聆听音乐(附光盘第5版) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

[美] 克雷格·莱特，译者：余志刚，李秀军，校注：余志刚 编

图书标签:

• 音乐欣赏
• 音乐史
• 音乐理论
• 音乐教育
• 艺术
• 文化
• 古典音乐
• 通俗音乐
• 光盘
• 教材

店铺： 博库网旗舰店

出版社： 三联书店

ISBN：9787108037749

商品编码：1030623523

开本：16

出版时间：2012-04-01

基本信息

商品名称： 聆听音乐(附光盘第5版)	出版社： 三联书店	出版时间：2012-04-01
作者：(美)克雷格·莱特|译者:余志刚//李秀军|校注:余志刚	开本：16开	印刷时间： 2012-04-01
定价： 88	页数：447	印次：1
ISBN号：9787108037749	商品类型：图书	版次：1

购买过本商品的还买了

• 定价： ￥25
  
• 定价： ￥38
  
• 定价： ￥28
  
• 定价： ￥33
  
• 定价： ￥48
  

目录

**部分 音乐的要素
   第l章 聆听音乐
   第2章 节奏
   第3章 旋律
   第4章 和声
   第5章 力度和色彩
   第6章 音乐的织体和形式
   第7章 音乐风格
  第二部分 中世纪和文艺复兴476一1600
   第8章 中世纪音乐，476一1475
   第9章 文艺复兴音乐，1475一1600
  第三部分 巴洛克时期，1600—l750
   第lO章 巴洛克艺术和音乐导论
   **1章 巴洛克早期的声乐
   第l2章 巴洛克中期的器乐
   **3章 晚期巴洛克：巴赫
   **4章 晚期巴洛克：亨德尔
  第四部分 古典主义时期，1750—1820
   第l5章古典主义风格
   **6章 古典主义作曲家：海顿与莫扎特
   第l7章 古典主义的曲式：三部曲式和奏鸣曲一快板
   第l8章 古典主义曲式：主题与变奏，回旋曲式
   **9章 古典主义体裁：器乐
   第20章 古典主义体裁：声乐
   第2l章 贝多芬：通往浪漫主义的桥梁
  第五部分 浪漫主义，1820一1900
   第22章 浪漫主义导论
   第23章 早期浪漫主义音乐：艺术歌曲
   第24章 早期浪漫主义音乐：标题音乐
   第25章 早期浪漫主义音乐：钢琴音乐
   第26章 浪漫主义歌剧：意大利
   第27章 浪漫主义歌剧：德国
   第28章 19世纪现实主义歌剧
   第29章 音乐和民族主义
   第30章 晚期浪漫主义的管弦乐
  第六部分 现代和后现代艺术音乐，1880年至今
   第31章 印象主义音乐
   第32章 异国情调
   第33章 音乐和艺术中的现代主义
   第34章 20世纪初的现代主义
   第35章 俄国和东欧的现代派
   第36章 三个美国人的声音
   第37章 后现代主义音乐
  第七部分 美国流行音乐
   第38章 布鲁斯与早期爵士乐
   第39章 战后爵士乐
   第40章 叮盘巷和百老汇音乐剧
   第41章 摇滚乐：叛逆的音乐
  

《西方音乐史纲：从古至今的旋律之旅》 内容简介 本书旨在为音乐爱好者、学生以及所有对西方音乐发展历程抱有好奇心的人士，提供一部全面而富有洞察力的音乐史叙事。我们不满足于简单罗列作曲家和作品，而是致力于深入挖掘历史背景、社会思潮、技术革新以及审美观念是如何共同塑造了西方音乐这一宏伟的艺术体系。全书结构清晰，时间轴贯穿始终，力求在学术严谨性与阅读趣味性之间取得完美平衡。 第一部分：奠基与萌芽——中世纪的圣咏与早期复调（约 500–1400 年） 本部分聚焦于西方音乐的起源与早期发展。我们将从古希腊的音律理论追溯至罗马帝国的衰落，着重探讨基督教音乐在西欧文化中的核心地位。 格里高利圣咏的形成与标准化： 详细阐述教皇格里高利一世在音乐整理中的角色（即便其直接参与度存在争议），以及单音音乐（Monophony）如何成为西方礼拜音乐的基石。我们将分析其旋律特点、调式体系（教会调式）及其在不同礼仪中的应用。 记谱法的革命： 音乐记录技术的突破是理解历史的钥匙。本章将追溯纽姆（Neumes）如何从记忆辅助符号逐步发展为能够精确记录音高和时值的线条记谱法，特别是四线谱的出现及其意义。 复调的诞生与早期实验： 探索音乐史上最重大的飞跃——复调的出现。从奥尔加农（Organum）的平行、自由到混合形式，清晰展现了人声如何从单一旋律线解放出来，形成多声部织体。重点介绍巴黎圣母院乐派（Notre Dame School），如列奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）在确定节奏和声部独立性方面的贡献。 世俗音乐的涓涓细流： 尽管教会音乐占据主导，我们也不会忽略游吟诗人（Troubadours）、游士（Trouvères）和明歌诗人（Minnesingers）在世俗歌曲、叙事诗和抒情诗中的贡献，他们为后世的歌唱艺术积累了丰富的民间素材。 第二部分：文艺复兴的和谐之光——人性的觉醒与技术成熟（约 1400–1600 年） 文艺复兴的核心是人文主义对人的价值的肯定，这深刻影响了音乐的创作方向，使其更具表现力和情感深度。 “香波-勃艮第乐派”的细腻过渡： 介绍杜费（Dufay）等早期作曲家如何将勃艮第的世俗风格与意大利的抒情性融合，标志着从“法兰德斯”风格的成熟开端。 金雀花时代的巅峰： 重点分析“荷兰乐派”（如雅各布斯·奥布雷赫特、若斯坎·德普雷）对作曲技法的完善，尤其是模仿技巧（Imitation）的精妙运用，使得作品的整体性和织体密度达到了前所未有的高度。 宗教改革与对位法的终极考验： 探讨马丁·路德的宗教改革如何推动德语圣歌（Chorale）的普及，以及特伦特会议（Council of Trent）对弥撒音乐的改革要求。帕莱斯特里纳（Palestrina）的作品，以其纯净、平衡的对位技巧，被视为对天主教会音乐理想的完美回应。 世俗音乐的繁荣： 玛德里加尔（Madrigal）的兴起是文艺复兴时期音乐表达自由的象征。分析其“文字描绘”（Word Painting）手法，如何通过音符直接反映诗歌的意境，是理解巴洛克早期情感表达的桥梁。 第三部分：巴洛克的光芒与激情——结构、戏剧与炫技（约 1600–1750 年） 巴洛克时期是音乐史上最具活力、对比最强烈的时代之一。情感的“激情”（Affekt）理论成为创作的核心驱动力。 歌剧的诞生： 详细介绍佛罗伦萨的“小院会”（Camerata Fiorentina）如何尝试复兴古希腊戏剧，从而催生了首批歌剧，如蒙特威尔第（Monteverdi）的《奥尔费奥》。探究宣叙调（Recitative）与咏叹调（Aria）的初步分化。 器乐的独立： 键盘乐器（羽管键琴与管风琴）的成熟推动了器乐形式的飞速发展。解析奏鸣曲（Sonata）、协奏曲（Concerto）以及赋格（Fugue）等核心体裁的结构规范的确立。维瓦尔第的协奏曲概念及其“快-慢-快”的固定模式。 “巴赫时代”的集大成： 深入剖析约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）和格奥尔格·弗里德里希·亨德尔（G.F. Handel）的贡献。巴赫以其无与伦比的对位技巧和对“巴赫和声”的奠定，将巴洛克对位艺术推向绝对的顶峰。《平均律键盘曲集》的意义。亨德尔则以其宏大的清唱剧（如《弥赛亚》）展现了戏剧性的力量。 歌剧的流变： 区分意大利的“正歌剧”（Opera Seria）与“喜歌剧”（Opera Buffa）的特征，以及法国歌剧（如拉莫）在舞台调度和管弦乐队运用上的独特发展。 第四部分：古典主义的秩序与清晰——启蒙理性的音乐体现（约 1750–1820 年） 启蒙运动强调理性、自然与清晰的结构。音乐风格从巴洛克的复杂转向古典主义的优雅、平衡与清晰的对比。 从洛可可到“斯特姆与庄压”： 探讨巴洛克晚期向早期古典风格（如柏林乐派的C.P.E.巴赫）过渡时期的情感波动，为贝多芬的革命做铺垫。 奏鸣曲式的确立与主导地位： 奏鸣曲式（呈示部-发展部-再现部）成为交响曲、奏鸣曲和室内乐的骨架。对海顿（Haydn）——“交响曲之父”——在确立四乐章结构和弦乐四重奏规范中的关键作用进行分析。 莫扎特的完美融合： 分析沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特（W.A. Mozart）如何将海顿的结构严谨性与意大利歌剧的美妙旋律完美结合。特别关注其钢琴协奏曲的成熟，以及他在歌剧中对人物心理的深刻刻画（如《费加罗的婚礼》）。 贝多芬的跨越与英雄精神： 路德维希·凡·贝多芬（L.v. Beethoven）是连接古典与浪漫的巨人。探讨他如何拓展既有体裁的规模和情感范围，从早期对古典规范的继承，到中期“英雄”风格的爆发，再到晚期对结构和精神深度的探索。 第五部分：浪漫主义的激情与个性——情感的解放与民族色彩（约 1820–1900 年） 浪漫主义的核心是个人情感、主观体验、对自然的崇拜以及对超自然事物的向往。音乐成为表达“不可言说之物”的最佳媒介。 舒伯特与浪漫歌曲的黎明： 详细分析艺术歌曲（Lied）的兴起，舒伯特如何通过钢琴伴奏的音画意境来“讲述”诗歌，赋予伴奏独立而重要的角色。 钢琴的“抒情时代”： 钢琴作为独奏乐器的地位空前提高。肖邦（Chopin）的夜曲、玛祖卡和叙事曲，以及李斯特（Liszt）的炫技与“交响诗”概念，标志着钢琴表现力的极大拓展。 交响诗与民族乐派： 观念音乐（Program Music）的繁荣，特别是李斯特首创的交响诗，如何使管弦乐队成为叙事的主体。同时，考察俄国五人组（穆索尔斯基、里姆斯基-科萨科夫等）、捷克的德沃夏克和斯美塔那如何从民间音乐和本国神话中汲取灵感，建立独特的民族音乐语言。 瓦格纳的“总体艺术作品”： 深入探讨理查德·瓦格纳（Richard Wagner）对歌剧的彻底颠覆。解析其“主导动机”（Leitmotif）系统、无限旋律的运用，以及他对和声的极端拓展（如《特里斯坦与伊索尔德》中的“特里斯坦和弦”），为二十世纪的音乐变革埋下伏笔。 第六部分：现代的回响——跨越世纪的探索与分裂（约 1900 年至今） 二十世纪是音乐史上最具实验性、风格最为多元和冲突的时期，传统调性体系在压力下瓦解，新的声音不断涌现。 印象派的色彩与去调性化： 德彪西（Debussy）对音色和氛围的追求，打破了德奥传统的结构中心，引入全音阶、五声音阶，开启了对听觉感知的新探索。 原始主义与新古典主义的碰撞： 分析斯特拉文斯基（Stravinsky）的《春之祭》引发的“巴黎骚动”，其对原始节奏的运用如何重塑了音乐的力度和节奏概念。同时探讨对战后“过度浪漫主义”的反动——新古典主义的回归。 德奥的极端实验： 重点解析勋伯格（Schoenberg）及其追随者（贝尔格、韦伯恩）的“第二维也纳乐派”。详细介绍十二音体系（Dodecaphony）的原理及其在调性崩溃后的结构重建作用。 电子与偶然音乐： 介绍战后在欧洲和美国兴起的先锋派思潮。具体分析具体音乐（Musique Concrète）对录音和拼贴的运用，以及约翰·凯奇（John Cage）的“偶然音乐”对“作曲家意图”和“音乐的定义”的挑战。 多元化的当代景观： 简要概述极简主义（Minimalism，如赖克、菲利普·格拉斯）的重复结构与媒介音乐的兴起，展现当代音乐如何继续在传统、实验、技术与大众文化之间寻找新的平衡点。 本书的价值不仅在于梳理时间脉络，更在于引导读者学会“聆听”——理解每一段旋律、每一个和弦背后所承载的历史重量与人文精神。通过对历史语境的深入剖析，读者将能够以更加丰富和立体的视角，欣赏西方音乐的伟大成就。

评分☆☆☆☆☆

作为一名已经接触音乐一段时间的学习者，我最怕的就是看到内容陈旧或者翻译腔过重的教材。这本书的“第5版”名头可不是白叫的，它展现出了极强的生命力和对当代音乐学习需求的深刻理解。从技术层面上讲，这本书在处理和声分析和配器法介绍时，那种详尽程度令人叹服。它没有停留在对古典时期大师的膜拜上，而是非常恰当地引入了近现代音乐的元素和思考框架，这让整本书的视野显得非常开阔和与时俱进。我特别注意到它对“文化背景”的强调，它明白音乐不是真空产生的，每一段旋律、每一个和弦进行都烙印着时代的印记。比如，它在分析某一时期音乐的“不和谐音”时，会非常巧妙地关联到当时的社会思潮和哲学观念，这种多维度的解读，让音乐的魅力从平面上升到了立体。另外，这本书在论述音乐的社会功能和审美价值时，所采用的哲学思辨角度非常深刻，它不满足于告诉你“是什么”，更引导你思考“为什么会这样”，这对于提升读者的音乐鉴赏层次有着不可估量的帮助。

评分☆☆☆☆☆

天哪，这本《聆听音乐(附光盘第5版)》简直是音乐学习者的救星！我拿到手就忍不住开始翻阅，那种设计感和内容的充实度真的让人眼前一亮。首先要提的是它的排版，简直是艺术品级别。清晰的字体、合理的留白，即便是面对那些复杂的乐理符号和乐谱片段，眼睛也不会感到疲劳。而且，这本书的配图选择非常用心，不仅仅是枯燥的理论图示，还有很多著名音乐家的肖像、不同时期乐器的精美照片，瞬间就把你拉进了音乐的历史长河中。我特别欣赏它在介绍不同音乐时期（比如巴洛克、古典、浪漫）时的那种娓娓道来的叙事方式，它不是冷冰冰的知识灌输，更像是一位资深的音乐教授在跟你进行一次深入的、充满激情的对话。每一个章节的过渡都非常自然流畅，让人读起来完全停不下来，仿佛在读一本引人入胜的故事书，而不是教科书。光是看目录，就能感受到编者对音乐知识体系构建的深思熟虑，知识点的逻辑链条编织得非常紧密，从基础的概念到复杂的曲式分析，每一步都走得扎实而稳健。这对于初学者来说，无疑是建立完整音乐认知框架的最佳向导。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买了很多音乐理论书，但很多都像是干巴巴的工具手册，看完后感觉自己像是多记了几条语法规则，但音乐的“灵魂”依然遥不可及。而《聆听音乐(附光盘第5版)》的独特之处，恰恰在于它对“情感表达”的重视程度。它不仅仅在教你识别音符和节奏，它更是在引导你如何去“感受”音乐。书中对作曲家创作意图的揣摩，对特定段落情绪张力的捕捉，简直是教科书级别的示范。比如，当它分析一段慢板乐章时，文字描述中那种对速度变化、力度渐强的微妙处理的细致描摹，仿佛能让人在脑海中直接“听见”了那个情感的潮起潮落。这种细腻的笔触，极大地培养了我的同理心和共情能力。我发现，自从开始认真研读这本书后，我在听音乐会时，注意力不再仅仅集中在某个乐器上，而是开始关注整个宏观的结构和细微的对话，这简直是质的飞跃。这本书真正做到了，让理论服务于体验，让学习过程本身也成为一种美好的艺术享受。

评分☆☆☆☆☆

我得承认，我是一个非常挑剔的读者，尤其是对于那些厚重的学习资料。但这本书给我的感觉是“厚而不重”，内容丰富却毫不拖沓。它的章节结构安排得就像一个精心设计的迷宫，每一个岔路口都通往更精彩的发现。最让我印象深刻的是它在处理不同乐器组的介绍时，那种兼顾全面性和深度的平衡把握。它既没有简单地罗列乐器家族的名称，而是深入探讨了特定乐器在不同时期音乐中的角色演变和音色特点，这对于想深入了解管弦乐配器的读者来说，是极其宝贵的财富。而且，书中的术语解释和索引系统做得非常人性化，当你遇到一个不熟悉的词汇时，可以非常迅速地回溯到概念的源头，查找起来方便快捷。这本教材的实用价值和学术价值是完美统一的典范。它不仅是课堂上的有力工具，更是我个人音乐图书馆中，随时可以翻阅、常读常新的“音乐宝典”。每次合上它，我都会有一种被知识充盈的满足感，迫不及待想再去“听”点什么来验证新学的知识。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我是一个对传统音乐教育方式有点抗拒的人，总觉得那些书本要么过于学术化，要么就是内容零散。但《聆听音乐(附光盘第5版)》完全颠覆了我的认知。它的伟大之处在于，它极其有效地搭建了“理论”与“实际聆听”之间的桥梁。每一次讲到一个新的概念，比如奏鸣曲式或者赋格的特点时，你会发现它会紧接着引导你思考：“那么，在你听过的哪部作品中可以找到这些特征？”这种互动性极强，它逼迫你不能只是被动地阅读文字，而是必须调动耳朵去验证书本上的知识。我最喜欢的部分是它对具体作品的分析，那种深入骨髓的剖析，让人感觉好像手里拿着一把手术刀，可以精确地看到作曲家是如何布局、如何铺陈情感的。它的语言风格非常口语化，但绝不失严谨性，常常会用一些非常生动的比喻来解释那些抽象的音乐术语，这对于我这种非科班出身的人来说，简直是醍醐灌顶。读完某一部分，我立马就会去寻找相应的录音来印证，那种“原来如此！”的顿悟感，是其他任何学习方式都无法替代的。这本书简直是为“耳朵的智力”而设计的。

评分☆☆☆☆☆

纸张太薄了，而且非常软，不喜欢。

评分☆☆☆☆☆

书挺好的

评分☆☆☆☆☆

有待学习

评分☆☆☆☆☆

音质很好，立体声强，下次还要买。

评分☆☆☆☆☆

很好，很好，很好，，，

评分☆☆☆☆☆

物流速度一般，书脊有褶皱，封底脱落，封面险些脱落，但估计也快了。

评分☆☆☆☆☆

对学习了解古典音乐很有帮助。

评分☆☆☆☆☆

好

评分☆☆☆☆☆

非常好，打算这暑假学习音乐，陶冶情操