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店铺： 爱来屋图书专营店

出版社： 北京联合出版公司

ISBN：9787550276079

商品编码：25595276263

包装：精装

开本：16开

正文语种：中文

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典籍钩沉：中国传统艺术的精微探寻 一、 敦煌壁画艺术研究：丝路上的光影流变 本书聚焦于中国敦煌莫高窟的壁画艺术，深入剖析其自十六国至元代近千年的发展脉络与地域风格演变。不同于侧重于书画技法本身的著作，本书致力于将壁画置于更宏大的历史、宗教与丝绸之路贸易的背景下进行考察。 1. 佛教图像学的变迁与世俗化趋势： 详细梳理了自早期北魏的犍陀罗风格影响，至唐代盛期的成熟与博大，再至晚唐五代时期的本土化和世俗化进程。探讨了“本生故事”、“因缘故事”以及佛、菩萨形象的服饰、仪态如何反映特定历史时期的社会风尚与审美取向。特别关注了敦煌壁画中世俗人物（如供养人画像）的描绘技艺及其历史价值。 2. 颜料与“飞天”的矿物学考证： 运用现代科技分析方法，对敦煌壁画所使用的矿物颜料进行了系统的化学成分鉴定，揭示了不同时期颜料来源的地理差异（如青金石的产地考证）。在此基础上，结合传统绘画史的记述，重建了“飞天”形象从早期线条勾勒到盛唐丰腴圆润的演变过程，分析了颜料的运用如何影响了画面氛围的营造和人物的精神气质。 3. 建筑与洞窟形制对壁画布局的影响： 本书不仅关注平面上的图像，更考察了壁画与洞窟三维空间的关系。分析了覆斗顶、中心柱窟、禅窟等不同形制的洞窟结构如何制约和引导了壁画的叙事布局和构图方式，特别是大型“经变画”的组织结构，展示了古代匠师对空间感和透视原理的独特理解。 二、 宋代文人画的兴起与“士气”的哲学内涵 本书聚焦于宋代尤其是北宋中晚期至南宋，中国绘画领域发生的根本性转变——文人画的崛起。本书着重于探讨“士气”、“意在笔先”等核心观念的哲学基础及其在绘画实践中的体现，而非单纯的技法传授。 1. 荆浩、关仝与北宋山水画的“雄伟气象”： 深入探讨了五代至北宋初年画家如何通过对北方山势的描绘，确立了“以形写神”的初期范式。分析了“斧劈皴”、“披麻皴”等皴法背后的笔墨精神，认为这些技法是对特定山形气质的“心摹手追”，而非简单的技巧模仿。 2. 苏轼、黄庭坚与“书画同源”的理论构建： 详述了苏轼提出的“论画以形似，见与儿童邻”的观点，以及黄庭坚对书法入画的推崇。本书梳理了早期诗、书、画三位一体的理论基础，指出文人画的价值评判标准已从对客观物象的逼真再现，转向对画家个人学识、修养和道德情操的投射。 3. 南宋院体与“院外”文人的分野： 对比研究了南宋李唐、马远、夏圭等院体画家的精湛技巧与高超的写生能力，与以“牧溪”为代表的“写意”风格的兴起。探讨了院体画的“院规”如何限制了其主观表达，以及新兴的文人画家如何利用写意笔墨来表达对山水田园的向往和对时局的隐忧。 三、 元代“四僧”的墨戏与笔墨语言的创新 本书将焦点转向元代，重点分析了赵孟頫在复古浪潮中对笔墨语言的革新，以及稍晚期“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）如何将文人画推向了以“笔墨游戏”为主导的阶段。 1. 赵孟頫的“复古”与“用笔之妙”： 分析了赵孟頫如何强调线条的“骨力”与“意韵”，将唐以前的书法笔法（如隶书、篆书的笔意）融入山水和人物的勾勒之中。本书认为，赵孟頫确立了元代文人画对笔墨本体论的绝对中心地位。 2. 倪瓒的“一墨”与极简主义的审美： 聚焦倪瓒的绘画风格，探讨其标志性的“折带皴”和极简的构图（空大旷远）。本书将倪瓒的创作视为一种主动的“去繁就简”的行为，反映了其对世俗的疏离和对纯粹笔墨精神的追求，带有强烈的个人哲学色彩。 3. 笔墨“意象”的深化：墨分五色的层次探索： 探讨了元代画家如何精微地运用墨色的浓淡干湿变化，以表现不同的空间层次、物象质感和主观情绪。这不是简单的渲染，而是对墨在宣纸上洇化、渗化规律的深刻洞察，形成了高度抽象化的审美表达。 四、 晚清民国画坛的“中西融合”与学院体系的建立 本书跳脱出古代传统范式的研究，转向近现代中国画的转型期，关注西方写实主义（特别是素描结构和光影观念）如何被引入中国画体系，以及由此引发的关于“中国画”本质的争论。 1. 西学东渐对传统造型观的冲击： 分析了早期留日画家（如李叔同）学习素描对中国人物画和山水画造型体系带来的冲击。探讨了如何通过“线条”与“体积感”的调和，来维持中国画的传统特性。 2. 岭南画派的“折衷”路线： 重点研究岭南画派（高剑父、高奇峰）如何吸纳日本的“写生”观念和西洋的色彩理论，形成了既有传统笔墨又兼具时代气息的独特画风。分析其在题材选择和设色上的创新，例如对热带植物和动物的描绘。 3. 现代美术教育体系的构建： 考察了蔡元培、林风眠等人对中国艺术教育的改革，以及如何通过建立现代美术学校，将中国画教学从传统师徒相传的模式，转变为具有系统性、结构化的学科教育，为中国画的当代发展奠定了制度基础。

评分☆☆☆☆☆

说实话，市面上的“教材”往往一个通病，就是内容过于陈旧或者过于超前，很难找到一个适合我这种“半路出家”的人的平衡点。但这本书在技法编排上做得相当人性化。它首先针对毛笔字练习者，设计了一套循序渐进的练习步骤，从握笔姿势的微小调整到运笔力量的控制，都做了详尽的配图说明，让人感觉非常贴心。更值得称道的是，它没有停留在简单的字帖模仿上，而是深入探讨了书法的“气韵”和“章法布局”。例如，在讲解草书的连带与呼应时，它不仅展示了范例，还分析了为什么某些字形需要“断”而另一些需要“连”，这种深层次的理解，让我的练习不再是机械的重复，而是有了思考和创造的空间。这套教材，更像是一位经验丰富的老先生，手把手地在耳边指导，让人受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得非常大气，装帧也相当考究，一看就知道是下了大功夫的精品。我本来只是想找一本基础入门的书籍来熏陶一下自己的艺术细胞，没想到翻开这本厚厚的“宝典”后，立马被里面丰富的图例和详实的讲解深深吸引住了。它不像市面上那些只提供几张范例图的简易手册，而是真正做到了“全书”这个名号的重量。尤其是关于书法的历史脉络梳理，作者简直是下了苦功，从篆隶楷行草的演变，到历代大家的作品风格特点，都娓娓道来，让人感觉仿佛穿越时空，与那些书法巨匠进行了一场无声的对话。特别是讲解笔法的起承转合部分，那些细微的提按顿挫，通过精细的图解和文字描述，即便是初学者也能找到清晰的入手点，而不是一头雾水地乱挥空杆。这本书的价值，在于它构建了一个完整而系统的学习框架，从理论到实践，层层递进，让人踏实。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对中国传统艺术一直怀有敬畏之心的业余爱好者，我总觉得想真正领略国画的精髓，非得有个靠谱的向导不可。这本书的国画部分，简直就是我的“及时雨”。它没有一上来就抛出复杂的山水结构或人物画的比例关系，而是从最基础的“点染皴擦”开始讲起，比如如何调墨、如何用笔尖的侧锋与中锋来表现物体的质感，这些都是我在其他零散资料中难以找到的系统论述。我特别欣赏它在“写意”与“写形”之间的平衡把握。它既教你怎么观察自然，捕捉物象的“神”，也一丝不苟地讲解了诸如界画的透视原理和花鸟画中不同禽鸟的形态特征。其中关于设色部分的探讨也颇为精妙，色彩的搭配和晕染技巧，让原本枯燥的技法学习变得充满乐趣，感觉每完成一个小练习，都能在自己的宣纸上看到一丝丝传统韵味的诞生。

评分☆☆☆☆☆

这套书的深度和广度，远远超出了我最初对一本“工具书”的期待。我尤其欣赏它对“概论”部分的重视，很多入门书会轻描淡写地带过历史背景，但这本书却花了大量篇幅去解析不同历史时期的文化思潮如何反作用于书画创作的风格演变。比如，它对魏晋风度和唐宋气象的对比分析，非常到位，让人理解了为什么那个时代的艺术家会选择那样的笔墨语言。这为我的学习提供了一个坚实的文化基石，避免了“知其然而不知其所以然”的窘境。读完后，我不再只是单纯地模仿线条和轮廓，而是开始尝试理解创作者在特定历史背景下，通过笔墨所要传达的情感张力。这本书，与其说是教材，不如说是一部系统的中国古典艺术精神导论，是值得反复研读的案头珍藏。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的结构设计感到非常惊喜，它巧妙地将书法与绘画的“同源异流”特性融合在一起，没有将两者割裂开来。例如，书中探讨书法中的“飞白”技巧时，顺势引申到了国画中用干笔皴擦来表现老树的苍劲肌理，这种跨界的类比讲解，极大地拓宽了我的艺术视野。它让我明白，中国艺术的审美核心是相通的——无论是写一个“力”字，还是画一座山峰，都需要对线条的力量感和生命力有深刻的认知。这本书没有仅仅满足于罗列技法，而是致力于培养一种“整体的艺术观”。阅读过程中，我经常会停下来，去对比不同篇章中对“韵味”的描述，发现它们其实都是在用不同的媒介表达同样的东方哲学意境。这是一种非常高明的教学手法，它激活了我的联想能力。