中国书法与绘画全书（超值全彩珍藏版） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 畅行智慧图书专营店

出版社： 北京联合出版公司

ISBN：87550276079

商品编码：28264950073

开本：16开

出版时间：2016-06-01

用纸：胶版纸

产品特色

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内容简介

　　本书以中国书法和绘画的历史为主干，详尽叙述各个时期中国书法和绘画的成就和特点，精心挑选搜罗历代书法、绘画的名家名作，选图精当准确，图片精美丰富，版式新颖独到，文字精炼详实，生动、真实地再现了中华数千年的书法史和绘画史，李秋实读者多角度领略中国书法和绘画的民族风格和美学价值。

内页插图

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瀚海拾贝：中国传统艺术的千年风华 导读： 本书并非《中国书法与绘画全书（超值全彩珍藏版）》的延续或补充，而是另辟蹊径，深入探究中国传统艺术的独特美学体系、历史脉络及其在不同媒介上的具体呈现。我们将聚焦于那些与书画核心领域并驾齐驱，却又各具千秋的艺术门类，展现中华文化在历史长河中多元而深邃的创造力。 --- 第一辑：雕琢时光的艺术——中国雕塑与石刻艺术 中国雕塑艺术，是凝固的时间与不朽的精神载体。本书将从早期新石器时代的陶塑，追溯至秦汉的雄浑气魄，直至唐宋佛像的慈悲圆融，以及明清世俗题材的精巧细腻。 一、石窟寺的信仰之光： 我们将详细剖析云冈、龙门、敦煌等重大石窟群的艺术演变。重点阐述佛教造像在传入中土后，如何被“中国化”的过程。例如，早期佛像的犍陀罗风格影响，如何逐渐演变为魏晋的秀骨清像，再到隋唐的丰满健硕。雕刻技法上，对“曹衣带水”的衣纹处理，以及“褒衣博带”的世俗化表达，将进行细致的图解分析，展现匠人对手中岩石的“驯服”与“解放”。 二、陵墓石刻的权力象征： 汉代画像石、画像砖，作为地下世界的百科全书，记录了当时的丧葬信仰、神话传说与日常生活场景。本书将侧重于研究其叙事性构图和符号学意义。此外，明清帝王陵寝前的石像生群像，它们不仅是威仪的象征，更是等级森严的社会结构的微缩体现。对望柱、牌坊上的高浮雕和圆雕技法的比较研究，将是本卷的重点。 三、工艺美术中的立体造型： 离开宏大的宗教与帝王题材，本书还将关注魏晋南北朝的“辟邪”、“狮子”等镇兽雕塑，以及宋元以后金铜造像的精微铸造技术。重点解析在小型工艺品中，匠人们如何运用錾刻、鎏金、镂空等复杂工艺，赋予玉器、木器和牙雕以生命力。 --- 第二辑：材质的交响——中国传统工艺的物质美学 中国工艺美术体系庞大复杂，本书将选取其中最具代表性且与书画审美体系有所区别的三个领域进行深入探讨：陶瓷、漆器与织绣。 一、泥与火的哲学：中国陶瓷的演变史 陶瓷艺术的魅力在于其材料的自然性与烧制过程的偶然性。本书不以朝代简单罗列，而是从“胎、釉、形、纹”四个维度解析陶瓷审美的提升。 胎土与器型： 分析不同地域的土质（如景德镇的高岭土）如何决定了白瓷的细腻度，并探讨特定器型（如宋代极简的梅瓶、胆瓶）对饮茶、插花等生活方式的反作用。 釉色探源： 重点解析青瓷的“天青”之秘——汝窑的釉层结构，以及钧窑的窑变奇观。对比哥窑的“金丝铁线”开片与官窑的“紫口铁足”，解析古人对缺陷美和自然美的极致追求。 纹饰的叙事性： 侧重研究元青花的异域风格（如苏麻离青的使用）和明清彩瓷（粉彩、珐琅彩）的文人画元素植入，探究陶瓷绘画与案头书画在题材和笔法上的相互渗透。 二、流动的色彩：漆器的千年沉淀 漆器以其温润的光泽和极强的耐久性，成为古代贵族阶层的奢华象征。 髹漆技法： 从原始的漆皮涂覆，到隋唐的螺钿、戗金工艺的成熟，再到宋元时期对雕漆（剔红、剔黄）的登峰造极。本书将详细介绍“剔红”技法，如何通过层层叠加朱漆，再以极其精细的刀工去除多余部分，展现出如珊瑚般的厚重感和光泽。 地域风格的差异： 比较金漆与黑漆的对比美学，并探讨如福建脱胎漆器的轻盈质感，以及徽派漆器的内敛文气。 三、针线下的史诗：织绣艺术 织绣是“可见的纺织史”。本书将重点分析其工艺复杂性及与绘画的交叉点。 “平绣”与“套针”： 详细阐述套针（或称平针）如何通过控制针脚的疏密和色彩的过渡，达到类似国画晕染的效果，尤其在宗教曼陀罗和人物肖像中的应用。 纹样的符号学： 分析织物上龙凤、海水江崖、蝙蝠纹等符号的等级意义，以及官府与民间织造在用料（如孔雀羽、捻金线）上的区别。 --- 第三辑：文人雅趣的延伸——篆刻与园林意境 书画是“写意”的极致，而篆刻与园林，则是将这种“意境”从纸面延伸至了物质世界和空间环境之中。 一、方寸之间的哲学：篆刻艺术 篆刻，是文字美学在石材上的再创造。本书聚焦于印章的“入古出新”过程。 刀法与文体： 解析秦汉古玺的朴拙与明清流派（如皖派、浙派）的风格差异。重点剖析“冲刀”、“切刀”等不同刀法对印面“熟”、“生”效果的影响。 边款的“小品”文学： 探讨边款（刻在印章侧面的文字）如何成为一种独立的微型文学形式，记录了文人的创作心境与流派思想的交锋。 二、诗意的栖居地：中国古典园林的空间哲学 古典园林，被誉为“凝固的诗篇”与“无声的音乐”。 “造景”的逻辑： 区别于西方对称的几何布局，本书解析中国园林如何运用“框景”、“借景”、“对景”的手法，实现“虽由人作，宛自天开”的境界。 建筑与自然的对话： 分析亭台楼阁的命名（如“曲径通幽”、“雨打芭蕉”）如何暗示了观赏者的行进路线和预期体验，以及匾额、楹联（文学元素）在深化园林意境中的关键作用。 --- 结语： 中国传统艺术是一个相互渗透、彼此映照的巨大体系。本书旨在提供一个更广阔的视角，去欣赏工匠精神与文人情怀如何共同雕琢出中华文明数千年来独树一帜的物质与精神财富。它让我们看到，在书画之外，还有无数精妙绝伦的艺术形式，共同构筑了我们民族深厚的文化底蕴。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，过去我购入的一些“全彩版”画册，要么是色彩失真，要么是细节模糊，很多时候，印刷的质量比我手头的旧影印本还不如，简直是浪费感情。我对色彩的还原度要求非常高，尤其是对宋人那种淡雅清新的青绿山水和元人那种沉郁内敛的设色，一点点偏差都会破坏整体的意境。这本书在印刷工艺上的投入是显而易见的，它似乎采用了某种特殊的印刷技术，使得画面中的层次感和空气感得到了极好的保留。我特别对比了书中几幅著名的文人写意水墨，那些墨分五色的微妙过渡，那种干湿浓淡的交替，在纸面上表现得淋漓尽致，几乎看不到廉价的网点痕迹。这不仅仅是一本资料汇编，它更像是一次精心策划的“线上展览”。对于那些无法亲赴博物馆仔细端详原作的读者来说，拥有这样一套高保真度的资料，无疑是巨大的福音。可以说，这本书的价值，在很大程度上是通过其卓越的印刷质量来实现的，它成功地弥合了原作与普通读者之间的数字鸿沟。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对这种“全书”性质的合集通常抱持着一种谨慎的态度，总觉得内容会比较泛泛而谈，缺乏深度。但这本书在内容的编排逻辑上，展现出了极高的专业素养。它不仅仅是简单地将历代名家作品堆砌在一起，而是建立了一个非常清晰的时间脉络和风格演变体系。我尤其欣赏它对“书画同源”这一核心理念的阐释，从篆隶的骨法用笔如何影响到早期山水的勾勒，到行草的飞白如何渗透到写意花鸟的笔墨趣味，讲解得丝丝入扣，不是那种教科书式的空泛论述，而是结合了具体的作品实例进行剖析。举个例子，书中对唐代颜真卿楷书的结构分析，居然能引申到对北宋李成“外枯内润”的画法研究上，这种跨学科的触类旁通，让我对中国艺术的整体性有了更深的体会。那些配套的鉴赏文字，虽然不多，但都切中要害，没有一句废话，都是行家之言。对于我这种已经有一定基础的学习者来说，这种精炼的论述，比冗长的大部头更具启发性，能迅速点亮一些过去模糊的概念。

评分☆☆☆☆☆

这本《中国书法与绘画全书（超值全彩珍藏版）》的装帧真是让人眼前一亮，封面那种厚重又不失典雅的气质，一看就知道是下了真功夫的。我拿到手的时候，首先就被它的纸张质量给震撼到了，那种温润的手感，即便是印刷复杂的彩图，色彩的还原度也高得惊人。我一直对古代的卷轴画非常着迷，特别是宋元时期的山水画，总觉得照片印刷出来的总少了一丝神韵。但这本书里，即便是那些细节繁复的局部特写，也处理得极其精妙，那些墨色的浓淡变化、皴法的力度，似乎隔着纸张都能感受到古人运笔时的呼吸。我特意对照了几张我收藏的线装古籍影印本，这本书在色彩平衡上做得非常出色，没有出现那种廉价的、过于鲜艳的“数码味”，而是保留了原作那种历经岁月沉淀后的那种雅致。特别是对于一些设色山水和花鸟画的展示，那种层次感和肌理感，简直像是把原作搬到了眼前，对于想要深入研究传统绘画技法的爱好者来说，光是翻阅这些高清图版，就已经值回票价了。这套书的排版布局也深谙留白之道，不会让人觉得信息量过载，阅读体验非常舒适，让人愿意沉下心来，慢慢品味每一幅作品的精微之处。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计和内容厚度，初看之下，可能会让人误以为这是一本偏重于欣赏和收藏的“大部头”，但真正深入阅读后，才发现它在历史脉络的梳理上做得尤为扎实，有一种超越一般图册的学术深度。它没有把重点放在那些耳熟能详的“明星作品”上做过度解读，反而花了不少篇幅去探讨一些“过渡期”的作品和地方流派的独特风格。例如，书中对徽州版画艺术对明代民间绘画的影响，以及江南士人群体如何将金石入画的尝试，都有独到且深入的分析。这种对艺术发展“细微分支”的关注，极大地丰富了我对中国艺术史的认知图景，让我明白艺术的传承并非一条直线，而是充满了复杂的互动与渗透。此外，它的索引系统设计得非常人性化，查找特定朝代、地域或者特定主题（比如“荷花题材”的演变）时，能够快速定位，这对于做学术研究或者进行主题性学习时，是极其便利的设计。这本书的整体感觉，是厚重、严谨，同时又充满探索精神的。

评分☆☆☆☆☆

作为一名常年与传统艺术打交道的业余爱好者，我最头疼的就是工具书的实用性和可操作性。很多号称“珍藏版”的书，要么内容太过学术化，普通人看不懂；要么就是为了凑页数，塞满了各种不搭边的内容。而这本《全书》的绝妙之处在于它的“可操作性”和对学习路径的友好度。它在介绍完一种主要的书体（比如魏碑或小楷）的风格特征后，紧接着就会配上一些不同时代、不同地域的书家对这种书体风格的继承和发展，这对于理解“变”与“不变”的艺术规律至关重要。更让我惊喜的是，它在介绍绘画技法时，并非只停留在理论层面，而是通过一些清晰的图示，对比了“双钩填彩”和“没骨法”在处理不同材质（如禽鸟的羽毛与花瓣）时的细微差别。这种将理论、实例、技法对比融为一体的编辑思路，极大地提高了阅读的效率。我甚至可以把这本书当作一本高级的“陪练”手册，随时翻阅某个特定技法点的解析，而不是必须从头读到尾才能找到我需要的东西。