探讨了蒙特威尔第等先驱如何将戏剧性与音乐完美结合，奠定了歌剧这一综合艺术的基础。 核心议题：风格的建立与技术革新 通奏低音的统治地位： 详细解析了通奏低音（Basso Continuo）作为巴洛克音乐“骨架”的功能与实现方式，阐述了其在和声织体构建中的核心作用，以及对即兴演奏的要求。 对位法的精妙运用： 重点分析了巴赫的作品，特别是《赋格的艺术》和《平均律钢琴曲集》。我们不仅仅是罗列技巧，而是探究巴赫如何将严格的对位法与深刻的人文精神融为一体，使复调音乐达到新的高峰。对卡农、赋格、间奏曲等曲式的结构逻辑进行了细致的剖析。 协奏曲体裁的成熟： 梳理了维瓦尔第与巴赫时代协奏曲的发展，分析了快-慢-快的三乐章结构如何确立，以及独奏乐器与乐队之间“对抗与合作”的张力是如何被精心编排的。 清唱剧与神剧的宗教表达： 考察了亨德尔的清唱剧，例如《弥赛亚》，探讨了其宏大的合唱场面如何服务于宗教叙事，以及咏叹调中“装饰音”的审美价值。 美学视角： 巴洛克音乐的美学核心在于“情感的描绘”（Doctrine of the Affections）。本书探讨了这一理论如何指导作曲家使用特定的音乐材料（如节奏型、音型）来精准地唤起听众的特定情绪状态。 第二部分：古典主义的平衡与清晰（约1750-1820年） 随着启蒙运动的兴起，音乐审美转向追求清晰、自然、平衡与和谐。古典主义时期确立了至今仍是西方音乐核心的曲式结构。 核心议题：形式的规范化与交响乐的诞生 奏鸣曲式分析： 深入解析了奏鸣曲式的“呈示部-发展部-再现部”的内在驱动力。通过对海顿、莫扎特及早期贝多芬作品的实例分析，揭示了主题的对比、冲突与解决是如何通过结构组织实现的。这部分内容将结构分析置于“戏剧性”的语境下进行讨论。 交响曲与室内乐的典范： 详细研究了维也纳古典乐派三巨头对交响曲体裁的贡献。海顿的“幽默感”与形式的实验性、莫扎特的旋律天赋与歌唱性、以及贝多芬如何通过增强对位冲突和扩大规模来拓宽古典主义的边界。 协奏曲的演变： 比较了巴洛克协奏曲与古典协奏曲在独奏者与乐队关系上的转变，重点关注了华彩乐段（Cadenza）的功能性变化。 键盘音乐的革新： 探讨了钢琴取代羽管键琴的历史意义，以及海顿、莫扎特钢琴奏鸣曲中体现出的清晰织体和清晰的乐句划分。 美学视角： 古典主义音乐追求“自然”与“普世性”。本书将探讨康德哲学对清晰结构与普遍情感表达的影响，以及音乐如何服务于贵族与新兴资产阶级的审美需求。 第三部分：浪漫主义的激情与个体表达（约1820-1910年） 浪漫主义是音乐史上一次巨大的情感释放与个性张扬的运动。作曲家将个人体验、文学叙事和对超验世界的向往置于首位。 核心议题：情感的无限延伸与织体的扩张 主导动机与象征性： 分析了舒伯特、舒曼的艺术歌曲（Lied）中，钢琴伴奏如何超越简单的和声支持，成为叙事和心理刻画的独立角色。探讨了“主导动机”如何在后来的瓦格纳歌剧中成为连接叙事与音乐结构的重要工具。 和声的自由化： 这是本书的重点之一。研究了肖邦、李斯特以及后浪漫主义作曲家如何系统性地拓展传统功能和声的边界。探讨了半音化进行、远关系转调、以及“色彩和弦”（如增三和弦、九和弦）在营造特定情绪氛围中的作用。 曲式的解构与自由化： 考察了“自由幻想曲”体裁的兴起，以及交响诗这一新兴体裁如何通过标题和文学情节来主导音乐结构，打破了传统奏鸣曲式的约束。 国家主义与民族乐派： 讨论了德彪西、穆索尔斯基、德沃夏克等人如何从民间音乐、传说和本国语言的韵律中汲取灵感，丰富了欧洲音乐的语汇。 美学视角： 浪漫主义推崇“崇高感”（Sublime）和“无限性”。本书将分析音乐如何试图超越语言和具象思维，直抵灵魂深处，以及对“异国情调”的迷恋如何体现在配器和和声选择上。 第四部分：通往现代的桥梁——印象主义与后浪漫主义（约1890-1918年） 本部分关注的是从既有传统中瓦解出来的关键过渡阶段，为二十世纪音乐的复杂性做铺垫。 核心议题：感官体验与传统的瓦解 印象主义的声响色彩： 重点分析了德彪西的音乐语言。探讨了全音阶、五声音阶、八度音程的非功能性使用，以及和声如何从推进功能的角色转变为营造瞬间“色彩”和“光影”的手段。 配器的革新： 考察了拉威尔等作曲家对管弦乐队的精妙控制，以及他们如何通过木管乐器、打击乐器和弱奏技巧来创造精致、细腻的听觉效果。 迟滞的浪漫主义与早期表现主义： 简要对比了马勒宏大的交响诗结构（作为晚期浪漫主义的巅峰）与勋伯格早期作品中对和声紧张感的极端推向，后者预示着调性的终结。 总结与展望： 本书最后总结了从巴洛克对位逻辑到浪漫主义个体情感爆发，再到印象主义对感官世界的捕捉，为理解二十世纪音乐的诸多流派奠定了坚实的历史和美学基础。 --- 本书特点： 1. 跨学科视野： 将音乐分析与当时的哲学、文学思潮紧密结合。 2. 实例驱动： 选取每个时期最具代表性的作品进行深入浅出的分析，而非空泛的理论堆砌。 3. 清晰的脉络： 逻辑严谨，帮助读者在不同风格间建立清晰的过渡和联系。 本书是深入理解西方音乐文化史的理想读本。

评分☆☆☆☆☆

这份阅读体验，怎么说呢，更像是在进行一次精密的科学实验，只不过实验对象是人类创造力的边界。这本书的编排逻辑简直是教科书级别的典范，章节之间的递进关系清晰而自然，仿佛每一个技术点的引入都是为了更好地理解下一个更复杂的概念。我特别欣赏它在介绍到极简主义和过程音乐时所采取的独特视角。它没有将这些流派视为对传统技法的“背叛”，而是将其视为对时间感知和听觉体验的一次深刻哲学探索。书中对于重复、微小变化以及时间跨度的分析，让我对“节奏”和“动机”的理解从二维平面提升到了三维空间。作者引用了大量的图表和模型来阐释这些结构，这些可视化工具非常有效，帮助我理清了诸如莱克蒂或菲利普·格拉斯音乐中那种令人晕眩的复杂结构。总而言之，这是一本需要反复研读的书，每一次重读都会发现新的层次和细节，它迫使你以一种全新的方式去聆听音乐。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书的修订版在资料的广度和深度上都远超我预期的水平。作为一个已经接触过不少音乐分析书籍的老读者，我尤其欣赏作者在处理斯特拉文斯基晚期作品时的那种“百科全书式”的严谨。书中对于复调写作、对位法在二十世纪语境下的演变，有着令人拍案叫绝的论述。它没有回避那些令人望而生畏的复杂技巧，比如非功能性和声或复杂节奏型，反而用一种近乎工匠般的态度，将这些技巧层层剥开，展示其内在的构建逻辑。举个例子，书中对序列技术在不同作曲家手中的“个性化”处理的比较，简直是神来之笔——同样是十二音，为何勋伯格、韦伯恩和布列兹的处理会产生天壤之别？作者的解答让人茅塞顿开，这背后蕴含的不仅仅是技术差异，更是哲学层面的取舍。而且，修订版似乎补充了更多关于电子音乐和偶然音乐对传统作曲技法冲击的内容，这使得全书的覆盖面更加完整，体现了作者与时俱进的学术视野。这本书的价值，在于它教会你如何“看懂”那些看似杂乱无章的现代音响。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我起初是抱着怀疑的态度拿起这本书的，因为市面上很多所谓的“二十世纪作曲技法”书籍，要么过于学院派，充斥着晦涩的数学公式和只有行家才懂的术语，要么就是过于浅薄，流于表面地介绍几个“主义”的名字。然而，这本书完全打破了我的刻板印象。它的叙述语言既保持了学术的精准性，又充满了对音乐本身的深情和敬意。我最喜欢的是它如何将“分析”与“创作意图”相结合。作者总是在分析一个技术点时，立刻回到作曲家为什么要使用这个技术——它服务于什么情感表达或结构目的？这种人文关怀让冰冷的技法分析变得有血有肉。例如，在讨论亨泽尔的序列写作时，作者细致地对比了他如何巧妙地在严格的结构内保持旋律的歌唱性，这远比单纯的音高矩阵分析要深刻得多。对于希望将理论应用于实践的作曲学生而言，这本书无疑提供了一个绝佳的范本，它告诉你，伟大的技术必须服务于伟大的艺术构想。

评分☆☆☆☆☆

这本书的份量感是毋庸置疑的，拿到手里就知道它绝非等闲之作。但真正让我感到震撼的，是作者在处理20世纪后半叶多元化趋势时的那种宏大视野和平衡感。它没有偏袒任何一家独大，而是公平地探讨了后序列主义、偶然性、声场音乐乃至新浪漫主义的回潮。我特别注意到作者对非西方音乐元素如何潜移默化地影响西方作曲技法的讨论，这显示了作者广阔的学术胸襟和对全球化音乐语境的敏锐洞察。相比于那些只关注维也纳学派的传统教材，这本书真正做到了“二十世纪”的全景展示。对于那些希望建立起一套自己的、能够涵盖不同风格体系的分析框架的音乐研究者来说，这本书提供的理论工具箱是极其丰富的。它不仅告诉你“是什么”，更告诉你“为什么是这样”，并提供了应对未来音乐挑战的理论准备。读完后，我感觉自己站在了一个新的制高点上，对音乐历史的演进脉络有了更清晰、更全面的把握。

评分☆☆☆☆☆

这本关于二十世纪音乐的著作，简直是音乐学爱好者和作曲专业学生的福音！我花了整整一个下午沉浸其中，那种感觉就像是跟随一位经验丰富的向导，穿越了现代音乐的迷宫。首先吸引我的是作者对德彪西和拉威尔的梳理，他没有仅仅停留在印象派的表面，而是深入剖析了他们如何巧妙地运用和声色彩和织体变化，为后来的音乐家们打开了新的大门。特别是关于音高组织结构的那几章，作者的分析极其细腻，将复杂的十二音体系和序列音乐的逻辑以一种非常直观的方式呈现出来，即便是初次接触这些概念的读者，也能领会其精髓。再者，书中对不同流派，比如野兽派、表现主义和新古典主义的对比分析，更是精彩绝伦。作者总能精准地指出每种风格的核心特征，并辅以大量的乐例进行佐证，使得枯燥的理论分析变得生动起来。读完之后，我对如何欣赏肖斯塔科维奇和巴托克的作品都有了全新的认识，感觉自己对“现代性”的理解上了一个台阶。这不仅仅是一本教材，更像是一部深入浅出的音乐史诗。