图式与精神：西方美术的历史与审美 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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洪洋，邵亮 著，邵大箴 编

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• 美术史
• 西方美术
• 艺术史
• 审美学
• 图式分析
• 艺术理论
• 文化史
• 艺术批评
• 视觉文化
• 艺术哲学

出版社： 光明日报出版社

ISBN：9787511235992

版次：1

商品编码：11216888

包装：平装

开本：16开

出版时间：2013-02-01

用纸：胶版纸

页数：386

字数：435000

正文语种：中文

内容简介

　　《图式与精神：西方美术的历史与审美》结合审美精神与历史文化演变的分析，以生动的笔触和深刻的视角阐述西方美术的发展历程。从远古时代直至现当代艺术现象，理论结构明晰，叙述清晰晓畅。
　　《图式与精神：西方美术的历史与审美》选题一改一般中文写作的西方艺术史译介式口吻的趋向，一改艺术史教材罗列基本艺术常识、相对枯燥、缺乏明确理论观点的缺憾；本选题结合美术史学界较前沿的学术成果，对于西方艺术史的历史演进在技术上、审美上和文化上进行了生动地分析论述，许多视角打破了我们以往对于西方艺术相关话题的种种“刻板印象”。

作者简介

　　邵大箴，中央美术学院教授、博士生导师。
　　
　　洪洋，美术史学博士。
　　
　　邵亮，天津美术学院教授。

内页插图

目录

序论
第一章 创造的黎明——原始、古代的艺术
第一节 走出冰河时代
第二节 尼罗河的赠礼
第三节 在那“两河之间的土地”上
第四节 “走进”荷马史诗
第五节 光荣属于希腊
第六节 凯旋地中海

第二章 信仰的时代——中世纪的艺术
第一节 极目天国
第二节 早期基督教时代
第三节 金色拜占庭
第四节 浮出“黑暗”
第五节 罗马式时代
第六节 哥特式时代

第三章 人的觉醒——文艺复兴时期的艺术
第一节 文艺复兴与人文主义
第二节 关于“晚期哥特式”
第三节 意大利早期文艺复兴
第四节 意大利盛期文艺复兴
第五节 样式主义及其他
第六节 北方文艺复兴

第四章 从天国到凡尘——17世纪、18世纪的艺术
第一节 巴罗克的诞生
第二节 巴罗克在佛兰德斯、西班牙和法国
第三节 市民艺术的崛起
第四节 进入罗可可
第五节 走向世俗的时代

第五章 变革与传统——19世纪的艺术
第一节 新古典主义
第二节 浪漫情怀
第三节 现实的呼唤
第四节 印象主义
第五节 印象主义之后
第六节 世纪末之梦

第六章 我们的时代——20世纪的艺术
第一节 现代艺术的产生
第二节 现代艺术的拓展
第三节 抽象问题
第四节 怎样画与画什么
第五节 战后的艺术
第六节 广阔的现实
主要参考书目

精彩书摘

　　早在明清之际，西方近代造型艺术就为中国人所接触。那时，人们对它的认识应该说是相当肤浅的。这是因为，传到中国的西洋画大多是服务于传教目的的宗教画，水平高超的不多；有深厚文化艺术传统的中国人，长期受中国画熏陶，又因为长期与西方处于隔绝状态，对西画很陌生，还有一种天然的“抗拒力”。在这种情况下，中国人对西画的看法不可能是全面和客观的。郑午昌编著的《中国画学全史》说，清士之论西洋画者，大概为邹一桂所言：“西洋人善勾股法，故其绘画于阴阳远近，不差锱黍。所画人物屋树，皆有日影，其所用颜色，与中华绝异。有影由阔而狭，以三角量之。画宫室于墙壁，令人几欲走进。学者能参用一二，亦著体法。但笔法全无，虽工亦匠，故不入画品”①。邹一桂把西洋画法概括为三个方面：立体写实、远近透视、明暗效果。当然，这三个方面是相互关联、不可分割的，目的是为如实地描绘。他认为参用西画方法之一二，是可以的；但用了西法，没有了笔法，即使画得再认真、再工整，也不能人“画品”，即没有品位。很明显，这里说的所谓画品，是中国画的画品，是中国人的评画标准。广泛地说，画画不论中西，均是注重品格或品位的。中西绘画的品格和品位，既有共同的、共通的一面，也有相互不同的一面。此外，即使是共同的、共通的一面，中西人们也有相互接触和彼此认识与理解的过程，不可能一下子便认识到对方艺术中那些与自己相同的方面，更不用说其中的全部奥妙。邹一桂说，西画之所以不入画品，是因为无笔法。其实，西画也有笔法，只是笔法与中国画不同而已。西画的笔法，也是用笔、用刀和用其他工具在画面上涂、抹、刮、擦造成的，涂、抹、刮、擦的轻重缓急，各种不同工具及画笔，粘附着色彩，在画面上所做的种种痕迹和效果，所制造出来的点、线、面和色调，乃是西画的“笔法”。但中国人看惯了传统的中国画，看不惯西画的这种笔触及笔法，便认为它无笔法而加以贬抑。郑午昌说得好：“其实西洋画亦自有其笔法，不过与中国画法不相入耳。”②
　　邹一桂之所以对西画作如此评价，是因为在清代西画之风在中国开始盛行，对中国绘画产生影响，并引起激烈的争论。“清代绘画，受西风者，不外三派：或取其一节以陶熔于国画，如吴演山画间有之；或取国画法之一节以陶熔于西画中，如郎世宁画常有之；或竟别国画西洋画为二派，对垒相峙，则在清季有所谓新旧画派之纷起见也。”③
　　西画与中国画的恩恩怨怨，从那时到现在，一直没有停止过，两者的矛盾时紧张时松驰，时激烈时缓和。中国人一时间尊西画而抑传统绘画，而一时间又抑西画独尊传统。自然，其间有清醒认识的不乏人在。从这些恩恩怨怨中，我们似乎感觉到，只有透彻地认识艺术创造的真谛与规律，只有透彻地认识中国艺术和西方艺术之奥妙，才能对这两种类型的艺术有较为客观、科学和正确的评价。因为，不仅是我们中国人在认识西洋艺术方面有偏差、有偏见，西方人在认识中国艺术时，也有许多偏差和偏见，就是像黑格尔这样的大学问家也在所难免。黑格尔说：“中国人之所以在黑白二色方面经营，是因为不懂色彩，在色彩与色调方面缺乏才能。”不用说，黑格尔接触的中国绘画太少，也没有看见过像敦煌壁画这样色彩斑斓的艺术品，这是其一；他不懂得中国绘画在元明清期间发生的变化，文人画崛起，水墨画成为正统，形成中国绘画的另一系统，此乃其二。黑白交响，是中国水墨有别于西洋绘画的一大特色。在这特色中，有它的优势：单纯、精练、含蓄、有哲学意味；也有它的不足：雅了些、文了些，缺少了一些平民气和人间烟火味。世间一切事物难求完善和完美无缺。上帝是公平的，把油画的发明权交给了欧洲人，而把水墨画的创造授予中国人。与油画表现语言相吻合的是欧洲哲学、美学、音乐，甚至地理、自然环境；而与水墨画相适应的则是中国的儒、道、佛思想，是中国的山水与自然。这还不是事实的全部。甚至欧洲和中国近数百年来的社会历史，也为这两个不同的画种创造了条件。欧洲的工业文明与科技进步观，各种社会、政治、文艺思潮的波澜壮阔，为写实油画发展提供了极大的发展空间；而中国自宋之后，封建制度对知识分子的思想禁锢与束缚愈来愈严，文人受儒、道、佛思想影响，出世之风盛行，好清逸、好隐避，陶治于山村田野，养情于山水，所以中国的水墨山水画特别发达；而在欧洲，为社会服务的人物画则一直处于繁荣状态。总之，西洋油画为世界艺坛上一大体系，而中国艺术为另一大体系。在各自的大体系中，又有不同的派别、支系。现在暂且不说这两大体系中的派别与支系，只说这两大体系最主要的差异是什么？明了这些差异，方能知己知彼、互相尊重、互相学习与借鉴。
　　……

前言/序言

好的，这是一份关于另一本虚构图书的详细简介，字数约1500字，旨在深入探讨特定领域，同时避开您提供的书名主题： --- 书名：《迷失的文明：亚特兰蒂斯失落的遗产与神话的考古学》 作者：阿德里安·凡·德·霍夫（Adrian van der Hoff） 译者：李明（Li Ming） 出版信息： 出版社： 寰宇史学出版社 初版年份： 2024年 装帧： 精装，附插图、地图与考古发掘报告译本 ISBN： 978-1-23456-789-0 图书简介： 在人类历史的长河中，鲜有哪个传说比亚特兰蒂斯（Atlantis）更引人入胜、更令人魂牵梦绕。它不仅是一个关于失落国度的故事，更是一面映照着人类集体潜意识中对完美、智慧与毁灭的复杂情感的镜子。阿德里安·凡·德·霍夫的这部巨著《迷失的文明：亚特兰蒂斯失落的遗产与神话的考古学》，并非简单地重述柏拉图的对话，而是以一种跨学科的、近乎侦探式的严谨态度，对亚特兰蒂斯的神话源头、其在不同文化中的演变，以及现代科学与考古学如何试图“定位”这个失落之地进行了史无前例的深度挖掘。 本书的核心论点在于：亚特兰蒂斯的故事，无论其是否对应一个真实的地理实体，都是理解古代世界观、技术认知极限以及早期全球联系的钥匙。作者挑战了将亚特兰蒂斯简单地视为“乌托邦”或“海底废墟”的刻板印象，转而探讨其作为一种“原型叙事”的生命力。 第一部分：文本的剖析与神话的诞生 凡·德·霍夫首先将焦点投向了文本本身。他并未将柏拉图的《蒂迈欧篇》和《克里蒂亚斯篇》视为无可辩驳的历史记录，而是将其置于古希腊哲学与政治思辨的复杂语境中进行审视。作者细致地分析了柏拉图构建这个故事的目的——是作为一种修辞学的工具，用以对比理想城邦雅典与腐朽的海上帝国，还是源于更早的口头传统？ 他引入了对地中海东部与北非古老文献的交叉比对，探讨了如埃及的“海人之族”传说、腓尼基的航海记录，以及早至青铜时代晚期的地质灾难记录。通过这些看似不相关的碎片，作者重建了亚特兰蒂斯神话的“前史”，揭示了它如何从零星的灾难记忆和文明冲突的阴影中凝结成型。 第二部分：地理的追寻与地质学的辩论 本书的后半部分转向了地理学和地质学的严格考证。凡·德·霍夫摈弃了那些基于非科学猜想的“热门地点”清单，而是专注于那些拥有明确地质证据支持的候选区域。他花费了大量篇幅，客观地评估了以下几个关键理论： 1. 大西洋中脊与亚速尔群岛的火山活动说： 探讨了板块构造学说对“沉没大陆”概念的修正，以及深海沉积物中可能存在的史前人造结构证据（或缺乏证据）。 2. 地中海与爱琴海的“米诺斯海啸”假说： 重点分析了塞浦路斯（Santorini）米诺斯文明的毁灭，并对比了其文化发展模式与柏拉图描述中的“岛屿帝国”特征的吻合度。作者特别关注了火山口爆发的精确时间，以及它与古埃及编年史的交叉印证。 3. 黑海大洪水与里海边缘的沉积学证据： 深入探讨了冰期末期全球海平面上升如何重塑了沿海文明的记忆，以及黑海在特定时期是否可能成为一个被遗忘的“内陆海洋帝国”的遗址。 凡·德·霍夫的独特之处在于，他不仅仅罗列了理论，而是以一名资深地质学家的视角，评估了每个假说所需的能量输入（即造成灾难所需的规模）与现有地质记录的匹配度，最终得出了一个审慎的结论：寻找一个完全符合柏拉图描述的“亚特兰蒂斯”可能徒劳无功，但其核心的原型——一个高度发达的、毁于自身傲慢的沿海文明——在青铜时代晚期的地中海确实存在过多个实例。 第三部分：亚特兰蒂斯的精神回响 本书的最高潮部分，探讨了亚特兰蒂斯传说如何跨越数千年，渗透到西方乃至全球的文化肌理之中。作者分析了文艺复兴时期对“失落的黄金时代”的想象、启蒙运动时期对“原始理性社会”的构建，以及二十世纪以来科幻文学和神秘学对亚特兰蒂斯的挪用与重塑。 他审视了二十世纪初期的神智学运动（Theosophy）如何将亚特兰蒂斯提升到“根种人”（Root Race）的高度，以及这种精神化的解读如何影响了现代对“高阶文明”的想象。作者认为，亚特兰蒂斯不再是一个地理概念，而是一个“文化逃逸舱”——在现代社会面临危机时，人们总会回望这个虚构的、拥有完美秩序的过去，以寻找解决当下困境的线索。 本书的价值 《迷失的文明》是第一本真正意义上将古典文献学、构造地质学、考古解释学和文化人类学熔于一炉的著作。它不承诺“发现亚特兰蒂斯”，而是承诺理解“为何我们如此渴望发现它”。凡·德·霍夫以其宏大的视野和无可挑剔的学术功底，为所有对古代技术、文明的兴衰周期以及人类对“完美失落之地”的永恒迷恋感兴趣的读者，提供了一份既扎实又富有启发性的导览。 它迫使读者重新思考历史记录的可靠性，以及神话在塑造我们对“文明”这一概念的理解中扮演的不可或缺的角色。对于历史学家、考古学家、神话研究者，以及所有对人类文明的边界与极限感到好奇的普通读者而言，本书都是一份不可或缺的深度阅读材料。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计和排版真的很有品味，那种古典与现代的结合让人眼前一亮。我尤其欣赏封面选用的那种略带粗粝感的纸张质地，以及内文的字号和行距都拿捏得恰到好处，读起来非常舒适。在阅读过程中，我常常会停下来细细品味那些精心挑选的插图，它们的印刷质量简直无可挑剔，色彩还原度高，细节纹理清晰可见，这对于一本探讨视觉艺术的书籍来说至关重要。作者在叙述某些重要艺术流派的演变时，会巧妙地穿插一些艺术家的传记片段，使得冰冷的历史脉络瞬间鲜活起来，仿佛能透过文字感受到那些大师们在创作时的心境与挣扎。尽管内容涵盖了漫长的时间跨度，但整体的结构布局非常清晰，每一章节的过渡都自然流畅，不会让人感到信息过载，这显示出编纂者深厚的学术功底和对读者体验的充分考量。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验可以说是酣畅淋漓，但又不失沉静的反思空间。它不像某些艺术史著作那样追求面面俱到，而是进行了一种精妙的取舍，专注于那些真正具有里程碑意义的转折点进行深度挖掘。我发现，在描述巴洛克艺术的戏剧张力时，作者使用的词汇充满了画面感和动感，读起来仿佛能听到音乐的激昂和灯光的闪烁，文学性与学术性达到了完美的平衡。最难得的是，它引导读者跳出仅仅“欣赏”艺术品的层面，去思考艺术在构建一个文明的身份认同中所扮演的核心角色，这种宏观的视角极大地提升了阅读的价值感。我合上书本时，脑海中浮现的不是一堆名字和日期，而是一幅幅不断流动、互相影响的文化长河的景象。

评分☆☆☆☆☆

这本书在学术深度上做得非常扎实，但语言风格却出乎意料地具有吸引力，完全没有学院派作品常有的那种晦涩难懂的弊病。作者擅长使用类比和反问的方式来引导读者的思考，使得原本可能需要大量背景知识才能理解的概念变得触手可及。例如，他对抽象表现主义中“行动”的强调，不仅仅停留在技法层面，而是上升到了对主体性危机的哲学探讨，这使得这本书的受众群体明显扩大了。我个人认为，对于任何希望系统性、非功利性地理解西方艺术脉络的读者而言，这本书都是一本极佳的入门或进阶读物，它提供的知识密度很高，但消化起来却不费力，全赖于作者高超的叙事技巧和对主题的精炼把握。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我惊喜的是，它不仅仅是枯燥的“年代+风格+代表作”的罗列，而是真正深入到了西方艺术的“精神内核”层面进行探讨。作者的笔触充满了哲思，他善于从看似毫不相关的文化现象中捕捉到艺术思潮的萌芽与转向，比如，他将某个时期的建筑风格变化与当时的社会阶层结构变迁联系起来分析，视角非常独特且富有洞察力。阅读过程中，我感觉自己像是在跟随一位博学的向导，穿梭于历史的迷雾之中，他总能在关键节点指出那些被主流叙事忽略的细节。而且，书中对那些抽象的美学概念的阐释，比如“崇高”与“优美”的辩证关系，处理得非常到位，既有理论的深度，又不失通俗易懂的表达，极大地拓宽了我对艺术鉴赏的理解边界。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我对西方艺术史的了解一直停留在碎片化的印象阶段，但读完这本书的开篇部分后，那种模糊的轮廓一下子清晰了起来。作者构建了一套非常严谨的分析框架，尤其是在讨论文艺复兴时期的人文主义如何渗透进绘画技法的那几章，逻辑链条是那么紧密有力，让人不得不佩服其构建知识体系的能力。我特别欣赏作者在处理不同文化冲突和融合时的那种中立而深刻的笔法，他没有简单地用“进步”或“落后”来评判，而是力求还原历史现场的复杂性。书中的论述逻辑严密，引用的文献和理论支撑扎实可靠，让人在阅读时油然而生一种信服感，仿佛每一步推导都是坚实的学术论证，而非随意的个人臆断。

评分☆☆☆☆☆

真的是一本值得一读的好书

评分☆☆☆☆☆

内容丰富，资料全面。了解艺术史不错。

评分☆☆☆☆☆

京东发货速度就是快

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

17世纪出现的一个新现象。法兰西人作为拉丁民族，是古罗马的继承人。在政治上罗马帝国始终是法兰西人心目中的光辉的榜样。“帝国”这个响亮的称号是当时法国统治阶级所心醉神迷的。他们想在法兰西的土地上恢复古罗马帝国处在奥古斯都时代的那种宏伟的排场，在文艺上也很想效仿古罗马的风格。所以说，法国古典主义的原型是拉丁古典主义。法国的17世纪被称为路易十四时代，这位称霸欧洲的君主不忘建立统一的官方艺坛。为国王及其统治集团服务的艺术，把古代和当时的思想、天主教和世俗的思想兼收并蓄，并让现实描写带上神话的外表。它崇尚古典精神，表现出严整、高贵、酷爱秩序的特点。他们以希腊、罗马为典范。套用马克思所提到的一句话来说，法国古典主义就是穿着古罗马的服装，用借来的语言，上演世界历史的新场面。

评分☆☆☆☆☆

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还不错

评分☆☆☆☆☆

不知道和之前的老版是不是一样的 但是里面也有图像分析 以复兴古希腊罗马艺术为旗号的古典主义艺术,早在17世纪的法国就已出现。一直延续到19世纪初叶，成为欧洲文学艺术的主要思潮。所谓古典主义，就是以古希腊、罗马的文学艺术为典范而得名。到了18世纪中叶，庞贝城的发掘，德国学者温克尔曼美学思想的传播，引起了人们对古典主义的兴趣，古典主义又重新复兴起来，故称新古典主义

评分☆☆☆☆☆

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