中国艺术家年鉴：姚鸣京卷 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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陈子游 编

图书标签:

• 姚鸣京
• 中国艺术家
• 艺术年鉴
• 绘画
• 油画
• 艺术作品
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• 文化艺术
• 艺术出版
• 艺术家研究

出版社： 文化艺术出版社

ISBN：9787503949890

版次：1

商品编码：10844505

包装：平装

开本：16开

出版时间：2011-07-01

用纸：胶版纸

页数：293

字数：80000

内容简介

《中国艺术家年鉴：姚鸣京卷》是中央电视台10套节目播出的一集关于中国远征军的纪录片，以中国远征军后人间的交往和他们对远征军资料收集过程为线索，其讲述让人感动。而收集这些鲜为人知的史料的难度亦是可想而知的，其中仅仅因为几幅照片，当事人就要数次远赴美国，与当时援华美军的家属和子女查实求证，搜集的过程实在不容易，因此资料成片委实弥足珍贵。

作者简介

姚鸣京，1959年生于北京，祖籍江苏无锡。现为中央美术学院中国画学院教授、硕士研究生导师、中国美术家协会会员、上海中国画院特聘画师。1982年毕业于首都师范大学美术，学院（原北京师范学院美术系）中国画专业，获学士学位。1982年分配到北京教育学院美术系任教，肉87年进修于中央美术学院中国画系卢沉画室。1890年调入中央美术学院中国山水画教研室任教。

内页插图

目录

学术推荐
序
独寻禅境
闲梦坐忘
清秋悠然
去水相约
澄怀意象
墨韵如梦
隔岸山色
笔墨万象
附录

前言/序言

《中国艺术史纲要：从史前至当代》 一部全景式、深入剖析中国艺术发展脉络的权威著作 本书特色： 宏大叙事与细节聚焦的完美结合： 本书不仅勾勒了中国艺术史的宏观走向和时代特征，更深入挖掘了各个历史时期代表性艺术家的创作思想、技法演变及作品背后的文化密码。 跨媒介、多学科的综合研究： 涵盖了从新石器时代的彩陶、商周的青铜器，到秦汉的雕塑、魏晋的风骨，再到唐宋的辉煌、元明的文人趣味，直至近现代的变革与探索，实现艺术史、哲学、社会学、文献学的交叉印证。 清晰的断代标准与理论框架： 摒弃了传统上以朝代为限的简单罗列，构建了一套以“艺术思潮”和“社会文化背景”为核心的分析框架，便于读者把握艺术风格流变背后的深层驱动力。 大量高清、权威的图版解析： 精选了数千件（套）具有里程碑意义的艺术作品，每一件重要作品均配有详细的图像分析和文献考证，确保学术的严谨性和视觉的震撼力。 --- 第一部分：文明的曙光与轴心确立（史前至先秦） 本部分聚焦于中国艺术的“童年”与“奠基”时期，探讨艺术如何从实用工具中脱胎而出，并逐渐承载起早期信仰与社会秩序的构建功能。 第一章：史前艺术的符号世界与地域性 重点解析了仰韶文化、马家窑文化、龙山文化中陶器纹饰的几何化倾向与宇宙观表达。着重探讨了良渚文化玉器的复杂礼制功能，分析了“神人兽面纹”在早期意识形态建构中的核心地位。讨论了中国北方岩画艺术与萨满教信仰的关联，展示了早期艺术对自然力量的敬畏与模仿。 第二章：青铜时代的权力与宗教 详述商周青铜器铸造技术的飞跃及其与宗法制度的紧密结合。分析了饕餮纹、夔龙纹等狞厉纹饰背后的“神权政治”逻辑。重点考察了礼器、兵器、乐器在不同等级社会中的符号意义，以及西周礼乐制度对后世审美取向的深远影响。 第三章：东方美学的萌芽：先秦雕塑与思想交融 研究了秦汉前对“人”的描绘尝试，例如出土的陶俑、木俑，分析了其朴拙中的生命力。深入探讨了诸子百家思想（如儒家的“中庸”与道家的“自然”）如何开始渗透到艺术的构思与表现手法之中，为后来的文人画奠定了最初的哲学土壤。 --- 第二部分：大一统下的艺术规范与精神升华（秦汉至隋唐） 此阶段标志着中国艺术的成熟与高峰，从对内在精神的表达转向了对宇宙宏大叙事的追求。 第四章：秦汉的雄浑与实用主义的结合 聚焦于秦始皇陵兵马俑群的组织结构与写实主义探索，分析其军事艺术的史诗性。详述汉代画像石、画像砖的叙事功能，特别是“升仙图”等内容，揭示了汉代社会对生死轮回的关注。探讨了此时期书法艺术（隶变）的成熟，以及其如何脱离篆书的桎梏，奠定后世楷书的基础。 第五章：魏晋风骨与文人精神的觉醒 这是本书的重点章节之一。深入剖析了玄学对艺术的冲击，探讨了“魏晋风度”如何在绘画、书法、园林中得以体现。重点分析了顾恺之的“传神写照”理论，探讨了笔墨中“气韵生动”的早期雏形。对书法家如王羲之的艺术成就进行了技术层面的解析，阐明其“尽善尽美”的典范地位。 第六章：盛唐气象：多元融合的艺术高峰 详细考察了唐代长安城的国际化背景对艺术的推动作用。在绘画方面，对比了吴道子的“吴带当风”与周昉的“丰肥饱满”，分析了佛教艺术（如敦煌莫高窟的壁画）在不同时期（北朝遗风至盛唐的饱满）的风格演变。探讨了唐代诗歌与书法的高度统一，以及唐三彩在技术与审美品位上的突破。 --- 第三部分：内向探索与世俗化进程（五代至明初） 随着分裂与重构，艺术的焦点从服务于宏大叙事转向对个体生命体验和知识分子精神世界的关注。 第七章：五代十国的艺术流派与地域特色 考察了南唐、后蜀等地宫廷画院的精细化趋势。着重分析了荆浩、关仝的山水画如何确立了北方山水的雄伟基调，以及董源、巨然开创的“江南烟雨”画法，为元四家的出现埋下伏笔。 第八章：宋代的理性之美与市民阶层的崛起 本书细致梳理了北宋的院体画（如范宽、郭熙）如何将山水推向极致的“全景式”观察，探讨了科学观察（如郭熙的“三远法”）在山水画中的运用。对比分析了宋徽宗的瘦金体书法及其对院体画的审美影响。同时，本书也关注了宋代瓷器（如汝窑、官窑）的温润内敛之美，以及市民阶层对风俗画（如张择端的《清明上河图》）的需求。 第九章：元代的文人画的自觉与精神庇护 此部分深入论述了文人画理论的系统化，重点分析了“士人”身份的艺术自觉。详尽解读了“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）的笔墨语言，阐释了他们如何通过“写意”而非“写形”来表达对时局的隐忍与对个体精神自由的追求。探讨了赵孟頫对复古主义和书法理论的贡献。 --- 第四部分：集大成与观念的碰撞（明清及近现代转型） 此阶段艺术在技巧上达到顶峰，但思想上开始面临来自内部的僵化和外部的冲击。 第十章：明代中期的学院派与市民趣味的平衡 分析了以浙派为代表的院体画对唐宋传统的继承与变异。重点讨论了吴门画派（以沈周、文徵明为代表）如何继承元代文人画的衣钵，并注入更细腻的江南人文气息。探讨了晚明时期，以徐渭为代表的“个性解放”思潮对传统笔墨规范的冲击，以及小说、版画等世俗艺术的繁荣。 第十一章：清代的“正统”与“反叛”的较量 详细对比了“四王”在摹古与集大成方面的成就，以及他们为维护传统画学正统所做的努力。重点分析了以石涛和八大山人为代表的“个性派”如何通过笔墨的变形、章法的奇崛来表达对僵化传统的反抗，并预示了现代主义的某些倾向。 第十二章：西风东渐与艺术的现代性选择（1840年至今） 本书的收尾部分。探讨了晚清以来，中国艺术如何面对西方写实主义、透视学和摄影术的挑战。分析了晚清“海派”对民间和异域元素的吸收。最后，简要概述了近现代艺术教育体系的建立，以及中国艺术家在继承传统与拥抱世界之间的复杂探索历程，为理解当代艺术的多元格局奠定了历史基础。 结论： 《中国艺术史纲要：从史前至当代》旨在提供一条清晰、连贯、富有洞察力的中国艺术发展主线。它不仅是一部艺术史著作，更是一部关于中国文化精神如何在不同历史语境中塑造与表达的思想史。本书通过对大量一手图像资料的严谨解读，帮助读者构建起一个完整、立体的中国艺术知识体系。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书的时候，首先被其厚度所震撼，但翻阅之后发现，这种厚重感并非来自于注水般的废话，而是源于其内容的密度与广度。它仿佛是一部时间机器，不仅带我们回溯了某位艺术家的创作历程，更像是为我们打开了一扇通往特定年代文化思潮的窗口。其中对媒介变迁和技术革新的讨论，与姚鸣京的艺术实践紧密结合，令人深思。例如，书中对早期实验性录像作品的论述，详尽地分析了当时的技术限制如何反过来塑造了艺术表达的风格，这种因果关系的梳理极为精妙。它不仅仅关注“画了什么”或“做了什么”，更深层次地探讨了“为什么是这样做的”，以及“这样做在当时意味着什么”。这种对语境的极度重视，使得这本书的学术价值远超一般的艺术画册，它提供了一种理解艺术作品如何嵌入社会肌理的方法论。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，有点像在进行一次深度的考古发掘工作。它没有用华丽的辞藻去过度包装艺术家的成就，而是冷静、客观地陈述事实，仿佛一位严谨的历史学家在记录一个重要事件的发生过程。我尤其对其中穿插的同期采访片段印象深刻，那些来自不同时期、不同身份的人们对姚鸣京作品的评价，构成了多声部的合唱，使得对艺术家的理解不再是单一维度的，而是充满了张力和辩证。这种多角度的碰撞，让人不禁思考：艺术的价值，究竟是固定不变的，还是随着时间的推移和解读者的变化而不断重塑的？书中对于艺术品市场波动和收藏家群体影响的分析，也触及到了当代艺术生态中商业与纯粹创作之间的微妙平衡，这一点处理得相当到位，展现了编纂者对行业潜规则的敏锐洞察。这是一本真正敢于直面艺术复杂性的作品，毫不避讳其中的矛盾与灰色地带。

评分☆☆☆☆☆

这本书在呈现上，采取了一种近乎散文诗的节奏感，即便是最枯燥的技术说明或档案罗列，也被组织得极具韵律。它成功地避开了传统年鉴的刻板与沉闷，转而用一种更具感染力的方式讲述故事。我特别喜欢其中穿插的几篇关于“失落的展览”的重构，通过详细的现场照片和策展人笔记的复原，读者仿佛身临其境，感受到了那些曾经短暂存在却极具影响力的艺术事件的生命力。这种对“瞬间”的捕捉与“永恒”的记录之间的张力，是全书最动人的部分之一。它提醒我们，艺术史不仅仅是由留存下来的作品构成的，那些消逝的、未被记录的尝试与对话，同样是构成艺术景观不可或缺的一部分。这本书，与其说是在总结成就，不如说是在邀请我们共同参与到对艺术遗产的珍视与重建之中。

评分☆☆☆☆☆

这本书的书名听起来就充满了厚重感，光是“年鉴”二字，就让人联想到对过去一年艺术生态的梳理与总结，而“姚鸣京卷”这个特定的指向，则让人对接下来的内容充满了期待。我一直关注着中国当代艺术的脉络，深知其中错综复杂的现象与流派，因此对于这种试图系统性梳理和记录的出版物，总会报以极大的兴趣。我猜想，这本书必然不仅仅是一本简单的艺术家名录，它更像是一部时代的横截面，通过姚鸣京这位艺术家的视角或作品，去折射出当下中国艺术语境中的某种关键议题。我期望它能提供深入的分析，而非浮于表面的介绍。如果它能做到对艺术创作背后的社会、文化动因有独到的见解，那它就成功了。我非常期待能看到作者如何平衡个体叙事与宏大时代背景之间的关系，毕竟，任何一位重要的艺术家都逃不开其所处时代的烙印。这本书若能提供一个清晰的地图，指引我们理解中国当代艺术的复杂性，那它便具有了极高的文献价值。我希望能从中窥见那些尚未被主流话语充分捕捉的艺术精神的微光。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我最大的感受是，它在结构设计上颇具匠心，绝非那种平铺直叙的传记式作品。它似乎采用了多维度的叙事策略，仿佛搭建了一个由文本、图像和档案构成的复杂迷宫，引导读者自行探索。我特别欣赏其中对创作手稿和早期草图的大量收录，这些“幕后花絮”往往比最终定稿更能揭示艺术家的思维轨迹和挣扎。那些边缘的注释和脚注，信息密度极高，简直是为研究者量身打造的宝库。整体装帧设计也体现出一种克制而有力的美学，纸张的选择、字体的排布，都透露出一种对内容尊重的态度。如果说这是一部学术著作，它无疑是严谨的；但如果把它看作一种艺术品，它又足够具有启发性。它没有试图提供一个“标准答案”式的解读，而是留下了大量的空间供读者去呼吸和思考，这种开放性，恰恰体现了对艺术生命力的尊重。我敢肯定，未来数年内，它都会是相关领域研究者案头必备的参考书之一。