中国古代绘画空间观物法研究 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李月林 著 著

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• 中国绘画
• 古代绘画
• 空间观
• 物法
• 艺术史
• 美学
• 中国艺术
• 绘画理论
• 历史
• 文化

出版社： 人民出版社

ISBN：9787010167916

版次：1

商品编码：12167945

包装：平装

开本：16开

出版时间：2017-08-01

用纸：胶版纸

页数：342

内容简介

　　本书分为三部分：第一部分，主要阐述了中国古代画学文献中的绘画空间理论。文章以中国古代有关空间观物法的主要观点为基本线索，重点分析和论述了：宗炳对空间观物与绘画空间表现的深刻体验，王维、荆浩和郭熙的“丈山尺树”、“远人无目”、“山有三大”的理论特质，郭熙“山有三远”与华琳在《南宗抉秘》中对“三远”意义的充盈，等等。第二部分主要论述中国古代绘画空间观物法之观念土壤。首先论述了中国古代哲学观念中的自然空间秩序，及其所呈现出的空间意识；其次论述了中国书法空间的特质，认为书法空间的表现力之所以能够为绘画空间观物法以结构空间暗示，关键在于书法的结构空间。最后论述了诗境中自由的空间想象力，在一定程度上很好地启示和扩展了中国古代绘画的空间意识和空间表现力。第三部分着重论述了中国古代绘画空间观物法之图式生成。作者试图建构中国古代绘画空间观物法基本框架，认为俯视空间法则、平行空间法则、逆远近法则、上方推远法则、左右推阔法则、空白空间法则，是中国古代绘画空间观物法基本的内涵和特质。

目录

序言
绪论
一、有关中国古代绘画空间的研究现状
二、中国古代绘画空间研究尚需探讨的问题及本书的研究意义
三、本书的陈述方式

第一章 中国古代绘画空间观物法之理论传统
第一节 观物远近与绘画空间远近大小
一、宗炳对空间观物的体验和超越
二、《画学秘诀》之“丈尺分寸”与荆浩、郭熙的严谨性
第二节 “山有三远”与“以大观小”
一、郭熙之“山有三远”
二、华琳《南宗挟秘》中的“三远”释义
三、沈括之“以大观小”
第三节 明物象之原、经营位置：为布置景物构筑一个空间间架
一、类物正名
二、山川万物四时不同与南北有异
三、位置天然
第四节 海西法影响下的空间观物理论
一、年希尧之《视学》
二、邹一桂、胡敬论海西法

第二章 中国古代绘画空间观物法之观念土壤
第一节 中国古代哲学观念中的自然空间秩序
一、仙界：冥想中的虚拟空间世界
二、老庄哲学观念中的自然空间秩序
三、易传与阴阳五行论中的自然空间秩序
四、气论：聚散有序的自然空间秩序
五、程朱理学中的自然空间秩序
六、心学：另一种角度的自然空间世界
第二节 中国书法的空间表现力
一、“六书”与文字结构构造
二、“五体书”的双重意义
三、书法结构空间
第三节 诗境中的空间表现力
一、《诗经》、《楚辞》与汉赋中的空间表现
二、魏晋南北朝山水、田园诗中的空间表现
三、唐诗、宋词、元曲中的空间表现

第三章 中国古代绘画空间观物法之图式生成与体系建构
第一节 中国古代绘画空间的初始状态
一、彩陶与青铜器中的空间初始意识
二、汉代绘画中的空间初始表现
第二节 连续性空间组合图式
一、《洛神赋图》
二、《韩熙载夜宴图》
三、敦煌壁画之本生、因缘故事
第三节 庭苑空间图式
一、有横栏与屏风的空间图式
二、以雅集为题材的空间图式
第四节 宏大空间营造与整体性驾驭
一、都城整体性空间图式
二、建筑组群空间图式
第五节 山水画空间图式
一、山水画空间概述
二、山水画空间图式
第六节 中国古代绘画空间观物法之体系建构
一、俯视空间法则
二、平行空间法则
三、逆远近法则
四、上方推远法则
五、左右推阔法则
六、空白空间法则
结论
一、中国古代画学文献中的空间理论
二、中国古代哲学、书法和诗境中的空间特质
三、中国古代绘画图式中的空间表现与绘画空间观物法基本框架
参考文献
后记

精彩书摘

　　《中国古代绘画空间观物法研究》：
　　圣人的意义，在文献中多少带些宗教色彩，而贤者就显得亲切具体得多，事实上，我们中国人所说的圣贤，都是在中华文明发展历程中有过超乎常人的伟大事迹，或格物，或致知，或治理国家，或安抚天下，宗炳认为他们有着超然物外的性情，与道相通。关于“圣贤”，李泽厚、刘纲纪认为：宗炳所说的“圣人”，实际上是指佛，低于“圣人”的“贤者”则指的是佛的信徒或佛学的信仰者。佛“以神法道”万物化生，而“贤者”（佛教信徒）则可以有“澄怀味象”而通于“道”（佛的神道）。山水是“圣人”（佛）“以神法道”化生万物的结果，因此从“圣人”（佛）来讲是“以神法道”，从山水来说是“以形媚道”。李泽厚、刘纲纪是基于宗炳的佛学著作《名佛论》和《答何衡阳书》理论，来论证宗炳《画山水序》中的“圣人”就是“佛”，就文章书面文字而言，也许可以这样理解。不过，我认为就《画山水序》的总体旨意而言，此处的“圣人”、“贤者”是一个模糊的虚指，可以是孔、孟，可以是老、庄，也可以是佛，或许在宗炳的思维里他们都可以称谓“圣贤”吧。
　　……

《墨韵与神思：中国古代绘画的意境营造与精神寄托》 本书深入探讨中国古代绘画在表现世界、传递情感与寄托精神层面的独到之处，重点聚焦于艺术家们如何通过笔墨的挥洒，构建起超越单纯写实的艺术境界，以及这些画作如何成为古人心灵深处的回响与寄托。 一、意境的构建：非写实的诗意空间 中国古代绘画并非以精确的比例和透视来“复制”现实，而是通过“写意”的手法，捕捉物象的内在神韵与精神特质，从而营造出独特的艺术意境。 留白之妙，虚实相生： 书中将详细解析中国画中“留白”艺术的精妙之处。与西方绘画的填满式构图不同，中国画善于利用空白区域，让观者在想象的空间中完成对画面的补充与解读。这种虚实相生的处理方式，赋予画面无限的张力与生命力，使得静止的画面能够传递流动的意境，让观者在寥寥数笔间感受到辽阔的天地、深邃的幽谷或宁静的禅思。我们将探讨不同时期、不同画派如何运用留白来表现山水、花鸟、人物等题材，以及这些留白如何引导观者的情绪，触发其内心的共鸣。 笔墨的语言，情感的载体： 笔墨是中国古代绘画最核心的表达语言。本书将剖析不同笔法、墨法的特质及其所蕴含的情感力量。例如，刚劲的线条可能传达出坚韧不屈的精神，而滃染的墨色则能营造出烟雨迷蒙的诗意氛围。我们将追溯从先秦的青绿山水到宋元的泼墨写意，笔墨表现力的演变与发展，分析不同艺术家如何通过对笔墨的精妙运用，赋予画面生命与情感，使其超越单纯的视觉呈现，触及观者的心灵。 移情入景，情景交融： 中国古代画家常常将自己的情感、思想与审美理想寄托于笔下的景物。书中将探讨“移情”在山水画、花鸟画中的具体体现。一株傲然独立的梅花，可能象征着高洁的品格；一汪清澈的溪流，可能寄托着纯净的心灵；壮丽的山河，更是画家胸怀与抱负的象征。我们将通过具体画作的分析，解读艺术家如何通过对景物的选择、描绘和组合，巧妙地将主观情感融入客观物象，使画面成为艺术家内心世界的写照。 二、精神的寄托：文人情怀与哲学思考 中国古代绘画不仅仅是技艺的展现，更是文人阶层思想、情怀与哲学观念的重要载体。 隐逸情结与山水精神： 历代许多画家本身就是文人雅士，他们将对隐逸生活的向往、对自由精神的追求，以及对自然的热爱，倾注于山水画的创作之中。书中将探讨“山水精神”的内涵，解析画家如何在描绘自然风光的同时，表达自己的人生选择与哲学思考。无论是隐居避世的桃源景象，还是寄情山水的闲适情怀，山水画都成为了文人表达内心世界、寻求精神慰藉的重要媒介。 禅意与道趣的渗透： 佛教和道教的思想对中国古代哲学和艺术产生了深远影响。本书将深入研究禅宗的“禅机”和道家的“道法自然”如何体现在绘画中。例如，禅宗画中常出现的简洁的构图、孤寂的意境，以及对“空”的追求，都体现了禅宗的哲学思想。道家思想则通过对自然生命力的赞美、对物我合一的追求，影响着画家的创作观念。我们将通过对具体作品的解读，揭示这些哲学思想如何为画面注入深邃的意蕴，引导观者进行更深层次的思考。 气韵生动：生命的律动与宇宙的和谐： “气韵生动”是中国古代绘画批评的重要标准，也是画家追求的最高境界。它不仅仅指绘画的技巧，更是一种生命力的体现，一种与宇宙和谐共鸣的状态。本书将阐释“气韵”的深层含义，探讨画家如何通过笔墨的韵律、结构的安排，捕捉并传递出物象的生命律动，以及这种生命律动如何与宇宙的宏大秩序相呼应。我们将分析不同时期画家在追求“气韵生动”方面的探索与成就，以及这种追求所折射出的中国古代对生命、对自然、对宇宙的独特理解。 三、艺术的传承与发展 本书还将梳理中国古代绘画在不同历史时期，在意境营造和精神寄托方面的传承与发展脉络。从魏晋南北朝对“神似”的追求，到唐代山水画的初步形成，再到宋代山水画的成熟与文人画的兴起，以及元明清时期绘画的多元化发展，都将在意境与精神的维度上进行深入的剖析。通过对经典画作的解读，展现中国古代画家们如何不断创新，将中华民族深厚的文化底蕴与哲学思考，以独特而优美的方式，凝聚在笔墨之间，留存于世。 《墨韵与神思》旨在带领读者走进中国古代绘画的内心世界，感受那份超越时空的诗意与哲思，理解古人如何在画笔挥洒间，构建起一方精神的家园，安放不朽的灵魂。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构设计也颇为合理，每一章都围绕着一个核心主题展开，层层递进，引人入胜。作者并没有将“空间观”和“物法”割裂开来，而是将两者紧密地结合在一起进行论述。他指出，对空间的理解和对物象的描绘是相互依存、相互影响的。只有对物象有了深刻的理解，才能更好地把握空间；而对空间的巧妙营造，又能进一步凸显物象的生命力。这种整体性的视角，让我对中国古代绘画的认识更加全面和系统。在阅读过程中，我常常会不由自主地翻出书中的配图，反复对照作者的讲解，去感受画家是如何在画面中实现这些精妙的艺术处理的。

评分☆☆☆☆☆

令我惊喜的是，作者在书中还穿插了许多关于古代画家生平和创作故事的描述，这些故事为原本有些抽象的艺术理论增添了许多人情味和趣味性。例如，在谈论顾恺之的“传神写照”时，作者引用了一些关于他如何观察人物的轶事，这些故事让我更加理解了“传神”的真正含义。同样，在分析山水画时，作者也常常会提及画家在游历山水、体悟自然的经历，这些都让我感受到，古代绘画的创作，并非仅仅是技艺的展现，更是一种对生命、对自然、对宇宙的探索和表达。这种将艺术家的个人经历与艺术创作理念相结合的写法，使得这本书读起来既有学术的严谨，又不失故事的吸引力。

评分☆☆☆☆☆

当我开始阅读这本书的时候，首先吸引我的是作者对“空间观”的界定和梳理。这部分内容并非生硬的理论堆砌，而是通过大量鲜活的古代绘画案例，将抽象的概念具象化。作者并没有止步于简单地描述“山水画中的远近感”或者“人物画中的场景布置”，而是深入挖掘了古人对待“空间”的独特视角。我尤其对作者提出的“虚实相生”在空间表现中的运用印象深刻，这不仅仅是一种构图技巧，更是一种哲学思想的体现。在古代中国人的世界观里，“实”是可见的物质存在，“虚”则是不可见的精神境界。画家如何在有限的画布上，通过留白、墨色浓淡、线条的虚实变化，营造出无限的空间感和深度，这是非常考验功力的。作者用非常细腻的笔触，剖析了不同时期、不同流派的画家是如何处理这一问题的，从北宋的全景式山水，到明清的文人画中的意境营造，都展现了中国人对“空间”认识的演变和丰富。这种对“无形之形”的描绘能力，正是中国古代绘画独具魅力的重要组成部分。

评分☆☆☆☆☆

书中关于“物法”的探讨，更是让我大开眼界。我一直以为，“画物”就是简单地将事物画得像，但这本书让我明白，“像”在中国古代绘画中，有着更深层次的含义。它不仅仅是形似，更是神似。画家追求的，是通过对物象的细致观察和提炼，捕捉其内在的生命力和精神气质。例如，在描绘竹石时，作者分析了不同画家如何通过笔墨的枯润浓淡、线条的刚柔曲直，来表现竹子的坚韧挺拔，石头的浑厚苍劲，这些看似简单的元素，在古代画家手中，却能焕发出无穷的生命力。作者详细地解读了“点”、“线”、“面”在表现物象时所起到的不同作用，以及墨色的变化如何营造出不同的质感和氛围。这种对笔墨语言的精微分析，让我对中国水墨画的魅力有了更深的理解。

评分☆☆☆☆☆

这本书在梳理中国古代绘画的空间观和物法时，所采用的案例都极其精妙，而且具有代表性。我印象深刻的是，作者不仅列举了我们耳熟能详的大家名作，如范宽的《溪山行旅图》、郭熙的《早春图》，还挖掘了一些相对冷门但同样精彩的作品。通过对这些作品细致入微的分析，我发现古代画家在处理构图时，有着非常严谨的考量。例如，在表现山水时，如何通过云雾的遮掩、水面的留白，来引导观者的视线，创造出深远悠长的意境；在描绘人物时，又如何通过环境的烘托、人物的姿态，来烘托人物的心情和故事。作者的讲解，如同一位循循善诱的老师，带领我一步步走进画家的内心世界，去理解他们是如何在二维平面上构建出三维空间的幻觉，以及如何让静态的画面充满动态的生命力。这种对细节的关注，让我对古代绘画有了全新的认识。

评分☆☆☆☆☆

读这本书的过程中，我常常被作者对细节的精准捕捉和深刻理解所折服。例如，在分析一幅山水画时，作者会仔细辨析每一块山石的纹理、每一棵树的姿态、每一处流水的走向，并从中解读出画家想要传达的空间感和意境。这种“观物”的方法，并非机械的复制，而是融入了画家对自然万物深刻的体悟。作者在书中反复强调，古代画家在创作时，往往会进行长期的观察和体验，力求在心中形成对物象的深刻理解，然后再落笔。这种“胸有成竹”的创作过程，正是中国古代绘画“形神兼备”的关键所在。作者通过大量的案例，生动地展现了这一过程，让我对古代画家的创作理念有了更直观的认识。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就颇具匠心，深邃的墨色晕染，仿佛将人带入千年的时光长河，古朴的字体镌刻着书名，透出一股沉静而厚重的历史气息。刚拿到手中，便能感受到纸张的质感，那种略带粗粝却又光滑的触感，似乎还保留着古籍的温度，让人迫不及待地想要翻开，一探究竟。我一直对中国古代艺术有着浓厚的兴趣，尤其是绘画，总觉得其中蕴藏着一种超越时代的东方哲学和审美智慧。然而，很多时候，我们在欣赏一幅画时，往往停留在表面的色彩、线条和技法上，对于画家是如何构建画面、如何表现空间，以及其中所蕴含的深层含义，却鲜少去深入探究。这本书的出现，恰好填补了我在这一领域的知识空白，它不仅仅是一本关于绘画技巧的书，更像是一把钥匙，能打开通往古代文人心灵世界的大门。我期待着它能为我揭示那些隐藏在画面背后的逻辑，让我们能更深刻地理解古人的艺术创作观念，以及他们是如何用画笔丈量和感知世界的。

评分☆☆☆☆☆

总而言之，这本书不仅仅是一本关于中国古代绘画“空间观”和“物法”的研究著作，它更是一次深入探寻中国传统艺术精神的旅程。通过作者的引导，我仿佛穿越了时空的界限，与古代的艺术家们进行了一场跨越千年的对话。我看到了他们如何以独特的视角去观察世界，如何用精湛的笔墨去描绘自然，以及如何将深邃的哲学思想融入到艺术创作之中。这本书让我对中国古代绘画的理解，从“看热闹”进入到了“看门道”的层面，极大地提升了我对中国传统艺术的鉴赏能力和文化自信。我强烈推荐这本书给所有对中国古代艺术感兴趣的读者，相信你们也会从中获得深刻的启迪和丰富的收获。

评分☆☆☆☆☆

接着，作者在对“物法”的阐释上，展现了惊人的洞察力。这里的“物法”并非简单指代物体的描摹，而是更深层次地探讨了画家如何“观察”和“表现”物象，以及这种观察和表现背后所遵循的“法则”。我特别留意到作者在分析花鸟画时，对“写意”的解读。在中国传统绘画中，“写意”并非是对事物形态的粗略概括，而是一种高度凝练的笔墨技巧，它要求画家在抓住事物神韵的同时，还能通过笔墨的提炼，赋予物象以生命力。例如，一株竹子，并非简单地画出竹竿和竹叶，而是要通过笔法的抑扬顿挫，表现出竹子的挺拔、疏朗、坚韧；一朵梅花，则要通过墨色的枯湿浓淡，展现出它的清雅、傲骨、凌寒独自开的意境。作者通过对这些具体绘画元素的深入剖析，让我们看到了古人“得意忘形”的艺术追求，以及他们如何通过对“物”的深刻理解，来表达对自然的敬畏和对生命的感悟。这种“法”既是技法，也是心法，是画家与自然对话的媒介。

评分☆☆☆☆☆

我尤其欣赏作者在阐述“空间观”时，那种将艺术与哲学、美学融会贯通的写作风格。书中对于“天人合一”思想在山水画中的体现，以及“象外之象”在文人画中的追求，都有着深刻的论述。这让我意识到，中国古代绘画的空间观念，并非孤立的艺术手法，而是深深植根于中国传统的哲学思想之中。古人认为，人是宇宙的一部分，自然万物皆有其灵性，画家通过描绘自然，实则是与自然进行精神上的交流和沟通。这种“观物”的过程，也是一种“体道”的过程。作者通过大量的文献考证和艺术分析，将这些深奥的哲学理念，转化成了易于理解的艺术语言，让我在欣赏绘画的同时，也能感受到其中蕴含的东方智慧。这种跨学科的视角，使得这本书的价值远远超出了单纯的艺术史论著。