《中国美学史大纲》 叶朗, 上海人民出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

叶朗 著

图书标签:

• 中国美学史
• 美学史
• 叶朗
• 中国文化
• 艺术史
• 哲学
• 上海人民出版社
• 美学
• 文化史
• 艺术理论

店铺： 北京知画图书专营店

出版社： 上海人民出版社

ISBN：9787208027398

商品编码：26865710824

包装：平装

出版时间：2005-02-01

欢迎选购，购买前务必联系客服或者来电咨询！call：15835078063

基本信息

书名：中国美学史大纲

定价：30.00元

作者：叶朗

出版社：上海人民出版社

出版日期：2005-02-01

ISBN：9787208027398

字数：480000

页码：663

版次：1

装帧：平装

开本：

商品重量：0.568kg

编辑推荐

---

内容提要

---

本书是北京大学教授叶朗先生的名作，出版十多年来受到广泛好评，被许多大学选为教材。全书分为四篇：中国古典美学的发端、中国古典美学的展开、中国古典美学的总结、中国近代美学。论述的时间跨度为先秦至近代，内容涉及哲学、文学理论、诗歌、小说、戏剧、书画、园林等等。作者采用“略小而存大，举重以明轻”的方法，抓住每个时代有代表性的美学思想和美学著作，注重把握美学范畴和美学命题的演变和发展，因此本书又可看作一部中国美学思想史或中国美学范畴史。

目录

---

作者介绍

---

叶朗，浙江衢州人1960年毕业于北京大学哲学系，现任北京大学哲学系教授、博士生导师、北京大学艺术学系主任、北京大学学术委员会暨教师职务评审委员会委员。曾荣获'*有突出贡献专家'的称号和'高等学校教学成果奖'*一等奖。

文摘

---

序言

---

《中国美学史大纲》：一部关于美的精神史诗 概述： 《中国美学史大纲》并非仅仅是对中国古代至近现代美学思想的一次线性梳理，而是一部深入探究中华民族独特审美精神发展脉络的恢弘史诗。它超越了简单的理论堆砌，旨在揭示中国艺术与哲学、文化、社会现实之间千丝万缕的联系，勾勒出中国人如何认识、体验、创造和评价美的独特轨迹。本书以宏大的历史视野，精细的学术考证，以及对经典作品的深刻解读，带领读者走进一场跨越千年的美的追寻之旅，理解中国美学为何能够孕育出如此独特而富有生命力的艺术形态，以及这些艺术形态背后所蕴含的深刻哲学思考与人文关怀。 内容深度解析： 本书的价值在于其对中国美学史的整体把握和对细节的深入挖掘。它并非照搬西方美学理论框架，而是立足于中国自身的文化土壤，从中国古代的哲学思想、文学艺术、思想史等多个维度，发掘并阐释中国美学思想的源头、演变和发展。 一、 思想源头与早期萌芽： 先秦时期：哲学思潮中的审美意识。 本书将追溯至先秦，探讨诸子百家的思想中蕴含的初步审美观念。例如，孔子“乐而不淫，哀而不伤”的观点，强调情感的适度与和谐，已然触及艺术的伦理与情感表达的边界。老子的“道法自然”，提倡顺应自然、无为而治，为后来的山水画、园林艺术以及追求朴素、天然的审美取向奠定了哲学基础。庄子的“逍遥游”，将审美体验与精神自由、超越尘世的追求联系起来，为中国文人的精神世界注入了浪漫主义的色彩。墨子的“非乐”虽然批判了某些艺术的铺张浪费，但也间接引发了对艺术功能和价值的思考。这些早期思想，虽未形成独立的美学体系，却为中国美学的发展提供了宝贵的思想资源。 早期艺术的审美特征。 本书将结合考古发现的文物，如商周的青铜器、陶器、玉器，以及先秦的诗歌、乐舞，分析其造型、纹饰、结构中所体现的朴拙、神秘、庄重、和谐等早期审美倾向。这些艺术品不仅仅是物质的载体，更是当时社会审美趣味与精神信仰的直观体现。 二、 经典时代的辉煌：汉唐的繁荣与转折： 汉代：融合与定型。 汉代是中国大一统王朝，也是文化融合的关键时期。本书将考察汉代的文学（如《诗经》、《楚辞》的继承与发展，赋的兴起）、艺术（汉画像石、壁画、漆器）以及哲学（儒学成为主流，但道家、阴阳家思想仍有影响）如何共同塑造了这一时期的审美风貌。汉代的艺术往往表现出浑厚、古朴、雄浑的气质，同时又兼具民间艺术的生动活泼。本书会重点分析《诗经》中“言志”、“缘情”的传统如何被继承，以及汉代文人对“风雅”精神的理解。 魏晋南北朝：玄学与艺术的交融。 这是中国美学史上一个极其重要的转折时期。本书将深入探讨玄学思潮对审美观念的影响。“竹林七贤”的率性洒脱，嵇康的《声无哀乐论》对音乐美学的大胆探索，王弼对《易经》的解释中对“得意忘象”、“得意忘言”的阐述，都深刻影响了后世的艺术创作和审美判断。书法艺术在此时期得到极大发展，如王羲之的行书，将笔墨的书写性上升到艺术的高度，体现了“尚韵”、“尚意”的美学追求。绘画领域，顾恺之的“以形写神”理论，强调精神内在的表达，成为中国传统人物画创作的重要原则。 隋唐：气象万千的盛世美学。 唐代是中国历史上最辉煌的时期之一，其美学也呈现出包容、开放、宏大、绚丽的特点。本书将细致分析： 诗歌： 李白、杜甫、白居易等大家的作品，如何体现盛唐的浪漫、沉郁、写实等多种风格，以及他们对“诗眼”、“意境”的追求。 绘画： 阎立本、吴道子、张萱、周昉等大师的画作，如何展现盛唐的丰满、华丽、生动，以及“诗画互参”的趋势。 书法： 颜真卿、柳公权的楷书，如何追求雄浑、庄重、法度森严的美。 雕塑与建筑： 龙门石窟、敦煌壁画等宏伟作品，体现了佛教艺术与中国本土审美观念的融合，以及其恢弘的气势和精致的工艺。 哲学与美学： 佛教（特别是禅宗）的传入，对中国美学产生了深远影响，如“禅茶一味”、“枯山水”等观念的形成。 三、 文人情怀与士大夫的审美理想：宋元明清的流变： 宋代：理学与精致美学。 本书将重点分析宋代理学思想如何渗透到美学领域，如程朱理学对“格物致知”的强调，与绘画中的写实精神、科学精神相结合。苏轼的“以诗作画，以画作诗”的理念，将诗、书、画的融合推向新的高度。宋代文人追求的“逸格”、“雅致”、“清淡”的审美趣味，在山水画（如范宽、郭熙）、花鸟画、词（如柳永、李清照）中得到充分体现。宋代的瓷器（如汝窑、官窑、哥窑）也以其温润、素雅的特质，成为宋代精致美学的代表。 元代：遗民情怀与笔墨意趣。 元代社会动荡，士大夫阶层面临政治压抑，这种背景促成了元代艺术独特的美学转向。本书将分析赵孟頫等人如何继承宋代文人画传统，并在笔墨运用、线条造型上追求更高的艺术境界。“文人画”的内涵在此时期得到进一步丰富，强调主观情感的表达、笔墨的趣味和精神的寄托。 明清：世俗化与个性解放的张力。 明清时期，商品经济发展，市民阶层兴起，艺术创作也呈现出更加多元化的趋势。本书将考察： 绘画： “吴门画派”、“松江画派”、“扬州八怪”等各具特色的流派，如何展现了从传统文人画的雅致到更加个性化、世俗化的转变。石涛“我辈 must be 意匠，才可以作画”的宣言，体现了对艺术创作主体性的强调。 文学： 小说的繁荣（如《三国演义》、《水浒传》、《红楼梦》），如何反映了社会生活的广阔面貌和人物情感的复杂性，以及叙事艺术的成熟。戏曲艺术（如昆曲、京剧）的兴盛，将音乐、舞蹈、表演融为一体，创造出独特的舞台美学。 园林艺术： 苏州园林等，如何将自然之美与人文意境巧妙结合，营造出“虽由人作，宛自天开”的意境。 四、 近现代的探索与转型： 晚清与民国：中西文化的碰撞与调和。 本书将关注近代中国美学所面临的西方文化冲击，以及中国知识分子如何回应。从梁启超、王国维对西方美学思想的介绍，到蔡元培“美育”理念的提出，再到徐悲鸿、林风眠等艺术家在中西艺术融合上的探索，都体现了中国美学在现代化进程中的挣扎与创新。本书会分析新文化运动前后，对传统美学观念的批判与重塑，以及中国画、油画、雕塑等艺术门类如何并行发展。 新中国成立后的美学建设。 本书会简要回顾新中国成立后，美学研究如何与政治、社会紧密结合，以及在不同历史时期所呈现的特点。 本书的特色与价值： 宏大叙事与精细分析并举： 《中国美学史大纲》以清晰的脉络梳理了中国美学史的发展，但又不仅仅停留在宏观层面，而是深入到具体的艺术作品、美学文献和哲学思想进行细致入微的分析。 注重思想与艺术的内在关联： 本书强调美学思想并非空中楼阁，而是深深植根于当时的哲学、文化、社会背景之中。通过揭示思想与艺术的内在联系，读者能够更深刻地理解中国艺术的独特魅力。 避免简单套用西方理论： 本书始终坚持以中国自身的历史和文化为基点，发掘和阐释中国美学独特的概念、范畴和体系，避免用西方美学理论的框架去剪裁和解释中国美学。 引导读者独立思考： 本书旨在提供一个理解中国美学的框架和方法，鼓励读者在阅读经典艺术作品和美学文献时，能够形成自己的判断和感悟。 历史的温度与人文的关怀： 《中国美学史大纲》不仅仅是一部学术著作，更是一部充满历史温度和人文关怀的读物。它引导我们去感受中国古代先贤的审美智慧，去体味中华民族在艺术创作中所寄托的情感与精神。 《中国美学史大纲》是一次对中国美学精神的深刻巡礼，它为我们理解中国传统艺术的精髓、把握中国文化的发展脉络、以及在全球化语境下重塑中国美学自信，提供了坚实的基础和重要的启示。通过这部著作，读者将能够更真切地感受到中国美学博大精深的魅力，以及它在人类文明史上的独特贡献。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，绝非仅仅停留在梳理历史脉络上，更在于它对“美”这一概念的时代性、地域性差异的深刻反思。在阅读过程中，我深刻体会到，中国古代对美的追求，往往与“道德完善”和“宇宙和谐”紧密相连，这与西方哲学中对“形式完美”的侧重形成了鲜明的对比。作者在比较和阐释这些差异时，措辞极为审慎，既不贬低任何一方，又清晰地勾勒出我们文化基因的独特之处。这种兼具国际视野和本土情怀的写作风格，使得本书超越了一般的“本土史学”范畴，具有了更广阔的学术对话空间。我尤其喜欢它在讨论明清时期文人画的“意境”时所流露出的那种对“留白”和“不完美之美”的独特欣赏，这种欣赏是通过对整个审美历史的溯源得出的结论，显得尤为有力。它教会我，真正的美，往往藏在未尽之言和未尽之意中。

评分☆☆☆☆☆

对于一个长期关注艺术史和文化哲学的读者而言，这部作品堪称一座难以逾越的里程碑。它的文字凝练，信息量巨大，需要反复咀嚼方能品出其中真味。我发现自己不得不时常停下来，查阅那些被提及的古代典籍或哲学概念，这反而构成了一种良性的阅读循环——每一次的跳转和回溯，都让对主线的理解更加牢固。最令人感佩的是，作者似乎拥有一种史诗般的宏大视角，能够将数千年的审美变迁视为一个有机整体来把握，而不是孤立的事件集合。他对于审美范畴的界定和分类，有着极其清晰的内部逻辑，即便面对如“雅俗共赏”这样模糊的概念，也能抽丝剥茧，给出令人信服的解释。读完之后，我不再将中国美学视为一套僵化的教条，而是一条充满生命力的河流，它在不同的历史弯道处，展现出不同的风貌，但源头始终清晰可见。这是一部需要时间沉淀，但回报丰厚的经典之作。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计本身就透露着一种内敛的古典美学，拿到手中，那种纸张的质感和油墨的清香，仿佛能将人瞬间拉回那个文字被珍视的年代。但真正令人称道的，是它在论述上的那种“大开大合”与“精微之处”的完美平衡。它没有像某些学术著作那样将历史切割得支离破碎，而是始终紧扣“连续性”这一核心命题。我尤其欣赏作者在论及某一特定美学思潮时，总能辅以具体的艺术实例作为支撑，这使得抽象的理论不再是空中楼阁。例如，它在阐释唐代“盛唐气象”的审美特征时，绝不仅仅停留在对诗歌词句的摘录，而是将当时的社会结构、哲学思想乃至生活方式都纳入考量，构建了一个立体的审美生态系统。这种全景式的扫描，让读者仿佛置身于历史的现场，亲眼见证那些审美观念是如何在特定的历史土壤中生根发芽，最终开出绚烂的花朵。读罢，我感觉自己对中国传统艺术的“气韵生动”有了更为具象的把握，不再是停留在口头赞美的层面。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，初翻此书时，我曾被其磅礴的篇幅和严谨的学术术语略微震慑。但一旦适应了作者的叙述节奏，便会发现其内在的激情与对美学的执着。它处理历史演变的方式，并非简单的“时间轴罗列”，而更像是一场精妙的“美学主题的变奏”。你会发现，有些看似隔代的审美追求，实则有着深层的内在联系，仿佛是同一条河流在不同河段呈现出的不同形态。作者似乎有一种魔力，能将那些晦涩难懂的古代文献和哲学概念，用一种既尊重原文又易于现代读者理解的语言重新包装。特别是对儒释道三家思想如何深刻地塑造了中国人的审美情趣这一复杂议题的剖析，处理得尤为老到和辩证，没有简单地做“取或舍”的判断，而是展示了它们之间长期共存、互相渗透的动态关系。对于任何一个想要系统建立中国美学框架的人来说，这本书无疑是打地基的必备材料，它提供的不仅仅是知识，更是一种思维模式。

评分☆☆☆☆☆

这部厚重的著作，一经捧读，便觉一股沉静而有力的学术气息扑面而来。它绝非那种轻飘飘的、旨在取悦大众的普及读物，而是一份扎扎实实的智力探险地图。作者似乎以一种近乎虔诚的姿态，梳理着中华民族审美意识的漫长演变轨迹。阅读的过程中，我时常感到思维被引导至那些平日里容易忽略的细微之处——比如从先秦的“中和之美”到魏晋风度的超然物外，再到宋代极简主义的禅意渗透。文字的密度极高，夹叙夹议，既有对史料的精准引用，更有作者基于深厚学养的独到见解。尤其欣赏它在处理不同历史阶段的审美范式转换时，那种清晰的逻辑脉络和层次感，避免了将复杂的历史熔铸成一锅大杂烩。它要求读者放下浮躁，沉下心来，与古人的精神世界进行一场深刻的对话。合上书页时，脑海中浮现的不是零散的知识点，而是一幅结构严谨、气韵贯通的东方美学图景，让人对“美”的理解维度陡然拓宽，心胸为之开阔。