【后浪直营】表演的技术：迈克尔·契诃夫表演训练法 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 迈克尔·契诃夫 著，李浩 译

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• 戏剧
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• 表演技巧
• 心理学
• 艺术
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店铺： 后浪出版公司官方旗舰店

出版社： 四川人民出版社

ISBN：9787220106163

商品编码：27146370476

品牌：后浪

包装：平装

丛书名： 后浪电影学院

开本：16开

出版时间：2018-05-31

用纸：轻型纸

页数：240

字数：195000

正文语种：中文

编辑推荐

迈克尔教给我的不仅仅是表演，他向我展示了一个更广阔、更令人激动的世界。表演变成了提升生命和思想的艺术。它不再仅仅是我的工作，而更像是一种信仰。

——玛丽莲·梦露

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《表演的技术》是享誉世界的表演训练大师迈克尔?契诃夫的代表著作，1942年以英文写成，至今已被译为俄、德、法、西、日等十几种语言，但主要是以简写本《致演员》的形式流传，半个多世纪以来影响了英格丽?褒曼、格里高利?派克、玛丽莲?梦露、克林特?伊斯特伍德、杰克?尼科尔森、安东尼?霍普金斯等几代好莱坞明星。此次中译本是契诃夫表演训练法的完整版本，在其1942年原稿基础上进行了修订，是契诃夫毕生表演实践和教学的结晶。

◎契诃夫技术强调以创造性的想象力代替斯坦尼的情绪记忆，借助外部表达通往演员的潜意识，以获得身心合一的演技。而演员借助外部表达通往自己潜意识的关键，就是为现代表演界广泛使用的“心理姿势”。

◎书中围绕契诃夫独创的“激发表演灵感的图表”，贯穿87个技术练习，使表演者逐步掌握“心理姿势”等一系列技术要点，成为自己灵感的掌控者。

◎本书从观念到技法自成体系，无论是演员、导演还是对表演有兴趣或需求的人，都可以从中重新认识自己的想象力和身体。

名人推荐

学习表演必须靠自己，但迈克尔?契诃夫会教给你一些必要的手段。对我来说，“心理姿势”和“中心”都是无价之宝，效果有如神助。直到现在，我仍然在使用它们。——克林特·伊斯特伍德，奥斯卡蕞佳导演代表作《不可饶恕》《廊桥遗梦》《百万宝贝》
表演之路永无止境。就我个人来说，契诃夫的体系是蕞完善的。——杰克·尼科尔森，奥斯卡、戛纳影帝代表作《飞越疯人院》《闪灵》《尽善尽美》
我喜欢用肢体来表现。我喜欢借助于迈克尔?契诃夫的“心理姿势”。——安东尼·霍普金斯，奥斯卡影帝代表作《沉默的羔羊》《告别有情天》

内容简介

《表演的技术》一书是契诃夫毕生表演实践和教学的结晶。契诃夫表演训练法，强调以创造性的想象力代替斯坦尼斯拉夫斯基的情绪记忆，借助外部表达通往演员的潜意识，以获得身心合一的演技。本书原稿于1942年以英文写成，至今已被译为俄、德、法、西、日等十几种语言，但主要是以简写本《致演员》的形式流传。此次中译本是契诃夫表演训练法的完整版本，在1942年原稿基础上进行了修订，围绕契诃夫独创的“激发表演灵感的图表”阐发其表演理念，并贯穿了87个技术练习，使表演者在实践中体验身心合一的境界。本书不只适合演员、导演，任何对表演有兴趣或有需求的人，都可以从中重新认识自己的想象力和身体。

作者简介

作者：迈克尔?契诃夫（Michael Chekhov），演员、导演、表演教师。1891年生于圣彼得堡，1912年进入莫斯科艺术剧院，有斯坦尼斯拉夫斯基“蕞杰出的学生”之称，是该剧院第—工作室的初创成员之一，曾任莫斯科第二艺术剧院负责人。20年代末开始在德、法、英、美等国从事创作，并教授其独创的训练法。40年代表演及教学重心移至好莱坞，曾因出演希区柯克的《爱德华大夫》获奥斯卡提名，1955年在洛杉矶病逝。著作有《致演员》《迈克尔?契诃夫致导演和剧作家》《职业演员课程》《演员之路》等。

契诃夫在美国创办的戏剧工作室和职业演员课程影响深远，学生包括英格丽?褒曼、格里高利?派克、玛丽莲?梦露、克林特?伊斯特伍德、伊利亚?卡赞、黄佐临等，杰克?尼科尔森、安东尼?霍普金斯、约翰尼?德普也是其训练法的拥趸。如今，教授这门技术的契诃夫表演工作室已遍及全球二十几个国家。

目录

前言 梅尔?戈登

导读 激发表演灵感的迈克尔·契诃夫图表 马拉·鲍尔斯

致谢 梅尔·戈登马拉·鲍尔斯

01 想象力与专注力

02 高层次的自我

03 客观气氛与个人情感

04 演员的身体

05 心理姿势

06 整合与人物性格刻画

07 从剧本到排练场

08 演出的构成

09 创作过程的四个阶段

后记 与迈克尔·契诃夫一起在好莱坞

重要词汇

译后记

出版后记

《舞台上的心跳与呼吸：经典戏剧导演的实践哲学》 导言：追溯舞台之源，探寻表演之魂 本书并非一部关于特定流派或技术手册的详尽指南，而是一次深入的、对舞台艺术核心精神的探索。我们聚焦于那些塑造了二十世纪乃至今日戏剧面貌的几位标志性导演——他们不仅是调度空间的艺术大师，更是演员内心世界的精微洞察者和激发者。本书旨在通过梳理他们的实践路径、对文本的独特解读以及对演员个体的激发方式，构建一个关于“导演如何与表演发生作用”的广阔图景。 我们相信，真正的导演艺术，在于创造一种能够让演员的生命力在舞台上自由涌现，却又精准服务于整体戏剧意图的“场域”。这需要超越简单的技术指导，深入到对人类情感结构、集体潜意识以及戏剧文本深层意蕴的理解。 第一章：空间与意义的交织——从斯坦尼斯拉夫斯基体系的再审视到布莱希特叙事学的张力 本章旨在剖析两种看似对立，实则相互渗透的戏剧思维基础。我们不满足于对斯坦尼斯拉夫斯基“体验派”的教科书式复述，而是探讨其在不同文化背景下的演变与“异化”。例如，在俄罗斯学院派的继承者手中，这种方法如何被转化为对角色“目标”的机械化追逐；而在更自由的西方实践中，它又如何被融入到对潜意识驱动力的挖掘中。 紧接着，我们将深入探讨布莱希特的“间离效果”（Verfremdungseffekt）如何从一种政治宣言，演变为对表演“真实性”边界的有力拓宽。我们考察的重点在于：当导演要求演员“展现”而非“成为”时，这种剥离如何反而使得观众对人类境况的思考更为清晰和深刻。本章的案例分析将集中于那些成功地在“沉浸”与“距离”之间找到平衡的经典剧目重排，探讨导演是如何通过舞台调度和灯光设计，引导观众完成意义的建构。 第二章：身体作为文本——形体戏剧的语言学转向 表演不仅仅是台词的排列组合，更是身体在特定时空中的信息编码。本章将围绕那些将身体视为首要表达媒介的先驱们展开研究。 我们将详细考察雅克·科波（Jacques Copeau）及其追随者对“庄严剧场”（Théâtre du Vieux-Colombier）的重建，强调如何在排练初期通过对空间、节奏和姿态的训练，建立起演员与剧场环境的原始联系。这是一种对纯粹自然主义的抵抗，主张通过高度提炼的形体动作来传达复杂的情感状态。 随后，我们将触及更具符号性和仪式性的表达方式，如格罗托夫斯基“贫乏剧场”的精神内核——并非指物质的匮乏，而是指对一切非必要元素的剔除，以聚焦于演员“圣洁的行动”。本章不探讨具体的身体技巧，而是着重分析导演如何通过“限制”和“挑战”，迫使演员发现其身体表达的极限和新的潜能。探讨的重点在于：导演如何通过对演员身体的雕塑，使之成为超越日常语言的有力叙事工具。 第三章：导演的文本重塑与‘无名之境’的探索 优秀的导演往往是文本的“第一个观众”和“最终的阐释者”。本章讨论导演在处理经典文本时所采取的颠覆性策略，以及他们如何通过对现代性、后现代性的注入，使古老的剧作重新获得刺痛人心的力量。 我们分析了那些著名的“非线性叙事”的舞台呈现，这些尝试往往要求演员在极短的时间内，完成角色身份的剧烈跳跃与情感的极端转化。这要求演员具备极高的心理韧性和即兴捕捉能力，而非仅仅依赖于对单一角色弧光的线性理解。 一个关键的讨论点是导演如何处理“沉默”与“留白”。在某些极简主义的舞台呈现中，导演会刻意制造大段的无声空间。这并非意味着排练的松懈，而是对演员内在“未言之语”的极致要求。演员必须在这种空寂中，维持一种高强度的内在张力，使沉默本身也成为一种具有重量和指向性的表演行为。本章深入探讨了导演如何通过排练中的“冥想”和“非语言互动”练习，来培养演员对这种“无名之境”的驾驭能力。 第四章：排练室的心理动力学——权力、信任与创造性冲突 导演与演员的关系是舞台艺术中最微妙的权力结构。本章将避开对“权威”的浪漫化描述，转而关注排练室内部的心理环境如何影响最终的舞台呈现。 我们考察了那些强调“合作共创”的导演风格，他们如何通过建立高度安全的信任基础，鼓励演员进行大胆的、甚至可能“失败”的尝试。这种安全感并非意味着缺乏批评，而是批评被置于一个清晰的、服务于共同目标的框架之内。 同时，我们探讨了“创造性冲突”的价值。某些导演会故意引入不同的解释视角，甚至在排练后期引入新的、与既有理解相悖的元素，以测试演员对角色的适应性与韧性。本章的重点在于，导演如何管理这种张力，确保冲突最终转化为艺术的张力，而非人际关系的破裂。我们将分析那些著名的导演如何在排练的最后阶段，通过一系列“快闪式”的微调，瞬间激活了演员集体中沉睡的能量。 结语：回归表演的本质——观看与被观看的永恒循环 最终，本书回归到表演这一行为本身：它既是演员将自身“呈现”于世界，也是观众选择“接受”或“拒绝”这一呈现的过程。我们总结了上述导演们共同追求的那个目标——一种超越技巧、超越理论的、纯粹的生命力在舞台上的展现。这要求演员具备深刻的自我认知和对他人经验的开放性，而导演的职责，便是设计出最恰当的路径，让这种生命力得以安全、有力地抵达观众的心灵深处。这是一场关于“存在”与“表达”的持续对话。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏把握得极其到位，它没有急于抛出那些复杂的技巧，而是循序渐进地构建起一个完整的表演认知框架。我感觉作者的思路非常开阔，他似乎能洞察到不同阶段的演员在学习过程中可能遇到的所有困惑和瓶颈，然后提前设置好“路标”。比如，它在探讨“情感记忆”和“想象力构建”这两个核心概念时，所采用的逻辑推演极其严密，让人不得不信服。更难得的是，它在描述每一个技术点时，总能穿插一些舞台上真实的、生动的场景还原，这些“片段”读起来就像是看了一场精彩的独角戏，极大地增强了可读性和代入感。这种叙事方式避免了传统教材的枯燥乏味，让我在阅读时感觉更像是在聆听一位经验丰富的导师在进行一对一的私教课，而不是在研读一本冰冷的教材。它真正做到了将“技术”融入到“艺术”的语境中去讲解，而不是孤立地讨论技巧本身。

评分☆☆☆☆☆

从装帧和细节来看，这本书的出品方确实非常用心，看得出他们对“后浪”这个品牌在专业领域的定位是极其认真的。纸张的质感很好，印刷清晰，即便是反复翻阅和做笔记，也不会有损坏的担忧。更重要的是，这本书的附录部分也相当有价值，它似乎提供了一些延伸阅读的建议和资源列表，这表明作者和出版方不仅仅是想卖出一本书，而是希望建立一个学习的生态圈。我很少看到一本技术类的书籍能做到如此周到的“售后服务”，这种对读者学习体验的长期关注，让我对这本书的权威性和可信度又增加了一层信心。它不仅仅是知识的载体，更像是一个可靠的同行者，陪伴你走过表演学习的漫长旅程，让人感到温暖和被支持。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程中，我深切地感受到作者在东西方表演体系的融合上所做的努力。它不像某些书籍那样，只是单纯地介绍某一位大师的学说，而是明显地在吸收和转化，最终形成了一套具有自身鲜明特色的训练体系。书中对于演员如何处理“自我意识”与“角色状态”之间的微妙平衡，论述得尤为精辟。我注意到，很多表演者容易陷入自我欣赏或过度分析的怪圈，而这本书提供的解决思路，巧妙地将注意力从“我演得怎么样”转移到了“角色正在经历什么”，这种视角的转换是革命性的。它不是简单地告诉你“要相信”，而是告诉你“如何构建那个让你不得不相信的环境和机制”。这种深度挖掘内在驱动力的探讨，对于那些渴望突破瓶颈、追求更深层次角色塑造的资深演员来说，绝对是醍醐灌顶的指导手册。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实操性强到令人赞叹，简直可以称得上是一本随身携带的“训练日志”。我发现，书中的每一个练习设计，都不是为了展示作者的博学，而是为了解决一个具体的技术难题。例如，关于如何处理舞台上的空间感和搭档互动，书里提供的那套“能量场域”的训练方法，我尝试在排练中应用了几次，效果立竿见影。它没有用晦涩的术语去包装，而是用非常直接的指令告诉你下一步该做什么，就像一份详尽的施工图纸。这对于那些需要快速适应新环境、新角色的演员来说，价值无可估量。我甚至可以将书中的部分练习拆分出来，作为日常的热身和技术巩固环节，感觉自己每天都在进行一次有目的、有方向的进步，而不是盲目地重复动作。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就挺抓人眼球的，色彩搭配和字体选择都透露着一种专业的、面向实践的感觉，让人一拿到手就忍不住想翻开看看。我本来对表演理论书籍有点敬而远之，总觉得那些文字堆砌起来的理论太抽象，难以落地，但这本书的排版和结构看起来就非常清晰，大量的案例分析和图文并茂的解释，感觉能把那些高深的表演理念掰开揉碎了喂到读者嘴里，这一点很关键，对于初学者或者希望提升实操能力的演员来说，简直是福音。它不像有些学术著作那样高高在上，而是非常接地气，让人感觉作者是真正站在一个实践者的角度来分享经验，而不是纯粹的理论构建者。而且，从书籍的厚度和内容的密度来看，就知道里面沉淀了作者多年的心血和教学经验，绝对不是那种浅尝辄止的入门读物。我特别欣赏它在视觉呈现上的用心，这让我在阅读过程中保持了很高的专注度和愉悦感，这在阅读技术类书籍时是很不容易得来的体验。